"Pintar é libertar-se, e isso é o essencial." Pablo Picasso
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"Pintar é libertar-se, e isso é o essencial." Pablo Picasso
Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. "Pintar é libertar-se, e isso é o essencial." Pablo Picasso Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. SUMÁRIO 1. INTRODUÇÃO 2. ARTE MODERNA: A REVOLUÇÃO 3. IMPRESSIONISMO 4. NEO-IMPRESSIONISMO: O PONTILHISMO 4.1. SEURAT 4.2. PAUL SIGNAC 5. EXPRESSIONISMO 5.1. VAN GOGH 5.2. CEZANNE 6. FORMAS DO CUBISMO 6.1. PABLO PICASSO 6.2. GEORGES BRAQUE 7. DADAISMO 7.1. FUTURISMO 7.2. A BAUHAUS 7.3. PRINCIPAIS ARTISTAS 7.3.1. MARCEL DUCHAMP 7.3.2. GIACOMO BALLA 7.3.3. WALTER GROPIUS 8. SURREALISMO 8.1. SALVADOR DALÍ 8.2. JOAN MIRÓ 9. NEOPLASTICISMO 9.1. MONDRIAN 10. ABSTRACIONISMO 10.1. KANDINSKY 11. CONCLUSÃO 12. REFERENCIA BIBLIOGRÁFICA Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 1. INTRODUÇÃO A Arte moderna vem quebrando todos os movimentos artísticos desde a pré-história, os modernos artistas mudaram completamente sua forma de ver o mundo, mudando assim drasticamente suas temáticas para paisagens, humildes, e pessoas temas mais sociais. A arte moderna teve diversas formas estéticas que Corpos de prisioneiros judeus e poloneses coexistiram, e influenciaram em Auschwitz – Revista Super Interessante uma muitos a outra, artistas sendo que seguiram influências de dois movimentos da arte moderna, os principais foram o Impressionismo, o Neo-Impressionismo, o Expressionismo, o Cubismo, o Dadaísmo, Futurismo, Abstracionismo russo (Bauhaus), o Surrealismo, o Neoplasticismo. Assim como é típico da história da arte a principal característica da arte moderna era romper com os padrões antigos, porém foi uma expressão que buscou constantemente novas formas de expressão, sendo muito diversificada, e principalmente inovadora, sem buscar padrões clássicos, medievais, ou renascentistas. Muitas mudanças no mundo trouxeram essas características para a arte Moderna, diversos acontecimentos fizeram que o homem enxergasse o mundo de uma forma diferente, uma forma que simplesmente jamais enxergou. A Idade Média foi o período que a visão do homem de si mesmo mais se aproximou da arte moderna apesar do enfoque exacerbado em Deus e a religião que não existiu na Arte moderna, mas o homem se via como algo Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. impuro, capaz de atrocidades, e os acontecimentos do mundo no período em que a arte moderna foi desenvolvida fizeram que o homem entendesse e se visse como um ser capaz de diversas coisas. As mudanças nos terrenos cientifico, tecnológico, econômico, social e político trazidas pela revolução francesa e pela revolução industrial, a exploração do proletariado, fizeram que o mundo já enxergasse os homens como seres capazes de atrocidades com o próximo, seguido da Primeira Guerra Mundial (1914-1918), que devastou a Europa (berço de todas as artes até então), causando um grande desequilíbrio em diversos valores humanos assim como na política-social, trazendo uma falta de credibilidade dos mesmos, o surgimento da psicanálise em 1890 com Sigmund Freud, desmistificando diversos valores e escancarando desejos e vontades até então escondidas nos quartos e guetos das cidades. Estes fatores aliados a descoberta da energia elétrica, o avanço na produção dos automóveis (mais baratos), e o cinema que deram uma maior noção de velocidade e movimento fez com que os conceitos e a idéia que o homem tinha de si mesmo e do9 mundo mudassem muito. Obviamente, mais tarde a segunda Guerra mundial (1939-1945), assim como diversas descobertas (teoria da relatividade, bomba atômica, antibióticos, velocidade supersônica, conquista do espaço, telefone, computador, rádio, televisão), abalaram o pensamento mundial, vendo um ser humano capaz de conquistar o espaço e se comunicar em distancias infindáveis, e ao mesmo tempo matar milhões e milhões poder, em nome de mesquinharia preconceito, e fazendo com que se questionasse as estruturas sociais. A arte neste base Moderna nasceu contexto, para o dando que conhecemos hoje como “arte contemporânea”. