Tudo flui - Günter Braunsberg
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Tudo flui - Günter Braunsberg
Tudo f lui Tudo f lui 2 Tudo flui 20 ANOS PONTE CULTURA (INSCRITA NO REGISTRO DAS ASSOCIAÇÕES ALEMÃS) 4 Indice 008 Passado, Presente – Futuro Peter Stüve 010 Arte e Vida 064 Amor Alícia Pardo Fernanda Amalfi Berit Klasing Leila de Sarquis 072 Fonte /Infância TEVAUHA Diego Ponder Pat Woolham Claudia Vilar Siegbert Franklin 080 Rio/Adolescência Damara Bianconi Margot Delgado Bruno Weiß Maria Villares Marianne Stüve Hugo Fortes Paloma Perez 092 Agua =Vida/Seca = Morte Sarah Wood und Benoît Flamand Selma Daffré Meire Guerra Marianne Stüve Stefani Peter Lise Lobato Coca Rodriguez Helena Carvalhosa Siegbert Franklin TEVAUHA Herbert Rolim Renate Gehrcke Berit Klasing Monique Weissmüller Tudo flui Günter Braunsberg 012 Prólogo 014 Identidade Cultural e Arte Contemporânea Oswaldo Forty Angelo Milani Gabriele Olesch 022 062 Arte é Arte Fernando Durão Erik Koch Newman Schutze 030 Tendências posteriores às modali dades clássicas da Arte 032 Desenho Cris Rocha Arnaldo Battaglini Edith Derdyk Maria Villares 040 Pintura Stefani Peter und James Kudo Annette Rollenmiller Renate Gehrcke Carola Dewor Margalho Açu Fred Ziegler 054 Escultura, Plastica, Artes Visuais Clemens Heinl Izer Campos Ana Cristina Mendes Titelbild: Peter Stüve, Rio Muaná Ilha Marajó 116 Tempo Limites da Vida / o infinito das ideias Patricia Furlong Bernardo Krasniansky Stefani Peter Liz Miller Gerlinde Pistner Wilson Netto Fernanda Amalfi Chico Penteado Jürgen Braun Rita Kriege Amarie Bergmann Gerlinde Pistner 134 156 Poder d’Água / Poder da Vida Maira Ortins Sissi Fonseca Edith Derdyk Lisa Haselbek Muriel Maire Margot Delgado Fernanda Amalfi Nathalie Fari Klaus Treuheit Marianne Stüve Andrea Altemüller Epilogo 158 158 160 162 165 166 171 Textos de duas decadas Inga Thieme Melting pot das culturas,, 1991 Storias do Jaguár Água – Fonte da Vida, 2007 Evolution und Kulturentwicklung im Süden Frankreichs, 2007 Temos que aprender s /por experiência?, 2008 Panta rhei, 2009 172 Workshops e exposições 1989-2010 180 Novas Pontes Fernanda Proença Susemihl 183 Ponte Cultura Artistas 188 Impresso 6 Tudo flui 20 ANOS PONTE CULTURA (INSCRITA NO REGISTRO DAS ASSOCIAÇÕES ALEMÃS) 8 Ponte Cultura e.V. (INSCRITA NO REGISTRO DAS ASSOCIAÇÕES ALEMÃS) Passado – Presente – Futuro Há mais de vinte anosD3RQWH&XOWXUDVHGHGLFD $PpULFDV/DWLQDVHP6mR3DXOR 2VLQ~PHURVSURMHWRVGD 3RQWH&XOWXUDQmRSRGHULDPWHU VLGRUHDOL]DGRVFDVRQRVVRVVyFLRV SHVVRDVItVLFDVÀUPDVHLQVWLWXL o}HVS~EOLFDVQmRWLYHVVHPGDGRR GHYLGRDSRLRPDWHULDOHLGHDODHVWD LQLFLDWLYDGHLQWHUFkPELRFXOWXUDO DOHPmREUDVLOHLUR4XHUHPRVDSUR YHLWDUDRSRUWXQLGDGHDTXLSDUD DJUDGHFHUFDORURVDPHQWHDWRGRV TXHQHVWHVDQRVQRVDFRPSDQKDUDP FRPVXDDMXGDHVHXLQFHQWLYRH GL]HUTXHFRQWLQXDPRVFRQWDQGR FRPRHQJDMDPHQWRGHWRGRVQRIX WXUR(VSHFLDODJUDGHFLPHQWRFDEH DTXLD+DQV*HRUJ*HLVSUHVLGHQWH GR*UXSR*HLVi6HFUHWDUtDGD &XOWXUDGDFLGDGHGH1XUHPEHUJH QDWXUDOPHQWHWDPEpPDRSHTXHQR PDVHIHWLYRFtUFXORGRVVyFLRVGD 3RQWH&XOWXUD8PHVSHFLDOREULJD GRWDPEpPDRVDUWLVWDVHjVDUWLVWDV TXHVHHQJDMDUDPQDVLQLFLDWLYDV GD3RQWH&XOWXUDHGHVWDIRUPD OHYDUDPDGLDQWHDFRPXQLFDomRHR LQWHUFkPELRFXOWXUDOHQWUHD$OHPD QKDHR%UDVLOUHVSHQWUHD(XURSD HD$PpULFD/DWLQD(VWDPRVFHUWRV GHTXHLQ~PHURVDUWLVWDVREWLYHUDP WDPEpPLPSRUWDQWHVLPSXOVRVH DSRUWHVSDUDVHXSUySULRGHVHQYRO YLPHQWRDUWtVWLFRDRORQJRGHVHX WUDEDOKRHPFRQMXQWRFRPD3RQWH &XOWXUD DRLQWHUFkPELRFXOWXUDODOHPmREUDVLOHLUR$R ORQJRGHVWHVDQRVIRUDPRUJDQL]DGRVPXLWRV HYHQWRVFRPRZRUNVKRSVFRPDUWLVWDVSURMHWRVGH H[SRVLo}HVFRQFHUWRVGHP~VLFDFRQWHPSRUkQHD SHUIRUPDQFHVHOHLWXUDGHWH[WRVSRUVHXVDXWRUHV 1RVVRROKDUVHPSUHHVWHYHYROWDGRDRSURMHWR HVSHFtÀFRHPDQGDPHQWRQRPRPHQWRDRPHV PRWHPSRGHVHQYROYHQGRLGHLDVHSODQHMDPHQWRV SDUDIXWXURVSURMHWRV$JRUDQRHQVHMRGRMXELOHX GHYLQWHDQRVGHDWLYLGDGHVGDQRVVDDVVRFLDomR JRVWDUtDPRVGHUHGLUHFLRQDUQRVVRROKDUDRSDV VDGR$RLQYpVGHVHJXLUDGLDQWHDSUHVVDGDPHQWH SDUDUXPSRXFRHUHYHUHPUHWURVSHFWLYDDTXLOR TXHIRLDOFDQoDGRLVVRQRVSDUHFHSHUWLQHQWHHHP WHPSRGHVHUIHLWR2KLVWRULDGRUGHDUWH*QWHU %UDXQVEHUJHPFRQMXQWRFRP0DULDQQH6WYH IRLLQFXPELGRGHH[DPLQDUHDYDOLDURVGDGRV HHYHQWRVEHPFRPRVHOHFLRQDUDVDPRVWUDVGH DUWLVWDVHREUDVSHUWHQFHQWHVDHVWHSHUtRGR)RL DVVLPTXHRKLVWRULDGRURSWRXHPQmRVHSDXWDUQD FURQRORJLDGRVHYHQWRVQHPVHDSRLDUQDRUGHP DOIDEpWLFDGRQRPHGRVDUWLVWDVPDVDRFRQWUiULR UDVWUHDUDIRUoDHDYLYDFLGDGHGD3RQWH&XOWXUDH ID]HUMXVDHODVRUGHQDQGRDVREUDVTXHVXUJLUDP DRORQJRGHWRGRVHVWHVDQRVjVHPHOKDQoDGH XP¶ULRGDYLGD·1DSUHVHQWHSXEOLFDomRDOJXQV LPSRUWDQWHVWH[WRVGH,QJD7KLHPHIXQGDPHQWDP DUHWURVSHFWLYDDVVLPRUGHQDGDGHIRUPDDOWD PHQWHVXEMHWLYD,QJD7KLHPHpDQWURSyORJDHP 6mR3DXORHDMXGRXDIRUPXODUDVEDVHVWHyULFDV GD3RQWH&XOWXUDGHVGHRVHXLQtFLRFRQWULEXLQGR SDUDWDQWRFRPDOJXPDVLGHLDVFHQWUDLV)HUQDQGD 3URHQoD6XVHPLKOFRPSOHPHQWDHVWHOLYURGHDUWH FRPVHXROKDUYROWDGRHPGLUHomRDRIXWXURe Peter Stüve, 1. Presidente VXDWDPEpPD¶2OKRQ·ÉJXD·QR0HPRULDOGDV lado oposto: excursão Workshop “Sambaqui”, Mata Atlântica, Rio/ Santos, Peruíbe, 1989 10 Tudo flui Günter Braunsberg Prólogo 7H[WR*QWHU%UDXQVEHUJ 7UDGXomR,QJD7KLHPH 12 ,QLFLDFRPDQDVFHQWHQDVFL PHQWR'HVHQYROYHVHGRULDFKR PXUPXUDQWHTXHVDOWDGRPRUUR LQIkQFLDWRUQDQGRVHXPULR MXYHQWXGHHVHPSUHUHFHEHQGR QRYRVDÁXHQWHVQHOHGHVHPER FDQGRYLUDXPJUDQGHULRPDWX ULGDGHTXHÁXLODUJDHPDLVRX PHQRVYDJDURVDPHQWHSHUPLWLQGR DFRQWHPSODomRGDVVXDVPDUJHQV TXHQmRPDLVSDVVDPYRDQGRFRPR QRVDOWRVHEDL[RVGRVWRUPHQWRV GRULDFKRVHOYDJHP4XDQWRPDLV FDOPDVHHQFRQWUDDVXSHUItFLHGD iJXDWDQWRPDLVVmRUHÁHWLGDVDV PDUJHQVHRDPELHQWHFLUFXQGDQWH /X]HVRPEUDSRGHPSDVVDUDWp RIXQGR2ODJRDYHOKLFHWHP DÁXHQWHHHVFRDPHQWRPDVHOH PHVPRQmRÁXLRXTXDVHTXHQmR 1RÀQDOGRSHUFXUVRGDiJXDR PDUDPRUWH$VRQGDVHUJXHPVH $´,QVWLWXLomRµVHWUDQVIRUPRXPDVWDPEpPRV FRPSRGHURVDOLJDGHIRUoD3RU SDUWLFLSDQWHVVHLQVSLUDUDPQDVVXJHVW}HVHVH RXWURODGRpH[DWDPHQWHDTXLRQGH LQWURGX]LUDPDRSRROGHLQWHUHVVHVHDWLYLGDGHV DiJXDPXGDVHXHVWDGR(YDSRUD FRPXQV3RURXWURODGRVHPRVWURXTXHDSyVR 1XYHQVVHPRYHPVREUHDWHUUD TXHVWLRQDPHQWRLQLFLDOPHQWHGRPLQDQWHGRFRQ &KXYDÉJXDVHMXQWDQRVRORH FHLWRGHDUWHFDGDYH]PDLVVHLQGDJRXDTXHVWmR GHOHQDVFHSDUDFRPRQDVFHQWH GRWHPSRVHXÁX[RUiSLGRRXOHQWRHWDPEpP FRPHoDUXPFLFORQRYR GDUHDOLGDGHHVLPEROLVPRGDiJXD1RWiYHOpTXH DiJXDFRPVXDVWUDQVIRUPDo}HVSRGHVHUFRP SUHHQGLGDFRPRSDUDOHODSLFWyULFDjYLGD 4XDQGRDDQWURSyORJDDOHPm,QJD7KLHPHFRQ VHJXLXQXPZRUNVKRSHQWXVLDVPDUVHLVDUWLVWDV EUDVLOHLUDVDVHRFXSDUFRP´VDPEDTXLµQLQJXpP VXVSHLWDYDTXHHVWD´SHTXHQDµDWLYLGDGHWRUQDU VHLDDIDtVFDLQLFLDOSDUD3RQWH&XOWXUD'D PHVPDIRUPDFRPRXPDIRQWHSHTXHQDHGHVD SHUFHELGDpHQULTXHFLGDSRUDÁXHQWHVHFUHVFH YLUDQGRULDFKRHDWpXPJUDQGHULRDVVLPWDP EpPFUHVFHXQRGHFRUUHUGHGXDVGpFDGDVXPD SRQWHFXOWXUDODSDUWLUGHSHTXHQRVFRQVWUXFWRV FULDWLYRV(ODpPDQWLGDSRUDUWLVWDVEUDVLOHLURVH DOHPmHVHSRUDPDQWHVGDDUWHHHVWDEHOHFHXPD OLJDomRFRPXQLFDWLYDHFULDWLYDHQWUHRVFRQWL QHQWHV(XURSDH$PHULFD´(QWUDPRVQRPHVPR ULRHQmRHQWUDPRVVRPRVHQmRVRPRVµ$DQWLJD LGpLDGH+HUiFOLWRGHL[DVHWUDQVIHULUGHP~OWLSODV PDQHLUDVj3RQWH&XOWXUD3RUXPODGRD,QLFLD WLYDLQVFULWDQR5HJLVWURGDV$VVRFLDo}HV$OHPmR QRDQRGHGHVHQYROYHXVHGHXPHQFRQWUR GHDUWLVWDVDRXWURGHXPZRUNVKRSDRXWURHGH XPDH[SRVLomRDRXWUD 0DVYROWDQGRD´6DPEDTXLµHVWHVPRUURVGHVGH PLOrQLRVDFXPXODGRVSRUKXPDQRVQmRFRQWrP DSHQDVUHOLFWRVGDFXOWXUDFXOLQiULRGLiULDGR SDVVDGRPDVJXDUGDPDLQGDDUWHIDWRVDUTXHROR JLFDPHQWHLQWHUHVVDQWHVEHPFRPRIRUPDVFRUHV HPDWHULDLVTXHSRGLDPVHUYLUGHLQVSLUDomRSDUD RVSUySULRVWUDEDOKRVGDVVHLVDUWLVWDVSDUWLFL SDQWHVGR´ZRUNVKRSGDLQDXJXUDomRµGD3RQWH &XOWXUD2VUHVWRVDUTXHROyJLFRVGRSDVVDGRHD H[SHULrQFLDGHXPWUDEDOKRHSHVTXLVDHPJUXSR OHYDUDPDREUDVDUWtVWLFDVTXHDEULUDPjVSDUWLFL SDQWHVQRYRVFDPLQKRV3RUXPODGRWUDWDYDVH GHTXHVWLRQDUDLPSRUWkQFLDGDVSUySULDVUDt]HV FXOWXUDLVGRDUWLVWDSDUDDDUWHFRQWHPSRUkQHD 3RURXWURIRUDPXWLOL]DGRVHLQWHJUDGRVQRID]HU DUWtVWLFRDFKDGRVPDWHULDLVHSURFHVVRVTXH DQWHULRUPHQWHDLQGDQmRKDYLDPVLGRIRFDGRV SHODVDUWLVWDV(PSRGLDPVHUH[SRVWDVSHOD SULPHLUDYH]HP1XUHPEHUJ%RQQ+DUGWEHUJ &RO{QLD+DPEXUJ+DUEXUJH6WXWWJDUGRVUH VXOWDGRVGRFRQIURQWRFRPRVDPEDTXL$UWHH LGHQWLGDGHWRUQRXVHWySLFRGRVSULPHLURVDQRV GD3RQWH&XOWXUD 7DPEpPDTXL,QJD7KLHPHIRUQHFHXDVLGpLDV ´6HKRMHRFRQFHLWRGH¶DUWH·VHFRPSUHHQGH FRPRFDWHJRULDVXSUDQDFLRQDOQmRVHSRGH HVTXHFHUTXHDDUWHpRSURGXWRGHDUWLVWDVGH KXPDQRVSRUWDQWRTXHFRPRPRUDGRUHVGH GHWHUPLQDGRSDtVHSDUWLFLSDQWHVGHGHWHUPLQDGD FXOWXUDVmRSRUWDGRUHVGHFXOWXUDHTXHDVXD PDQHLUDFXOWXUDOHVSHFtÀFDGHSHQVDUHVHQWLUp PDQLIHVWDFRQVFLHQWHRXLQFRQVFLHQWHPHQWHHP VXDVREUDVeH[DWDPHQWHRyFXORV GDFXOWXUDGRWUDEDOKDGRUDUWtVWLFR TXHGLQDPL]DHFRQVHJXHDJLWDUD XQLIRUPLGDGHGRVWHPDVJOREDO PHQWHDERUGDGRV6REHVWHSRQWR GHYLVWDQmRSRGHVHUGHVLQWHUHV VDQWHSHQVDUDSUySULDLGHQWLGDGH FXOWXUDOµ,QJD7KLHPH%UDVLO² FDGLQKRGDVFXOWXUDV abaixo: excursão Workshop “Sambaqui”, Mata Atlântica, Rio/ Santos, Peruíbe, 1989 14 Identidade Cultural e Arte Contemporânea Este questionamento ao que a Ponte Cultura se dedicou intensamente desde o início, refere-se à importância das proprias raízes culturais para obra e auto compreensao de um artista. A respeito deste questionamento foram escolhidos três artistas especialmente exemplares: Oswaldo Forty, Angelo Milani, Gabriele Olesch. 16 Identidade cultural e arte contemporânea Cabeças, 1997 Oswaldo Forty Os Olhos de Anhangá Desde o começo da Ponte Cultura, Forty pertence ao círculo de artistas que seguidamente participam dos workshops e exposições. As suas obras que criou nos anos noventa e que pertencem aos arredores de sua série “Substrato Humano”, foram expostas em 1992 em Nuremberg e 1996 em Colônia. Em 1998, por ocasião da exposição Arte no Depósito, em Schwabach, entrou em cena os Olhos de Anhangá do seu Meio Ambiente,. Em 2007, a Ponte Cultura apresentou a volumosa coleção Forty de Hans Georg Geis em Nuremberg. Nas obras de Forty aqui reproduzidas aparecem cabeças emergindo do escuro fundo do quadro ou do colorido da superfície artisticamente trabalhada. Olham para o observador ou para além dele feito caveiras ou máscaras. Observam a gente? Alberto Beuttenmüller comentou a respeito em 1996: “Ele tenta, sob inclusão da sensualidade estimulante da tela, estabelecer na sua pintura um jogo de dar e receber nascido de emoções e simultaneamente provocando emoções. Ele desperta seres encantados da memória, de tempos perdidos que surgem da consciência/inconsciente no tempo virtual em que vivemos (Alberto Beuttenmüller: Osvaldo Forty – Arte Contemporânea do Brasil. Academia Thomas-Morus, Bensberg, 1996, p. 8). O Meio Ambiente - os Olhos de Anhangá de Forty consistia de um conjunto de quadros de “Irises”, que estavam pendurados num espaço escuro, apenas iluminados por spots ofuscantes. Os visitantes caminhavam sobre folhas que cobriam o chão, cheiravam mato e foram observados pelos quadros em forma de pupilas, suspensos com fios delgados, análogo ao olhar de Anhangá, entre os indígenas brasileiros do tronco lingüístico-cultural Tupi-Guarani, deusa da caça e da natureza, que despercebida perseguia todo caçador que passava pelo mato. Caso ele matasse um animal que estava com cria, Anhangá o enfeitiçaria e febre, alucinações e loucura seriam as conseqüências. O que sucede com o homem moderno que seguidamente se encontra numa relação questionável com a natureza? Para a arte de Forty, as raízes brasileiras são tão importantes quanto sua auto-compreensão como artista contemporâneo orientado internacionalmente .Ambos os aspectos se fertilizam mutuamente. o olhar, 1998 18 Angelo Milani Floresta mágica 1998 a galeria Arauco de Nuremberg em colaboração com Ponte Cultura apresentou a pintura Floresta Tropical de Ângelo Milani: a cor verde predomina, mas fortes cores coloridas põem nítidos acentos. O observador sente-se transposto à vegetação exuberante da Amazônia: folhagens, flores, talvez também animais escondidos. Seres fantásticos? O quadro leva a um outro mundo e mesmo assim é muito presente como acontecimento das cores. O movimento do pincel permanece visível, experimentável: pontear, sacudir, espalhar pasta colorida. A êxtase das cores impressiona. “Ler, pesquisar, desenhar, mesclar, recortar, costurar, se aproximar, afastar, queimar, secar, alterar, retomar, controlar, deixar de controlar, ser criativo, estes são as forças motrizes mais notáveis deste artista” (Ana Helena Curtis a respeito de Ângelo Milani, vide Internet). Das pinturas bidimensionais da série da Floresta Tropical, Ângelo, a partir de seus experimentos multilaterais, desenvolveu nos anos subseqüentes objetos de arte que muitas vezes permanecem presos à parede feito relevo, mas também podem ocorrer livres no espaço interno ou externo. 2002 a Ponte Cultura mostrou um exemplo destes últimos no pátio interno do antigo Monastério da Santa Catarina de Nuremberg (Journal-Café da Biblioteca Municipal). A Floresta Lúdica convidou para entrar nela. Sobretudo como casa de brincar das crianças encontrou muitos amigos. Nisso se mostra que Ângelo Milani não é apenas aberto às possibilidades de desenvolvimento dentro de forma e definição do quadro, mas que tem também uma grande tolerância em relação ao uso da obra de arte. É isto tipicamente brasileiro? O tema da floresta tropical com seus aspectos mágicos (vide Forty) relacionase Identidade cultural e arte contemporânea com a pátria do artista. Representa um exemplo de sua “identidade”. Por outro lado, a sua arte se vale das tendências internacionais da pintura expressiva e do desenvolvimento da obra de arte em direção objeto e meio ambiente. Identidade cultural e posicionamento dentro da arte contemporânea internacional não precisam necessariamente ser excludentes mutuamente. Floresta mágica, 1997-1998 direito: o habitat do Jaguar, 2005 20 Gabriele Olesch O que é a terra natal? Gabriele Olesch questiona a nossa identidade, no sentido das nossas raízes, tanto do ponto de vista objetivo e histórico quanto do subjetivo e emocional. Parte, para tanto, da sua própria identificação com sua cidade natal Nuremberg. Procedeu de forma quase experimental no seu trabalho em vídeo Reflexion IV, reisen und entdecken [Reflexão IV, viajar e descobrir]. Partiu do centro da cidade, no Hauptmarkt [Praça do mercado] e trilhou os doze caminhos que dali saem em direção à cidade. Durante esta caminhada Gabriele filmou as ruas e as construções - não diretamente, mas de forma indireta. Com ajuda de um procedimento especial de filmagem ela produziu doze vídeos, nos quais o mundo ao redor aparece refletido sobre uma aparente ‘superfície de água’ amorfa. A maior parte das construções arquitetônicas assim retratadas são bastante despretensiosas e pertencem à época da reconstrução da Alemanha nos anos cinquenta e sessenta. No entanto, vez por outra, surgem entre estas construções outras que são emblemáticas na criação da identidade da cidade: Frauenkirche [Igreja de Nossa Senhora], Schöner Brunnen [Bela Fonte], Sebalduskirche [Igreja de São Sebaldus]. A instalação de vídeo, parte integrante da exposição Ponte Cultuta Verflechtungen-Interdependências no castelo de Almoshof, em 2002, permitiu que o espectador se colocasse no centro de doze monitores ali dispostos em círculo e assim se posicionasse no centro dos doze caminhos. A seguir, ao seu redor, os doze vídeos começavam a Identidade cultural e arte contemporânea funcionar simultaneamente, exibindo os diferentes caminhos que iam se distanciando do centro até por fim encontrarem um obstáculo intransponível e pararem. A sequencia mais longa de vídeo terminava após doze minutos quando então todos os monitores recomeçavam a jornada. “A linguagem figurada pictórica promove um clima meditativo (apoiado na reprodução dos baixos ruídos das ruas) pelo qual o espectador se sente atraído. Tanto o estrangeiro como o nativo é assim levado por uma viagem na qual pode descobrir ou reconhecer na imagem da cidade tanto o corriqueiro quanto o desconhecido. Reflexões encontram assim suas trilhas”( Gabriele Olesch, documentação para Reflexionen IV, reisen und entdecken [Reflexões, IV, viajar e descobrir], 2003). Os reflexos na ‘superfície aquática’ tornam-se ponto de partida para reflexões sobre pensamentos e sentimentos. Gabriele Olesch também aproveitou o workshop art in progress em 2002 para se debruçar sobre o conceito de terra natal. Ali a artista então cantou antigas canções do acima: Gabriele Olesch: “Sehnsucht Heimat”, 2002 / Urbano Rocha, Brasilien, Gitarre repertório folclórico e artístico alemão, vestindo um longo vermelho especialmente concebido para esta performance. Distribuiu também textos e partituras aos participantes, convidando-os a cantarem. Um violonista brasileiro, Urbano Rocha, aceitou o convite e com bastante naturalidade criou desta maneira uma ponte entre os participantes alemães e os brasileiros. É provável que estes últimos tenham estranhado bastante a velha cultura musical alemã. As reações mais fortes, no entanto, vieram do círculo dos participantes alemães do workshop. Sobretudo de uma representante da geração de 68, que não tolerou tal manifestação da cultura nacional e pediu sua interrupção. Em função dos eventos históricos recentes da Alemanha, a nossa identidade cultural está rompida em vários pontos e é marcada por recalques e tabus. O movimento modernista internacional ofereceu uma saída oportuna aos artistas e ao público no pós-querra imediato para que se voltassem ainda de forma distanciada e não esclarecida às próprias raízes. Foi somente a partir dos anos sessenta que o questionamento crítico dos acontecimentos históricos passou a fazer parte das atividades de artistas alemães. Até hoje ainda alguns temas continuam sendo de difícil abordagem. A perda de uma continuidade sem rupturas e de um enraizamento natural também pode ser sentida no título saudade terra natal. A procura pela ‘flor azul’ e o seu oposto amarelo Reflexion IV, reisen und entdecken, 2002 22 Arte é Artel e todas as outras coisas são as outras coisas Ad Reinhardt A idéia de que a arte representa uma linguagem supranacional se opõe à concepção de uma identidade cultural diferenciada em cada nação: Fernando Durão, Erik Koch, Newman Schutze. 24 Fernando Durão Arte é forma e cor O quadrado é com frequência o ponto de partida nas obras de Fernando Durão. Neste formato de quadro, a mesma importância é dada para altura e largura. O artista, no entanto, apresenta aqui uma composição de diferentes superfícies, que leva o espectador a se indagar a respeito do tema realmente proposto pela obra: não seria mesmo sobre uma forma de rombo ou sobre elementos retangulares? Por outro lado, as diferentes superfícies são pintadas com especial atenção às nuances de claro e escuro, criando no espectador a impressão de estar diante de volumes cúbicos. Desta forma, o quadro se apresenta em termos óticos como um relevo em três dimensões, permanecendo, porém, completamente bidimensional na sua materialidade de tela pintada. Fernando Durão escreveu o seguinte na introdução da exposição da Ponte Cultura Fora do Plano – Weg von der Wand em 1994: ‘Brasil – Alemanha, dois entre os três palcos de maior importância no cenário mundial das Artes Visuais: Brasil representado pela Bienal de São Paulo - Alemanha representada pela Documenta de Kassel.’ (Fernando Durão, Introdução: Fora do Plano. Weg von der Wand, SESC Pompéia, São Paulo, 1994). Temos aí uma indicação clara de como e onde Fernando Durão posiciona a arte brasileira em geral e a sua própria definição enquanto artista, em particular. Em 1951 ocorreu pela primeira vez a Bienal de São Paulo, inaugurada por Francisco (Ciccillo) Matara- Arte é Arte zzo Sobrinho com o intuito de inserir o Brasil no contexto artístico das metrópoles da Europa e da América do Norte. Trata-se da segunda mais antiga bienal do mundo (a tradicional bienal de Veneza remonta ao ano de 1895). Nas suas exposições a Bienal de São Paulo sempre articula posicionamentos artísticos brasileiros com internacionais. Já na primeira Bienal Max Bill foi agraciado com o Prêmio Internacional de Escultura pela sua obra A unidade tripartida. Geometría Sensível, 1997 Em contrapartida, Bill expôs obras de uma série de importantes representantes do movimento construtivista brasileiro na sua grande exposição em Zurique em 1960 Arte Concreta, arte é arte Geometria Sensível, 1997. Waldemar Cordeiro escreveu em 1952 no manifesto Ruptura: ‘Hoje podemos diferenciar com clareza o velho do novo; rompemos com o velho, e por isso afirmamos: (...) novo é atribuir à arte um lugar específico no âmbito do trabalho intelectual do presente, reconhecendo-a como um meio derivado de um conceito, sobrepondo-a às opiniões e exigindo um conhecimento prévio para sua avaliação.’ Fernando Durão também se alinha à tradição da arte construtivista, definida como uma linguagem artística ‘supranacional’. Participou do ‘workshop inaugural’ da Ponte Cultura, sendo que, logo após a apresentação de Inga Thieme, expôs claramente sua posição contrária aos objetivos do projeto. Assim foi consequente em não participar da atividade ‘investigação no campo’ no areal de escavações. Fernando Durão sempre esteve interessado em uma linguagem artística internacional dentro de uma rede global de arte, independente das raízes nacionais. Em 1955 Arnold Bode fundou a documenta para re-introduzir a Alemanha (ocidental) no contexto das metrópoles internacionais da arte moderna inserção que havia sido abandonada em função da doutrina artística adotada durante o nacional-socialismo. A idéia da abstração como uma linguagem artística internacional foi colocada no centro do projeto da exposição mundial em Kassel. Em 1997 Catherine David clamou pela primeira vez na sua documenta X por uma visão globalizada, estabelecendo, a partir disto, balizas para o surgimento da internacionalizada documenta 11 de Okwui Enwezor. Esta não se fez presente somente em Kassel, mas muito antes, a partir de seu projeto de investigação com suas assim chamadas plataformas: ‘Democracia como processo inacabado’ (Viena, Berlim), ‘Experimentos com a verdade: sistemas jurídicos em transformação e os processos de encontro da verdade e de conciliação’ (Nova-Delhi), ‘Créolitié e creoulização’ (St. Lucia), ‘Sitiadas: quatro cidades africanas: Freetown, Johannesburgo, Kinshaa, Lagos’(Lagos). A questão que a Ponta Cultura se colocava em 1990 a respeito de Arte e Identidade desenrolava-se naturalmente num âmbito bem mais restrito. Ainda assim, é possível traçar alguns paralelos com questões que foram posteriormente levantadas pelas documentas e também com a visão atualmente aceita com naturalidade, de que arte na contemporaneidade não se desenvolve mais somente nos grandes centros internacionais (como Paris e Nova York). Ao contrário, a arte na atualidade recebe constantemente novas contribuições da assim chamada ‘periferia’. A rede social internacional e as diferentes raízes nacionais estão se tornando cada vez mais importantes. 26 Erik Koch Arte é cor e forma Erik Koch pertenceu ao círculo restrito dos colaboradores de Hans Hofmann nos anos cinquenta do século XX. Desta forma, teve oportunidade de participar de perto da entrementes tornada lengendária primeira Escola de Nova York. Ainda hoje nota-se esta influência nos seus trabalhos. Os Colourpoems [poemas em cor] representam certamente seu conjunto de obras mais importante. Eles remontam às idéias do Non-Objective Painting, que haviam sido colocadas em discussão desde os anos trinta em Nova York, sobretudo pela Solomon R. Guggenheim Foundation. O Abstract Expressionism dos anos cinquenta levou a vários desenvolvimentos e posicionamentos. Por exemplo, a pintura de campos coloridos concentrou-se totalmente na força individual que cada cor possui em si mesma e ao inter-jogo ótico e psicológico entre os diferentes campos coloridos posicionados lado a lado e em relação um com o outro. “Cor somente como cor me entedia - não, porém, as possibilidades dadas por este meio. Cada cor tem uma energia própria e, através da forma que lhe dou, ela ainda recebe uma energia a mais, específica.” (Erik Koch, Anotações) O tamanho de cada campo colorido individual e a escolha e o processamento de sua cor determinam a relação com o seu meio e com o formato quadrado do quadro. Cada Colourpoem [poema em cor] tem um equilíbrio próprio de força. Contrastes como grande-pequeno, claro-escuro, campo interno-formato da moldura podem levar a tensões e confrontos internos, que, no entanto, sempre resultam numa totalidade harmônica poética. O tema destes quadros não é a força emergente e de curta duração da vida cotidiana, mas o jogo das Arte é Arte energias que tudo envolve. A relação entre as diferentes forças resulta em uma estrutura universal, que deve ser descoberta na forma e na cor. Os Colourpoems [poemas em cor] nos falam em uma linguagem sem palavras e nos alcançam através de sua presença psíquica imediata. “Meus quadros são o campo de trabalho dos meus pensamentos para alcançar além do visível. O Colourpoem [poema em cor] é o resultado do ser, do amar. A poesia e o amor são valores essenciais da vida”. (Erik Koch, Anotações) No sul da França Erik Koch participou repetidamente dos workshops e das exposições da Ponte Cultura. Como grão-senhor ele enriqueceu o círculo dos artistas participantes com sua já clássica pintura, que fala uma linguagem global, independente do seu lugar de origem e de sua nacionalidade. Colourpoem, 2001-2007 28 Newman Schutze da ação com cores para a forma de quadro A pintura de Newman Schutze baseia-se nos fundamentos da abstração estabelecidos no século XX. Na primeira metade do século passado desenvolveu-se a teoria de que a arte moderna se caracteriza pelo gradativo afastamento da representação dos objetos em direção a uma pintura não figurativa que se dedica totalmente às possibilidades dadas por cor e forma (completamente independente de conteúdos externos à arte). Esta doutrina defendida pelo Museu de Arte Moderna de Nova York de forma mais duradoura e marcante, foi sentida, a partir dos anos sessenta, como muito limitante por alguns artistas. Estes então se voltaram para um novo tipo de figuração na pintura, por exemplo, tomando como tema a propaganda e a cultura cotidiana na Pop Art, ou ainda, desenvolvendo novos ‘tipos’ de arte como a ambiental, a arte em ação e a vídeoarte. Desta forma voltaram a penetrar o campo da crítica à sociedade e da política. É surpreendente, neste sentido, que a pintura desenvolvida a partir das cores não tenha perdido sua relevância e concisão até hoje. Os quadros de Newman Schutze são um ótimo exemplo de um caso assim. O artista desenvolve trabalhos em grande formato abrindo a tela, suporte da pintura, sobre o chão para então fazer a cor trabalhar das mais diferentes maneiras. Joga pigmentos secos ou cor líquida sobre a tela e manuseia-os com grandes pincéis e escovas até que o quadro não somente se torne uma superfície tingida, mas também se ofereça ao espectador com ‘vida’ própria enquanto um corpo pictórico. O campo pictórico pode se abrir para um campo de luz. Traços de desenho podem reforçar os efeitos de pintura. Arte é Arte Pintura gestual e forma clara do quadro levam a um acontecimento com a pintura que inicia uma comunicação com o espectador. Esta troca é idealmente independente da origem e da identidade cultural do artista e do espectador. Serie: Wortwörtlichkeit -Literalidade, 1995 30 Desenho Pintura Escultura Tendências posteriores às modalidades clássicas da Arte Já em 1994, no workshop da Ponte Cultura Weg von der Wand – Fora do Plano, a seguinte questão era discutida: o uso clássico da parede como suporte para o quadro deveria ser mantido e desenvolvido ou, ao contrário, esta utilização deveria ser superada. O resultado natural desta discussão para os artistas da Ponte Cultura foi darem prosseguimento as tendências posteriores às modalidades clássicas da Arte como desenho, pintura e escultura, e também se apropriarem das ‘novas modalidades’ como objetos, performance e vídeo. A seguinte amostra indica a abrangência destas possibilidades: Desenho: Cris Rocha, Arnaldo Battaglini, Edith Derdyk, Maria Villares Pintura: Stefani Peter, James Kudo, Annette Rollenmiller, Renate Gehrcke, Carola Dewor, Margalho Açu, Fred Ziegler Escultura, objetos, vídeo: Clemens Heinl, Izer Campos, Ana Cristina Mendes 32 Cris Rocha da arte gráfica em papel para o desenho em parede No workshop art in progress Cris Rocha escolheu seus próprios trabalhos gráficos em papel como ponto de partida para produzir um desenho em grande formato sobre parede. Uma mudança nas dimensões do trabalho leva também a uma alteração na relação do artista com a obra, e do espectador com a obra. Um trabalho gráfico pequeno pode ser pego nas mãos e com uma mirada pode se obter uma idéia a seu respeito. Já um desenho grande em parede, por outro lado, convida o espectador a um distanciamento, a escolher um detalhe e a um mergulho na obra. Formas de molduras escuras abrem-se para vislumbres de claridade. A ilusão de profundidade aludida contrasta com a percepção áspera da superfície da parede. Os tons de branco, cinza, preto e bege estabelecem um interjogo variado entre si. É justamente o abandono das cores que aumenta a possibilidade de perceber todas as nuances presentes na falta delas. As zonas escuras cuidadosamente colocadas e processadas artisticamente, complementadas aqui e ali com colagens de pedaços de papel tingido, estabelecem um interjogo com as múltiplas e virtuosamente variadas linhas trançadas e sobrepostas. No entanto, o desenho em parede não fica limitado aos seus aspectos abstratos de desenho e pintura. É possível, por exemplo, reconhecer nitidamente um barco com forma de gôndola em um desenho gráfico feito em 2005, a partir de motivos de desenhos em parede de Nuremberg. A alguns espectadores esta imagem remete à idéia antiga de Caronte, que levava os mortos pelo rio Aqueronte, rio que separa nossa vida aqui daquela do além de Hades. Também a novela de Thomas Mann Morte em Veneza e o filme de Lucchino Visconti utilizam a gôndola com este simbolismo. Desenho é desenho, independente do seu tamanho, grande ou pequeno - aqui, porém, o experimento com o formato grande permitiu a Cris Rocha ultrapassar alguns limites e chegar a novas margens. Desenho – o desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte Esquerda: desenho em parede, ainda inacabado, Nuremberg 2002 Grafik / Desenho gráfico, 2005 Großes Wandbild (Detail) / Grande Pintura Mural, 2002 34 Arnaldo Battaglini Linhas à frente da parede criam áreas no espaço Arnaldo Battaglini teve a oportunidade de montar em uma longa parede de exposição três trabalhos lado a lado durante o workshop art in progress em 2002. Estes trabalhos estabeleciam relações entre a parede e o espaço à sua frente, de várias formas diferentes e com ajuda de linhas e áreas. À esquerda, uma escada montada à frente da parede com linhas irritantemente quebradas lembrava o espaço dos cubistas, que há cem anos expandiram a realidade de nossas percepções em direção a novas dimensões. No trabalho do meio, uma moldura alta retangular delimitava uma área que desta forma se destacava do espaço e a colocava em relação com uma área preta pintada sobre a parede. O espectador poderia pensar na moldura de uma porta, que adentrada levaria a um espaço escuro que se abria atrás da parede. Ou então ele poderia permanecer preso em sua percepção objetiva de duas áreas distintas, cuja relação mútua se altera conforme a posição tomada pelo próprio espectador. A imagem do artista que desenha o formato de uma cabeça sobre papel durante a montagem da exposição sublinha esta relação. Arte é arte, no entanto ela se torna viva através do espectador, através da confrontação com o outro ser humano! As linhas pretas e cinzas na frente e sobre a área branca da parede-suporte de quadros inserem os trabalhos de Arnaldo Battaglini na tradição do desenho. No entanto, ele ultrapassa os limites desta modalidade e de quebra parece dar seu depoimento a respeito das idéias formuladas em Weg Von der Wand – Fora do plano da Ponte Cultura em 1994. Contrastando com a simplicidade deste trabalho do meio, apresentava-se a variedade das linhas colocadas e encostadas na parede do trabalho à direita. Aqui o espectador podia perceber as mais diferentes superposições de linhas a partir de diversos ângulos de visão e estabelecer para si o melhor ponto para sua visão. O artista permanecia em pé em meio aos seus trabalhos conforme vemos em uma das imagens aqui escolhidas para esta documentação, indicando assim que as grandes dimensões de seu trabalho se relacionavam com proporções humanas. Desenho – o desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte um jogo do possível e impossível, 2002 36 Edith Derdyk Estender linhas no espaço significa criar volumes Edith Derdyk pertence às artistas brasileiras que participam desde muitos anos de workshops e projetos de exposição da Ponte Cultura. 1995, por exemplo, ela se engajou, por ocasião da ação cultural Sticheleien, trabalhando conjuntamente com Marianne Stueve (Alemanha) e Brenda Lee Baker (Estados Unidos) no espaço público do mercado principal de Nuremberg. A partir de largas folhas transparentes e a ajuda de fitas pretas, formou aí objetos tridimensionais cuja suavidade orgânico-oscilante contrastava propositalmente com os pilares de arenito estáticos do salão nobre, em que os trabalhos recentes foram expostos logo no momento de terminados. Tridimensionalidade no objeto artisticamente formado assim como na arquitetura histórica – contraste enriquecedor. Linhas no espaço tornaram-se nos anos seguintes a marca registrada de Edith Derdyk. No Museu da Caça e Pesca de Munique (1997), numa exposição individual na Casa das Galerias de Nuremberg (1997) e durante o workshop Crossing the Borders (1998) ela mostrou diversas variações sobre o tema. A artista não põe ai linhas pretas na superfície de um papel, antes estende fios pretos no espaço. Mas ainda assim, permanece perceptível o íntimo parentesco com o desenho. A dimensionalidade dual deste muda para a tridimensionalidade do espaço. Desenho – o desenvolvimento ulterior de um gênero de arte. Desenho – o desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte Mais que na situação real da exposição, nas fotos aqui apresentadas, estes trabalhos parecem hachuras desenhadas. Ao contrário disso, no espaço transitável e experimentável ocupado pela obra de arte, o caráter escultural do volume é mais nítido. Desenho, escultura, espaço unem-se para formar uma nova unidade. As fronteiras entre as espécies artísticas se dissolvem. Na onda o papel, que em desenhos constitui material de suporte e fundo de um quadro, tornase material escultural. (v.p. 140) Desenho no espaço, 2002 38 Maria Villares intercambio linear entre 2° e 3a dimensao Maria Villares desenha. Ou cria linhas de tricô no espaço de tal modo que volumes abertos são formados ou, partindo destes objetos espaciais, coloca linhas sobre a área do papel que deste modo torna-se passada de fios tecidos e vira animada. Assim ela concebe a primeira dimensão que é uma linha; a segunda, uma área e a terceira dimensão, um espaço para, com ajuda do desenho, combiná-las a formar um cosmos novo. Desenho – o desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte Serie: Nexus, 2008 40 Stefani Peter / James Kudo ‘pintura clássica’ como ponte entre dois continentes Foi graças a Ponte Cultura que Stefani Peter e James Kudo vieram a se conhecer. Ambos notaram que compartilhavam o mesmo gosto pela pintura clássica na tradição da pintura acadêmica da ‘velha’ arte (além de várias outras atividades artísticas) e, também, que tinham uma maneira de pintar bastante semelhante. Resolveram então desenvolver um conceito de trabalho conjunto intercontinental. Iniciaram uma troca pela internet de imagens que julgavam interessantes como modelos para pintura. Juntos escolhiam a partir destas imagens uma série de motivos que, a seguir, eram trabalhados por cada um deles de forma independente, em um formato de quadro antes combinado. Somente na montagem da exposição entre hemisférios, em 2002, os quadros foram reunidos para serem apresentados em pares. Da dualidade surgiu então uma nova unidade. os artistas, bem como à criação do projeto Aktion -Reaktion / Ação – reação. Neste projeto idéias e matérias eram trocadas pelo correio entre os artistas durante anos, sempre visando novos desenvolvimentos. Neste contexto os artistas Fernanda Amalfi, James Kudo, Selma Daffré, Liz Miller, Coca Rodriguez, Leila de Sarquis e Maria Villares vieram a se definir como grupo central da Ponte Cultura pelo lado brasileiro. Stefanie e James são somente um exemplo, entre muitos outros, de pontes construídas entre artistas pela Ponte Cultura. O workshop Fragmente – Fragmentos, que ocorreu em 1996 em Nuremberg, foi intenso e marcante neste sentido, levando ao desenvolvimento de amizades duradouras entre Pintura – o desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte Serie: Zwischen den Hemisphären /entre hemisférios, 2002 42 Annette Rollenmiller Pintura enquanto ação em cores e domesticação No workshop da Ponta Cultura, no sul da França em 2004, Annette Rollenmiller aproveitou a oportunidade para dar completa vazão a sua criatividade. Escolheu uma tela gigante e preencheu-a com áreas coloridas, elementos de desenho e citações gráficas. Embora tivesse um efeito conturbador para o espectador, no todo ela se apresentava como uma estrutura imagética expressiva! A grande tela foi pendurada horizontalmente entre as janelas do andar térreo e do primeiro andar na fachada da construção que abrigava o workshop. Ali batia ao vento parecendo incorporar a leveza do ser, aqui no Mediterrâneo. Já em outra ocasião, em Nuremberg, a artista prendeu sua tela ‘transbordante’ em uma forma definida, ou seja, forrou um grande cubo com este ‘material de pintura’ e inseriu desta forma seu trabalho em uma longa série de cubos, com os quais se ocupava há muitos anos. Esta série de cubos (resp. quadrados, nos seus trabalhos bidimensionais) são recortes do mundo que nos rodeia – e que frequentemente nos parece desordenado e saturado. Annette Rollenmiller pinça dele elementos individuais (de forma alguma somente elementos de pinturas próprias, mas com frequência também reproduções que encontra) e os ordena nestas precisas formas geométricas de quadrados e cubos. Na Galeria Vicente Leite, em Fortaleza, os pequenos quadrados foram colocados na parede e os cubos foram esparrama- Lado oposto Workshop St. Dézéry, Sul da França, 2004 dos pelo chão, e do teto pendiam qual correntes tiras com restos de recortes, que haviam sobrado da feitura dos cubos. Nada se perde, tudo é guardado, valorizado e utilizado – mas tudo sempre é novamente embaralhado e encontra uma nova forma de estar relacionado entre si. Pintura – o desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte Pintura – o desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte Vagarosidade, 2004 44 Renate Gehrcke Dança se torna desenho, cor se torna pintura ‘No meu trabalho decomponho os movimentos em muitas fases, que se sobrepõem, se complementam e têm continuidade – como em uma filmagem em câmara lenta’ (Renate Gehrcke em entrevista com Inga Thieme, 2008) so de criação faz parte da atividade. É necessário pintar sempre novas camadas ou reiniciar – até que finalmente se instale a certeza: ‘Agora o quadro esta pronto!’ Renate Gehrcke gosta de trabalhar com modelos em movimento. Captura e fixa os traços de movimento e energia nos seus esboços. Força e delicadeza, impulso e retenção fluem nas linhas pulsantes, que a artista coloca no papel. Estes esboços feitos à frente do modelo em movimento parecem verdadeiros instantâneos, caracterizados por espontaneidade e precisão. Não é somente através de ação e dinâmica que o quadro é finalmente encontrado - mas também pela meditação! Em uma série de árvores de grande formato Renate Gehrcke se orienta pelo modelo japonês de pintura em tecido. Cada pincelada deve ser feita somente após uma fase de meditação. Caso não tenha adquirido precisão suficiente, é necessário recomeçar, até que a árvore ou o grupo de árvores se destaque como um poderoso sinal marrom diante do fundo de tela claro. Por outro lado, estes esboços também fornecem idéias para desenhos futuros, que serão então apresentados como obras autônomas e fechadas em si. Para tanto Renate Gehrcke recorre então aos seus próprios estudos e deixa os estímulos provenientes deles desaguarem no seu processo de desenhar e pintar. Afasta-se assim paulatinamente do que era o seu ponto de partida e, ao final do processo de criação, coloca frente aos olhos do espectador o quadro concluído. Quando a artista trabalha sem um modelo e somente a partir de cores, ativa e dinamiza então as forças que o vermelho, o amarelo, o azul, etc. possuem, e junta-as em um todo no seu quadro. A ação expressiva de aplicar a cor no quadro é então seu ponto de partida, na tradição do ‘action painting’. Neste momento o experimento é afirmado. Correr o risco de precisar destruir tudo durante o proces- Desenho e pintura – o desenvolvimento de modalidades clássicas de arte Abaixo: Renate Gehrcke no seu ateliê no workshop em St. Dézéry, 2004 Patrizia, 2004 46 Desenho e pintura – o desenvolvimento de modalidades clássicas de arte Floresta, 2005 Vogelbaum, 2005 48 Carola Dewor Pigmento de cor como material Pensar em pintura nos remete imediatamente aos quadros clássicos da história da arte, cujo políptico é feito com ajuda de cor para, a seguir, ser pendurado na parede. Em oposição a isto, Carola Dewor seguiu firmemente o convite da Ponte Cultura em 1994, Weg von der Wand – Fora do plano, e colocou seus pigmentos de cor diretamente no espaço da sala de exposição. Em Travessia – Übergänge ela aproveitou a grande área de exposição à sua disposição para demarcar um campo estreito em azul sobre o solo. Usou também um carrinho de mão, que emprestou da feira que acontecia no burburinho do lado de fora na cidade, e colocou-o sobre o campo colorido, definindo assim este campo como um caminho. O jogo de cores provindo do carrinho de mão, sobretudo de uma grande área destacada em azul, desta forma se colocava em relação com o azul do caminho. Isto, por sua vez, nos lembra Yves Klein, que fez da cor azul a ‘sua’ cor, depois de ter absorvido em si de maneira bem consciente a cor azul do céu. Travessia – Übergänge talvez possa ser interpretada aqui também em um sentido de transcendência. A mudança de lugar, da feira para o museu, transforma algo cotidiano e mundano em um veículo celestial. A própria artista vê no carrinho, que permanece no caminho sem deixar pistas, um sinal de um estado de espera, de esperança e de anseios. Na exposição Weg von der Wand Fora do Plano a cor foi ainda mais insistentemente interrogada e definida pela artista. Aqui a cor se apresenta como uma cor-material, como uma montanha de pigmentos de cor. Carola Dewor já havia investigado diferentes manuseios com a cor enquanto material em quadros com títulos como “Schiebend” [Empurrando] ou “Rüttelnd” [Chacoa- Pintura – O desenvolvimento posterior de uma modalidade clássica da Arte O carrinho de mão da feira, 1994 lhando]. Nos seus montes de areia cobertos com pigmentos de cor ela avançou mais um passo à frente e ressaltou principalmente a dimensão tátil quase escultural da cor. Visto de hoje, o trabalho se parece com uma formação prévia das montanhas terrestres, que nos últimos anos Katharina Grosse integrou com cores nas suas salas de exposição. Para Carola Dewor, no entanto, a montanha de cor na sala de exposição se resumia a um experimento sem longa duração. tanto, as cenas de rua e os momentos casuais capturados surgem a partir do seguinte conceito: observar por webcams pela internet, por exemplo, o movimento cotidiano e acidental na esquina da Christopher Street com a 5th Avenue e, a seguir, transformá-lo pela pintura em algo universalmente válido. Suas pinturas atuais (conf. sua apresentação pela internet) correspondem, à primeira vista, novamente a um esquema clássico de pintura. No en- Quadro de pigmento, 1994 50 Margalho Açu o quadro se constitui a partir da pintura e do material Na exposição Água, Banco do Norte, em Belém, 2009, o espectador se via frente a um quadro de Margalho Açu, que, por um lado, expressava uma intensidade provinda da sua cor azul e, por outro, exibia também uma multiplicidade graças à variedade de materiais utilizados. Estes materiais podiam ser atribuídos tanto ao mundo da natureza, quanto à vida cotidiana das pessoas do Amazonas. Redes, cordas, arte plástica remetiam a pesca, trabalho e, também, lazer. Traços da natureza e da vida dos homens que habitam as margens do rio estão conec- tados e condensados no quadro. Não encontramos no quadro um ‘dedo em riste’ que aponta para correntezas de lixo e destruição do meio-ambiente, mas antes um conjunto harmônico de todos os elementos do mundo à beira do rio sugerido a partir do efeito estético geral do todo da obra. Homem e natureza não precisam se excluir mutuamente – mas podem se incluir mutuamente! Pintura – O desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte Mar-Galho, 2009 Fred Ziegler o quadro se constitui a partir da pintura e do material Pintura é uma área colorida. Geralmente é apresentada em paredes para exposição: bem fixada, de forma duradoura e estática. O trabalho sobre o solo de Fred Ziegler, Schweres Wasser [Água pesada], ainda que não esteja preso na parede, insere-se totalmente na tradição da pintura. Diferentes áreas amarelas estão colocadas em mútua relação entre si. A combinação destas áreas coloridas, diferentemente alinhadas, constitui o todo do trabalho. Somente ao olhar uma segunda vez, reconhece-se que a área do meio (que, de certa forma, se torna uma ‘dobradiça’ entre as duas grandes placas de pintura ) de fato é um tanque raso de água, cujo conteúdo foi tingido de amarelo. Venenoso? Empesteado? O título remete à radioatividade, à catástrofe de Tschernobil. Schweres Wasser/Agua pesada, 1986/2008 52 Fred Ziegler Áreas coloridas encontram – se com a dinâmica d’água O trabalho aleatorische Kompositionen [Composições aleatórias] também apresentado pela Ponte Cultura alinha-se à tradição dos princípios trazidos à arte contemporânea pelo surrealismo (por exemplo nos Cadavre exquis) e pela arte concreta (por exemplo em chance and order de Kenneth Martin). O artista estabelece as regras do jogo a partir das quais a obra se desenvolve. Estabelecese então uma relação entre estes princípios préestabelecidos para a produção da arte e o livre agir do acaso. Fred Ziegler parte da apresentação de áreas amarelas que confia à água. O movimento da água altera a posição destas áreas coloridas entre si. O quadro não é estático, e muito menos está preso à parede. Ao contrário, é extremamente temporal. Logo a correnteza da água veio ameaçar a obra a se desfazer rapidamente. Meninos pularam espontaneamente na água impedindo que os elementos amarelos do quadro fossem todos levados pela correnteza. Desta forma, a apresentação do quadro acabou se estendendo a uma ação com inclusão do público. Não foi uma apresentação artística em um museu. Aqui arte e natureza formaram uma nova unidade mutuamente transformadora – e também um episódio bastante natural do dia-a-dia. O que permanece desta atividade artística é a documentação em fotos e vídeo. Arte não precisa ser ‘eterna’. Tudo passa! Tudo flui! Pintura – O desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte Aleatorische Kompositionen / Composições aleatórias, 2009 54 Clemens Heinl Nasce uma escultura a partir da debitágem do material usado 2002 por ocasião do workshop art in progress, Clemens Heinl se inspirou em um motivo do artista brasileiro Siegbert Franklin. Em um dos catálogos deste, Clemens Heinl havia descoberto uma colagem na qual uma fotografia de um índio estava aplicada. A aparência clássico-antiga que o índio de pé ostentava, desafiou Clemens Heinl para desenvolve-la mais e fazer desta imagem uma grande escultura. No espaço público do workshop esculpiu um tronco de árvore com uma serra circular, anexou os braços confeccionados separadamente e com um cinzel uniformou o constructo inteiro. Foi acrescida a cor e a figura ficou depois exposta no pátio interno do antigo monastério de Santa Katharina (Café do Jornal da Biblioteca Municipal). A sua nudez teve efeito não tanto como símbolo de identificação de um herói antigo, antes como forma de aparência natural do representante de um povo natural. Estava contrastando com o homem normal da Europa Central em roupa comum sem graça, com o qual aÍ estava colocado. Clemens Heinl é escultor. Não trabalha apenas em madeira que freqüentemente colore, mas também usa bronze para rosto e mãos e, para os olhos, vidro. Trata-se para ele sempre de esculpir uma figura da matéria de tal forma que por um lado o material mesmo com todas suas variações específicas e traços de tratamento se torne obra de arte e por outro, uma vivificação aconteça que coloque uma pessoa em nossa frente que nos convida a nos comunicar (sem palavras) com ela. Escultura e arte plástica como ponto de partida – o desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte Indio, 2002 Indio / cidadão, 2002/2005 56 Izer Campos uma arte plástica é construída de material A história da arte diferencia a escultura, que é feita do bloco de pedra ou da tora de madeira (ver Clemens Heinl), da arte plástica, esta feita a partir de diferentes materiais. Izer Campos trabalha com argila, ela é artista plástica. Em um trabalho em vídeo ela nos faz um relato impressionante de sua saída em barcos com ajudantes para buscar argila. A ligação entre a terra e a água se torna evidente. A experiência direta da artista com os dois elementos terra e água contém em si uma força elementar. As formas que a artista cria se orientam pelos estímulos vindos da natureza. Com freqüência nos ocorre estarmos então diante de grandes frutos ou nozes. Porém, as formas plásticas abauladas e estendidas também permanecem sendo um tema em si. Com freqüência Izer Campos devolve os objetos prontos de volta ao contexto da natureza, colocando-os no ambiente de seu atelier – mas eles também podem ser apresentados sobre tripés em salas de exposição. A argila é um material de tradição milenar na história da arte. Foi recorrentemente utilizada tanto para produção de vasilhames como também para produções artísticas. Nesse sentido, é ainda mais surpreendente que Izer Campos é capaz de apresentar sempre novos repertórios de forma e expressão. Escultura e arte plástica como ponto de partida – o desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte Sementes, 2000-2004 (Foto: Martin Hinder) 58 Ana Cristina Mendes a artista em ação torna-se uma obra de arte “escultural” O workshop da Ponte Cultura no sul da França em 2007 trabalhou com o tema Wasser-Água. Entre outras atividades, Birke Grießhammer deu uma palestra sobre rituais celtas que se referiam a nascentes ao pé da nascente seca de Bornègre, perto de Uzès: contou ali que antigamente as mulheres costumavam limpá-las na primavera e ofereciam sacrifícios ao seu guardião - um sapo. Também oravam pedindo água e fertilidade. Os rituais eram compostos por percussão com tambores, cantos e danças. Os participantes do workshop dispuseram-se a vivenciar então, posteriormente, o que poderiam ter sido estes antigos rituais. A partir desta ação conjunta Ana Cristina Mendes espontaneamente desenvolveu sua performance individual. Para tanto utilizou um dos panos de limpeza com os quais os participantes estavam limpando as paredes das rochas em torno da fonte e continuou esta limpeza, não mais somente nestas rochas, mas agora sobretudo em si mesma. Coincidentemente ela vestia durante esta dança na fonte um vestido de um tom vermelho profundo, o que veio a impri- mir a esta ação de limpeza pessoal um efeito de ritual de sangue. De volta ao Brasil, ela se dirigiu a uma região de mangue em Fortaleza e adentrou-a. No início mergulhou cautelosamente em sua lama - uma sensação predominante desagradável para uma pessoa urbana civilizada. Paulatinamente ela foi se acostumando ao material e passou então a não mais sentir aversão à cor marrom e aos odores do mangue. Até os pequenos seres vivos, como os caranguejos do rio, que andavam sobre seu corpo puderam então ser observados carinhosamente e sua presença ser aceita ali. Uma experiência inacreditável, no dizer atual da própria artista, na qual uma ligação nova e intensa se estabeleceu entre ela e a natureza. links: Ana Cristina Mendes bei ihrem spontanen Reinigungstanz an der Quelle Bornègre, 2007 Escultura e arte plástica como ponto de partida – o desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte (conf. p. 60 ‘Während es dort fließt / Enquanto por ali discorria’) Escultura e arte plástica como ponto de partida – o desenvolvimento de um tipo de arte clássica À esquerda: Ana Cristina Mendes na sua dança espontânea de limpeza na nascente de Bornègre, 2007 A partir dos documentários filmados destas ações, Ana Cristina Mendes elaborou seu trabalho em vídeo Während alles fließt / Enquanto por ali discorria, que se compõe de três complexos temáticos: carência de água e ritual de limpeza na nascente seca, abundância de água e experiência direta com a natureza no mangue composto de água doce e salgada e, por último, a terceira parte, o mergulho no mar da artista em ação. A imagem, o som e o movimento possibilitam ao espectador desta vídeo-instalação participar da ação. Enquanto na escultura e nas artes plásticas a obra de arte é o objeto produto do trabalho do artista (o artista é, sobretudo, aquele que fabrica o objeto), nota-se aqui, ao contrário, uma modificação do papel do artista, resultante da história do surgimento de ação, foto e vídeo de arte (podemos lembrar Bruce Nauman em Selbstbildnis als Springbrunnen, 1967 [Auto-retrato como chafariz]). A artista em ação, Ana Cristina Mendes, torna-se peça indispensável da obra de arte e da sua manifestação. Ela é a obra de arte. Apresentação do trabalho em vídeo pela Ponte Cultura: Wasser - Água, Nurernberg 2008; Água, MACCDragão do Mar, Fortaleza, 2009; ortart, Nuremberg 2010; Olho n‘Água, Memorial da América Latina, São Paulo, 2012 Manguezais, 2008 60 Enquanto por ali discorria..., de Ana Cristina Mendes No tempo enquanto Estar à espera de Um novo tato contato contágio Outros espaços tatuados na pele corpo A procura que se configura com um novo tempo inaugural Ciclos, tempo circular, nascimentos e mortes em vida Ritual de passagem para Ana ou quem mais vier Espaço primitivo tempo mangue A discorrer sua fala: alma lama Que chama e persegue um novo caminhar Caminho abrigo abraço líquido Envolto em tecido seda com renda francesa Expondo a brancura da ânsia Que se disfarça em espera calma Em movimentos internos imprecisos Nosso histórico tempo dividido Inscreve a história de cada um, sua escrita e sua fala Sua coreografia Grafa, entre fonte e mar, Contínuo passar Escreve cada história entre galhos suspensos em território movediço Terreno baldio Submerso na própria superfície a discorrer A história de cada um Enquanto Mangue lama caranguejo Caracol caramujo Movimentos novos Raízes Por entre A pele antiga transposta para a pele nova Inaugura movimentos e gestos Novo ambiente Caminhantes pés Mangue desloca o olhar Fala seu tempo silêncio Cuidadoso caminhar Nesgos de raízes, teia de aranha Espelho da imensidão azul que se abre Entre o verde, folhas que balançam ao vento Corpo intercambiante ambiente Trilha manguezal Com cores furtivas à espreita Os pés, as mãos reconhecem o terreno O corpo entregue se amolda na argila como se necessário outro nascimento Os pés arrastam, afundam Impulso movediço Respira encolhimento Enquanto por ali discorre uma mensagem bailarina. 62 Arte e Vida A relação muito particular que a Ponte Cultura estabelece entre arte e vida é uma de suas características marcantes. É neste sentido que se insere a idéia de trabalhar com o formato de ‘workshop’, cujo objetivo principal é estabelecer pontes de comunicação e troca entre os artistas participantes, e que pode certamente também incluir projetos de exposições. O conteúdo a ser trabalhado no workshop é previamente elaborado pelos organizadores e serve de estímulo e de ponto de partida para o livre desenvolvimento pelos artistas no seu trabalho posterior. Os aspectos eminentemente pessoais da vida e da obra individual de cada artista sempre podem ser incluídos e podem se fazer valer. A título de exemplo vamos acompanhar, a seguir, o rio da vida: partindo do amor (do qual pode brotar a vida) passando pela infância até alcançar o indivíduo adulto, entre o seu isolamento e a sua capacidade de comunicação – o caminho da juventude em direção ao envelhecimento e finalmente à morte. Existe vida após a morte? Amor: Alícia Pardo, Fernanda Amalfi, Berit Klasing, Leila de Sarquis Nascente / Infância: TEVAUHA, Diego Ponder, Pat Woolham, Claudia Vilar, Siegbert Franklin Rio/diventando adulto: Damara Bianconi, Margot Delgado, Bruno Weiß, Maria Villares, Marianne Stüve, Hugo Fortes, Paloma Perez, Werne Souza Água = Vida / Seca = Morte: Sarah Wood, Benoît Flamand, Selma Daffré, Meire Guerra, Marianne Stüve, Stefani Peter, Lise Lobato, Coca Rodriguez, Helena Carvalhosa, Herbert Rolim, Siegbert Franklin, TEVAUHA, Renate Gehrcke, Berit Klasing, Monique Weissmüller 64 Alícia Pardo a fonte da felicidade amorosa Em todos os e.mails que Alícia envia a seus amigos e conhecidos, acrescenta os dizeres “Love & Light”. Esta artista argentina ficou conhecida na Ponte Cultura como a “Lady of the Roses” [‘a dama das rosas’] em honra ao seu tema predileto. Ela desenvolveu uma grande encenação sobre suas ideias sobre amor e felicidade durante o workshop da Ponte Cultura Workshop art in progress em 2002. Na entrada do prédio do workshop e da exposição começava um caminho feito de pétalas de rosas espalhadas sobre o chão. Ele seguia por corredores e escadas até chegar a uma cabine em forma de cubo toda forrada de veludo vermelho. Fechada por todos os lados, a própria artista tomava conta para que somente uma única pessoa por vez entrasse na sua cabine ‘mais sagrada’ . Este espectador, então, à meia-luz e envolto em tecido vermelho e perfume de rosas podia se entregar à contemplação do pequeno quadro de uma rosa que se encontrava no seu interior. Remonta a milênios a existência de uma conexão entre rosas e feminilidade na arte e na história da arte. Maria, mãe de Deus, por exemplo, encontra-se às vezes sentada em um banco em um pequeno jardim fechado, que remete à sua virgindade. As flores que a cercam são plenas de significados simbólicos, sendo a rosa branca indicativa de pureza, e a vermelha, do sacrifício de sangue vindouro do seu filho Jesus, que então se encontra sentado no seu colo, ainda criança. Será seu destino superar o pecado original pela sua morte na cruz. Tudo indica que também a ‘árvore do conhecimento’ de alguma forma se refere ao tabu da sexualidade, que em organizações patriarcais como o judaísmo, o cristianismo e o islamismo se constitui em um fenômeno central, que tem como função assegurar da melhor maneira possível o herdeiro masculino. Este problema certamente não era conhecido nas sociedades matriarcais, onde era possível uma sexualidade feminina marcada pelos sentimentos, mas que, por outro lado, foram extensamente dizimadas pelos guerreiros do patriarcado. Será que hoje aquilo que resta disto tudo é somente uma visão e um sonho? Acima: Rose,2002 Caminho feito de pétalas de rosas, 2002 Fernanda Amalfi la vie en rose ([SRVLokR3DUDGLVR*DOHULD$UDXFR2 VRQKRGHDPRUVXVSHQVRGH$GkRH(YDQXPPDU GHÁRUHV´FKHLURVDVµFRPRRUHSURGX])HUQDQGD $PDOÀHPSDQREHPÀQLQKRSDUHFHDPHDoDGR SHORJDWRVHOYDJHPYHUGHYHQHQRTXHGHPRGR GLVFUHWRVHIH]SUHVHQWHQRIXQGRHVTXHUGRGR TXDGURHWDOYH]HPWHPSRQkRPXLWRGLVWDQWH HQJXODDMRYHPIHOLFLGDGH.LWVFK"(VWDTXHVWkR VHLPS}H 6RUWHTXHDDUWHFRQWHPSRUkQHD DOqPGRSyVPRGHUQRWDPEpP SRGHSX[DUHVWHUHJLVWURVHPFDVWL JR$QkRVHUDVVLPFRPRGHL[DU VHLDGHIRUPDDGHTXDGDWUDQVSRUD ORXFXUDGRDPRUSDUDXPTXDGUR" La vie en rose, 2007 66 Berit Klasing sobre o final do idílio amoroso ‘Estou na chuva e penso em você’, são as palavras que nos anos 30 Zarah Leander cantava sob uma chuva torrencial. Apesar dos trabalhos forçados, aos quais ela se submeteu pelo seu amado durante anos, o seu estilo típico cinematográfico permaneceu intacto. Encarnava assim, com ajuda de perfeita encenação e iluminação, a diva e o ícone do ideal indestrutível de beleza e força feminina. Aqui Berit Klasing apresenta um tipo de mulher bem diferente e muito mais contemporânea. No seu trabalho de 2009, Ser largada na chuva, Berit, assim como Zarah, está ‘com os dois pés no mundo’. Mas não existe chão embaixo dos seus pés, ou melhor, das suas botas de borracha, antes um azul da cor do céu sobre o qual ela paira. Sua capa de chuva pouco caprichada protege-a da chuva, enquanto puxa o capuz para cima do seu rosto. Sua postura levemente inclinada impede que a chuva lhe molhe o rosto, no entanto, indica também que existe aí uma pessoa na iminência de se recolher em si mesma. Acima se encontra um quadro azul com uma pinha da qual escorre uma gota de resina (tal qual uma lágrima). Já embaixo o olhar do espectador recai sobre um quadro azul de um poço Arte e Vida: Amor que apresenta o efeito de nos puxar para dentro e para o fundo dele. ‘Entrar na água’ era no passado o último caminho de fuga para meninas que haviam ‘caído na vida’. Atualmente é comum as mulheres assumirem sozinhas a tarefa de criação dos filhos, aparentando força e desprendimento. Mas as gotas de resina e o fundo do poço indicam uma visão mais aprofundada da situação real. O conteúdo dos quadros é apresentado e encenado em uma sala de exposição (por exemplo, em Água, Banco do Norte, Belém, 2009), impresso sobre azulejos, que teoricamente podem ser reproduzidos infinitamente e podem preencher as paredes. Certo charme que remete a banheiros indica objetividade e higiene, e produz assim um efeito absolutamente antirromântico! ficar esquecido na chuva, 2009 68 Arte e Vida: Amor Tempo em Suspensão, 2005 Leila de Sarquis Amor onipresente e abrigo pré-natal /HLOD6DUTXLVFROHFLRQDPDWHULDOQDWXUDOHUHOLFWRV GHYLGDTXHHODDSUHVHQWDHPFRPELQDomRFRP GHOLFDGRVGHVHQKRVHWUHFKRVGHWH[WRV'HVWDIRU PDRULJLQDVHQDYLWULQHGHH[SRVLomRXPHVSDoR SRpWLFRTXHFLWDQRSUHVHQWHRSDVVDGRGDKLVWyULD QDWXUDOHKXPDQDS}HHPUHODomRDRPXQGRLQWH ULRUGDDUWLVWDHFRPLVVRDEUHSDUDRREVHUYDGRU HRIXWXUR/HLOD6DUTXLVSRGHGHSUHHQGHURULWPR QRÁX[RGRWHPSRGHWRGDVDVFRLVDV1DVSHGUDV HPIRUPDGHFRUDomRDFKDGDVSRUH[HPSORD DUWLVWDYrQRWtFLDVGDQDWXUH]DTXHIRUPDPXPD SRQWHVHQWLPHQWDOHFKHLDGHFDORUGRLQGLYtGXR jWRWDOLGDGHGRPXQGR3HQVDPRVWDOYH]DQWHV GHPDLVQDGDQRFRQWRGHIDGDVURPkQWLFRGH :LOKHOP+DXII´2FRUDomRIULRµHPTXH3HGUR YHQGHVHXFRUDomRYLYD]HVHQWLPHQWDODR0DO RKRODQGrV0LJXHOSDUDWRUQDUVHPXLWRULFR 0DVDOJXPWHPSRGHSRLVUHFRQKHFHTXHFRPXP FRUDomRGHSHGUDQRSHLWRQmRVHQWHPDLVDOHJULD QmRSRGHPDLVULUHFKRUDUQmRSRGHPDLVVHQWLU DPRUQDGDPDLVWHPEHOH]D$SHQDVDWUDYpVGH XPWUXTXHFRQVHJXHUHFRQTXLVWDUVHXFRUDomRH VHQWLPHQWRVXDYLGD0XLWRVHPHOKDQWHFDQWD 0DGRQQDHP)UR]HQGDQHFHVVLGDGHGHGHUUH WHUXPFRUDomRJHODGR´9RFrHVWiWmRFRQWHQWH GHFRQWDUTXDQWRSRGHDJDUUDUPDVTXHEUDUiVH QmRDEULUVHXFRUDomRµ7DPEpPp SURSyVLWRGH/HLOD6DUTXLVGHDEULU FRUDo}HV2VHQWLPHQWRGHDFRQ FKHJRFDULQKRVRQRPXQGRSDUHFH WDPEpPRDVSHFWRGRVWUDEDOKRV IRWRJUiÀFRVGDFDL[DOXPLQRVDTXH DERUGDPFRUSRVÁXWXDQWHVQDiJXD $TXLQmRVHWUDWDWDQWRGDOHYH]D HEHPHVWDUSURSRUFLRQDGRVSHOR EULQFDUHÁXWXDUQDiJXDTXHQWH PDVVREUHWXGRGRGHVHMRRULJLQDO GDUHSHWLomRYLYHQFLDOGRDFRQFKH JRSUpQDWDOLQRQROLTXLGRXWHULQR PDWHUQRFRPRLPDJHPGDLGpLD DQWLJDGDXQLmRFRPDJUDQGHPmH QDWXUH]DFXMDIRUoDYLWDOMD]QD iJXD próxima página: Nadandos, 2008 70 Kunst und Leben - Liebe 72 TEVAUHA performance na fonte Uma fonte dá início ao percurso de um rio, tal qual o nascimento dá início à vida. Uma fonte pode secar e morrer, uma vida pode acabar antes mesmo de ter começado (certamente existia uma consciência muito maior do perigo de morte no nascimento e na infância em gerações anteriores a nossa). Ao pé da fonte seca de Bornègre, no sul da França, Birke Grießhammer contou aos artistas da Ponte Cultura sobre o ritual celta da fonte, que ligava o desejo por água com o desejo de fertilidade em homens, animais e no mundo vegetal (ver p. 58, Ana Cristina Mendes). O artista TEVAUHA contrapôs a esta idéia de esperança por água a ameaça de destruição de fontes limpas, de rios naturais e de paisagens aprazíveis. Na sua performance na fonte, o artista se vestiu de conquistador que constrói diques, modifica a paisagem e destrói a natureza. No entanto, as sereias fluviais (no caso, as filhas do artista) traziam continuamente água para aliviar um pouco as feridas da terra e assim consertar tudo novamente. Finalmente, elas enfrentam o conquistador atirando água nele e o espetando com uma enorme agulha. O homem-conquistador altera então sua postura e tenta colocar tudo em ordem novamente costurando as feridas da terra. Na exposição L’eau, Mairie de Blauzac, 2007, apontou para as idéias da performance na fonte com uma ferida costurada da terra. Vida e arte: fonte/infância Die große Nähnadel, 2007 Die Wunde, 2007 74 Diego Ponder a infância é um pirulito Pirulitos encarnam a doçura e o espírito brincalhão dos nossos dias de infância, despertando assim magicamente um sorriso em nosso rosto. Com ajuda destes pirulitos, Diego Ponder faz florir um campo de relva ‘jovem’ e verde à nossa frente. Por outro lado, o pirulito abandonado na praia inspira-nos um sopro de melancolia e sentimento de transitoriedade. Vida e arte: fonte/infância Lollipop, 2005 Pat Woolham o aparente idílio da infância Uma mãe com uma criança, um pai com uma criança, uma criança só – uma infância é dissecada. Pat Woolham corta em tiras as velhas fotografias dos seus dias de criança e as junta novamente de forma que os doces idílios se transformam em ameaças carregadas de medo. Uma retrospectiva sem saudade, que parece incorporar, na melhor das hipóteses, o suspiro aliviado de uma mulher há muito adulta, quando ainda lhe surgem as imagens de lembranças de uma infância finalmente perdida. Family stories, 2005 76 Siegbert Franklin Claudia Vilar Sonhos de crianças e perigos de vida Em 2007 Siegbert Franklin teve a oportunidade de expor seu trabalho Sonhos de crianças na Igreja Sebaldus, uma igreja com características medievais em Nuremberg. O andaime instalado no seu interior na época, em função de uma reforma que estava sendo levada a cabo, foi aproveitado por ele para pendurar uma grande foto em preto e branco. Ela retratava um menino que havia feito uma pipa com o desenho de uma caveira, usada como símbolo de proteção pelos chefes da sua favela. Brincadeira ingênua e perigo onipresente! Foram juntadas a esta grande foto várias ‘bonequinhas’ produzidas por crianças brasileiras com papéis multicoloridos num projeto da artista Claudia Vilar. Será possível que os sonhos de crianças possam superar os perigos de vida? De qualquer forma crianças significam esperança e futuro em qualquer lugar do mundo! Vida e arte: fonte/infância Crianças, 2005 Sonhos de crianças, 2005 78 Vida e arte: fonte/infância Siegbert Franklin saudade de família Na obra de Siegbert Franklin surgem repetidamente temas que remetem à infância, o que está diretamente relacionado à biografia do artista. Sem pai, ele foi criado pelos avós, o que fez com que seu avô se tornasse um substituto paterno para ele. Além de sua mãe, também as irmãs da mãe tiveram uma grande importância na sua infância. Ainda que o artista soubesse quem era seu pai, ele não teve nenhum contato com o mesmo, com exceção de um encontro casual já na idade adulta, ocorrido em uma grande praça (quando os dois homens chegaram até a ter uma conversa). Nas suas colagens com imagens o artista sobrepõe frequentemente ao retrato do avô=pai substituto uma figura nua masculina, que é repetidamente inserida na sua obra como uma imagem paterna fictícia. Já suas tias são frequentemente combinadas com citações da história da arte, por exemplo, com Frauenbad [Banho de mulher]) ou Adam und Eva [Adão e Eva] de Albrecht Dürer. Desta forma, Siegbert Franklin transfere sua saudade por uma família para o seu mundo de arte e cria a partir disto uma variedade de idéias imagéticas. Storias de familia, 2002 - 2005 80 Damara Bianconi Autoconhecimento e Auto-reflexão Com treze anos de idade comecei a freqüentar ateliers de artistas, estudei teatro, fiz cursos de artes plásticas, participei de saraus literários e poéticos, enfim, conheci muitas pessoas que produzem diferentes manifestações artísticas. Mas num determinado momento desse meu caminho, reprimida pela opressão cultural da ditadura militar, resolvi estudar sociologia e ciências políticas para lutar por um mundo melhor, mais justo, mais igual. O mundo das idéias me fascinou durante anos e me afastou do fazer artístico por quase uma década. Queria fazer a revolução, mas “meus heróis morreram de overdose, e meus inimigos estão no poder” (Cazuza). Quando saí desta fase, mergulhei novamente na arte, onde estou até hoje e não mais pretendo me afastar. Estou atenta para artistas contemporâneos brasileiros e internacionais, pois acredito que arte é aprendizado eterno, uma contínua alfabetização do olhar. A arte está o tempo todo em meu caminho, quando não estou no atelier trabalhando, estou comercializando obras minhas e de outros artistas que represento em meu Escritório de Arte. Meu objetivo na arte sempre foi o diálogo entre as pessoas e o conhecimento das várias formas de fazer artístico. Tudo me interessa. Sou curiosa compulsiva. Meu trabalho tem uma conversa com a ecologia na medida em que quase sempre me utilizei de matérias abandonadas pelo homem, transformando-as em um produto da “ARTE”. Há vários anos me ocupo com o tema água. Arte e vida: rio/ sobre o tornar-se adulto A oxidação de materiais ferrosos sobre a tela é apenas um dos efeitos da ação da água no passar do tempo. E no passar do tempo a água potável está se extinguindo em várias fontes de sua obtenção. Portanto ao realçar a ação do tempo e da água sobre elementos terrenos, procuro chamar a atenção para o tempo da água e da necessidade da preservação de suas fontes elementares. (Damara Bianconi em entrevista com Inga Thieme) Observando os trabalhos de Damara Bianconi, percebem-se antes de tudo as silhuetas de figuras caminhantes ou sentadas no chão sempre iguais. Aparecem sem referência ao seu meio, absortas em seu pensamento e relacionadas a si mesmas como o protótipo do individuo isolado. Mas numa segunda mirada, estas figuras humanas são inseridas no meio circundante de formas, cores e materiais artisticamente configurado. (Título do quadro: A pele da pintura) Homem e Meio se juntam. A isolação está sendo rompida mas não abolida. Especialmente, no agrupamento de vários motivos isolados a séries pictóricas, tableaus ou instalações volumosas, a referência a si mesma de cada figura é dominante. Resignação sempre reaparecendo? Busca interminável do autoconhecimento? Mas sempre também a beleza que pode surgir em cada momento da vida. A pele da pintura, 2005 82 Margot Delgado O circuito da água Nuvens no céu da tarde. Preparam-se para chover. São cheias de água. As nuvens quase parecem rochas. Rochas das quais corre água. (Margot Delgado, Entrevista Inga Thieme) A evaporação e formação de nuvens assinalam igualmente o início e o fim do circuito da água. O caminho do rio termina na desembocadura. Toda água corre para o mar. Lá chegou ao seu fim. Mas, pode evaporar – modificar seu estado de agregado. Não mais ser água, mas nuvem - pairar no ar - ser dissipada pelo vento – “viajar” ao redor do mundo – em forma de chuva, tornar-se água novamente - baixar às profundezas da terra – renascer de novo como fonte. Nos trabalhos de Margot Delgado, nuvens tornam-se “rochas das quais corre água”. Nada se perde neste sistema fechado em si . Tudo que é, permanece? O estado agregado pode cambiar. Um objeto ou um ser vivo podem dissolver-se em elementos isolados que, por sua vez, tornar-se-ão alicerce para que algo de novo possa surgir. unten: Margot Delgado (links) beim Ausstellungsaufbau, Galerie der Banco do Nordeste, Fortaleza, 2006 transformar, transformar ..., 2004-2005 Bruno Weiß encontrar – se e autorreflexão Damara Bianconi e Margor Delgado tematizaram o encontrar-se e a autorreflexão como um importante processo de desenvolvimento do homem (nos seus anos de juventude), indo ainda além ao indicar sobretudo o perigo de um autoisolamento. Já Bruno Weiß isola cada pessoa dando-lhe, porém, um sentido positivo de uma postura meditativa sobre si mesmo. No workshop da Ponte Cultura art in progress, em 2002, Bruno Weiß fotografou os artistas participantes, de olhos bem abertos e de olhos fechados, criando desta forma uma situação na qual eles olhavam tanto para fora como para dentro. No entanto, apesar de cada pessoa isolada estar voltada para si mesma nestas fotografias, no momento do agrupamento de todas as fotos na parede o espectador ficava com a impressão de um todo intimamente relacionado entre si. A unidade nesta encenação também era acentuada pela estética do branco e preto. À procura de si mesmo, Galeria do Banco do Nordeste, Fortaleza, 2006. 84 Bruno Weiß comunicação Um especial rigor caracteriza também esta instalação de Bruno Weiß na exposição Wasser Água. Um conjunto de garrafas d’água foi pendurado em forma de círculo na sala, sendo que todas as garrafas estavam interligadas por meio de mangueiras com uma pequena pia no centro. Graças a instrumentos da medicina, a água das garrafas era Arte e vida: rio/ sobre o tornar-se adulto transportada gota a gota para o recipiente no centro, que desta forma recolhia toda a água. Bruno Weiß havia pedido aos seus amigos e colegas artistas que lhe trouxessem amostras de água da sua pátria ou de suas viagens. Desta forma, água das mais diversas fontes do mundo confluía e formava uma nova mistura, formando uma nova unidade. Esta confluência de água poderia ser comparada à reunião das várias pessoas que participaram desta ação de trazer água. Elas se encontraram na exposição de Nuremberg, puderam trocar idéias e encontrar coisas em comum entre si e também diferenças. Mas naturalmente a instalação das águas que confluíam remetia a significados muito mais amplos, a uma possibilidade de comunicação de extensão mundial. Água nova de todo o mundo, 2008 86 Maria Villares confluir e misturar ‘A chuva deformou a cor das horas’ são palavras do poeta brasileiro Manuel de Barros que Maria Villares inseriu em um dos seus trabalhos fotográficos. Este apresenta um detalhe marcante observado pela artista na confluência dos rios Negro e Solimões. Estas duas massas de água com suas cores tão extraordinariamente diferentes entre si fluem em paralelo, lado a lado, dividindo o mesmo leito fluvial, mas sem se misturar, durante um longo trecho de alguns quilômetros. Movimentos em espiral da água (que nos reme- Arte e vida – o rio/ Sobre o tornar-se adulto tem imediatamente ao símbolo chinês yin-yang) podem ter como resultado que estas áreas tão contrastantes de água se interpenetrem, se confundam e se misturem para ao final surgir uma nova unidade - o rio Amazonas. Mas, para que isto aconteça, muito tempo é preciso! Movimentos da água no Amazonas /Encontro das águas amazônicas, 2008 Marianne Stüve confluir e permanecer separado Em busca de equilíbrio foi o nome dado por Marianne Stüve a um trabalho em vídeo, de 2007, que também remete a esta experiência direta com a confluência dos rios Negro e Solimões. Após ter tido esta forte vivência com a natureza, a artista passou a fazer experimentos com a mistura de líquidos diferentes: óleo não se mistura com água! É por isso que neste caso não se forma uma unidade, como aquela observada nas misturas de água+água de Bruno Weiss, na qual as águas oriundas das mais diferentes fontes tornamse uma unidade=água. Ou ainda, como no rio Amazonas, resultado da confluência do rio Negro com o rio Solimões, que ao final reúne em si todos os elementos. Aqui no trabalho de Marianne, os líquidos iniciais permanecem separados, ainda que alterem seu posicionamento mútuo. É provável que procurem um equilíbrio. De qualquer maneira, constituem formas em movimento, cujo efeito estético é captado pela artista neste trabalho em vídeo e enriquecido pela contribuição sonora de Klaus Treuheit. Até que ponto é rea lmente necessário que tudo se misture com tudo? Isto é algo sempre almejável? Ou pode ser também importante permanecer fiel às próprias raízes, resp. às próprias fontes, principalmente em se tratando, por exemplo, de pessoas e de suas diferentes origens? Unidade e diversidade não deveriam ser excludentes. O diferente sempre traz em si a oportunidade de se tornar um enriquecimento. Em busca de equilíbrio, 2007 88 Hugo Fortes o rio domado Encontrar-se represado e não poder fluir são temas apresentados por Hugo Fortes no seu trabalho Leito – Flussbett. Neste trabalho ele justapõe cubos de vidro cheios de água, parecidos com aquários, obtendo uma série que remete ao movimento de uma corrente de água. No entanto, a água não pode fluir. Está represada, fadada à imobilidade, presa. Os desenhos que podem ser vislumbrados no fundo dos vasilhames referem-se à arquitetura moderna e à construção das nossas cidades, que em geral domam os rios, forçando-os Arte e vida: rio/sobre tornar-se adulto a um leito artificial ou fazendo-os desaparecer completamente. O ‘mundo externo’ breca e pára o rio livre. Tomando o rio como metáfora para o homem, podemos então pensar nas imposições ‘externas’ sociais e da comunidade, que podem vir a impedir e destruir o desenvolvimento de muitas pessoas. Leito, 2008 Paloma Perez Medos do futuro Os trabalhos fotográficos de Paloma Perez têm também a destruição como tema – no primeiro plano aparecem idílios harmônicos e preservados da natureza, ao passo que no segundo plano (nos reflexos sobre a superfície de água) surgem os abismos da destruição da natureza pelas povoações humanas. No futuro a natureza poderá ser desalojada pela civilização (no seu sentido negativo) também ali onde ela agora ainda se encontra intacta. O olhar sobre, resp. sob a superfície de água tem o efeito de um olhar na bola de cristal, aquela que indica o futuro. Ao invés de nuvens, a superfície reflete arranhacéus. A natureza é desalojada pela civilização. Ainda é possível impedir este perigo? Ainda somos capazes de fazer do nosso espaço vital Terra algo possível e digno para viver? ‘Através deste trabalho procuro traçar um paralelo entre o processo de urbanização e as suas conseqüências. Somos vítimas do nosso crescimento desenfreado’ (Paloma Perez em entrevista a Inga Thieme, 2008) Transitory Landscapes, 2008 90 Werne Souza sobre tornar-se adulto/livre Hugo Fortes espreme seu rio por aquários imóveis para aludir ao fato de que a arquitetura humana impede os rios de fluírem livremente. Paloma Perez mostra que nós humanos cada vez mais nos tornamos presas de nosso ‘livre’ crescimento econômico e da nossa ilimitada e destrutiva urbanização. Werne Souza, no entanto, dirige seu foco para o indivíduo isolado, cujo sonho de liberdade ele incorpora no símbolo da ave. Deixar para trás o peso da terra, alçar vôo como uma ave – para nós humanos isto incorpora desde a antiguidade o desejo de se desenvolver a partir do corpóreo em direção à alma. Porém, os pássaros de Werne Souza não são livres! Estão presos em gaiolas apertadas – simbolizando desta forma a limitação de nossas possibilidades, que muitas vezes dependem de coerções externas. Ainda assim cada um de nós é chamado a procurar o caminho para fora desta prisão e a tomar a própria vida em suas mãos. Também Dédalo, o famoso inventor, construtor e artista, não se conformou com o seu Arte e vida: rio/sobre tornar-se adulto aprisionamento no labirinto cretano. Aproveitou-se do caminho de fuga aparentemente impossível, em direção ao alto, construindo asas para si e para seu filho Ícaro. Apesar das advertências de seu pai, no vôo de fuga conjunto, Ícaro se aproximou demais do Sol. A cera que fixava as penas de sua asa derreteu. Ícaro sofreu uma queda e morreu. Seu vôo nas alturas, sua liberdade lhe subiu à cabeça. Perdeu o chão sob seus pés. Um exemplo para as chances e perigos da arte – mas também do tornar-se adulto, que traz consigo não somente a liberdade, mas também precisa ser acompanhado da consciência dos limites desta. Passaros, 2005 92 Sarah Wood und Benoît Flamand água fresca – seca extenuante Arte e vida - Água = Vida / Seca = Morte paisagem aquática 2008 Uma superfície luminosa de água clara movimenta-se, precipita-se e espirra gotas de água - essa imagem de Sarah Wood se torna uma grande e viva peça de pintura ao ser observada no quadro conjunto com Benoît Flamand. Reflexos de luz imprimem uma claridade luminosa ao quadro. A frescura e a força da água, elixir da vida, fazem-se sentir diretamente. Em contraste com isto, o esqueleto de nervuras do resto de uma folha seca incorpora a transitoriedade e a ameaça de morte, resultantes de aridez e secura que estão se tornando um problema cada vez maior em muitas regiões do mundo. Para nós humanos água limpa significa vida – poluição das águas e carência de água significa morte. folha, 2007 94 Selma Daffré as cores do sertão Visto da Europa, o Brasil é sempre associado a ideias sobre florestas, Amazonas e abundância de água. Mas o Brasil é bem mais do que isto! Neste país de proporções imensas existem também extensas áreas sujeitas à falta de água. É o que se encontra sobretudo no sertão, uma área no interior de país com baixa densidade populacional o planalto no interior do Nordeste que se estende desde o norte de Minas Gerais até o Ceará e o Piauí, abrangendo um total de oito Estados brasileiros. O sertão se situa principalmente na região em torno do rio São Francisco, palco do grande romance Grande Sertão, obra literária máxima de Guimarães Rosa, publicada em 1956. ‘A partir do seu conhecimento sobre o sertão e seus habitantes, os sertanejos, Rosa cria uma linguagem literária, que se confunde, na sua própria estrutura e diversidade expressiva, com o mundo de ideias de seus personagens. Sertão e linguagem sertaneja sua cultura transmitida por via oral e que esteve por séculos separada das cidades costeiras brasileiras influenciadas pela cultura europeia - apresentam-se como uma unidade. Rosa vai em busca da origem da palavra e traz à tona aquilo que está subjacente e que se perdeu na fala cotidiana. A linguagem aqui é compreendida como um meio de processar linguística – e tematicamente as particularidades de uma região e de seus habitantes, aumentando assim a rica capacidade expressiva brasileira’. (Carlos Schünemann, palestra na exposição individual de Selma Daffré, Biblioteca Pública de Nuremberg, 1995). Há decênios Selma Daffrè faz referências à prosa Arte e vida - Água = Vida / Seca = Morte e à lírica brasileiras nas suas produções gráficas. Ela considera o Grande Sertão ‘uma obra feita antes para um esclarecimento interior a respeito de nós mesmos, do que para explicar qualquer coisa’. É principalmente na escolha de cores que a artista tenta captar a característica do sertão, quando produz cópias separadas de cores diferentes a partir de cada matriz de impressão. No final, a artista integra a própria matriz, como um alto relevo pintado, a cada grupo de obras. A seguir, estas obras reunidas em uma caixa são apresentadas em exposições como trabalhos de papel e madeira também perceptíveis oticamente. Os conjuntos de obras que fazem referência ao Grande Sertão prendem a atenção do espectador na medida em que capturam, através da escolha de cores, nuances de imagens do seco sertão. À direita apresentamos uma imagem pertencente ao grupo ‘Articulações’. A artista compõe partes desarticuláveis do corpo como um joelho, por exemplo, de tal forma que nos faz pensar em uma formação rochosa, estabelecendo assim uma ponte entre o corpo humano e a paisagem. Articulacoes, 1997 96 Meire Guerra os pertences dos retirantes Os retirantes são o tema de Meire Guerra, quando ela preenche aqui uma pequena mala modelar com peças de recordação. Esta maleta poderia pertencer a uma das muitas pessoas que são obrigadas a deixar sua terra natal para tentar um novo começo em algum outro lugar. Especialmente no Brasil cada vez mais pessoas deixam o campo e procuram a cidade na esperança de uma vida melhor. Estas diferentes cidades tornam-se então megacentros que consomem a paisagem e a natureza ao seu redor. Os recém-chegados, por outro lado, começam sua busca pela nova sorte geralmente em favelas pobres, carregando consigo todos os seus sonhos Arte e vida – Água=Vida/Seca = Morte em maletas como estas. Não empreenderam esta viagem por livre escolha, mas a seca expulsou-os da sua terra natal. Ainda assim a frase de João Guimarães Rosa do Grande Sertão pode valer também para eles: ‘o verdadeiro não acontece na partida, nem na chegada: vem ao nosso encontro no meio da viagem’. (João Guimarães Rosa: Grande Sertão, citado de acordo com o Catálogo - 10 anos de Ponte Cultura). Maleta dos Retirantes, 2008 Marianne Stüve boat people O tema da fuga é abordado de forma totalmente diferente por Marianne Stüve. Seu trabalho em vídeo boat people refere-se, de acordo com o título, em primeira linha aos fugitivos africanos que deixam sua terra natal por razões políticas ou humanitárias em busca de uma nova chance na Europa. Partem com freqüência clandestinamente em barcos pequenos demais e superlotados para alcançarem por via marítima a ‘Fortaleza Europa’, que lhes é legalmente inacessível de outra forma. Reiteradamente a mídia nos informa a respeito de catástrofes: naufrágios, afogamentos: morte ao invés de vida. No trabalho em vídeo, extraordinariamente simples, surge da escuridão um grupo de vultos apoiando-se mutuamente, e desaparece novamente. Quem está na sombra não consegue ser visto! Raramente os holofotes da imprensa mundial iluminam estas pessoas. Geralmente são esquecidas. O problema é recalcado. No entanto, somos todos passageiros da mesma nave espacial chamada Terra! boat people, 2008 98 Stefani Peter Água é salvação A água é uma ameaça para os boat people, pois podem se afogar caso seu barco naufrague. Por outro lado, se houver seca ou fogo, a água pode ser uma benção. Na América do Norte justamente, onde a artista alemã Stefani Peter vive há muitos anos, durante centenas de anos as pessoas tinham grande medo das queimadas, que repetidamente destruíam suas casas muitas vezes construídas com madeira. A salvação dependia de conseguir apagar o fogo a tempo utilizando a água. Arte e vida – Água=Vida/Seca = Morte É por esta razão que um cidadão dos EUA ou do Canadá ainda hoje é bem mais consciente do que um europeu da importância para salvar a vida que os hidrantes à beira das ruas frequentemente têm. Porém, como bem demonstra o trabalho da artista, também é possível manusear este ‘pequeno ajudante’ de forma criativa e amorosa. little man on duty, 2008 100 Arte e vida – Água=Vida/Seca = Morte Água de Arari, 2009 Lise Lobato o espaço vital água Lise Lobato viveu sua infância no delta do Amazonas. Quando ela se recorda do seu tempo de vida na ilha do Marajó, a maior ilha fluvial do mundo, vêm-lhe à mente muitas lembranças afetivas, repletas de alegrias e também de perdas. A partir da sua relação extraordinariamente íntima com a paisagem aquática da sua infância, a artista desenvolve trabalhos como este, Água do Arari. Aqui ela apresenta três quadros que têm cada um deles um peixe como motivo, e os ordena verticalmente. Combina-os, então, com uma cascata de tiras de tecidos que caem sobre os dois quadros inferiores, ora encobrindo, ora revelando os peixes ao olhar do espectador. Desta forma, cria um efeito similar àquele obtido ao se olhar uma superfície de água em movimento, sob a qual é possível vislumbrar a vida na água. Este quadro-objeto composto de vários elementos se projeta a partir da superfície da parede em direção ao espaço à sua frente. Ele invade assim o espaço do espectador e o aproxima, desta forma, ao tema da água como um espaço vital e um elixir da vida. Sem água não haveria vida, pois toda a vida vem da água e contém água em si. 102 Coca Rodriguez Água – horizontes Ao contrário da cascata que se precipita verticalmente de Lisa Lobato, Coca Rodriguez mostra a área aquática horizontal de um grande rio de fluxo lento ou de um lago calmamente espraiado – comparável ao contraste entre a impaciência irrequieta da juventude e a tranqüilidade pensativa de fases da vida mais maduras. Nas anotações do diário de Coca Rodriguez encontra-se uma passagem interessante de recordações à Marajó: “A travessia deste rio de dimensões oceânicas com a balsa levava três horas. Marajó é única, forte e selvagem com características muito próprias. As casas, as fazendas, as cercas, o cheiro é diferente, uma mistura de fruta tropical como abacaxi já semi- apodrecido,suor, peixe e água dos manguezais. A vida sucede em cima da água. A chuva cai repentinamente e inunda tudo. O calor é forte. Montamos o acampamento sob chuva. Tudo é úmido, mas isto faz parte no reino das águas. Para conhecer bem Marajó, deve-se conhecer os homens, este tipo de humanos áspero, que Arte e vida – Água=Vida/Seca = Morte confere nomes humanos a ventos fortes, rios e enxurradas. Que pede salvação aos santos bem como aos espíritos e que se benze com as águas”. Também para Coca Rodriguez a água é sobretudo um lugar da vida. Em extensos trabalhos volta-se sempre de novo ao motivo dos peixes. Explora sistematicamente a riqueza e diversidade das espécies, formas e tamanhos. Todavia, a medusa tornou-se o seu tema especial, na língua brasileira águas vivas. Paisagen amazônica, 2008 Helena Carvalhosa horizontal - vertical A água significa vida, também para as plantas. É somente com a ajuda da água que elas podem crescer e desabrochar. E é às árvores dos parques de sua pátria que Helena Carvalhosa dedica uma série inteira de gravuras. Mostra-nos a exuberância e a diversidade destas diferentes árvores – ou ainda, como no exemplo aqui escolhido, concentra-se no contraste existente entre a verticalidade do crescimento ao alto da vegetação e a horizontalidade da depositada superfície terrestre. Novamente aqui o traço de Helena Carvalhosa torna-se um transporte virtuoso e delicado da sua expressão gráfica. No passado, em grupos de trabalho, a artista costumava transformar elementos recolhidos ao léu em objetos plásticos com feições humanas. Já nos seus desenhos sobressaiu-se como retratista capaz de retratar os traços característicos da pessoa, realçando neles seu aspecto simpático. Talvez isto tenha a ver com um amor especial que ela nutre pelos seus semelhantes e que a faz engajarse reiteradamente em relações de troca com pessoas das mais variadas camadas sociais. Um amor que ela também transfere para todos os seres vivos e plantas do nosso planeta – e do qual, através de sua arte, ela convida o espectador a compartilhar. Arvores e o tempo, 2005 104 Coca Rodriguez Águas Vivas O tema da série de trabalhos Águas Vivas remonta a uma experiência desagradável extraordinária que Coca Rodriguez teve de fazer ao nadar no mar. Ela fora enrolada por uma medusa perigosa. Apenas graças ao agenciamento rápido de um helicóptero de salvamento, que a levou a uma clínica especializada, a vida de Coca pôde ser salva. Mas até hoje, grandes cicatrizes na sua pele recordam esta ameaça existencial. Apesar disso, a artista ficou fascinada por estas criaturas, cujo corpo “aberto”, suavemente flutuante representa o contrário dos compactos volumes esculturais fechados . Nos seus objetos Águas Vivas, a artista experimentou com materiais suaves, transparentes e alcançou desta forma soluções artísticas inovadoras, muito próprias que parecem contradizer as formas clássicas da escultura. Suavidade e transparência, abertura formal e balanço estético entre beleza atrativa e sentimento de repugnância caracterizam Arte e vida – Água=Vida/Seca = Morte cada um destes objetos-medusa com intensidade variada. À parte destes objetos-medusa, interessava a ela também o tema pele, que ela trabalhou mediante uma fila inteira de peles estendidas. Com isto afastou-se mais e mais do seu ponto de partida que era a pintura, para experimentar com novos materiais (látex) e objetos e carregar sua obra de arte com imediata vivacidade . Àguas Vivas, 1999 - 2001 Marianne Stüve Medusas Flutuantes Marianne Stueve se valeu em sua serie de trabalhos sobre medusas da idéia das águas vivas de Coca Rodriguez para formar de tranças de nylon objetos esculturais flutuantes no espaço. Os fios de nylon tornam-se ai linhas espaciais que separam o espaço interno do objeto do espaço esterno circundante e desta forma, apesar de toda transparência, criam volume. Por outro lado, formas de olhos como também cabelo e extensões tais como tentáculos causam a impressão no observador que poder-se-ia tratar de seres vivos. Em exposições, a artista monta instalações espaciais de cardumes de medusas que podem ser alargadas por projeções de luz e elementos acústicos. Em seu atual projeto de vídeo, Marianne Stueve retoma o seu tema das medusas. Agora fascina-a sobretudo o aspecto de que medusas não representam apenas um perigo mortal mas também são símbolos da renovação da vida. Medusas podem reproduzir partes do corpo perdidas e desta forma transformar-se de um aleijado/torso em ser de formas perfeitas. Por outro lado, podem cair durante longo tempo em um estado cataléptico quando as condições de vida do meio se tornarem demasiadamente desfavoráveis para a sua sobrevivência – para depois, quando a catástrofe tiver passado, despertar-se para uma nova vida e em beleza intocada flutuar por seu espaço vital a água. Meduse, 2000 106 Herbert Rolim Plantas aquáticas? Fluidos corporais? O trabalho apresentado por Herbert Rolim, em 2008, na exposição Wasser – Água parece à primeira vista estar mostrando ao espectador plantas aquáticas sob uma superfície brilhante. Porém, após uma observação mais detalhada, fica claro que os elementos de desenho de fato representam vísceras. Plantas aquáticas e fluidos corporais simbolizam a força vital na natureza e no homem, cuja base sempre é constituída pela água. ‘Partindo do princípio de que meu trabalho apresenta certo simbolismo, ocupo-me de formas orgânicas. O aparelho ‘corpo humano’ se mescla assim com elementos da natureza: animal e vegetal. Um ‘multi’- corpo, algo ‘trans’- disciplinar surge. Penso que está tudo interconectado: o homem, a arte, a natureza, o cosmos. Dentro deste universo a água significa vida!‘ (Herbert Rolim em entrevista a Inga Thieme) Arte e vida – Água=Vida/Seca = Morte Hybride, 2008 108 Siegbert Franklin a beleza sedutora das drogas O corpo humano compõe-se em sua maior parte de água. Os fluidos corporais são responsáveis, de diferentes maneiras, por importantes funções vitais, podemos nos lembrar aqui do sangue e da urina. São eles parte integrante do conjunto de processos bioquímicos, que formam o fundamento de todas as diversas capacidades humanas que se estendem até a alma e o sentimento. No trabalho apresentado por Siegbert Franklin em 2009 em Fortaleza, dangerous liquids, o espectador se vê frente a uma onda sedutoramente bela. Somente ao lançar-lhe um segundo olhar mais detalhado ele reconhece tratar-se, de fato, de frascos pequenos que contém droga – fluidos que seduzem com sonhos e felicidade, mas que trazem consigo o perigo de destruição do corpo, da mente e da vida. dangerous liquids, 2009 TEVAUHA Coleção de gotas de suor O suor também faz parte dos fluidos corporais. O artista suou muito no Brasil. Não teve, porém, um sentimento de repugnância em relação ao suor, mas tomou o fato naturalmente como uma parte integrante da sua auto-percepção e da sua percepção do mundo. A simpatia que sentimos por alguém também está relacionada ao gostar ou não do seu cheiro, e não deixa de ser um aspecto importante para uma amizade ou um relacionamento amoroso. Quando se constitui o suor? Quando está quente demais, ou também quando estamos sentindo calor por estarmos trabalhando ou nos movimentando, ou ainda, porque suamos em gotas por medo. O artista coleciona o suor resultante, por exemplo, de uma corrida ou de uma sauna, mas também após um ballett masculino em um baile de carnaval; junta, a seguir, suas amostras de suor gota a gota em tubos de ensaio e vidrinhos de remédio, fechando-os com rolhas de cortiça e lacre, apresentando seus tesouros em uma mala pendurada no espaço (MACC do Dragão do Mar, Fortaleza, 2009), ou em uma vitrine com prateleiras (Wasser Água, Nuremberg, 2008). Um DVD de trinta minutos também documenta o processo de obtenção das gotas de suor. Gotas de suor, 2008, 2009 110 Herbert Rolim morte e vida após a morte ‘Desde o início a minha criação artística foi engajada, pois eu vivia e trabalhava nos anos oitenta no Brasil, sob os efeitos de uma ditadura militar. Acompanhei uma tendência na arte chamada de ’utilúdica’, ou seja, um manifesto sobre a possibilidade de transformar o mundo através da arte. A seguir, nos anos noventa, meus trabalhos se tornaram mais estáveis e auto-referentes, passando a ter como tema o corpo e a memória. Hoje procuro criar uma relação entre o homem e a natureza que seja contemplativa e poética, sem contudo pretender uma transformação do mundo por meio disto. Quero sentir e interrogar o mundo assim como ele é’ (H. Rolim em entrevista com Inga Thieme, 2008). É possível abraçar o seu amigo depois que ele morreu? O fim da existência corpórea do amigo Arte e vida – Água=Vida/Seca = Morte torna impossível um abraço corporal. No entanto, o sentimento não morre com o corpo. No trabalho de Herbert Rolim não existem corpos - somente camisas, tiradas do corpo encontram nos encostos de cadeiras novo apoio – camisas cujas mangas extra-longas se unem. É possível sentir uma vagarosa separação, um retraimento. Mas a relação intensa permanece. Ainda que o corpo morra, um núcleo imaterial se conserva. A morte interrompe a vida, que é temporal. No entanto, o que fica não é nada. sem título, 2006 Renate Gehrcke Delírios de heróis e de morte Herbert Rolim enfatiza uma visão muito pessoal e humana da morte, do luto e da lembrança. Em Helden [Heróis], no entanto, os heroís de Renate Gehrcke, por outro lado, lança um olhar de volta à morte ‘heróica’, motivada politicamente, e que atualmente nos parece tão desumana, distante e incompreensível. No entanto, nos anos trinta e quarenta do século passado, justamente na Alemanha, ela era extremamente idealizada - até que a Segunda Guerra Mundial trouxe uma visão mais sóbria, não mais possível de ser nega- da, sobre os terrores de guerra e morte (mais uma vez). Um trauma, cujos efeitos ainda ecoaram por várias décadas e que influenciou, sobretudo de forma decisiva, a geração pós-guerra. O que permanece dos heróis que deixaram sua vida no ‘campo da honra’? Somente invólucros corpóreos vazios, enterrados sob montes de terra, em vitrines de vidro, como objetos advindos de es- cavações da história passada e recente, que nos falam de lutas, que há muito perderam o sentido que tinham naquela época. Metáforas para a morte sem sentido! Heroís, 1993, Kunsthaus Nürnberg, 1993; Fora do Plano, SESC Pompeia, São Paulo, 1994 112 Berit Klasing Juventude versus transitoriedade o partir para sua viagem ao Amazonas com a Ponte Cultura, em 2009, Berit Klasing leu em um folheto de viagem o seguinte: ‘Brasil, fonte da juventude!’. Uma promessa e tanto: transformar em novo o que está velho, tal qual um produto de limpeza qualquer que limpa algo sujo – ou uma água mágica que lava a idade e a transitoriedade, descartando-as como se fossem uma pele indesejável da qual nos podemos livrar. Não é verdade que no nosso interior ainda nos sentimos tão jovens quanto antes? Primeiramente, a artista colocou em sua mala de viagem uma grande foto em forma de papel de parede, que ainda não havia sido utilizado, cujo motivo era a “Lüneburger Heide”, a charneca Arte e vida – Água=Vida/Seca = Morte de Lüneburg, a paisagem de sua juventude no norte da Alemanha, intocada e mágica na foto. Chegando ao Brasil, chamou-lhe a atenção a pintura verde de muitas casas (um tom de verde que ela só conhecia do comercial ‘Meister Propper’). Escolheu esta cor para pintar seus regadores, que deveriam se encher com a ‘água da juventude eterna’. Para completar este mundo de conto de fadas só faltava o ‘Espelho, espelho meu’ da Branca de Neve, ou o sapatinho de princesa da Gata Borralheira e o cordão de ouro, que fonte da Juventude, 2009 nos lembra de que muito, mas nem tudo, pode ser comprado com dinheiro (ainda que a indústria cosmética nos ofereça muitas águas da juventude). O efeito, no Brasil, desta paisagem (charneca) foi tão extraordinário e exótico, quanto também foi o próprio tipo físico da artista, uma mulher loira, do norte da Europa. Ela aparenta jovialidade e vivacidade e se mostra cheia de planos de futuro na arte e na vida. Mas ela também se encontra numa fase da vida, na qual, pela primeira vez, lança o olhar ao passado e reflete. Até quando as coisas vão continuar sendo dessa maneira? Nada pode ser retido! Para onde será que me leva o meu caminho? O estereótipo do Brasil como uma terra da juventude e da alegria de viver foi rapidamente revisto tão logo a artista chegou ao país, ao ver o seu lado oposto em todos os lugares à sua volta: pobreza, velhice, transitoriedade. A percepção da transitoriedade entre o nascimento e a morte também foi um tema no trabalho de Berit Klasing na exposição da Ponte Cultura Wasser - Água. A antiga lavanderia da AEG foi transformada: de um lado, sobre os compridos tanques foram pendurados objetos-útero que na parte superior se transformavam em cactus. Manchados de vermelho, como se estivessem manchados de sangue. Dor de parto. No lado oposto, bonequinhos de lã boiavam dentro de pequenos recipientes de madeira. Como se fossem pequenos caixões-boiantes – Charus manda lembranças! (conf. Chris Rocha). O espectador que entrava na performance, que se dava na lavanderia, via-se em pé no meio destes dois lados. Sob seus pés havia areia granulada. Seu andar tornava-se inseguro e cambaleante. Podia se movimentar somente com cuidado. Enxergava-se nos espelhos que estavam pendurados na parede de ambos os lados, tanto naquele do nascimento quanto no da morte. A transitoriedade se fazia presente! a leveza da água e o peso da vida, 2008 114 Monique Weissmüller Juventude versus transitoriedade Monique Weissmüller faz uma citação dos vultos femininos joviais da Primavera de Sandro Boticelli em seu quadro. Aqui, porém, estes vultos não se encontram mais andando por entre árvores iluminadas, mas pairam sobre o oceano (o lugar do Nascimento de Vênus). Uma encarnação da leveza da juventude! A pureza iluminada e a elegância do quadro contrastam com as torneiras salientes e os tanques corroídos nesta exposição da Ponte Cultura, Wasser-Água, no antigo galpão de fábrica da AEG. Água enquanto imagem onírica pintada, de um amplo e distante horizonte evanescente no mar e de luz solar, por um lado, e, em contraste, uma fonte de água bem próxima para lavar as mãos, utilizada na vida cotidiana dos antigos trabalhadores da fábrica. Complementando o quadro, o chão na frente do quadro-objeto. pendurado na parede, encontrava-se coberto de folhagem seca ali esparramada. A primavera do quadro contrastava, desta forma, com o outono presente no material da natureza. Vida e vigor da juventude como pólo oposto ao velho e transitório. Juventude eterna e noção de morte. Arte e vida – Água=Vida/Seca = Morte Printemps après Botticelli, 2008 Tempo 116 Finitude da vida Infinitude das ideias Nas discussões apresentadas anteriormente, a respeito de quanto a arte e a vida se encontram entrelaçadas, já se notava com freqüência cruzamentos e sobreposições de diferentes camadas do tempo. A vida inicia-se com o nascimento e finda com a morte. Existem, no entanto, caminhos que levam para além destes limites e da transitoriedade, pois as ideias do presente se desenvolveram a partir do passado e prosseguirão assim no futuro. Por mais que cada indivíduo único seja fechado em si mesmo, ainda assim ele está no mundo, que se conecta com ele das mais variadas maneiras possíveis. A Ponte Cultura ocupou-se durante muitos anos com o fenômeno do tempo. Neste sentido, ‘A busca pela vagarosidade’ foi um ponto de partida para workshops e exposições. Os artistas, porém, repetidamente rompiam os limites colocados pelos questionamentos iniciais, trazendo para a discussão os mais diferentes aspectos relacionados ao tempo. Artistas escolhidos: Patricia Furlong, Bernardo Krasniansky, Stefani Peter, Liz Miller, Gerlinde Pistner, Wilson Netto, Fernanda Amalfi, Chico Penteado, Jürgen Braun, Rita Kriege, Amarie Bergmann, Renate Gehrcke, Carola Dewor, Margalho Açu, Fred Ziegler 118 Patricia Furlong esconder e revelar No workshop da Ponte Cultura art in progress em 2002, Patricia Furlong fez uma enquete entre os participantes para encontrar aqueles conceitos e ideias, que fossem especialmente importantes para eles e que lhes ocorressem espontaneamente. Com moldes de letras escreveu então estas palavras na parede da exposição – e cobriu-as uniformemente com uma camada de tinta preta. O processo especial utilizado para tanto permitia raspar, a seguir, a parede com um objeto duro e, desta forma, revelar novamente as palavras escondidas por trás da tinta preta. A artista convidava os participantes para esta atividade. O conceito de esconder e revelar apontava indicava para além do trabalho artístico propriamente dito. Iluminava o fato de que para nós humanos é possível, graças à escrita, reter pensamentos, ‘congelá-los’ e, em algum momento, voltar a revelálos. Podemos lembrar aqui também do procedimento de arqueólogos, que às vezes descobrem arquivos e bibliotecas com mais de mil anos, que por sua vez revelam escritos perdidos e que são então decifrados. Muitas peças de argila com letras cuneiformes ou papiros com hieróglifos assim encontrados contém somente conteúdos referentes à contabilidade ou textos sobre cruzadas de guerra. Mas, reiteradamente, mundos e sistemas de pensamentos de pessoas já mortas abrem-se para nós, quando estão em jogo questões como visão de mundo ou religião. Este fato deixa claro, então, que a escrita é capaz de superar a transitoriedade. Uma ponte de comunicação se estabelece do agora em direção a um passado profundamente remoto – e certas questões existenciais, bem como as ideias sobre amor, felicidade e esperança certa vez podem ter sido as mesmas que aquelas atualmente escritas na parede de textos de Patricia Furlong. Tempo Finitude da vida/ Infinitude das ideias Parede com palavras escondidas, 2002 120 Bernardo Krasniansky Dar nova vida para o redescoberto Bernardo Krasniansky sentiu-se tocado por um velho álbum de poesias encontrado em um antiquário brasileiro. Apropriou-se do caderninho, preservando-o de ser descartado e de ter seu conteúdo esquecido. O artista não era capaz de entender as palavras ali escritas em alemão. Ainda assim, ou talvez por isso mesmo, encantou-se com a aura do objeto-livro. Cobriu página por página com suas pinturas. Desta forma, trouxe o passado esquecido do pequeno livro para o seu próprio presente. Na exposição da Ponte Cultura Zeitlupe - Camera lenta em Nuremberg existia para o visitante alemão um aspecto de interesse bastante específico com relação ao tempo neste trabalho de Krasniansky. Ao lermos “Dein Vetter Erich” [‘seu primo Erich’] seguido da data “1922”, logo pensamos que Friedchen Eiergrün, a proprietária original do álbum de poesias, muito provavelmente não emigrou voluntariamente da Alemanha para a América do Sul. Certamente carregava na sua bagagem estes pequenos textos, redigidos carinhosamente pelo seu primo e por outros parentes no seu álbum uma ou duas décadas antes de sua partida, quando teve que deixar a Europa por causa do regime nazista. Para ela o álbum de poesia estabelecia uma ponte entre a nova pátria e a antiga. Guardava nele todo o amor e dedicação, que lhe couberam na sua antiga vida, agora perdida. Estes sentimentos aconchegantes, ainda que ‘congelados’, ainda podem ser reavivados. Combinam-se com a presença direta da pintura, cuja cor dominante azul nos faz pensar no mundo de sentimentos e na aura da ‘flor azul’ do romantismo alemão. Tempo Finitude da vida/ Infinitude das ideias Diario, 2005 122 Stefani Peter diários Stefani Peter não escreve seus diários, mas os desenha. Durante muitos anos a artista levou adiante seu projeto de produzir diariamente um trabalho dobrável, na forma de um Leporrello. Alguns colecionadores adquiriram peças individuais, que nas respectivas coleções são então geralmente apresentadas individualmente em cima de um pedestal ou de uma peça do mobiliário, expressando ali sua aura. A artista, no entanto, apresentou várias vezes um conjunto de trabalhos (ou seja, relativo a um intervalo de tempo) em exposições. Nestas exposições os desenhos então encontravam-se dobrados, amarrados e arquivados, não permitindo assim uma visão imediata do seu interior. Um depósito de lembranças e ideias. Dias ‘retidos’ que se trans- Tempo Finitude da vida/ Infinitude das ideias formam em tempo ‘congelado’. Mas a qualquer momento é possível pinçar um dia qualquer do passado e retirá-lo, desdobrá-lo, abri-lo e contemplá-lo. Revela-se então uma obra de arte enquanto um indivíduo que também incorpora o tempo do seu surgimento! Quando mais tarde ela é novamente dobrada e guardada – então também desaparece retomando o seu lugar de pertinência no passado. Diários dos anos 90 Diários dos anos 90 Liz Miller excesso de informação Já no início da Ponte Cultura a artista brasileira Liz Miller expôs um tipo muito especial de arquivo na exposição Travessia / Übergänge, no MAC do Ibirapuera em São Paulo em 1994. Posicionou então, em cima de pequenas colunas, caixinhas de estantes abarrotadas de papel. Cada caixa parecia um módulo, retirado de uma quantidade muito maior de informações imagináveis. O conteúdo dos papéis permanecia oculto ao espectador. Esta encenação cerimoniosa nos levava a crer que se tratava de algo muito importante e valioso. Colecionar informações, que ninguém pode ou quer ver, já é algo em si absurdo. Corresponde, no entanto, em grande medida aos procedimentos adotados em bibliotecas ou arquivos, que têm como objetivo armazenar de tudo para o futuro. Este material, porém, só terá algum sentido quando um dia for selecionado por alguém, aberto e analisado a partir de questões específicas, processado e desenvolvido. É justamente na era do computador que estamos nos tornando cada vez mais conscientes de que a quantidade de informação disponível é grande demais para ser absorvida por uma só pessoa. Quase que afogamos no oceano informático virtual e ansiamos por módulos que podemos abarcar com informa- ções concretamente palpáveis, como estes módulos quase nostalgicamente encenados por Liz Miller. Excesso de informação, 1994 124 Gerlinde Pistner sra. Sacola Milagrosa olha para trás Nostalgia – somos alcançados por um sopro repleto de idílios do passado quando assistimos ao vídeo schau, schau [olhe,olhe] de Gerlinde Pistner, que é acompanhado da música Zillertaler Harfenländler tocada por Lilo Kraus. Gerlinde se apresenta com um vestido, cujo modelo nos faz lembrar os ‘bons e velhos tempos do estilo pequeno burguês Biedermeier’, e ainda, o ponto no i, ela segura um pequeno e gracioso guarda-chuva sobre a cabeça. Somente olhando mais atentamente observamos que o vestido que nos inspira todo este romantismo de fato não é feito de tecido, mas sim de sacos de plástico colados um no outro. Um material descartável e símbolo de consumo da atualidade estabelece aqui uma ponte do presente com o passado. Ambas as camadas temporais interligamse assim. A vida e a idéia, a realidade e o sonho formam uma nova unidade. Ao invés de prosseguir, o tempo parece parar e se voltar para trás por um curto instante. O vídeo schau, schau foi produzido como uma colaboração para o projeto da Ponte-Cultura Zeitlupe – câmera lenta. Ele não foi filmado, mas montado a partir de uma coleção de fotos individuais, de modo a surtir um efeito de estiramento temporal totalmente intencional. O fluxo do tempo é cortado em imagens individuais, que ainda assim se juntam intencionalmente formando uma nova sequência. A continuidade dada pela música é importante para esta nova unidade assim estabelecida. A auto-definição da artista como sra. Sacola Milagrosa dá ao todo um toque irônico-humorístico. Tempo Finitude da vida/ Infinitude das ideias schau, schau, 2007 Wilson Neto tempo presente e tempo de Goethe Se o passado estiver claro e aberto Hoje você é fortemente livre E ainda pode ter esperança que amanhã você não será menos feliz da ao tempo atual para fazer uma ponte entre Brasil e Alemanha? Quando as nossas seleções nacionais disputarão novamente o título de campeão mundial? Passado-presente-futuro foram reunidos nesta poesia por Johann Wolfgang von Goethe, poesia que o artista brasileiro Wilson Netto incluiu em alemão em uma de suas colagens da série Goethe – vida. Wilson Netto escreveu, a seguir, em vermelho, e em português, na parede da exposição: ‘Não sei nada sobre ele’. O que eu conheço? O que isto significa para mim? O que ainda é relevante para mim no aqui e agora? Talvez a ‘Wanderers Nachtlied (ein Gleiches)’ [Canção noturna do caminhante, (uma igual)], que também foi incluída na colagem – e que permanece válida para sempre: Referir-se a Goethe e seu tempo é também no Brasil algo que tem um sentido. A Alemanha, país de poetas e pensadores, é um mito. Sua importância nacional já se tornou um patrimônio cultural mundial. Mas quem (na Europa ou na América do Sul) de fato ainda lê Goethe hoje em dia? Uma bola de futebol, como aquela que foi colada sobre a mão de Goethe pelo artista, não seria bem mais adequa- Sossego descansa Sobre todos cumes Não se nota Em todos os topos Sopro algum; Os passarinhos silenciam na floresta. Aguarde, Logo, logo Também você descansará sossegado sem título, 2006 126 Fernanda Amalfi mulher-lua e tempo místico Fernanda Amalfi recua ainda um pouco mais na história da humanidade do que o fizeram Gerlinde Pistner e Wilson Netto. Ainda que o sol e a lua não tenham gênero sexual, nas línguas romanas, em muitos povos nãoeuropeus e em muitas culturas pré-históricas a lua é feminina (e o sol masculino). Luna, ‘a lua’, ou a mulher-lua, ainda hoje tem um papel importante nas representações esotéricas atuais (aqui se sugere uma busca destes nomes no Google). Na nossa sociedade, há milênios dominada pelo patriarcalismo (e que somente há poucos decênios começou a questionar de forma crítica seus próprios fundamentos baseados na divisão de gênero), parece bastante natural que artistas como Fernanda Amalfi retomem representações há muito ‘enterradas’ e que estabelecem uma ligação entre o cosmos e o homem (resp. entre a lua e a mulher) incluindoas nas suas reflexões artísticas. A relação das fases da lua com a menstruação mensal é certamente o que mais chama a atenção aqui, e é através dessa que o ritmo de vida feminino era relacionado ao cosmos nas representações de velhas culturas impregnadas pelo matriarcalismo – algo parecido também se dava com relação às marés marítimas. Em oposição a isto, as mulheres atualmente são educadas a enxergar sua menstruação mensal somente como um fardo incomodo, que deve ser preferencialmente negado. tornaram tabu no nosso presente. Na série Mulher-lua, nos seus trabalhos em papel, ela se refere a ídolos de fertilidade da idade da pedra (por exemplo, a Venus von Laussels de 25.000 anos), nos quadros se refere a discos lunares com sinais mágicos, e nos objetos esculturais, a corpetes e couraças corporais algo fetichistas. Símbolos da sexualidade feminina individual e da fertilidade são novamente relacionados com dimensões cósmicas. Ressurgem tempos místicos, há muito tidos como perdidos. O passado alcança o presente. Fernanda Amalfi não está preocupada com pesquisa científica ou histórico-cultural de antigas ordens sociais matriarcais, mas, ao contrário, tenciona captar aspectos da feminilidade que se Tempo Finitude da vida/ Infinitude das ideias Torso I, 2005 Torso II, 2005 - 2006 128 Chico Penteado Jürgen Braun mensageiros de tempos primordiais Gerlinde Pistner e Wilson Netto estabelecem uma ponte entre diferentes tempos históricos que abrangem os últimos dois séculos. Fernanda Amalfi recupera idéias de tempos pré-históricos. Chico Penteado e Jürgen Braun, porém, nos fazem pensar em idades da Terra que se passaram há milhões de anos. Chico Penteado moldou em látex seres que só chegamos a conhecer em sua forma fossilizada e preencheu com eles as paredes e janelas da escadaria que levava à entrada da exposição Zeitlupe - câmera lenta. Em uma sala muito próxima, Tempo Finitude da vida/ Infinitude das ideias a Sociedade de História Natural havia exposto um grande fóssil com pegadas de um animal pré-histórico de 190 milhões de anos, exposição que ainda não havia sido totalmente desmontada e retirada. Desta forma estabeleceu-se ali uma relação direta entre uma apresentação de ciências e uma apresentação artística. O artista não documentava somente um animal pré-histórico dos tempos primordiais, mas também reproduziu várias vezes a sua forma original em material da atualidade, criando assim um conjunto de animais estranhamente graciosos, que, provindos de tempos há muito passados, retornaram ao nosso presente. Trilobites, 2005 Seres que de fato não existem mais, que estão extintos, cuja transitoriedade em última análise remete à finitude de todas as formas vivas que a evolução fez surgir em milhões de anos. Durante quanto tempo ainda existirão seres humanos? Milhões de anos? Centenas de anos? Decênios? ‘Meus animaizinhos de silicone retornam à trilha do tempo agora, e no futuro permanecerão como lembranças da era do plástico’. Em vários conjuntos de sua obra Jürgen Braun também forma objetos de três dimensões, que remetem à fossilização de ossos de dinossauros, de caramujos gigantes ou de ouriços marítimos. No entanto, o que está colocado em primeiro plano para ele é a seguinte questão artística: escultura ou pintura? Ele trabalha em lona montada em chassis, que a seguir é pintada, ou seja, com pintura! Porém, em termos da sua relação com volume e espaço seus trabalhos se alinham à tradição da escultura e são também percebidos pelo observador primeiramente como um trabalho de escultura. Animal encouraçado animal com casca, 2005 130 Rita Kriege Jürgen Braun em linha reta ou por desvios Rita Kriege apresentou na Bienal de Jaboticabal, em 2003, um labirinto luminoso que tinha um diâmetro de um metro e meio e era feito por uma Slimline amarela (um cabo plástico eletrificado e iluminado). Retomou ali um tipo de labirinto, o ‘labirinto de Creta’, que chegou até nós através das antigas moedas minóicas de três mil anos, e que também foi encontrado nos petroglifos em Val Camunica no sul dos Alpes, ou ainda com os índios da América do Norte. Não se trata aqui de um labirinto com muitos caminhos que se bifurcam e no qual existe o perigo de se perder, mas, ao contrário, apresenta-se como um sistema no qual não existe a possibilidade de errar o caminho. A entrada e o centro, o início e o destino, no entanto, somente são alcançados através de um longo e tortuoso caminho, que se desloca da esquerda para a direita, circundando o centro sete vezes. Poderia Tempo Finitude da vida/ Infinitude das ideias ser um símbolo para o caminho da vida, que não vai em linha reta do nascimento até a morte? Ou um caminho do conhecimento, que somente alcança seu destino graças aos seus desvios e às mudanças de rumo? Um convite para se tomar o tempo e refletir? Uma peregrinação? O caminho é o destino? Chegando ao destino, ao centro, resta somente a volta, o retorno para o ponto de partida da jornada. Uma interpretação possível seria a auto-renovação ‘Entrar no labirinto significa a morte, sair dele o renascimento.’ (Rita Krieger, Conceito para um labirinto, 2003). Jürgen Braun desenhou um labirinto no chão do Centro Dragão do Mar em Fortaleza, em 2006. Era um labirinto com muitos caminhos principais e alternativos, que se separavam e se reuniam novamente, lembrando rios. Várias entradas e saídas davam ao sistema todo uma abertura e uma sensação positiva, contrastando desta forma com o labirinto conhecido através do mito, escuro e ameaçador, no qual o Minotauro devora sua vítima. Uma ponte sobre o tempo, 2003 Labyrinth, 2006 132 Amarie Bergmann do mito ao tempo cósmico de Naxos. Totalmente abandonada e dormindo na praia foi encontrada pelo deus do vinho, Dionísio, que de pronto se apaixonou por ela e a fez sua noiva. A sua coroa, que havia ganho de Theseus, foi atirada aos céus por Dionísio, transformandose na referida constelação. O nome da constelação ‘Coroa do Norte’ (“Corona Borealis”), que pertence às 48 constelações da astronomia da antiguidade, também está relacionado ao mito do Minotauro. Ariadne, filha dos reis cretenses Minos e Pasifaé, deu ao filho do rei de Ática, Theseus, uma espada sagrada com a qual ele haveria de matar o meio-irmão dela, o Minotauro, que devorava virgens e jovens. Após o feito, e graças ao fio vermelho de Ariadne, Theseus achou novamente a saída do labirinto habitado pelo Mintotauro. Na fuga em conjunto em direção a Atenas, Theseu deixou Ariadne para trás na ilha Tempo Finitude da vida/ Infinitude das ideias Amarie Bergmann não está muito interessada no sentido mitológico da constelação, mas, ao contrário, investiga a transformação real ou aparente da ‘Coroa do Norte’ ao longo do fluxo do tempo - trabalho que realiza como parte da exposição Zeitlupe - Câmera lenta da Ponte Cultura, em 2005. Ao observar uma constelação de estrelas ‘real’ no mesmo horário, em duas noites diferentes com um intervalo de tempo de somente alguns dias ou semanas, as observação das constelações parecem idênticas entre si. Repetindo esta observação com um intervalo de tempo de seis meses, por outro lado, nota-se que houve um movimento de rotação de 180 graus na observação da constelação. Após um ano, porém, a constelação parece retornar ao seu ponto inicial – como se não houvesse passado tempo algum. A constelação se modificou? Ou foi somente a nossa posição que se alterou ao longo do ano em função da diferente localização da Terra no universo? O ser se define pelo devir e pelo transitório, ou seja, pela transformação, conforme pensava Heráclito? Ou toda transformação é somente uma aparência superficial, que nada pode transformar no ser estático e que permanece sempre igual, conforme postulava Parmênides? Corona Borealis, 2005 Gerlinde Pistner o Sol não possui caixa de correio Mitologia, Astronomia e Astrologia, reflexões obstinadas sobre o ser e o devir – nada disso precisa ser levado tão a sério! ‘o Sol não possui caixa de correio’ e outras verdades absurdas foram escritas por Gerlinde Pistner nos seus desenhos. Aceitar o ser tal qual ele é. Interromper as interrogações ali, onde alcançamos o nosso limite. Ainda assim, superar nossos limites com o devido humor. Desta forma podemos nos livrar das nossas reflexões obstinadas, e dar lugar a um sorriso, tal qual ele nos acomete reiteradamente quando estamos diante dos trabalhos de Gerlinde Pistner. o sol não tem caixa postal, 2005, 2006 134 Força da água e força da vida Após um predomínio inicial de reflexões sobre identidade cultural e conceitos de arte, nos últimos anos a Ponte Cultura intensificou a discussão do problema do tempo – parar ou continuar, ‘fluir’ rapidamente ou vagarosamente. A partir disso paulatinamente a temática central foi se deslocando em direção ao foco atual água, que será mais uma vez ressaltado de forma especial no encerramento da presente amostra de obras. Exemplos: Maira Ortins, Sissi Fonseca, Edith Derdyk, Lisa Haselbek, Muriel Maire, Margot Delgado, Fernanda Amalfi, Natalie Fari, Klaus Treuheit, Marianne Stüve, Andrea Altemüller 136 Maira Ortins A finitude do mar Estruturação na natureza de cima para baixo: Céu, água, praia – mas no quadro: céu, praia, água. Mesmo assim, o quadro funciona como quadro, pois a estrutura integra a delimitação horizontal superior e inferior do formato do quadro. Conhecemos este procedimento de numerosos artistas da arte moderna e contemporânea, como por exemplo de Marc Rothko. No entanto, Maira Ortins altera o formato do quadro tradicional quadrado, na medida em que altera perspectivamente o ângulo das quinas dos dois lados para, desta forma, ressaltar o tema horizonte. Todavia, no horizonte não colidem mais céu e água. A superfície normal- força da água e força da vida mente parecendo infinita da água do mar fica estreitamente limitada pela faixa de areia. Em frente do quadro, no chão encontra-se um vaso grande de vidro com água. Também a sua água é limitada. Se não areia, mas petróleo ou outros poluidores deslocando em medida crescente a parte da água (limpa) do mar, torna-se, um dia tragicamente claro que também a água do mar é finita, embora nos sempre parecer infinitamente disponível. O biótopo mar está em perigo e com ele um suporte de vida do homem. Horizontes virados, 2008 138 Sissi Fonseca a onda dançante Conhecemos bem a visão que temos das ondas do mar a partir da praia - rolando em nossa direção, sendo estancadas pelas águas rasas e se espraiando às vezes um bom pedaço terra adentro coroadas de maresia. Ao final de seu percurso descarregam grãos de areia, pedrinhas, conchas e material de praia e finalmente retornam em direção ao mar. Sissi Fonseca iniciou sua performance no dia 19 de outubro de 2008, na entrada da exposição Wasser – Água. Movimentava-se engatinhando como uma onda dançante o salão da exposição adentro. O fundo musical era composto somente pelos ruídos do seu corpo se arrastando pelo chão e pelo suave força da água e força da vida som de chocalho vindo das coisas escondidas dentro do saco que carregava consigo. Ao chegar no final do seu caminho esvaziava o material de praia, retornava no caminho que havia feito e se recolhia no seu ponto de partida. Freischwimmen - Nado Livre foi o nome dado a sua performance, através da qual o movimento que emprestou do mar se tornava uma pose de libertação. Nado Livre, 2008 140 Edith Derdyk a força da onda Ao contrário das ondas que se quebram e se espalham suavemente na praia, como aquelas encontradas nos trabalhos de Sissi Fonseca e Maira Ortins, Edith Derdyk, no seu trabalho Wasser-Água, apresenta-nos como tema a enorme força capaz de se avolumar nas ondas marítimas, fazendo para tanto uso de três ondas compostas de pilhas de papel. Esse tema nos remete prontamente à força destruidora dos tsunamis, que levaram à morte em torno de dez mil pessoas nos países do Oceano Índico, no final de 2004, e no Japão, no início de 2011. Também nos lembramos de A grande onda de Kanagawa, a gravura colorida em madeira de Hokusais - com certeza a imagem mais famosa de uma onda na história de arte. Ali um okinami (uma onda realmente gigantesca que se quebra em mar aberto) está se formando com enorme força, enquanto pequenas pessoas em seus minúsculos barcos parecem desafiar a força da natureza, que de tão grande faz até o monte Futschijama, que se força da água e força da vida ergue poderosamente no fundo da tela, parecer um mero acessório da natureza. Ao contrário destas associações, Edith Derdyk não nos conta de um acontecimento ou de uma catástrofe específicos. Ela aqui não reproduz algo, mas parte da escolha de um material que é introduzido artisticamente. O papel, usualmente utilizado como superfície inicial para pintura e desenho, torna-se o próprio material plástico. Pilhas de papel são dispostas e deslocadas de maneira a formarem três grandes carreiras de ondas, que se avolumam com força. Ainda assim deixam entrever o frágil equilíbrio entre a força acumulada pela altura da pilha de papel e a força de gravidade, que faz com que tudo novamente se desfaça, dissolvendo a pilha de folhas de papel na extensa superfície do chão. As diferentes camadas de papel parecem se deter por alguns instantes neste movimento deslizante de mútuo deslocamento de Força da Água e Força de Vida. Será que a seguir os elementos individuais voltarão se avolumar com mais força ou se dissolverão em correntezas divergentes? São exatamente as diferentes alturas e curvas existentes nas três fileiras de material que fazem dos três montes de papel uma metáfora para a força que pode estar contida em diferentes intensidades nas ondas do oceano. A dimensão próxima ao tamanho humano nos indica não se tratar aqui de forças que se avolumam indicando uma catástrofe, mas antes de experiências cotidianas, que podemos experimentar quando caminhamos na água da praia, sentindo as ondas e mergulhando nelas. a onda, 2008 142 Lisa Haselbek o gelo como acumulador de energia Não é somente em sua forma de ondas em movimento que a água pode ser percebida como um verdadeiro ‘acumulador de energia’, mas também quando se encontra congelada no estado solidificado de gelo. Na instalação fotográfica Gletschermilch [Leite de geleira], apresentada em 2009 na exposição Terra dos Rios, na Galeria do Banco da Amazônia em Belém, Lisa Haselbek expôs fotos de detalhes de rachaduras e divisões existentes ao longo da superfície de geleiras. Nas suas imagens, estes elementos ‘lineares e plásticos’ aparecem não somente como estrutura ‘gráfica’ ou ‘movimentos de pincel’ transformado, mas, sobretudo, documentam também as enormes forças que se acumulam e se descarregam durante o vagaroso e quase imperceptível deslizamento das enormes massas de gelo em direção ao vale. Cada imagem individual delimita o ‘caos-gelo’ e lhe dá a forma geométrica de um hexágono. A soma de todas as imagens foi colocada na parede, organizada na forma de estrutura de um cristal de floco de neve. Do ponto de vista artístico, a forma clara conjunta da instalação de parede contrasta com o preenchimento das formas interiores de cada fotografia individual. Em relação ao conteúdo, também se nota o contraste de leveza e abertura da estrutura dos flocos de neve com a sensação de peso e de algo compacto transmitido pela geleira. A energia congelada e armazenada no gelo pode irromper sem freios na água derretida - é o que nos mostra o vídeo Gletschermilch de forma impressionante. Este documentário sobre massas de água retumbantes foi apresentado por Lisa Haselbek força da água e força da vida na exposição Wasser – Água em Nuremberg, em 2008. Projetou então seu filme sobre um antigo móvel para se lavar, fazendo de tela o lugar da onde a cuba havia sido retirada. Por um lado, o móvel doméstico espremia as forças da natureza para dentro de limites ‘humanos’ estreitamente definidos e, por outro, apontava para a idéia de que a água domada e canalizada provinda de geleiras se torna um fornecedor muito importante de água para a vida doméstica, o jardim e a agricultura. Na exposição Água no MACC Dragão do Mar em Fortaleza, em 2009, a artista projetou o mesmo vídeo Gletschermilch, desta vez sobre uma tela grande na parede, combinando-o com formas de cúpulas de montanhas. Do ponto de vista da história da arte impõe-se aqui o aspecto do sublime, que na estética desde o tempo dos românticos teve um papel importante como polo oposto ao belo. A natureza não domesticada da região dos Alpes, que ao final representa a impossibilidade do homem de dominar as forças da natureza, e que por esta razão lhe parece extremamente ameaçadora, corporifica e simboliza também as forças às quais estamos submetidos. Estas nos conectam com todo o universo, ao mesmo tempo em que ancoram de forma transcendental nossa existência individual. leite de geleira I, 2008/leite de geleira II, 2009 144 força da água e força da vida Muriel Maire a beleza da água congelada Em oposição a Lisa Haselbek, cujo tema eram as poderosas e gigantescas formas das geleiras e a água derretida que irrompe delas com toda força, Muriel Marie aqui descobriu no pequeno mundo de um riacho do sul da França os frágeis traços da água congelada. Congelamento, derretimento, condensação traçam linhas livremente oscilantes e áreas levemente flutuantes no micro-mundo fixado pela fotografia. A natureza cria um ‘objet trouvé’, que a artista descobre e logo fixa na imagem, antes de ele desaparecer para sempre. O ir e vir desta beleza do gelo simboliza como em uma câmera-lenta o começo e o fim de qualquer existência. Le temps emprisonné, 2005 146 Margot Delgado O circuito da água Nuvens no céu da tarde. Preparam-se para chover. São cheias de água. As nuvens quase parecem rochas. Rochas das quais corre água. (Margot Delgado, Entrevista Inga Thieme) A evaporação e formação de nuvens assinalam igualmente o início e o fim do circuito da água. O caminho do rio termina na desembocadura. Toda água corre para o mar. Lá chegou ao seu fim. Mas, pode evaporar – modificar seu estado de agregado. Não mais ser água, mas nuvem - pairar no ar - ser dissipada pelo vento – “viajar” ao redor do mundo – em forma de chuva, tornar-se água novamente - baixar às profundezas da terra – renascer de novo como fonte. Nos trabalhos força da água e força da vida de Margot Delgado, nuvens tornamse “rochas das quais corre água”. Nada se perde neste sistema fechado em si . Tudo que é, permanece? O estado agregado pode cambiar. Um objeto ou um ser vivo podem dissolver- se em elementos isolados que, por sua vez, tornar-seão alicerce para que algo de novo possa surgir. Nuvens, 2008 Fernanda Amalfi Lagrimas do cèu Água evaporada pode condensar nas janelas de aviões. Formam-se gotas geralmente despercebidas. Fernanda Amalfi, a artista de La vie en rose (v. p. 65) se deu conta dessas “lágrimas do céu”. Sua configuração a fez pensar na Sphaira que como esfera de cristal celestial, em representações antigas, engloba todo mundo . Pensou também no fato de que nas coisas pequenas as grandes podem ser reencontradas. E lembrou-se de Poseidon que desceu do céu para tornar-se deus do mar. No olhar pela janela sobre céu, nuvens e o mundo lá embaixo mesclamse às vezes recordações pessoais do passado com sonhos do futuro. Cada vôo entre América e Europa – ou para algum (nenhum) outro lugar torna-se assim uma “viagem sentimental”. Gotas de Água, 2008 148 Marianne Stüve vasilhame de pensamentos Marianne Stüve trabalha há algum tempo com trançados de nylon em vários conjuntos de obras (ver p. 105), assim também nos seus ‘bottles’ - objetos plásticos em forma de garrafas que circunscrevem um volume parcial dentro de um espaço total. Estes volumes em forma de garrafas são ‘desenhados’ no espaço somente por meio destes fios de nylon trançados, de tal forma que, apesar da delimitação linear que lhes dá o contorno, o espaço interno e o espaço externo ainda assim mantém uma porosidade que possibilita um fluxo constante de um para o outro. Em um primeiro plano, esta obra trançada delimita um espaço vazio, ou seja, um ‘nada’. Mas, na verdade, garrafas são vasilhames que servem para ser preenchidos por algo. Um primeiro uso seria o preenchimento por algo basicamente líquido. Uma utilidade secundária, no entanto, poderia ser vê-los preenchidos ‘somente’ por pensamentos (e assim por ‘tudo’). Um emissor envia uma mensagem em uma garrafa para uma viagem em direção ao desconhecido lugar nenhum=todos os lugares. Emissor e receptor não se conhecem! Será que a mensagem sequer encontrará um receptor? Que bela metáfora para a relação entre o artista e o espectador acaba de ser formulada! Cada obra de força da água e força da vida arte é um vasilhame, ao qual o artista confia seus pensamentos. Mas é também um vasilhame no qual cada espectador pode colocar suas próprias idéias. O artista envia o trabalho por ele finalizado para uma viagem em direção ao desconhecido. Porém, esta viagem partindo do ‘lugar nenhum’ sem sentido em direção ao ‘em todos os lugares’ pleno de sentido só pode ser realizada quando algum espectador descobre a obra de arte para si mesmo. É então que a garrafa fechada volta a ser aberta, liberando a mensagem do artista e acolhendo os pensamentos do espectador nela. Somente então do ‘nada’ surge um ‘ser’. E mais, as garrafas aqui geralmente não aparecem individualmente, mas agrupadas em pequenos conjuntos que parecem estar em comunicação tanto com o espectador como também entre si. No interjogo recíproco das formas e do jogo de luz e sombra existe um reforço recíproco na expressão de movimento, leveza e abertura. empty bottles, 2006 150 Natalie Fari Klaus Treuheit a água como elixir da vida Nathalie Fari e Klaus Treuheit realizaram um projeto conjunto como parte integrante da exposição Wasser - Água. Neste projeto a artista performática estabeleceu uma relação exemplar entre si mesma e o elemento molhado da água através de suas ações como tocar a água, esparramá-la e mergulhar nela, enquanto o músico ampliou a performance acrescentando-lhe uma dimensão acústica. Os dois atores continuaram a desenvolver a performance durante a própria execução, quando então momentos espontâneos de troca de idéias aconteceram. Assim, esta performance só foi apresentada desta forma uma única vez e não pode ser repetida (de forma idêntica). força da água e força da vida Beach Crossing, 2008 (Fotos Daniel Schäfer) 152 Marianne Stüve cada gota é valiosa No seu trabalho em vídeo desenvolvido em conjunto com Klaus Treuheit, Tropfen – gotas, Marianne Stüve se dá o tempo para observar o lento gotejar da água, um acontecimento em si pouco espetacular. O espectador também é convidado a tomar o tempo para olhar, perceber e refletir. Estas gotas de águas são de fato irrelevantes? Ou será que elas não nos remetem à idéia de que podemos estar lidando de forma pouco cuidadosa com nossas reservas de água - não considerando que cada gota de água em si é valiosa?! força da água e força da vida Drops, 2006 - 2008 154 Andrea Altemüller Água em excesso Em sua série Pools, que Andrea Altemüller mostrou na exposição da Ponte Cultura - Água - no Dragão do Mar, Fortaleza 2009, a artista se valeu das possibilidades da fotografia para produzir quadros que perpetuem e desenvolvam mais as tradições artísticas. Em tais trabalhos, a configuração do quadro é aproveitado de modo composicional com o objetivo de produzir um balanço sedutor de superfícies, formas e cores. Seguidamente horizontais e verticais articulam a área inteira, mas linhas onduladas também podem desempenhar a função de estruturar. Os detalhes artísticos escolhidos dentre a infinita multiplicidade de possibilidades dirigem o olhar a elementos formais que levam a pensar em princípios da arte construtiva. força da água e força da vida Ao lado destes aspectos formais podem, todavia, também ser reconhecidos nesses trabalhos pontos de vista de ordem sócio- política e ecológica. Tempo de verão e diversões aquáticas deixam pensar em férias de sonho, mas também na consciência pesada que já deveríamos ter diante o excesso turístico. Em países meridionais secos (nos viajamos para lá para deixar para trás o frio e a chuva) desperdiça-se água para o bem dos turistas em forma da construção de cada vez mais gigantescas paisagens-piscinas ou até da irrigação dispendiosa de campos de golfe em áreas de deserto. Maior, mais caro, ainda mais estrelinhas – crescimento vale como motor em direção futuro. A nossa terra oferece água em excesso para sempre- para todos ou apenas para os ricos? Pools, 2008 Epílogo A quantidade de artistas e obras de arte de importância para a Ponte Cultura foi reduzida no texto anterior a uma seleção exemplar e estruturada em quatro blocos temáticos. Obviamente, cada obra de arte possui não apenas uma resposta para o tema ao qual foi juntada. Sempre outros aspectos oscilam juntos, de forma que, com certeza, outros princípios de organização teriam sido possíveis. Foi, no entanto, muito importante para mim, não seguir simplesmente a cronologia de workshops e exposições ou a ordem alfabética dos nomes dos artistas, pois a Ponte Cultura cresceu em mais de duas décadas como um organismo vivo ou então como um rio em que sempre desemboca algo de novo, que ele aceita e carrega adiante. Olhando para o início da Ponte Cultura e o desenvolvimento que esta instituição tomou até hoje, parece estupendo o número de atividades e projetos que esta iniciativa privada tem lançado e concretizado. Aqui quero remeter às relações do apêndice. Na avaliação histórico-cultural da Ponte Cultura gostaria de ressaltar especialmente os seguintes aspectos: A promoção do intercâmbio cultural do Brasil (América Latina) para Alemanha (Europa) e vice versa deixa-se enquadrar em uma internacionalização da arte cada vez mais importante, que há muito não é mais atada a centros vanguardistas na Europa e Estados Unidos, mas que funciona cada vez mais independente do local e a um nível global. Determinante é o artista em seu agir bem como a rede comunicativa em que se encontra. Neste particular, Ponte Cultura estabeleceu relações importantes, impulsionando e promovendo o intercâmbio intercontinental entre artistas . Muito simpática em Ponte Cultura é a abertura e Epílogo 156 “largura”. Não se trata de destacar mais ainda um artista já estabelecido e coberto de medalhas, mas muito pelo contrário, atuar sobre fundamento largo. Obras de ponta necessitam de larga base! Algum dos artistas que no passado agia junto à Ponte Cultura, entrementes “cresceu para além” deste círculo. Por outro lado, também artistas forneceram contribuições importantes que não tiveram sempre em sua vida a arte no foco de suas atividades. Onde se encontra a divisa entre “artistas profissionais” e “dilettanti”? Para a qualidade de uma obra é relevante se o artista teve uma formação universitária, terminando com um diploma? Independentemente de estratégias de carreira artística,é possível que criatividade leve a trabalhos importantes, interessantes, com posicionamento social bem como histórico(cultural)? Olhando no conjunto dos artistas que participaram de atividades da Ponte Cultura, percebe-se que constam numerosos profissionais respeitados, que em suas pátrias e ao nível internacional ocupam posições importantes e desempenham funções e atividades. Por outro lado, também havia sempre de novo pessoas “obliquamente entrados” (Quereinsteiger) (“Não”-artistas?) que foram inspirados pela Ponte Cultura a trabalhos surpreendentes, pense-se somente em Pat Woolham (v. p. 75) ou Muriel Maire (v. p. 144). Ponte Cultura sempre objetivava funcionar como um catalisador entre (artistas)-personalidades e construir pontes. Se por um lado - para artistas mais que para qualquer um- é de extrema importância, definir-se como individuo que se delimita de outros; por outro lado, torna-se cada vez mais decisivo –não apenas para artistas – chegar longe através da comunicação e troca de idéias. Todos nos temos a tarefa de encontrar um caminho coletivo para o futuro, que leve cada vez mais enérgico da sociedade excludente (exemplo extremo: Alemanha nazista) a uma sociedade “inclusiva” do “global village”. O tópico “Arte e Vida” desempenhou sempre um papel importante quando se tratava do criativo progresso de desenvolvimento do nosso mundo. Enquanto este grito de guerra desde os anos sessenta do século passado sempre foi taxado de agitação sócio-política, hoje destacam-se iniciativas como Ponte Cultura pela naturalidade com que unem arte e vida, fazendo disso uma fonte criativa para nosso futuro comum. em baixo: Marianne Stüve na conversação com Clemens Heinl á Fortaleza, 2006 (foto: Bruno Weiß) 158 Texte aus zwei Jahrzehnten Inga Thieme, Brasilien Schmelztiegel der Kulturen Résumé des Vortrags anlässlich des Workshops “Sambaqui”, 1990 Identität und Kunst. Wenn sich heute der Begriff “Kunst” als übernationale Kategorie versteht, so kann nicht außer acht gelassen werden, dass Kunst das Produkt von Künstlern ist, von Menschen also, die als Bewohner eines bestimmten Landes und Teilnehmer einer bestimmten Kultur, Kulturträger sind und die kulturspezifische Art ihres Denkens und Fühlens bewusst oder unbewusst in ihren Kunstwerken zum Ausdruck kommt. Es ist gerade die Kulturbrille des künstlerisch Schaffenden, die dynamisiert und in die Einheitlichkeit globaler Themata Bewegung bringt. Unter diesem Gesichtspunkt kann es nicht belanglos sein, sich einmal Gedanken um die eigene Kulturidentität zu machen. Was sind Schwerpunkte in dieser spezifischen Art des Sehens und Begreifens? Welches sind die moralischen und ästhetischen Werte, welches das Selbstverständnis im Hinblick auf soziales und natürliches Umfeld? Auf brasilianische Verhältnisse angewandt, wollen die anschließenden Bemerkungen nur einmal in groben Zügen die Zusammensetzung dieser Kultur und den Beitrag hauptsächlich der indianischen Erstsiedler erörtern.1) Wie bereits der Titel “Brasilien - Schmelztiegel der Kulturen” vermuten lässt, kann das, was die brasilianische Kultur ausmacht, als Prozess verstanden werden. Dieser begann mit der “Entdeckung” dieses Landes vor 500 Jahren und ist bis dato noch lange nicht abgeschlossen. Der so lange Zeit in Anspruch nehmende Integrationsprozess hängt unleugbar mit Klassen- und Rassenunterschieden zusammen. Es kann mit Sicherheit behauptet werden, dass dem bürgerlichen, allgemeinen Trend in Richtung McDonalds und Tennisschuhe die Entwicklung einer authentischen brasilianischen Kultur entgegensteht, deren Hauptelemente afrikanischen Ursprungs sind. Man denke nur einmal an populäre Musik wie Samba und Lambada oder an religiöse Manifestationen und den aus Christenglauben und afrikanischen Gottheiten zusammengesetzten Synkretismus: Umbanda, Candomblê, etc.. Aber auch indigene Elemente sind im brasilianischen Kulturgut mit eingewoben. Auf diesen, den Wenigsten bekannten Beitrag soll hier einmal näher eingegangen werden. In der multi-ethnischen und multikulturellen indianischen Urbevölkerung sind es vor allem Kulturelemente der unter dem Begriff Tupi-Guarani zusammengefassten Tupístämme des Küstengebietes und der weiter südlich und im Innern des Landes einstmals siedelnden Guaraní, die in die brasilianische Kultur einflossen. Von den ersten Anfängen an in Kontakt mit dem portugiesischen Kolonisator, wurden von diesem eine ganze Reihe von Kulturelementen aufgenommen, vor allem Nahrungsmittel und deren Zubereitung: bis heute spielt zum Beispiel die von Amazonas-Indianern vor mehr als fünftausend Jahren domestizierte Maniokwurzel eine grosse Rolle, sowohl in Form von dem daraus gewonnenen Mehl – das Vielzweckprodukt Maniokmehl – als auch als Wurzel, gekocht als Beigabe zu Fleisch- und Fischgerichten. Desweiteren sind indianisches Domestikat: die Süßkartoffel, die Tomaten, Bohnen der verschiedensten Arten, Kürbis, Kakao. Wenn wir noch das Andengebiet mit hinzunehmen, kommt unter anderen Nutzpflanzen die in Europa so wichtige Kartoffel hinzu. Wie kaum ein Biologe war und ist der Indianer ein Pflanzenkenner, der wesentlich zur Identifizierung der essbaren oder sonstwie nützlichen Pflanzen beigetragen hat. Von ungeheurer Wichtigkeit für die Automobilindustrie wurde der Gummibaum (Hevea brasiliensis), der später in Indonesien in Monokulturen angebaut wurde. Die unter Kleinbauern praktizierte Urbarmachung kleiner Flächen, die Wechselwirtschaft, sowie der Polikulturanbau beispielsweise von Mais und Bohnen, gehen auf indianische Praktiken zurück. Desweiteren wurde – hauptsächlich im Norden und Nordosten – die Hängematte als Bettersatz erfunden. Ästhetische und hygienische Gepflogenheiten, wie Depilation und häufiges Baden folgen indigenem Schönheits- und Sauberkeitsempfinden. Der indianische Beitrag beschränkt sich jedoch nicht auf diese pragmatischen Aspekte. Im Sprachbereich 2), im Volksglauben, in Prosa, Musik und Theater sind Einflüsse indigener Kulturen zu verzeichnen oder bieten Indianer und indianische Kulturelemente Motive zur Inspiration 3). Nicht eingegangen in die brasilianische Kultur ist unter vielem Anderen die indianische Naturauffassung, beziehungsweise das Selbstverständnis dieser Bevölkerung, das erst heute im Zusammenhang mit Umweltfragen relevant wird. Der Mensch ist für den Indianer kein höheres Wesen. Genau wie er sind auch die Tiere mit Intelligenz begabt und haben ihre Kultur. Und sie haben ihren “Herrn” der Tiere oder der Tierart, der dafür sorgt, dass der Bestand erhalten bleibt. Solche Vorstellungen knüpfen sich an die Konzeption eines kosmischen Energiegleichgewichtes, in welchem Input und Output equivalent sein müssen Wie versucht wurde zu zeigen, war der indianische Beitrag zum brasilianischen Kulturbild nicht ohne Bedeutung. Die Kenntnis dieser Kulturleistung rückt – so möchte ich hoffen – den brasilianischen Indianer in ein anderes, besseres Licht, denn im Gegensatz zum “edeln Wilden” rousseauscher Prägung, hat dieser in Brasilien bis zum heutigen Tag keinen allzu hohen Stellenwert. Abschließend noch ein Wort zu der europäischen und japanischen Einwanderung: In den Schmelztiegel der Kulturen kamen neben den anfänglich portugiesischen und den erwähnten indianischen und afrikanischen – im 19. und 20. Jahrhundert – weitere europäische sowie auch japanische Elemente hinzu. Von all diesen wohl am intensivsten waren diejenigen italienischen Ursprungs. Deutsche, polnische und spanische, sowie auch japanische Kulturelemente blieben bis zum heutigen Tag weitgehend gruppenspezifisch, das heisst, ohne größeren Einfluss auf die sich herausbildende brasilianische Kultur. 1) Der amerikanische Kontinent wurde ursprünglich von nicht spezialisierten Jägern und Sammlern bewohnt, die mit rudimentären Waffen dem Großwild der Eiszeit nachjagten. Vor ca. zehntausend Jahren erschien dann der Paleo-Indio, ein Jäger und Sammler, der, ausgerüstet mit der Pfeilspitze Clóvis, noch der Megafauna aber auch schon die Fauna des beginnenden Holozäns verfolgt. 2) In der portugiesischen Sprache Brasiliens kommen eine große Menge Vokabeln der ursprünglichen “Lingua Geral” (allgemeine Sprache) vor. Es handelt sich vor allem um Namen 160 von Orten und Flüssen, wie zum Beispiel der Stadt Mogi Guaçu (ausgedehntes Sumpfgebiet), oder des Baches Anhangabaú (wenig Strömung). Auch Namen von Pflanzen und Tieren, wie Manacá (rosa und weiß blühender Waldbaum) oder Jacaré (Kaiman). 3) Aus der Vorstellungswelt der Indianer kennen wir zum Beispiel den Curupira mit nach hinten gekehrten Füßen oder Macunaíma, den charakterlosen Helden des gleichnamigen Romans von Mário de Andrade. Auch die schamanistischen Metamorphosen von Mensch zu Tier sind in den populären Vorstellungen und Gebräuchen des brasilianischen Interiors zu finden. Mit Bezug auf die Musik oder zumindest der musikalischen Inspiration ist hier das tief in indigenenen Themen wurzelnde Werk von Villa Lobos zu erwähnen. Jaguargeschichten Vortrag anlässlich des Workshops “Arte no Casarão” in São Bento de Sapucaí, 1998 Fernweh und die Suche nach dem Anderen, Themen der diesem Workshop vorausgegangenen Forumsdiskussion, sind nicht nur die Sehnsucht oder Suche nach anderen Ländern, anderen Menschen, Lebensweisen, gesellschaftlichen oder gar materiellen Verhältnissen. Es ist auch und vor allem die Suche eines anderen Selbst- und Weltverständnisses, anderer Ansichten, anderen Wissens. In unserer heutigen, für esoterische Dinge so aufgeschlossenen Zeit ist es unter anderem das heute noch in verschiedenen Ländern anzutreffende schamanistische Wissen, das gesucht wird. Vor allem was die Heilung von Krankheiten anbelangt, steht solches Wissen oft in höherem Ansehen als unsere wissenschaftlich fundierten medizinischen Kenntnisse. Ein Beispiel solch hohen Ansehens ist der Fall eines berühmten Vogelforschers in Brasilien. Als letzte Rettungsmöglichkeit galt sogar dem Präsidenten des Landes die Kunst eines Schamanen. Wie Studien in dem für derartige Kenntnisse wohl bekanntesten Land, Sibirien, gezeigt haben, ist der Schamanismus engstens mit Tiervorstellungen verbunden. Tiere sind das Alter Ego des Schamanen. Aber auch Uneingeweihte haben diesen Vorstellungen zufolge ein Leittier. Das konnte ich bei einer sogenannten Selbstfindungstherapie bei einem russischen, heute in Brasilien lebenden Heilpraktiker sogar selbst erfahren: in eine Art Vorschlaf versetzt, sollte mir in diesem Zustand mein Leittier erscheinen. Vor meinem inneren Auge zeigte sich tatsächlich ein kleiner Affe. Er sah hinter einem Baumstamm hervor, wollte sich aber nicht weiter nähern. Sollte dies etwa mein Leittier gewesen sein? Das distanzierte Verhalten des kleinen Tieres lässt keine eindeutige Interpretation zu. Was jedoch relevant ist in unserem Zusammenhang, ist die Tatsache als solche. Im Amazonastiefland sind ähnliche Vorstellungen anzutreffen. Hier nimmt das Leittier in den meisten Fällen die Gestalt eines Jaguars an. Er erscheint während bewusstseinserweiternder Séancen und wird in vielen Fällen zum grossen Helfer des Schamanen. Schamane und Jaguar sind häufig ein und dasselbe. In der Vorstellungswelt vieler Ethnien Amazoniens und anderer Gebiete des Kon- tinents aber auch schon bei den prähistorischen Hochkulturen des Andengebietes spielt er jedoch noch eine ganze Reihe anderer Rollen, wird zu Gott, Vorbild und Ahne, zu Partner, Kulturbringer und ähnlichem. gling zu beseitigen. Aber nicht nur verfolgt er Mensch und Tier auf seinem Gebiet. Laut alten Chroniken geht sein Mut so weit, dass er sich aufrichtet und den Kampf mit seinem Jäger aufnimmt, bis einer von beiden erliegt. Es musste nicht immer der Jaguar sein. Die anschließende Lichtbilderreise in die Vergangenheit und zu verschiedenen Gruppen der Gegenwart will einige dieser Vorstellungen veranschaulichen. Bevor wir nun aber diese Reise antreten, möchte ich noch kurz auf den Grund der grossen symbolischen Beliebtheit des Jaguars zu sprechen kommen. Wie kommt dieses Tier, eines der gefährlichsten Raubtiere des Kontinents zu einem so hohen Ansehen, wird zum Träger aller möglichen Vorstellungen, zum Inbegriff höheren Wissens? Wie kommt überhaupt ein Tier dazu, mehr zu wissen als Menschen? Der Jaguarforscher Rabinowitz erzählte einmal in einem seiner Berichte, wie er von einem Jaguar um ein Haar getötet worden wäre. Es war bei der Befreiung aus einem Käfig, in welchem er das Tier zurückbrachte in die Freiheit. Nachdem er die Tür des Verschlages geöffnet hatte, stürzte sich das empörte Tier heraus und auf seinen “Peiniger”. Mit Ach und Krach konnte sich Rabinowitz noch in die Kabine des Jeeps flüchten. Von unserem (westlichen) anthropozentristischen Standpunkt aus gesehen, hat ein Tier überhaupt kein Wissen. Bei den infrage stehenden Völkern und Ethnien hängt der hohe Status des Jaguars wohl mit seinen ganz konkreten physischen Eigenschaften und seinem Verhalten zusammen. Was ihn auszeichnet vor allen Tieren ist vor allem seine Courage. Aus eigener Erfahrung kann ich berichten, dass er vor Menschen nicht davon läuft, wie andere Tiere, sondern sie aus nächster Nähe belauert und jeden ihrer Schritte verfolgt. Dieses wahrhaft mutige Verhalten des Jaguars wurde mir während einer archäologischen Prospektionsfahrt auf dem Rio Negro, einem der unzähligen Flüsse des Pantanalgebietes in Brasilien bewusst: der Jaguar durchschwamm den Fluss und verschwand im Uferwald. Nach einer Weile hörte man ein wiederholtes Schreien. Es kam, wie mir der Bootsführer erklärte, von dem aufgebrachten Jaguar, der uns als Störenfriede empfand und aus seinem Revier verscheuchen wollte. Wir fuhren weiter und hatten den Zwischenfall schon längst vergessen. Als ich dann aber an einer Uferstelle weiter flussaufwärts, an einer Barranke nähere Untersuchungen und Messungen anstellen wollte, erschien auf einmal direkt über mir der mächtige Kopf des Tieres. Es war uns die ganze Zeit gefolgt und drauf und dran, den unliebsamen Eindrin- Neben seinem Mut und seiner Courage wird das “Feuer” in seinen Augen als Auszeichnung angeführt. Dieses lässt ihn auch bei Nacht gut sehen und lässt ihn, zusammen mit seiner grossen Gewandheit, mit der er sich sowohl auf dem Land als auch im Wasser und in der Luft (auf den Bäumen) bewegt, zum Inbegriff des kompetenten, unübertroffenen Jägers werden. Wir kommen nun zurück zu den Jaguarassoziationen. Die Dias zeigen graphische Repräsentationen dreier vorkolumbianischer Hochkulturen der Andenregion sowie vereinzelter Kulturen des Amazonasbeckens. Was sich zusammenfassend über die ikonographischen Darstellungen der alten Kulturen sagen lässt, ist die häufige Wiederkehr nicht des Jaguars in seiner ganzen Erscheinungsform, sondern nur bestimmter Charakteristiken, und zwar seiner zweifelsohne bedeutendsten, nämlich seiner Zähne und Krallen. Wo immer sie erscheinen auf Stelen, Obelisken, Keramik- und Metallartefakten oder in der Textilkunst sind diese Merkmale - sogenanne “Kennings” - direkte Hinweise auf dieses Tier und seine Fressgewohnheiten, die für die Menschen Opfertod und Blutvergießen bedeuten, aber auf der andern Seite, Fruchtbarkeit für Mensch und Natur verheissen. Im östlichen Amazonastiefland auf der anderen Seite, scheinen Jaguarrepräsentationen eher mit seinen Fähigkeiten zusammen zu hängen. Riten und Mythen verschiedener Ethnien lassen klar erkennen: der Jaguar wird hier zum grossen Vorbild als Jäger und Kämpfer. 162 Água - Elixier da vida Basistext für den Workshop “Wasser / Àgua”, St. Dézèry, 2007 Água, precioso presente dos céus, onde quer que ocorra, no colo da terra, em rios, riachos ou lagoas, engendra-se vida, encontram-se condições para a vida. Água era o elemento em que a evolução se iniciou. Da água viemos e de água consistimos em boa parte. Água é um importante alimento para humanos e animais. O mundo vegetal depende dela em grau até mais elevado. Sem água não há crescimento. Uma olhada na história das civilizações mostra que a água, ou melhor, a escassez dela desempenhou papel determinante no surgimento das primeiras grandes teocracias. Seja a alta cultura da Suméria, Assíria ou Egito, todas nasceram em lugar onde havia escassez de água. Conforme a teoria mais convincente, em tais circunstâncias, somente uma distribuição igualitária e justa dos poucos recursos aquáticos podia garantir a paz interpessoal. Tal tarefa teria exigido uma instância centralizada, um órgão acima dos interesses particulares. Com isso, a formação do estado e todo desenvolvimento civilizatório teriam sido encaminhados. Ao lado de todas estas funções e utilidades, água é empregada ainda para uso caseiro como, por exemplo, limpeza, lavagem, banho ou escova de dentes. E ainda: uma quantia enorme de água é consumida por fábricas, estabelecimentos de produção, etc. Em resumo deixa-se dizer: água é um bem de inestimável valor. Sua presença significa evolução, continuidade da vida, saúde, bem-estar, riqueza. Nos, cidadãos de hoje, esquecemos da importância que tem este elemento para nos. Não nos interessa o quanto dependemos dele. “Não temos tempo” para tais reflexões. A falta ou excesso da água até podem chamar nossa atenção, mas enquanto podemos abrir a torneira, tudo isto não se torna problema efetivo. O excesso assim como a falta, no entanto, tem sido desde tempos imemoráveis razão de grandes carestias. Hoje em dia é sobretudo a falta, mas também o excesso, que têm conseqüências desastrosas. O primeiro, um fenômeno contínuo de muitos países do terceiro mundo. O excesso, porém, que se manifesta em forma de inundações, também ocorre em países do mundo ocidental. Vide a inundação do rio Elba, há alguns anos atrás. A origem destas desgraças é em ambos os extremos a mesma: a devastação da natureza em forma de desmatamento de florestas inteiras e cabeceiras dos rios e riachos . Esta destruição completamente irracional e destituída de juízo origina, num primeiro passo, a desertificação dos solos e total secagem das fontes. Seguem como consequência falta de água > falta de crescimento das plantas > penúria. No segundo momento, em tais solos, chuvas fortes causam erosão e depósito de terra nos leitos dos rios, diminuindo sua capacidade de suporte, o que seguidamente leva a transbordos e inundações . Ao contrário de nossa ignorância ou desinteresse em tais conexões ecológicas fundamentais, os nossos antepassados há dois milênios atrás se deram conta da importância dos elementos essenciais para a vida. Estes antepassados, os celtas, que na época ocupavam largas partes da Europa ocidental, não dispunham de tecnologia para conduzir rios inteiros sobre aquedutos e em canais a lugares distantes, como a possuíam os romanos. O que, no entanto, tinham era um grande respeito e adoração pela natureza . Reconheciam nas suas forças e seus elementos, em flora e fauna. suas divindades e espíritos. A água, que aqui nos interessa particularmente, era um dos quatro elementos fundamentais, ao lado da terra, ar e do fogo. Animada por espíritos – as undinas – (espíritos da água) a sua ajuda fora invocada em ritos e práticas para fins específicos. Cada um dos quatro elementos pertencia a um dos pontos cardeais. A água era associada ao oeste. Uma invocação deste elemento podia ter o seguinte teor: “Grande espírito do oeste, Forças da água onipotentes. Nos as chamamos e invocamos: Pássaro de prata, peixe veloz, cisne nadando e golfinho. Rio, cachoeira, mar, ondas e rápidos da água, oceano do qual viemos. Príncipe da luta da penumbra de outono. Senhora do por do sol. Espírito que satisfaz. Senhores da compreensão. Santo espírito feminino da energia da água. Anciã do mar, sábia e sem idade. Vida pulsante. Forças da água enviem seu fluxo Por toda a força do três vezes três vêm a nos. Sejam bem vindos” Como se percebe, a água era um elemento de propriedades contraditórias: era ao mesmo tempo unidade e pluralidade, masculina e feminina, nova e velha, sábia e cheia de vida. Entre os gregos da antiguidade, a physis (natureza) era lugar dos fenômenos naturais e sobrenaturais. Nunca se sabia com certeza se estava diante de um ser deste mundo ou de um mundo superior. Um homem no campo ou na floresta podia ser um homem ou um deus ou semideus. Entre os celtas, a natureza era igualmente povoada por seres naturais e sobrenaturais, com uma diferença: os fenômenos e seres da natureza eram simultaneamente também da sobrenatureza. A água, portanto, era ao mesmo tempo água e espíritos da água. No decorrer do tempo, durante as modificações demográficas e religiosas da Idade Média e Renascimento, o animismo celta sofreu alterações consideráveis: as undinas, espíritos caritativos, transformaram-se em lindas sereias que seduziram homens incautos. Homens aquáticos raptaram princesas e levaram-nas ao seu reino no fundo das águas. As sacerdotisas celtas tornaramse bruxas ou fadas malvadas que, nas fontes das águas, transformaram crianças em animais selvagens, ou que afogaram lindos jovens que à nado queriam alcançar a amada do outro lado do lago. Nosso tempo racional colocou o mundo encantado dessa época no mundo das crianças. Nele ainda se fala de fadas e ninfas, de meninos transformados em animais, príncipes em apuros, lindas princesas. No mundo apressado dos adultos, no entanto, o encanto e a fé nas forças da natureza de outros tempos cederam lugar para um desrespeito total e uma exploração das suas dádivas sem limites. No que diz respeito à água, ela está aí para ser usada. Em quantidades imensas. Sem escrúpulos. De acordo com um chefe do conselho deliberativo da Nestle, Brabeck Lethmathe, são 50 litros diários que um europeu gasta apenas para beber, lavar e higiene pessoal. Acrescentam-se, contudo a inacreditável quantia de 8000 litros que nos “comemos”, pois cada caloria vegetal custa para sua produção um litro de água; cada caloria de origem animal dez vezes mais. Hoje vivem no mundo 6,5 biliões de pessoas. Claro, muitíssimas delas não tem, ou tem pouco acesso a água limpa. Mas mesmo assim, são muitos milhões de litros que são gastos diariamente. Se agora lançarmos uma olhada nos recursos aquáticos disponíveis na terra, chegamos à convicção de que não são altos e além disso, divididos de forma extremamente desigual.. Como falado, existem países com escassez constante. Na costa peruana, por exemplo, água é tão escassa que mesmo em cidades como Trujillo, na costa norte, se toma banho com um único balde de água. E, pensando em certos estados da África ou em países como Afeganistão, esta situação ainda é muito pior. Qual, afinal, seria a quantia de água disponível na terra? Cerca de 71% da superfície terrestre são cobertos de água, mas somente 2,53% dessa porcentagem é água doce. E dessa quantia, ainda algo mais da metade é inacessível para o consumo humano por ser fixada em forma de gelo nos pólos, glaciares e solos constantemente congelados. Outra parte considerável dela forma o lençol freático. A já referida devastação de largas áreas e sobretudo das cabeceiras dos rios e riachos, em todos os países um fenômeno frequente, mas também a Versalzung (salinização ?) causada pela irrigação artificial, como se tornou conhecida a 164 partir da experiência de Israel, deixam a água secar ou tornar imprópria para o consumo, de forma que no final somente resta uma fração de 0,3% para o consumo. Estes números são assustadores, pois como falado, os recursos não são infindáveis e, em função do consumo demasiadamente alto nos países ocidentais, recuam rapidamente. Em breve, escassez de água não será mais um fenômeno limitado aos países do terceiro mundo. Por isto, o chefe do conselho deliberativo da Nestle diz com razão: “comparado com a mudança climática, a crise da água será de longe mais perigosa”. O que pode ser feito para evitar uma catástrofe dessas? O referido autor menciona neste contexto a técnica genética e o desenvolvimento de espécies botânicos de pouco consumo de água. De qualquer maneira, conforme Brabeck Lethmathe, não devem ser permitidas monoculturas para produção de energia em países com irrigação artificial . Sem dúvida, uma alternativa seria dessalinizar a água do mar. Contudo, pelo menos por enquanto, uma tal alternativa é utópica porque impossível de ser realizada. O que fazer então? O que especificamente vocês, artistas, podem fazer ? Do seu ponto de vista? Ainda se deixa fazer algo? Já nos tempos atuais lutam povos e grupos sociais pela água. Veja as altitudes de Golan no Oriente Médio. De acordo com previsões científicas, não seriam raras tais lutas entre sociedades do mundo inteiro pelo bem mais precioso da humanidade. Ainda resta muito que pode/deve ser feito. Não pode ser perdido mais tempo. Por esta perspetiva ameaçadora e pela urgência de encontrar soluções, o workshop deste ano da Ponte Cultura é totalmente dedicado à agua . A pretensão é sensibilizar e motivar os artistas a passos mais adiantes, já a partir deste texto, mas depois também por discussões, brainstorming e ações variadas. Durante o workshop queremos realizar experiências diversas com a água. Vivenciamos, por exemplo, no vale do Gardon, modo de ser e práticas da cultura da época dos caçadores e coletores. Ao lado de fontes dessecados como a de Bornègre serão encenados ritos (programados e espontâneos), invocando os espíritos para conceder a volta do elemento precioso. Conheceremos a hidráulica romana a partir do imponente aqueduto Pont du Gard, bem como aquedutos menores e canais que se localizam ao longo de um vale aos pés da pequena cidade de Uzès. Em uma casa de lavagem da Idade Média experimentamos velhas práticas de lavar roupas e, em um rio lavaremos e branqueamos roupas de acordo com rituais medievais. Tudo isso deve ser sentido e experimentado, ou seja, estas atividades devem ser encenadas a partir de dentro da tradição daquela época. Palavras introdutórias, explicações, estórias e leituras são previstos como substrato inicial ou parte integrante de cada atividade. Imprensa e público são bem-vindos. O que pode-se esperar de todas estas atividades? É possível que se encontre nelas uma solução para o problema água? Os antigos procedimentos certamente não oferecem soluções. Servem porém para a sensibilização e inspiração criativa dos artistas, provocando a produção artística que delas possa resultar, uma conscientização do público em larga escala. 1) Die Apotheose der Naturerscheinungen – Animismus – findet sich bis heute in den aus Afrika stammenden Religionen wie Umbanda/Candomblé oder Macumba. “Naturgötter und Naturgeister besitzen Wirkkräfte, die lediglich in unserem intellektualisierten Zeitalter kaum mehr wahrgenommen werden. Aber auch in Europa erlebte man in früheren Zeiten deren magische Realität” (Serge Bramly, 1978, S. 10) Evolution und Kulturentwicklung im Süden Frankreichs Grundlagentext zum Workshop “Wasser / Àgua”, St. Dézèry, 2007 Der Süden Frankreichs und spezifisch die Gegend entlang des Flusses Gardon im Languedoc ist seit Urzeiten Aufenthaltsort der Menschen. Hier, in einer der unzähligen Höhlen, gibt es eine Datierung angetroffener archäologischer Funde von 50.000 Jahren, das heißt: vor 50.000 Jahren haben hier Menschen gelebt. Es war die Zeit des Neandertalers (Homo sapiens neandertalensis), der vor 100.000 Jahren auftauchte und bis ca. 35.000 v. Chr. existierte. Dieser in seiner Anatomie wie auch seiner Kultur noch weitgehend primitive Mensch, der noch vieles von seinem Vorgänger, dem Homo erectus, an sich hatte, verfolgte mit ganz rudimentären Waffen – unter dem Namen des französischen Fundortes Mousterien bekannt - eine Megafauna, die in ganz Europa während der Eiszeit (Pleistozän) von 800.000 v. Chr. bis ca. 10.000 v. Chr. anzutreffen war und zu der Mammuts, Wildpferde, Rentiere und Auerochsen zählten. Ab 34.000 Jahren erscheint auf der Bildfläche ein anderer Menschentyp: der Crô-Magnon-Mensch, Homo sapiens sapiens, unser aller Vorfahre. Dieser Mensch des jüngeren Paleolithikums hatte eine stattliche Figur und moderne, dem heutigen Menschen ähnliche Charakteristiken. Wie sein Vorgänger jagte er Tiere der Megafauna, jedoch mit besseren Waffen, die nach ihren ersten Fundorten Chatelperronien, Aurignacien, Gravettien, Solutréen, Magdalenien benannt wurden. Mit den besseren Werkzeugen, aber auch mit einem anderen Hilfsmittel setzte der Crô-Magnon-Mensch die Jagd auf Großwild fort. Dieses andere Mittel waren die Höhlenmalereien und –gravuren, die wir bis heute in unzähligen Höhlen und Felsvorsprüngen bewundern können. Sie dienten der magischen Bannung der Tiere. Was dargestellt wurde, sind die erwünschten Tiere, sind Mammuts, Wildpferde, Auerochsen usw., die Wiesen und Wälder bevölkerten und die Nahrungsquelle schlechthin darstellten. Die Höhlenmalereien in den Höhlen Südfrankreichs - man denke nur einmal an Lascaux – wurden von Spezialisten in diesem Sinne interpretiert. Die Höhlen des Gardon weisen ähnliche Motive auf, gehören folglich zu dem gleichen Vorstellungskomplex. Eine Erscheinung, die schon während der Zeit des Neandertalers zu beobachten ist und sich bis zur Crô-MagnonZeit fortsetzt, sind die kleinen Statuetten mit weiblichen Merkmalen, die sogenannten Venus-Figuren, die als Zeichen der wichtigen Rolle der Frauen interpretiert wurden und höchstwahrscheinlich Fruchtbarkeitssymbole oder Göttinnen darstellen. Die Menschen der Vorgeschichte, sowohl der Neandertaler als auch der Crô-Magnon-Mensch und mit Sicherheit auch der Homo heidelbergensis aus Mauer bei Heidelberg, der vorher lebte sowie alle anderen Hominiden, ja sogar die Raubtiere ernährten und ernähren sich nicht allein von Fleisch. Was die Menschen anbelangt, so waren sie sowohl Jäger als auch Sammler. Ihre Nahrung bestand neben Fleisch auch aus Früchten, Samen und Wurzeln, die für gewöhnlich von Frauen gesammelt wurden. Später, gegen Ende der Eiszeit, oder irgendwann während dieser Zeit verhalfen die während des Sammelns erworbenen Kenntnisse um Wachstum und Ernte der Pflanzen zu ersten Domestikationsversuchen und schliesslich zur weitgehenden Unabhängigkeit von den Früchten der Natur, nämlich zum Ackerbau. Was aber die ersten Jäger und Sammler anbelangt, so besteht allgemein die Auffassung, dass diese Gruppen aus Hunger von einem Ort zum andern gezogen wären, dass sie also eine Ökonomie des Hungers und der höchsten Armut durchzustehen gehabt hätten und pausenlos auf der Suche nach Nahrung unterwegs gewesen wären. Diese Vorstellung geht jedoch von der Logik unserer westlichen Marktwirtschaft aus, in welcher die Bedür- 166 fnisse der Menschen gross und unbegrenzt sind und die Mittel, sie zu erfüllen, begrenzt. Im Gegensatz dazu wären, wenigstens nach Ansicht des berühmten Anthropologen Marshall Sahlins, die Bedürfnisse der Gruppen von Jägern und Sammlern begrenzt und die Mittel zu ihrer Stillung unbegrenzt gewesen. Es handele sich deshalb, laut Sahlins, um Gesellschaften des Überflusses und nicht des Hungers. Die nomadischen Jäger und Sammler der Vorgeschichte, sowohl die Neandertaler als auch die Crô-Magnons, hatten zweifelsohne wenig Bedürfnisse. Ihre Wanderungen auf der Suche nach neuen Nahrungsquellen verhinderten die Anschaffung von Gütern irgendwelcher Art. Um Nahrungsmittel nicht transportieren zu müssen, wurden sie gleich vor Ort zubereitet und verzehrt. Ein Beispiel aus der brasilianischen Ethnographie illustriert, was gemeint ist: laut Angaben des Archäologen Prof. Dr. I. Schmitz, Leiter des Instituto Anchietano de Pesquisa, in São Leopoldo, Rio Grande do Sul und Professor an der Föderaluniversität in Porto Alegre - UFRGS - scharten sich zur Zeit der Mangoernte Indianergruppen unter den Mangobäumen des Cerrados (brasilianisches Savannengebiet), um diese Früchte zu essen - auch in gekochtem Zustand - und ihren Saft zu trinken, mit andern Worten, um so viel wie möglich davon zu verzehren. Mitgenommen wurde nichts davon. Die vorgeschichtlichen Jäger und Sammler des Staates Rio Grande do Sul handelten ganz ähnlich: sie blieben während der Reife der pinhões (Samen der Araukarien) auf dem Hochland. Danach zogen sie zu den Jagdgründen der Pampas, um dort Emus und andere Tiere zu erlegen und, zu einer anderen Jahreszeit, zu geeigneten Stellen am Meer, wo sie sich von Meeresfrüchten und Fischen etc. ernährten. Bei all diesen Gelegenheiten wurde aus den erwähnten Transportschwierigkeiten auf Mitnahme verzichtet. Müssen wir immer erst durch Erfahrung lernen Vortrag im Rahmen von Wasser / Àgua, Nürnberg, 2008 Die Frage, die ich heute mit Ihnen diskutieren möchte, lautet: Müssen wir immer erst durch Erfahrung lernen? Und gliedert sich in drei Segmente: 1. Amazonien: aus Geschichte und Mythos 2. Südamerika: Ost- und Westküste 3. Wie Indianerstämme Agressionen vorbeugen? Amazonien: aus Geschichte und Mythos Seit rund 500 Jahren besitzt die westliche Welt Kenntnis des Amazonas-Flusssystems, mit seinen unzähligen Igarapés (auch in der Trockenzeit vorhandene, schmale Seitenarme) und Zuflüssen, seinen Verzweigungen und Altwasserseen. Seit dieser Zeit weiss man von dem tropischen Regenwald der sich beidseitig des Stromes weithin ausbreitete sowie von den vielen, großen Indianerdörfern, die an den Ufern des grossen Stromes angetroffen wurden. Hier im Tal des Amazonas lebten vor der Eroberung so viele Menschen, dass sich die Dörfer an manchen Stellen fast aneinanderreihten. Und, seit der Zeit dieser ersten Informationen ist die westliche Welt drauf und dran, den Regenwald mitsamt dem ganzen Flusssystem und der Bevölkerung bewusst oder unbewusst zu vernichten oder auszurotten. Im ersten Moment richtete sich die Furie der europäischen Eindringlinge gegen die Bevölkerung. In einem Jahrhundert wurde sie durch Ansteckungskrankheiten, Versklavung und Mord auf ein Zehntel der ursprünglich angetroffenen Einwohner reduziert. Aus den gleichen Gründen, aber auch, weil sich die meisten der überlebenden Restgruppen an die schwerer zu erreichenden Oberläufe der Zuflüsse zurückzogen, ging die Einwohnerzahl auch in den darauf folgenden Jahrhunderten noch immer weiter zurück, so dass in unserer heutigen Zeit die indianische Bevölkerung nur noch einen ganz geringen Bruchteil der Bewohner Amazoniens darstellt. Heutzutage sind es nicht mehr allein Europäer, die Land und Leute heimsuchen, nein. Heute sind es Agressoren aus aller Herren Länder und vor allem aus dem eigenen Land. Ihre Zerstörungswut richtet sich jetzt vor allem auf die unbeschreibliche Natur, den tropischen Regenwald. Er wird aus primitivsten pekuniären Erwägungen niedergemacht, ungeachtet der Arten an Flora oder Fauna, die dabei zugrunde gehen. Selbst vor dem verzweigten Wassernetz, wenn auch hier nicht mit Absicht, wird nicht Halt gemacht. Die Zerstörung dieses Systems ist Konsequenz der zur Sojapflanzung verwendeten Schädlingsbekämpfungsmittel (Agrotoxicos), die durch Regenfälle in die Zuflüsse gespült werden. Oder auch der Goldsuche. In vielen Zuflüssen des Stromes ist Gold in winzigen Partikeln zu finden. Zu seiner Bindung wird das extrem giftige Quecksilber benutzt. Ein guter Teil davon geht ins Wasser, sodass Flüsse, wie der Madeira beispielsweise schon vor 20Jahren am Unterlauf keinen Fisch mehr führten. Und nicht nur das: in Ecuador wurde in unmittelbarer Nähe des Rio Napo, eines Zuflusses des Amazonas, Erdöl gewonnen und die giftigen Rückstände in Baggerseen gespeichert. Bei starkem Regen und Überschwemmungen – in Amazonien vorläufig keine seltene Erscheinung verbindet sich das Flusswasser mit der giftigen Brühe dieser “Seen”. Der dichte Dschungel, die grüne Hölle und vor allem der Strom mit all seinen Zuflüssen und Seen, all seinen Arten an Fauna und Flora, war und ist bis heute Gegenstand mythologischer oder märchenhafter Erzählungen. Phantastische Fabelwesen bevölkern diese Geschichten. Der Name “Amazonas” selbst geht auf eine Fabel zurück. Oder sollte dahinter doch ein Fünkchen Wahrheit stecken? Oft sind es die schon von Natur aus aussergewöhnlichen Arten - darüber gibt es zahlreiche anthropologische Studien - die Anlass zu Phantasiegebilden geben. Ein solch aussergewöhnliches Tier ist der Boto (Süsswasserdelphin, also ein Säugetier, das im Wasser lebt ), heute vom Aussterben bedroht. Um diesen Boto schlingen sich viele Sagen und Geschichten. Er ist bis zum heutigen Tag der Retter so mancher Mädchenehre, denn wenn kein Vater für ein unehelich gezeugtes Kind aufzutreiben war oder ist, dann war es eben der Boto. Er galt und gilt weiterhin als der offizielle Vater eines solchen Kindes und wird als solcher sogar im Stammbuch eingetragen. Diesen Realitätsbezug bekam der Mythos aufgrund der Tatsache, dass der Boto ein zutrauliches Tier ist. Eine Freundin, die jetzt gerade in Amazonien war, erzählte von einer Begegnung mit solch einem Boto: “er schaut einen so intensiv an. Man könnte meinen, es sei ein Mensch”. Und laut Information eines befreundeten Biologen spiele er gern und nähere sich den Menschen (den Frauen?). Der Amazonenmythos Interessant ist auch der Mythos, der sich um den Strom und seinen Namen rankt. Es ist der Mythos der Amazonen, der dem Fluss seinen Namen gab. Es handelt sich eigentlich um einen Bericht, der nach der Entdeckung des großen Stromes veröffentlicht wurde und erst durch die Ablehnung jeglicher Realitätsbeziehung zum Mythos wurde. Sollte es also gar keine Amazonen gegeben haben und die sagenhaften Frauen reine Phantasiegebilde gewesen sein? Nach neuester Erkenntnis scheint sich der Bericht aus wahren Begebenheiten und Dichtung zusammen zu setzen, und zwar aus folgenden Gründen: Die Geschichte wurde von Gaspar de Carvajal aufgezeichnet, einem Pater, der als Chronist im Jahre 1542 die sagenhafte Eroberungsfahrt des Flusses unter Francisco de Orellana mitmachte. Carvajal beschreibt die ganze Flusslandschaft. Gibt Kunde von Begegnungen mit Indianerstämmen, die sich teilweise freundlich, teilweise abweisend verhielten und zu einem guten Teil in grossen Dörfern siedelten. Er war erstaunt über die hervorragende Qualität und Dekoration der von Indios hergestellten und verwendeten Keramik. Auf einen ausgesprochen agressiven Stamm stießen sie auf der Höhe der TapajósMündung im unteren Abschnitt des Stromes. Das Unglaubliche, was sich ihnen hier bot, war, dass anscheinend Frauen die Anführer waren. Sie trieben die Männer zu 168 immer weiteren Attacken an und kämpften selbst wie die Löwen oder, besser gesagt, wie die Jaguare. Carvajal schildert sie als sehr schöne hellhäutige Frauen, mit langen geflochtenen und um den Kopf gewickelten schwarzen Haaren. Sie wären ganz nackt gewesen. Sollten sich die Reisenden trotz aller Nacktheit dieser Frauen getäuscht haben und die heroisch kämpfenden Gestalten etwa Männer gewesen sein? Die meisten Sachverständigen glaubten bis vor kurzem, diese Ansicht akzeptieren zu müssen. Jedoch ist es äusserst unwahrscheinlich, dass die ganzen hartgesottenen Männer dieser strapazenreichen Eroberungsfahrt nicht in der Lage gewesen wären, total nackte Frauen von Männern zu unterscheiden. Aus diesem Grund denkt man heute, dass es sich wirklich um Amazonen handelte. Was allerdings äusserst unglaubwürdig erscheint, ist die Fortsetzung dieses Berichtes, denn Carvajal reproduziert anschließend die angebliche Erzählung eines Indianers, dessen Sprache kaum jemand verstanden haben dürfte. Carvajal scheint hier den skytischen Amazonenmythos eingeflochten zu haben, denn alles was der Indianer angeblich erzählt hätte, ist Bestandteil der europäischen Version. Unter den diesbezüglichen Angaben ist die Rede von einem Frauenstaat, einer Königin, einem Hof, einem alljährlichen Überfall eines Männerdorfs, etc., etc.. Die geschilderten wild kämpfenden Frauen wurden, wie gesagt, auf der Höhe der Mündung des Tapajós angetroffen. Waren es eventuell Mitglieder der dort ansässigen, Tapajós? Zur Zeit der Eroberung bildeten die Tapajós eine große, bereits hierarchisierte Gesellschaft mit Prinzessinnen und einer Art Sklaven. Aber Amazonen? Davon ist nichts zu lesen in den ethnohistorischen Aufzeichnungen. Wo also war ihr zu Hause? Waren es dann vielleicht doch Männer? Die Wahrheit werden wir wohl niemals erfahren, denn die Tapajós wie die anderen längs des Stromes angetroffenen Gruppen wurden, wie gesagt, durch Kontakt mit Portugiesen und Spaniern, durch Krankheit,Tod und Versklavung schnell dezimiert und die Nachfahren eventuell Überlebender, die sich in schwerer zugängliche Gebiete zurückgezogen haben, dürften kaum eine Ahnung davon haben. Die phantasievolle Welt der Mythen und Sagen, die sich um diesen Fluss rankt, wird mit Sicherheit im Volksbewußtsein bestehen bleiben. Großmütter und -väter werden ihren Enkeln von Botos und Amazonen und sonstigen Fabelwesen erzählen können. Was aber nicht mehr vorhanden sein wird, wenn wir weiterhin nichts unternehmen, ist der Regenwald, ist sauberes Wasser, ist Wasser überhaupt . Wir verhalten uns nämlich mit Bezug auf Amazonien, ja auf das eigene Umfeld, die eigenen Wasserreserven, ähnlich wie meine Tochter bei einer Bootsfahrt, bei welcher sie das Ruder verlor, sich jedoch unbesorgt in das Boot legte und von der Strömung treiben liess: wie sie in ihrem Boot, wissen wir um die Gefahr, überlassen uns aber dem Glauben, dass alles gut gehe. Wir können ja nichts tun. Oder? Können wir wirklich nicht? Können wir weiterhin nur bedauern, dass der ganze Urwald mit seiner Vielfalt an Arten systematisch niedergemacht wird, dass das ganze Wassernetz immer verseuchter wird und sich die Klimaverhältnisse total verändern werden? Der Amazonas gehört den Brasilianern, Peruanern, Ecuadorianern und Kolombianern, aber er gehört eigentlich allen Menschen, genauso wie die Musik Bachs oder Beethovens oder die sixtinische Kapelle in Rom der ganzen Menschheit gehören. Aus diesem Grund sind alle aufgerufen, zur Erhaltung dieses einzigartigen Patrimoniums mitzukämpfen. Denn das Abholzen geht immer schneller und schneller vonstatten und grosse Flächen des Amazonaswaldes mussten bereits Feldern zur Sojapflanzung (also weitere Umweltgifte in die Zuflüsse) oder Wiesen für angebliche Viehzucht weichen. Ständig hört man von großen Waldbränden und unerlaubter Abholzung von Riesenflächen des Urwaldes. Wasserknappheit: müssen wir durch Erfahrung lernen zu sparen? Wenn wir uns jetzt einmal die Konturen Südamerikas anschauen, also die Atlantikküste auf der rechten Seite und die Pazifikküste linker Hand, so stellen wir fest: der eine Streifen ist total grün der andere grau oder weiss. Der graue oder weisse Streifen steht für kahle Gegend, unfruchtbares Land und tatsächlich zieht sich vom Norden Chiles bis zum südlichen Ende Ecuadors ein breiter Wüstengürtel hin, hier und da unterbrochen von Flusstälern. In oder an diesen Flusstälern leben die Menschen schon seit dem Anfang des Ackerbaus und der Kenntnis und Anwendung der Bewässerungstechniken. Hier geht kaum ein Wassertropfen verloren, denn die aus den Anden kommenden Flüsse werden kanalisiert und jedem Anlieger eine bestimmte Quantität an Wasser zugeführt. Zur Nutzung möglichst großer Flächen wird das Wasser so weit wie möglich in die Wüste geleitet und jeder Tropfen verwendet. Die Pflanzenwelt, die Blumen, Bäume, das Grün haben hier einen hohen Stellenwert. In dem Städtchen Casma, an der Nordküste Perus, beispielsweise, wurde jedes Blümchen, das entlang der Hauptstraße angepflanzt war, sorgfältig begossen, jedes Pflänzchen geachtet. In dem kleinen Städtchen Magdalena del Cao, wo ich zweimal wochenlang wohnte, um an den Ausgrabungen der Pyramide Cao Viejo im Vale de Chicama teilzunehmen, wurde mir von meiner Wirtin jeden Abend ein Eimer Wasser zur Wäsche von Kopf bis Fuss zur Verfügung gestellt. Selbst in der größeren Stadt Trujillo war das nicht anders. Wie anders ist dies aber auf der östlichen Seite des Kontinents: Hier, wo alles grünt und blüht und Wasser im Überfluss vorhanden zu sein scheint, wird es in rauhen Mengen verschwendet. Hier, wie in der ganzen westlichen Welt gibt es keine Skrupel, das kostbare Gut sinnlos zu vergeuden. Wassersparen ist auf dieser Seite des Kontinents wie in den anderen Ländern des Westens ein Fremdwort und die Frage erhebt sich: Müssen wir erst so wenig Wasser zur Verfügung haben wie die Bevölkerung der Flusstäler der Pazifikküste? Müssen wir erst die Erfahrung machen, wenig Wasser zu haben, um es zu lernen, mit dem Wasser hauszuhalten? Die Bilder und Installationen zu dem Thema Wassermangel, die in der Ausstellung “Wasser / Àgua” zu sehen sind, sind zu einem guten Teil ein Warnruf, ein Versuch, das Boot in dem wir alle sitzen noch einmal aufzuhalten, vielleicht zum Stillstand oder sogar noch einmal gegen die Strömung zu bringen, Aufruf zur Umkehr. Aber zu welcher Umkehr überhaupt? Sollen wir etwa die Klosettspülung wieder abschaffen? Das tägliche Bad? Die Waschmaschine, Geschirrspülmaschine? Soll die Industrie kein Wasser mehr verwenden? Aber genauso wie wir nicht auf das Autofahren verzichten, wollen wir auch auf diesen Komfort und diese Luxusgüter nicht verzichten. Auf die Klosettspülung nicht, das Bad nicht und auf die Maschinen ebensowenig. Und die Industrie? Könnte die auf Wasser verzichten? Ich ließ mir sagen, dass diese hauptsächlich die Textilindustrie - die das meiste Wasser verbraucht, bereits Recyclingvorkehrungen getroffen habe, wenigstens in Deutschland, und dadurch der Wasserkonsum erheblich gesenkt worden wäre. Aber wie oder wo könnten wir als Privatverbraucher sparen? Oder aber wäre es denkbar an andere ausgiebige Ressourcen heranzukommen? Wo oder wie könnten sich weitere, möglichst unerschöpfliche Wasserressourcen finden lassen? Im Lauf der Geschichte und schon der Vorgeschichte haben sich Völker an verschiedenen Stellen der Erde ähnliche Fragen gestellt und Lösungen gefunden. Da ich mich mit der Kulturentwicklung der Anden am besten auskenne, möchte ich hier noch einmal auf diese Region zurückkommen und zwei solcher Lösungen aus dieser Region erwähnen: Beide Lösungen wurden bereits von der Chavinkultur (ca. 170 800 bis 300 v. Chr.) gefunden, jedoch weiter entwickelt und gesteigert durch die um ca. 300 v. Chr. an der Nordküste Perus erschienene Mochekultur. Eine dieser Lösungen war die Anwendung von technologisch-hydraulischen Kenntnissen; die andere, eher transzendentaler Natur. Chavin, im nördlichen Hochland der Anden hatte bereits zur damaligen Zeit eine Technologie entwickelt, die es erlaubte, Wasser von einer Seite der weissen Kordillere zur andern umzuleiten und durch Kanalisierung über weite Strecken zu führen. Ein solcher Kanal ist heute noch in der Nähe der Stadt Cajamarca zu sehen. Sogar den Fluxus des Wassers wussten die Hydrauliker dieser Kultur durch Einbau von rechtwinkeligen Ecken bereits zu regulieren. Die andere Lösung war der Appell an die Götter. Damit sie das kostbare Nass nicht versiegen liessen, mussten ihnen nicht nur viele Tiere sondern auch viele, viele Menschen geopfert werden. Diese Methode wurde von Chavin angewandt, fand aber ihren Höhepunkt in der Mochekultur, die in der Küstenwüste Perus direkt von dem Wasser der von den Anden kommenden Flüsse abhing. In der alten Welt fanden die Menschen ganz ähnliche Lösungen. Auch die Römer wussten sich das Wasser über weite Stecken heranzuschaffen. Das haben wir in Südfrankreich gesehen. Dazu haben sie nicht nur Kanäle gebaut, sondern echte Meisterwerke der Bautechnik und Hydraulik in Form von Aquädukten (siehe den Pont du Gard). Die Beschwörung der Götter oder der Gottheit wird in manchen Gegenden - Gott-sei-Dank ohne grausige Opferung von Menschen - bis heute angewandt. Diese und andere Lösungen von Problemen mit Wasserversorgung waren wohl erfolgreich für die damalige Zeit. Für unsere globalisierte Welt, jedoch, kann es keine Umleitung ganzer Flüsse mehr geben – das würde nichts verändern – auch sind die Monstergötter der Chavins und Mochi- cas dem Wissen gewichen, dass in unserer Welt nur eine bestimmte Menge Wasser, nämlich 3 % als Trinkwasser vorhanden ist und davon noch ein hoher Prozentsatz nicht verfügbar. Der heutige Stand der Technik ist, laut Meinung meines Sohnes, eines Ingenieurs, soweit fortgeschritten, dass es vom technischen Standpunkt aus gesehen überhaupt kein Problem wäre, aus Meereswasser Trinkwasser herzustellen. Dies kann sehr wohl der Fall sein. Aber solche Entsalzungsanlagen werden niemals ausreichen, die ganze Welt damit zu versorgen, denn ihre Konstruktion in grossen Mengen ist, aus finanziellen Erwägungen heraus, nicht durchführbar. Wie wir von Herrn Walpuski gehört haben, haben Millionen, ja Milliarden von Menschen heute kein sauberes Trinkwasser und es ist anzunehmen, dass sich in Afrika und auf den Golanhöhen zwischen Israel und Palästina bereits Kämpfe um das Wasser abspielen. Solche Kämpfe und Aggressionen werden sich mit fortschreitender Wasserknappheit nicht auf die genannten Gebiete beschränken, sondern weltweit angezettelt werden. Was kann also, muss, getan werden? Die angeführten Lösungen sind undurchführbar, denn, was zum Beispiel das Sparen betrifft, wird wie gesagt, niemand sich aus freien Stücken gern mit weniger Wasser begnügen wollen. Die vorgeschichtlichen Problemlösungen sind überholte Modelle und die Entsalzung des Meerwassers unrealisierbar. Und doch: wollen wir Wassermangel und Kampf und Tod vermeiden, so müssen wir lernen, mit weniger auszukommen, müssen lernen zu teilen, solidarischer zu denken. Mit Agressionen fertig zu werden oder am besten, sie gar nicht erst aufkommen zu lassen. Was die Vermeidung von Agressionen anbelangt, lassen Sie mich auf die brasilianischen Indianer und spezifisch die Jê-Stämme in Zentralbrasilien zu sprechen kommen. Nicht dass sie uns ein Vorbild sein könnten. Dazu sind sie viel zu wenige und die heutige globale Menschheit viel zu viel. Was sie aber zeigen können, ist, dass die Menschen imstande sind, Lösungen für ein erträgliches Zusammenleben zu finden. Panta rhei, 2008 mangel, die uns damals und bis heute beschäftigt, zu erkennen war, wieder fallen gelassen. “Panta rhei” (“Alles fließt”) ist der Titel des vorliegenden Ponte Cultura-Buches. Warum diese Verschiebung des zentralen Themas “Wasser”, das uns wegen seiner imminenten weltweiten Verknappung nun schon eine lange Zeit beschäftigt, auf ein anderes Thema? Warum “Panta Rhei”? Was bedeutet dieser Ausruf? Aber, was sagt der Philosoph eigentlich spezifisch über das Wasser? In einem der noch vorhandenen Fragmente seines Werkes ist der Satz zu finden: “Es ist unmöglich, zweimal in denselben Fluss zu steigen und auch nicht zweimal eine sterbliche Substanz im selben Zustand zu finden, was tatsächlich ein Wissen unmöglich macht.” “Pantha rhei” heisst “Alles fließt, alles verändert sich”. Es ist die Erkenntnis sinnlicher Erfahrung, die Heraklit von Ephesus zugeschrieben und als Essenz seiner Weisheit betrachtet wird. Dieser stellte er die Vernunft und die religiöse Notwendigkeit einer permanenten Einheit gegenüber. Solche Notwendigkeit kann, nach Heraklit, nur auf einem anderen Weg als dem der sinnlichen Erfahrung erfüllt werden, nämlich auf dem des Glaubens und der Selbsterkenntnis. Die Vernunft und Einheit, die durch die sinnliche Erfahrung, den Glauben und die Selbsterkenntnis erlangt, führt zum Logos, der sich beschreiben lässt als ”ewige Vernunft, Menschen und Dingen immanent, verborgene Harmonie und Identität der Gegensätze in welcher und durch welche der universelle Fluxus des Seins eintritt und sich erklärt (Rodolfo Mondolfo, 1971). Auf diese Weise eliminiert sich der Gegensatz zwischen Erfahrung und Vernunft, verbindet sich der Gegensatz mit der Identität, das Vielfache mit der Einheit, die Veränderung mit dem Beharren. Bei der in Nürnberg, im Jahr 2008 stattgefundenen Ausstellung hatte ich die Absicht, über Heraklit von Ephesus und seine Theorie “Alles fliesst, alles verändert sich” zu sprechen, aber da es sich, wie sich erkennen lässt, eher um eine erkenntnistheoretische Behauptung handelt (wenn sich alles verändert, wird Wissen unmöglich - das erkannten bereits Platon und Aristoteles) und keine direkte Beziehung zur Problematik Wasser und Wasser- Jedoch, in unseren Tagen, in Anbetracht der ökologischen Situation der Flüsse und Bäche ließe sich leicht der kognitive Aspekt durch einen anderen ersetzen, denn das Wasser dieser Flüsse und Bäche ist nicht nur bei einem zweiten Hineinsteigen ein anderes. Es ist schon beim ersten Mal anders, denn es ist gar kein reines Wasser mehr, sondern wenigstens hier in São Paulo und Umgebung ein mit Schaum ueberzogenes Fliessende, das man kaum noch als Wasser identifizieren kann. “Panta rhei”, “Alles fliesst, alles verändert sich” ist in der Sicht des Präsokratikers, wie oben bereits gesagt, ein dialektischer Prozess, der sich unter dem Logos auf das Hin und Her der Dinge, auf Union und Dispersion, Einheit und Vielheit, also These und Antithese beschränkt und von daher, nach Nietzsche, mit der Struktur der deutschen Musik vergleichbar ist (Nietzsche hat die deutsche Musik mit der Theorie Heraklits verglichen und festgestellt: so wie die Musik von Konsonanz zu Dissonanz und von Dissonanz zu Konsonanz fortschreitet, so schreitet auch der Fluxus des Wassers und der Substanzen fort von einem Extrem zum anderen und wieder zurück). In unserer heutigen Welt ist dieser Fluxus jedoch nicht mehr reversibel, sondern irreversibel, also nicht mehr These und Antithese, sondern These, Antithese und Synthese, wodurch sich Energie in Entropie verwandelt, also nutzbare Materie in Abfall, letztendlich ein Prozess der zur Erschöpfung der Güter führt. Das Thema Wasserknappheit/Wasserverschmutzung bekommt mit dem neuen Übertitel “Panta Rhei” eine universelle, sich auf alle Dinge erstreckende Erweiterung. Die Frage, warum “Panta rhei”, kann also als Erweiterung der Besorgnis um die Erschöpfung des Wassers erklärt werden. 172 Exposições & Workshops 1989-2009 1989 Zwei Wege – Duas Maneiras 1993 Arte + Identidade Espaço Off São Paulo Künstler: Liz Miller (Bra), Marianne Stüve (D). Rathaus Bonn-Hardtberg/Merell Dow Institut Strasbourg/Deutsche Welle Köln. 1990 1. Workshop no Brasil 1994 Weg von der Wand – Fora do Plano, com artistas do Brasil e da Alemanha que consta como ponto inicial para a fundação de PONTE CULTURA. SESC Pompeia São Paulo, Kurator: Fernando Durâo. Künstler: Annette Blocher/ Carola Dewor/ Renate Gehrcke/ Stefani Peter/ Marianne Stüve (D). 1990 Arte e Identidade – Kunst und Identität 1994 Übergänge – Travessia I° Encontro em S.P. com o grupo “Samqui” e outros artistas. 1991 Sambaqui… Überreste – residuos do tempo ART 6 Nürnberg / Galerie Bi-Pi’s Köln / Galeria Chap Chap São Paulo. Künstler: Liz Miller/Coca Rodriguez/Enêdia Schcolnic/Eça Vandergoril (Bra); Anka Milbers/ Marianne Stüve (D). 1992 Kunst + Identität – Brasilien in Deuts- chland /Arte e Identidade – Brasil na Alemanha Ehrenhalle Rathaus Nürnberg/Kreishaus Waiblingen/Verwaltungesgericht Stuttgart/ HaidhausenMuseum München. Künstler: Fernanda Amalfi/Alice Brill/Selma Daffré/Edith Derdyk/Fernando Durão/Oswaldo Forty/Marinez Maravalhas/Liz Miller/Coca Rodriguez/Enêdia Schcolnic/Valdir Sarubbi/Newman Schutze/Eça Vadergoril (Bra); Gustavo da Linha/ Anka Milbers/Marianne Stüve (D). Workshop und Ausstellung im Pavilhâo da Bienal MAC Museu de Arte Contemporãnea São Paulo. Künstler: Fernanda Amalfi/ Selma Daffré/ Liz Miller/ Coca Rodriguez/ Leila de Sarquis (Bra); Carola Dewor/ Renate Gehrcke/ Stefani Peter/ Marianne Stüve (D). 1994 Grande Sertão:Vereda Stadtbibliotkek Nürnberg Zeitungscafé Selma Daffré – Gravuren zu Guimarães Rosa; Lesung Carlos Schünemann 1995 1. Workshop Provence/Frankreich Künstler aus Brasilien, Frankreich und Deutschland. 1995 Sticheleien – Stitches – Suturas / Kunst auf dem Hauptmarkt – Arte na Praça Ausstellung Rathaus Nürnberg. Künstler: Brenda Lee Baker (USA)/ Edith Derdyk (Bra)/ Marianne Stüve (D). 1995 Erinnerungen – Memorias Galerie Bi-Pi’s Köln. Künstler: Valdir Sarubbi (Bra). 1996 Workshop Casa Lazaro Tribst Guarujá teilnehmende Künstler:Renate Gehrcke/ Harald Kienle/Stefani Peter/Marianne Stüve/Franziska Uhl (D); James Kudo/Liz Miller/Lazaro Tribst (Bra). 1996 Workshop und Ausstellung Galeria Teodoro Braga Belém/Brasilien teilnehmende Künstler Renate Gehrcke/Harald Kienle/Marianne Stüve (D); Maria Villares (São Paulo) und Künstler aus Belém. 1996 Triãngulo Cultura – Alemanha-BrasilPortugal Siemens Forum Lissabon (Por). Künstler: Fernando Durão/ James Kudo/ Coca Rodriguez (Bra); Paula Ruella/Valdivia (Por); Renate Gehrcke/ Marianne Stüve (D). 1996 Fragmente – Fragmentos Workshop in Nürnberg mit Künstlern aus Brasilien und Deutschland. 1996 Substrato Humano Thomas Morus Akademie Köln. Künstler: Oswaldo Forty. 1996 Anstösse – Movimentos Galerie Bi-Pi’s Köln. Künstler: James Kudo. 1997 Aktion – Reaktion – oben: Workshop-Künstler aus Brasilien in den Ockerfeldern bei Dions Südfrankreich Ação – reação; mail-art Projekt zwischen brasilianischen und deutschen Künstlern. Kudo/Liz Miller/Enêdia Schcolnic/Lazaro Tribst/Maria Villares(Bra); Alicia Winegardner (Arg); Stefani Peter/ Marianne Stüve (D); Erich Koch/ John Sigsworth (Fra). 1997 Trama – Geflecht 1997 Hitze – Calor 1997 II.Workshop Provence/Frankreich, 1998 Tranzparenz – Transparências Deutsches Jagdmuseum München. Künstler: Edith Derdyk (Bra), Marianne Stüve (D). Formen-Farbe, Licht der Provence. Künstler: Izer Campos/Fernando Durão/James Galeria Teodoro Braga Belém/Brasilien. Ausstellung mit Künstlern aus Deutschland und Brasilien. Galerie ARAUCO Nürnberg. Künstlerin Coca Rodriguez. 174 1998 Junto – Miteinander Schloß Almoshof und St.Clemens Nürnberg. Künstler:Fernanda Amalfi/Liz Miller/Enêdia Schcolnic/Leila de Sarquis (Bra); Renate Gehrcke/ Stefani Peter/Marianne Stüve/Franziska Uhl (D). 1998 Caos Galerie Bi-Pi’s Köln. Künstler: Angelo Milani. 1998 Haut – Pele Galerie in der Schulgasse Eibelstadt. Künstlerin: Coca Rodriguez (Bra). 1998 Crossing the Borders Ausstellung Hans Geis GmbH + Co Nürnberg. Künstler: Fernanda Amalfi/Izer Campos/Selma Daffré/Fernando Durão/Oswaldo Forty/James Kudo/Liz Miller/Anna Pellizari/Coca Rodriguez/ Leila de Sarquis/Lazaro Tribst/Maria Villares (Bra); Alicia Winegardner (Arg); Erich Koch/John Sigsworth (Fra); Renate Gehrcke/ Harald Kienle/Stefani Peter/Marianne Stüve/ Franziska Uhl (D). 1998 Kunst im Speicher – Arte no Celeiro 1999 3. Workshop Provence “the drawing line” Künstler aus Brasilien, Argentinien, Frankreich und Deutschland. 1999 Auf dem Weg zur Sonne – A Caminho do Sol Galerie ARAUCO Nürnberg. Künstler: Oswaldo Forty (Bra). 1999 Geometria sensível Galerie Bi-Pi’s Köln. Künstler: Fernando Durão (Bra). 1999 Gestus + Konzept – Gesto e Conceito Körner & Scherzer Steuerkanzlei Nürnberg. Künstler:Liz Miller (Bra), Carola Dewor (D). 1999 Unterwegs – No Caminho – En Chemin Temple d’Arpaillargues/France mit Künstlern aus Frankreich, Brasilien und Deutschland. 1999 Workshop “Arte no Casarão” – Kunst im Herrenhaus Angelo Milani São Bento de Sapucaí/Brasil, mit Künstlern aus Brasilien, Deutschland, Frankreich, Schweiz. Kunstspeicher Schwabach. Künstler:Fernando Durão/Oswaldo Forty/ Angelo Milani/Coca Rodriguez (Bra); Günther Drab/Reiner Hofmann/Stefani Peter/Marianne Stüve/Doris Zörndlein (D). 1999 Unterwegs – No Caminho FUNARTE – Fundação Nacional de Arte São Paulo. Künstler: Renate Gehrcke/Claudia Helmich/Stefani Peter/Marianne Stüve/Franziska Uhl (D); John Sigsworth (Fra). 1998 Kollektiv – Coletiva 1999 Zwei Welten – Dois Mundos Körner & Scherzer Steuerkanzlei Nürnberg. Künstler: Izer Campos/Renata Barros (Bra). UNO Galerie Bonn. Künstler: Oswaldo Forty/Gustavo da Linha/ Izer Campos (Bra). 1998 Urwald – Floresta tropical Galerie ARAUCO Nürnberg. Künstler: Angelo Milani (Bra), Marianne Stüve (D). 2000 Arte & Cargo Lufthansa Cargo Halle, Flughafen Nürnberg. Künstler: Liz Miller SP, Edith Derdyk SP/James Kudo SP/Petra Naumann Nü/Coca Rodriguez SP/Stefani Peter Nü/ Renate Gehrcke Nü/Newman Schutze SP/Werne Souza Belem/Izer Campos Belem/Maria Villares SP/ Gustavo da Linha Berlin/Marianne Stüve Nü. Konzert: Klaus Treuheit Trio. 2000 ArtWeb2000 Kunsthaus Nürnberg. Künstler:Stefani Peter Fü/Marianne Stüve Nü/ Fernando Durão SP/Siegbert Franklin SP. 2000 Les Fantômes des Voûtes Domaine de Malaigue, Uzès Südfrankreich. Künstler: Marianne Stüve Nü/Fernanda Amalfi SP/Stefani Peter Nü/Renata Barros SP/Mandira Fü/Werne Souza Belem/John Sigsworth Uzès Südfrankreich/Izer Campos Belem/Petra Naumann Nü/Liz Miller SP/Newman Schutze SP/ Renate Gehrcke Nü / Andrea Altemüller Mü. 2000 Between – Entre Galeriehaus Nürnberg. Künstler: Edith Derdyk SP. 2001 Alt.arqueologias Museu Histórico de Jaboticabal SP. Künstler: Stefani Peter Fü/Siegbert Franklin SP/ Marianne Stüve Nü. 2001 Lembranças ao futuro com Kaspar Hauser Galerie Aurauco Nürnberg. Künstler: Siegbert Franklin SP. 2002 Arte no Brasil Naturkundemuseum Treuchtlingen. Kunstverein Spirale. Künstler: Ana Pellizari SP/Angelo Milani SP/ Armando Queiroz Belem/Coca Rodriguez SP/ Cris Rocha SP/Edith Derdyk SP/Fernanda Amalfi SP/Fernando Durão SP/Izer Campos Belem/Newman Schutze SP/ Forty SP/Siegbert Franklin SP/Valdir Sarubbi SP. 2002 Brasil adentro – Brasilien landeinwärts ein Kulturprojekt der Stadt Nürnberg mit Ponte Cultura: Expo art in progress Hafen Geis. Künstler: Armando Queiroz Belem/Siegbert Franklin SP/ Patricia Furlong SP/Cris Rocha SP/Edith Derdyk SP/ Arnaldo Bataglini SP/Sarah Wood St.Quentin La Poterie South France/Marianne Stüve Nü/Alicia Winegardner Buenos Aires/Stefani Peter Vancouver Ca./Ursula Schoedel Erlangen/Claudia Villar SP/Angelo Milani SP/John Sigsworth&Jacky Colorgues South France/Fernanda Amalfi SP/Georgi Litichevski Moskau/Renate Gehrcke Nü/Gabriele Olesch Nü/Izer Campos Belem/Bruno Weiß Nü/Heike Hahn Nü/Mandira Fü/Petra Naumann Nü. Wissenschaftl. Beratung: Dr. Inga Thieme, SP. Ursa Maior Tanz Performance, Tafelhalle. Gilsamara Moura Brasilien. Filme aus Brasilien im Filmhaus im K4. Kinder in Brasilien Installation von Siegbert Franklin im Kopfbau des Künstlerhauses K4. Urbano Rocha Gitarrenkonzert aus Brasilien K4 Kulturgarten. Verflechtungen – Interdependências Kulturladen Schloß Almoshof. Künstler: Coca Rodriguez SP/Gabriele Olesch Nü/Sarah Wood St.Quentin la Poterie South France. Arte Brasileira Contemporânea ARAUCO Galerie. Künstler: Angelo Milani, Coca Rodriguez, Newman Schutze, Forty, Selma Daffré, Siegbert Franklin SP. Floresta lúdica – Magischer Wald Innenhof Zentralbibliothek Nürnberg. Künstler: Angelo Milani SP. Im Zeichen des Jaguars Fabersaal im Bildungszentrum. Konzert: Klaus Treuheit Trio & Denise Jeanrenaud Der Jaguar Stadtbibliothek, Zeitungscafé. Vortragende: Dr. Inga Thieme SP, Antropologin Mit Keramiken von Izer Campos Belem und John Sigsworth (Jaguarbilder) As Silabas Konzert: Suzana Salles in der Katharinenruine. 2002 entre hérmisferio 176 em cima: a experiência com a lentidão 5 dias em caravana com burros através dos Cévennes França galerie g.b.‘s kunstraum Fürth. Künstler: Stefani Peter Fü, James Kudo SP. 2003 Uma Ponte sobre o Tempo – eine Brücke über die Zeit SESC Sao Carlos SP. Künstler: Marianne Stüve Nü/Annette Rollenmiller Nü/Siegbert Franklin SP/Sarah Wood St.Quentin la Poterie South France/Fernando Durâo SP/Helena Carvalhosa SP/Arnaldo Bataglini SP/Bruno Weiß Nü/Clemens Heinl Nü/James Kudo SP/Chico Penteado SP/Gerlinde Pistner Nü/Coca Rodriguez SP/Julio Camarero SP/ Fernanda Amalfi SP/Rita Kriege Nü/Benoit Flamand Nîmes South France. 2003 Literalidade Galerie Eibelstadt. Künstler: Newman Schutze SP. 2003 artistas e o vermelho Kulturfabrik Roth. Installation: Marianne Stüve Nü & Siegbert Franklin SP 2003 pequenos encontros com o acaso Galerie Arauco Nürnberg. Helena Carvalhosa SP, Siegbert Franklin SP. 2004 Workshop & Art Show “a experiência com a lentidão” Encontro brasileiro/europeio no Sul da França 2004 Cenas urbanas Gordinhas Galerie Arauco mit Werne Oliveira, Belem. 2004 3. Bienal de Jaboticabal Sao Paulo Künstler: Arnaldo Bataglini SP/Stefani Peter Nü/Chico Penteado SP/Clemens Heinl Nü/Fernando Durâo SP/ Coca Rodriguez SP/Gerlinde Pistner Nü/Sarah Wood St.Quentin la Poterie, South France/James Kudo SP/ Claudia Villar SP/Leila de Sarquis SP/Fernanda Amalfi SP/Helena Carvalhosa SP/Julio Camarero SP/Liz Miller SP/Maria Villares SP/Marianne Stüve Nü/Newman Schutze SP/Pat Woolham St.Dézéry, South France/ Stefani Peter Vancouver, Ca/Selma Daffré SP/Angelo Milani SP/Annette Rollenmiller Nü. 2004 Atelier Centro Atelier Centro Sao Paulo Künstler: Fernanda Amalfi SP/Coca Rodriguez SP/ Siegbert Franklin SP/Julio Camarero SP/Marianne Stüve Nü/Stefani Peter Vancouver,Ca/Renate Gehrcke Nü/Pat Woolham St.Dézéry, South France/Clemens Heinl Nü/ Maria Villares SP/Leila de Sarquis SP/Margot Delgado SP/Ana Pellizari SP/Chico Penteado SP/Helena Carvalhosa SP 2005 Ciclo de exposições “Zeitlupe - Câmera lenta” em Nürnberg Sonhos de crianças Installation, Rathaus – Ehrenhalle. Künstler: Monique Weissmüller, St.Dézéry,Fkr./ Siegbert Franklin Fortaleza/ Clemens Heinl, Schwabach/ Sarah Wood St.Quentin la Poterie,Fkr Zeitlupe – cámera lenta Stadtbibliothek. Künstler: Fernanda Amalfi/Damara Bianconi/ Renato Brancatelli/Izer Campos/Helena Cavalhosa/Margot Delgado/Edith Derdyk/Oswaldo Forty/Bernardo Krasnianski/Mario Motta/Chico Penteado/Armando Queiroz/Coca Rodrigez/Leila de Sarquis/Werne Souza/Maria Villares (alle Bra); Walter Bittner/Jürgen Braun/Renate Gehrcke/ Clemens Heinl/Carmen Jaud/Gerlinde Pistner/Annette Rollenmiller/Marianne Stüve/ TEVAUHA,Bruno Weiß/Helge Wütscher (alle D); Monique Weissmüller/Erik Koch/Muriel Maire/ Hugo Snellen/Sarah Wood/Pat Woolham (alle Fkr); Amarie Bergman/Stefani Peter (beide Ca). Crianças Sebaldus Kirche. Installation von Siegbert Franklin SP mit Arbeiten von Claudia Villar. Jahresringe/Cernes Sebalder Platz, Installation von Marianne Stüve Nü und Armando Queiroz Belem. Laços de familia Haus Eckstein. Künstler: Renate Gehrcke Pappenheim/Siegbert Franklin SP/ Pat Woolham Uzés/Fkr. Skulpturen von Clemens Heinl im Innenhof der Stadtbibliothek. Manoel de Barros Apresentação do poeta brasileiro com Julio Camerero e tradução de Karin Gleixner, Zeitungs Café Hermann Kesten. Zeitlupe – cámera lenta Kulturladen Schloss Almoshof Künstler: Helena Carvalhosa SP/Stefani Peter Vancouver/Annette Rollenmiller Nü/Werne Souza Belem. cinema mudo – Stummfilm Malerei von Siegbert Franklin, Galerie Arauco. aus uralten Zeiten… Installation von Jürgen Braun Nü, Trödelmarkt Zeitlupe – camera lenta Künstlerhaus Kulturzentrum. Malerei und Objekte von Jürgen Braun Nü/Forty SP. 2006 Ausstellungsreihe “cámera lenta – Zeitlupe” in Fortaleza/Brasilien Galeria Antonio Bandeira: Annette Rollenmiller/Bruno Weiß/Clemens Heinl/ Gerlinde Pistner/Jürgen Braun/Marianne Stüve/Renate Gehrcke/TEVAUHA/Wolfgang Weber (alle D); Bruno Galvão/Cristiana Moura/Diego Ponder/Herbert Rolim/José Guedes/Jaqueline Medeiros/Jussara Correia/ Marcello Santiago/Meire Guerra/Núbia Agustinha/ Waléria Américo/Wilson Netto (alle Bra); Amarie Bergman (Ca); Muriel Maire(Fkr). Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura: Clemens Heinl/Jürgen Braun/TEVAUHA/Wolfgang Weber (alle D). Centro cultural Banco do Nordeste: Annette Rollenmiller/Bruno Weiß/Gerlinde Pistner/ Marianne Stüve (alle D); Bruno Galvão/Braz Marinho/ Bernardo Krasnianski/Diego Ponder/Damara Bianconi/ Coca Rodrigez/Chico Penteado/Fernanda Amalfi/José Guedes/Jussara Correia/Leila de Sarquis/Maria Villares/ Margot Delgado/Siegbert Franklin/Selma Daffré/Waléria Américo/Wilson Netto/Zé Mario (alle Bra); Amarie Bergman (Ca); Muriel Maire/Pat Woolham (Fkr). Galeria de Arte Vincente Leite: Annette Rollenmiller/Marianne Stüve (D); Coca Rodrigues/Bia Cordovil/Maria Villares/Leila de Sarquis/ Chico Penteado/Siegbert Franklin/Cláudia Villar (Bra) Faculdade Católica Rainha do Sertão: Clemens Heinl/Annette Rollenmiller/Bruno Weiß/ Marianne Stüve/Renate Gehrcke/Gerlinde Pistner (D); Amarie Berman/Stefani Peter (Ca); Muriel Maire (Fkr); Selma Daffré/Siegbert Franklin (Bra). Casa D’Arte: Clemens Heinl/Gerlinde Pistner/Renate Gehrcke (D); Cláudio César/Maira Ortins/Siegbert Franklin (Bra). Konservatorium Fortaleza: Konzert Klaus Treuheit mit einheimischen Musikern. 178 2006 Zeitlupe – cámera lenta Ausstellung bei Körner&Scherzer. Coca Rodriguez/Damara Bianconi/Fernanda Amalfi/Leila de Sarquis/Siegbert Franklin (Bras); Annette Rollenmiller/ Bruno Weiß/Clemens Heinl/Gerlinde Pistner/Jürgen Braun/Marianne Stüve/Renate Gehrcke/TEVAUHA/Wolfgang Weber/Klaus Treuheit (D); Stefani Peter (Ca) 2007 Forty Buchvorstellung der Sammlung Hans Geis Galerie Landskron &Schneidzik, Nürnberg 2007 Água Workshop e Encontro de Artistas com artistas da Alemanha, do Brasil e da França, tratando o tema “Água” St. Dézéry/França do Sud. Teilnehmer: Siegbert Franklin/Julio Camarero/ Herbert Rolim/Meiriane Duarte/Jussara Correia/ Claudia Sampaio/Meire Guerra/Cristina Moura/ Ana Cristina Mendes/Salet Rocha/Fernanda/ Amalfi/Leila de Sarquis/Damara Bianconi/Inga Thieme/Maria Villares (Bra); TEVAUHA/Renate Gehrcke/Marianne Stüve/Berit Klasing/Gabi Wahl/ Birke Grieshammer (D); Monique Weissmüller/Erik Koch/Pat Woolham (Fkr) Ausstellung im Historischen Rathaussaal von Blauzac/Südfrankreich mit Arbeiten aus der aktuellen Schaffensperiode der am Workshop teilnehmenden Künstler. 2007 paradiso Galerie Arauco Nürnberg. Künstler: Fernanda Amalfi SP / Leila de Sarquis SP / Marianne Stüve Nü. 2008 Wasser – àgua deutsch-brasilianische Kunstausstellung in der ehem. Fertigungshalle der AEG in Nürnberg, in Zusammenarbeit mit dem KUF,Kulturbüro Muggenhof Künstler: Fernanda Amalfi/Damara Bianconi/Helena Carvalhosa/Margot Delgado/Edith Derdyk/Hugo Fortes/ Robin Glass/Liz Miller/Paloma Perez/Coca Rodriguez/ Leila de Sarquis/Maria Villares/Julio Camarero/Jussara Correia/Siegbert Franklin/Roberto Galvão/Meire Guerra/Ana Cristina Mendes/Maira Ortins/Salet Rocha/ Herbert Rolim/ Claudia Sampaio (Bra); Monique Weissmüller/Benoît Flamand/Pat Woolham/Sarah Wood (Fkr); Stefani Peter (Ca); Eva Engelhardt/Renate Gehrcke/Lisa Haselbek/Berit Klasing/Anneliese Kraft/Gerlinde Pistner/Annette Rollenmiller/Marianne Stüve/TEVAUHA/ Bruno Weiß/ Fred Ziegler (D) Nado Livre-Freischwimmen, Tanzperformance, Sissi Fonseca SP. Materia prima “Água” palestra de Günter Walpuski, Würzburg O Boto Vortrag von Inga Thieme, SP Beach Crossing Musikperformance, Klaus Treuheit, Erlangen (präpariertes Piano) / Nathalie Fari, Berlin-São Paulo (Tanz) Klangperformance mit Tatjana Maté Musik: Duo Yarah Linss – Bossa Nova, Jazz Oficinas: Marmore e Àgua 2009 Àgua – Wasser Terra dos Rios, Belem/Brasilien, Kulturraum Banco da Amazônia. Künstler: Lisa Haselbek/Berit Klasing/Claudia Flach/ Marianne Stüve/TEVAUHA/Fred Ziegler (D); Sarah Wood/Benoît Flamand (Fkr); Izer Campos/Elza Lima/ Lise Lobato/Danielle Fonseca/Margalho Açu/Jorge Eiró/ Jocatos/Miguel Chikaoka/Werne Souza/Nio Dias (Bra). Bauchladen-Theater: Martin Hinder 2009 Àgua – Wasser – Water Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura, Fortaleza/Bra. Künstler: Andrea Altemüller/Berit Klasing/ Gerlinde Pistner/Lisa Haselbek/Marianne Stüve/ TEVAUHA/Fred Ziegler (D); Ana Cristina Mendes/Claudia Sampaio/Coca Rodriguez/Damara Bianconi/Fernanda Amalfi/Helena Carvalhosa/ Jussara Correia/Leila de Sarquis/Maira Ortins/ Maria Villares/Margot Delgado/Meire Guerra/Paloma Perez/Salet Rocha/Gentil Barreira/Herbert Rolim/Hugo Fortes/Julio Camarero/Robin Glass/Siegbert Franklin/Wilson Neto (Bra); Sarah Wood/Benoît Flamand (Fkr); Stefani Peter (Ca). 2009 Terra dos Rios Reise in das Amazonasdelta, erste Eindrücke. Galerie Arauco, Nürnberg. Künstler: Claudia Flach/Marianne Stüve/Gerlinde Pistner/TEVAUHA/Lisa Haselbek/Fred Ziegler/ Berit Klasing (D); Werne Souza/Ana Cristina Mendes (Bra). Bauchladentheater Martin Hinder. unten: Theater auf dem Amazonasschiff Monolog von Margarete: “Elogie an die Liebe”. 180 Construindo novas pontes Fernanda Proença Susemihl A Ponte Cultura completa 20 anos de existência, promovendo o intercâmbio cultural entre as cenas artísticas européia e brasileira. Das interações proporcionadas nasceram não apenas diversas exposições de artes plásticas de profundo interesse para a sociedade e para construção de uma pesquisa artística ampla e sólida. Mais do que isso, essas duas décadas de trabalho e dedicação permitiram o desenvolvimento de um grupo de artistas unidos pela paixão pela arte e pelo respeito mútuo, disposto a desenvolver em conjunto novas práticas e principalmente aberto para o auto-questionamento. Essa troca de idéias, as longas conversas e a apreciação do trabalho dos colegas incentivou o aprofundamento conceitual e a sofisticação dos processos de criação, além de presentear a todos com uma visão mais ampla da produção de artistas contemporâneos, trazendo um senso de pertencimento e colaboração tão impregnado de poesia quanto as obras que produzem. A arte tem esse poder unificador, trata de questões de difícil tradução, de vicissitudes delicadas da experiência humana que precisam de elementos muito especiais para serem comunicadas. A arte pode apenas se beneficiar dessa postura artística aberta à coletividade, que vai além das fronteiras do atelier, da cidade, do país, do grupo cultural. A Ponte Cultura pode se orgulhar de ser protagonista desse trabalho árduo de integração e criação de uma consciência coletiva dinâmica e verdadeira. É admirável a competência demonstrada na construção de um movimento complexo e sutil como esse, sem se deixar desgastar com o tempo, sem tornar-se obsoleto, adequando-se às necessidades de cada momento de sua história. Para tanto, indispensável uma percepção aguçada dos movimentos da cena artística de diversos pólos ao redor do mundo e a compreensão do desenvolvimento particular de cada artista que compõe o grupo. Não apenas atenção a esses processos mas, ainda, coragem para adaptar-se, questionar-se e reestabelecer-se como grupo num processo constante e inesgotável. Uma prova dessa postura acertada e audaciosa é o próximo projeto que a Ponte Cultura está preparando, do qual terei a honra de ser curadora. O projeto Olho N’Água é mais uma etapa do desenvolvimento do tema da preservação da água e da revisão do sistema de utilização mundial deste bem de consumo oferecido pela natureza. Em suas últimas exposições o grupo já vem abordando essa questão tão cara ao nosso planeta e sua manifestação em produções artísticas. Em 2011, trinta e um artistas apresentarão suas obras em diversos suportes e utilizando de técnicas variadas, abordando o tema da água, seja de forma literal ou metafórica, incitando o público a questionar não apenas sua postura gegenüber: Memorial das Americas Latinas, Sâo Paulo Prêdio Libraria Architekt: Oscar Niemeyer frente ao uso de recursos naturais e sua relação com a natureza, mas também a possibilidade da arte contemporânea, que é, em si, um território liquido. Nesse futuro projeto, novas pontes serão criadas, pois mais países integrarão o corpo de artistas. À Alemanha, França e ao Brasil se somarão países como Argentina, Bolívia, Peru e Uruguai, permitindo a representação Latino Americana nessa importante discussão. A Ponte Cultura abriu os braços para receber artistas de novas nacionalidades pois compreende os benefícios da pluralidade e não tem medo de se reinventar. A inserção de novos artistas, novos pensamentos e idéias que provém de realidades diversas, histórias políticas e sociais peculiares será certamente enriquecedora e provará que, apesar das diversas diferenças que marcam os países, a arte é uma linguagem universal. Fernanda Proênça-Susemihl, Sâo Paulo Fernanda Proença Susemihl, Ausstellungskuratorin Projekt Ponte Cultura “Olho N’Água” 2012 im Kulturzentrum Memorial da America Latina São Paulo 182 Artistas de PONTE CULTURA Açu, Margalho Amalfi, Fernanda Altemüller, Andrea Américo, Waléria Augustinha, Núbia Baker, Brenda Lee Barros, Renata Bataglini, Arnaldo Barreira, Gentil Bergman, Amarie Bittner, Walter Blocher, Annette Brancatelli,Renato Braun, Jürgen Brill, Alice Camarero, Julio Campos, Izer Carvalhosa, Helena César, Claudio Chicaoka, Miguel Cordovil, Bia Correia, Jussara Daffré, Selma Da Linha, Gustavo Delgado, Margot Derdyk, Edith De Sarquis, Leila Dewor, Carola 184 Dias, Nio Duarte, Meiriane Durão, Fernando Eiró, Jorge Engelhardt, Eva Fari, Nathalie Flach, Claudia Flamand, Benoît Fonseca, Daniela Fonseca, Sissi Fortes, Hugo Dr. Forty (Oswaldo Forty) Franklin, Siegbert (verstorben) Furlong, Patrizia Galvão, Bruno Gehrcke, Renate Glass, Robin Grieshammer, Birke Guedes, José Guerra, Meire Hahn, Heike Haselbek, Lisa Heinl, Clemens Hinder, Martin Jaud, Carmen Jeanrenaud, Denise Jocatos Kienle, Harald Klasing, Berit Koch, Erik Kraft, Anneliese Krasnianski, Bernardo Kriege, Rita Kudo, James Lima, Elza Linss, Yara Litichevski, Georgi Lobato, Lise Maire, Muriel Mandira (Claudia Helmich) Maravalhas, Marinez Maté, Tatjana Mendes, Ana Cristina Milani, Angelo Miller, Liz Motta, Mario Moura, Cristina Moura, Gilsamara Naumann, Petra Netto, Wilson Olesch, Gabriele Ortins, Maira Pellezari, Ana Penteado, Chico Perez, Paloma Peter, Stefani Pistner, Gerlinde Ponder, Diego Queiroz, Armando Rocha, Cris Rocha, Salet Rocha, Urbano Rodriguez, Coca Rolim, Herbert Rollenmiller, Annette Ruella, Paula 186 Salles, Suzana Sampaio, Claudia Santiago, Marcello Sarubbi, Valdir (verstorben) Schcolnic, Enêdia Schoedel, Ursula Schutze, Newman Sigsworth, John Snellen, Hugo Souza, Werne (Werley) Stüve, Marianne TEVAUHA (Thomas Volkmar Held) Thieme, Inga Dr. Treuheit, Klaus Dr. Tribst, Lazaro Uhl, Franziska Vadergoril, Eça (verstorben) Valdivia Villar, Claudia Villares, Maria Wahl, Gabi Walpuski, Günter Weber, Wolfgang Weiß, Bruno Cassagne, Mô (Monique Weissmüller) Winegardner, Alicia Wood, Sarah Woolham, Pat Wütscher, Helge Zé, Mario Ziegler, Fred Zörndlein, Doris 188 Impresso Este catálogo é documento dos 20 anos de atividade da associação PONTE CULTURA. O trabalho da associação se manifesta principalmente na organisação de encontros e workshops entre artistas – aonde se elaboram em comum temas de arte e futuros exposições, tanto na Alemanha como no Brasil e na França. A elaboração dos temas de Arte tem a sua base nas pesquisas scientíficas da antropóloga Dr. Inga Thieme que mora em São Paulo e que tem raizes culturais tanto na Alemanha como no Brasil. . PONTE CULTURA e.V. (e.V.= Associaçâo cultural inscrito na Lei) Associação para o trabalho cultural entre a Alemanha e o Brasil Peter Stüve, Nürnberg / Presidente Helmut Schallock, Nürnberg / Vice Presidente Dr. Inga Thieme, São Paulo / Consultora pesquisa scientífica Günter Braunsberg M.A., Nürnberg /Historiador de Arte e Curador na Alemanha Siegbert Franklin, Fortaleza /Coordenação e Curadoria no Brasil (Fortaleza, São Paulo) Werne Souza, Belém /Coordenação e Curadoria de Exposições no Brasil (Belém) Marianne Stüve, Nürnberg / Coordenadora de projetos de Arte Ponte Cultura e.V. Nürnberg Vogelsgarten 5 90402 Nürnberg Alemanha Telefone: 0049 (0)911 594 520 Mail: [email protected] www.pontecultura.de Catálogo: Editor & copyright: PONTE CULTURA e.V. Redação: Günter Braunsberg M.A. Assistente: Marianne Stüve Autor: Günter Braunsberg M.A. Indice das obras: PONTE CULTURA e.V. Design: Sandra Di Maria, Erlangen Impressão: Impressora Haspel, Erlangen Foto da capa: Peter Stüve, Rio Muaná – Ilha Marajó Fotos em geral: Arquivo Ponte Cultura, Fotos dos proprios artistas, fotos na AEG 2008: Hugo Topf/Jürgen Leissner/Andrea Altemüller printed in Germany, 2011 (impressao sem efeitos sobre o clima por apoio do projeto “Pueblo Nuevo Viñas”, Guatemala) Agradecimentos a todos os associados da associação Ponte Cultura e a GEIS Industrie Service GmbH, Nürnberg, a Siemens AG Erlangen/Nürnberg, a Faber-Castell AG, Stein e a PressChemie Junghans KG, Regensburg..