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. Para entender como nasceu uma arte tão diferente das anteriores basta pensar em alguns exemplos e fazer um comparativo para ver como isto influenciou a vida das pessoas, como por exemplo: A invenção do telefone, quando antes uma carta demorava meses a chegar, Thomas Edisson e a lâmpada, quando a escuridão noturna era natural, Pasteur e as leis de assepsia para manter os homens saudáveis e a primeira grande guerra mundial que dizimou milhões, multiplicação das linhas férreas, fazendo as viagens diminuírem em até 200% do tempo, a popularização da fotografia e do cinema, quando anteriormente quem tinha seus retratos na parede eram apenas grandes mecenas que podiam pagar artistas. Comparando com as intenções de movimentos artísticos anteriores, a Arte moderna não estava a serviço da igreja (Arte Medieval, Barroco e Rococó), nem era posse dos mecenas e aristocratas (arte Greco/romana e Neoclássica), nem tinha como função retratar o mundo e a sociedade como ela realmente era já que a fotografia faria este trabalho (Realismo), nem mesmo construir um ideal humano (renascimento). Vendo por este ângulo, qual seria o real sentido da arte moderna? Fica bem mais fácil entender por que foi o mais inovador dos movimentos artísticos de todos os tempos. Primeira fotografia permanente tirada com sucesso – Exposição de 8 horas intitulada “Vista da Janela de Le Gras” tirada por Joseph Nicéphore-Niépce Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 2. ARTE MODERNA: A REVOLUÇÃO O que mais impressiona nas obras modernas é a sua pluralidade de movimentos radicalmente formas e mudando as formas do passado, assim como já citado na introdução o surgimento da psicanálise assim como da teoria da relatividade e diversos outros fatores históricos vieram por contribuir com uma revolução de pensamentos, sentimentos, temáticas e formas artísticas, Maurice de Vlaminck Rue de Village - guache, 1926 onde até mesmo a tela e o pincel, os palcos já estavam se esgotando e a arte pedia para se expandir para qualquer outro lugar, não que tenham sido esquecidos todas as tradições e formas anteriores, mas a sua evolução chegou a uma forma de desconstrução nunca antes vista. Muitos livros marcam o inicio da arte moderna com o impressionismo (linha da qual mais concordo e seguirei no decorrer deste trabalho), porém a linhas que ditam este começo com o final do século com o Pós-Impressionismo (ou Neo-impressionismo), e uma ainda que dita arte moderna a partir apenas do Fauvismo (que provém da palavra “feras’), no inicio do século XX, porém como já sabemos a arte é uma evolução e o impressionismo (como o nome já sugere), impressionou e revolucionou. Finalmente a arte oriental e africana começaram a ser consideradas e assimiladas no mundo ocidental, aumentando consideravelmente a variedade de linguagens e obras, onde o que mais valia era a originalidade, para melhor compreensão foram divididas em pequenos movimentos que na realidade não existiram por se assim na arte e na história não existe uma divisão exata dos Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. acontecimentos e sim datas aproximadas, pois estas mudanças eram gradativas, vindo a aparecer com grandes gênios, muitos artistas modernos nem ao menos chegaram a se encaixar em algum estilo especifico. Sob essa denominação podem ser considerados, generalizadamente, os diversos movimentos artísticos que se originaram no decurso do século XX. A denominação “Arte Moderna”. Muito embora internacionalmente aceita, e por isso aqui adotada, a expressão “arte moderna” merece reparos: não existe uma arte moderna em oposição a uma arte antiga e nitidamente separada dela: pelo contrário, toda arte é moderna, no sentido de que acompanha (e não raro ultrapassa) o espírito da época em que surge. Assim, Giotto é moderno em relação a Cimabue, e Masaccio em relação a Giotto; arte moderna pode ser a denominação adequada para a arte correspondente à Era Moderna, iniciada, em 1453: Renascença, Maneirismo, Barroco, Rococó, Neoclassicismo, Romantismo, Impressionismo e os diversos movimentos artísticos que se seguiram ao Impressionismo não passariam, assim, de subdivisões da arte moderna, que desta arte compreenderia cinco séculos: XVI ao atual. Precursores da Arte Moderna. Cézanne, Gauguin e Van Gogh são considerados precursores os da três grandes Pintura moderna, prendendo-se a contribuição original do primeiro ao espaço, do segundo à composição e do terceiro à cor. Paul Cézanne pode ser considerado como precursor conjuntamente do Expressionismo (“Tentação de Santo The Bathers, Les Grandes Antonio”, de 1867), do Fauvismo e Baigneuses sobretudo do Cubismo (“Jogadores de Cartas”). Num inquérito levado a efeito Paul Cezanne em 1953, Braque, Jacques Villon, Léger e diversos outros pintores reconheceram sua dívida para com o pintor de Aix-em-Provence, afirmando peremptoriamente: “Todos partimos da obra de Cézanne.” Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 3. IMPRESSIONISMO A primeira exposição do grupo data de 1874 e foi realizada no estúdio fotógrafo do Nadar, originalmente batizada de Salão dos Recusados, uma referência à constante recusa de suas obras nos Salões de Arte. A origem do termo impressionista Impressão do sol nascente - Monet a princípio teve um sentido jocoso e deve-se a um crítico que, ao olhar o quadro de Monet, Impressões do sol nascente, assim chamou o seu criador. O termo impressionismo foi então criado de forma pejorativa, mas pegou. Eles preferiam ser conhecidos como independentes, pois criaram salões de arte marginais ao sistema de arte vigente e viviam por conta própria sem se sujeitarem às imposições do meio artístico. De certa maneira, o Impressionismo é uma radicalização dos preceitos do realismo, no que diz respeito à valorização do instante e às questões relacionadas à sensação visual, porém, dá um passo adiante nesses estudos, com um novo enfoque. Os artistas impressionistas foram beneficiados pelo advento do quadro de cavalete e dos tubos de tinta de estanho flexível (substituindo a bexiga de porco) que, por serem portáteis, possibilitaram-nos sair de seus ateliês para pintar ao ar livre. Estavam interessados em captar a vida ao vivo, queriam perceber, captar e pintar tudo aquilo que estivesse sob o efeito passageiro, momentâneo e fugaz da luz do sol. Influenciados pelas novas teorias ópticas e pelos efeitos da fotografia instantânea, os artistas buscavam estudar cientificamente as cores, os reflexos e as transparências do efeito da luz sobre os elementos da natureza. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. A grande contribuição do Impressionismo foi ter chegado a novas conclusões sobre a verdade da representação verossímil do mundo visível nas imagens artísticas, o que acabou decretando a decadência da arte naturalista. Eles foram beneficiados pelos avanços ocorridos na arte do Romantismo e do Realismo – estilos artísticos que surgiram após o neoclassicismo – e conquistaram tamanha liberdade criativa que deu início mais tarde à grande revolução na arte ocidental: a O Camarote – Pierre August Renoir arte moderna. Sem o Impressionismo não teria havido a Arte Moderna. Como movimento organizado, o Impressionismo durou de 1874 a 1886, período que assistiu à realização de suas oito exposições gerais: em 1874, 1876, 1877, 1879, 1880, 1881, 1882 e 1886. Da primeira mostra inaugurada no atelier do fotógrafo Maurice Nadar, circunstância que não deixa de possuir alto significado, já que até certo ponto a fotografia viera desferir um golpe profundo na pintura realista, participaram nada menos de 30 pintores, a saber: Astruc, Attendu, Béliard, Boudin, Bracquemond, Brandon, Bureau, Cals, Cassatt, Cézanne, Colin, Debras, Guillaumin, Latouche, Lepic, Lépine, Levert, Meyer, Molins, Monet, Morisot, Mulot-Durivage, De Nittis, os dois Ottin, Pissarro, Renoir, Robert, Rouart e Sisley. Cézanne, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir e Sisley, podem ser tidos entre os pintores mais ilustres do século XIX. A aceitação do Impressionismo, por parte do público começa a ter lugar em 1880, por ocasião da quinta mostra; a qual reúne 12 quadros de Degas, 15 de Morisot, 16 de Pissarro, 7 de Gauguin, e ainda obras de Guillaumin e Mary Cassatt. Novo caminho indicarão também três pintores algo à margem do Impressionismo, se bem que dois tenham mesmo participado das mostras do Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. grupo. Esses três pintores chamam-se Paul Cézanne, Paul Gauguin e Vincent van Gogh, e ocupam lugar importante na história da pintura, não só pelo que foram, como pelo que possibilitariam. A chamada arte moderna, com efeito, nasce com a contribuição de cada um deles, sendo Cézanne responsável pela conceituação de um novo espaço pictórico, Gauguin pela imposição de uma fórmula sintética abrangendo forma e cor num todo simples e abstrato, Van Gogh pela vitória da cor sobre o desenho. Passando agora ao estudo da obra de cada um dos chamados impressionistas, chegar-se-á à conclusão de que os mais típicos representantes da tendência, seus mais fiéis defensores, foram Monet, Renoir, Pissarro e Sisley, sendo que apenas Pissarro participou de todas as Le bassin aux nymphéas, de 1919 – Claude Monet oito exposições do grupo. Monet, considerado chefe inconteste escola. suas ultimas Em da obras, executadas já nos primeiros anos do século atual, praticamente atingiu aos limites em que as designações de figurativa e não figurativa, dadas à pintura pela crítica de arte contemporânea, perdem todo e qualquer significado. É o momento das “Nymphéas”, série iniciada exatamente em 1900. É extraordinário o fascínio que no momento exercem, internacionalmente, as pinturas dos componentes do grupo, as quais atingem no mercado de arte cotações simplesmente fabulosas, mormente se comparadas aos preços ínfimos de poucos anos atrás (1960: Cézanne, “Lês Pommes”, 200.000 dólares; Degas, “Trois Jockeys”, 65.000 dólares; Gauguin, “Femme Assise”, 106.400 dólares; Monet, “Water Garden, Giverny”, 54.800 dólares; Pissarro, “Avant Port de Dieppe”, 35.000 dólares; Renoir, “Nu Debout dans L’Eau”, 106.400 dólares). Na música e na literatura. O Impressionismo, como estilo, se tornou comum a outros tipos de expressão, como a Música e a Literatura. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. Na Música, com Debussy, Ravel e Resphigi, representou uma reação antiwagneriana. Os compositores visavam à dissolução de certas estruturas rígidas de algumas formas musicais. Segundo Laloy “é uma música que não obedece às leis da sensação; puramente auditiva, como visual é, da mesma maneira, a pintura impressionista”. Na Literatura, o Impressionismo derivou do Realismo, e o termo, só recentemente posto em uso por críticos e nsaístas, tem servido para situar escritores até então sem uma classificação definida. Assim, a mesma indefinição do detalhe, do objeto, tanto na Pintura como na Música, é observada na Literatura. O escritor passa a lidar com “estados de alma”, no dizer de Hibbard, e até o enredo fica subordinado à situação daqueles “momentos”. A sintaxe perde a sua estruturação clara e é apenas esquematizada, levando em conta as necessidades expressivas para a captaçào do mundo subjetivo que o escritor quer retratar. Amado Alonso no ensaio Impressionismo em el Lenguaje, mostra que não há propriamente uma linguagem impressionista, mas algumas preferências por expressões subjetivas, simbólicas, que servem para aproximar certos escritores. E aponta o exemplo, muitas vezes freqüente, do abandono da ordem lógica da frase. E mais: o tratamento verbal para que o leitor tenha a sensação, não de uma descrição objetiva e onisciente do autor e sim de testemunha dos fatos apresentados. Assim, muitas vezes, escritores que à primeira vista pareciam tão distantes em sua maneira de concepção, podem ser aproximados por uma característica afim do estilo. No caso, Katherine Mansfield, Marcel Proust e outros. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 4. NEO-IMPRESSIONISMO: O PONTILHISMO O período de 1886 a 1910 aproximadamente é possui um movimento da arte moderna chamado pontilhismo, ou Neo-impressionismo como os historiadores da arte denominaram. Os impressionistas haviam destruído para sempre a crença artística na verdade objetiva da natureza. Os pintores passaram a entender que a visão depende de como vemos é, mais importante ainda, de quando vemos: o “olhar objetivo” estava, na realidade, sujeito a tanto à percepção quanto ao tempo. Vivemos num mundo essencialmente fugaz e incontrolável, e a glória da arte é lutar corpo a corpo com esse conceito que apareceu devido as novas noções que a fotografia, cinema e a evolução dos meios de transporte trouxeram como noção de tempo e velocidade aos artistas. Os pintores franceses Georges Seurat e Paul Signac são analisados de forma diferenciada, pois foram os primeiros a aplicarem rigorosamente as teorias científicas das cores desenvolvidas no século XIX em seus trabalhos artísticos. Eles combinaram as idéias sobre contraste das cores e mistura ótica e criaram uma nova técnica de pintura chamada de Pontilhismo. A novidade consistia em justapor pontos de cores brilhantes e contrastantes para que a forma fosse percebida sem que se usasse a linha para contornála. Seus trabalhos considerados foram como “arte matemática” porque as proporções de luz e cor eram matematicamente calculadas para provar que as misturas óticas poderiam ser tão luminosas quanto à mistura aditiva da luz. O França, pontilhismo como surgiu tantos na outros movimentos culturais, por volta do ano de 1880. A França era, nessa O Circo - Georges Seurat Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. época, capital cultural do mundo e nada mais natural que ser a origem de toda uma onda de movimentos inovadores, que vieram para marcar a história ou simplesmente passar quase desapercebido, conforme cada caso. O pontilhismo nasceu da observação de que pontinhos de cores puras colocados cuidadosamente lado a lado produziam o mesmo efeito de misturar as mesmas cores na paleta. Os impressionistas já pregavam que as cores deviam ser usadas em justaposição, ao invés de misturadas como era o comum. Os pontilhistas apenas levaram esse princípio ao devêssemos Talvez chamá-los exagerados. começaram extremo. Os a de pontilhistas teorizar sobre o assunto, tomando como base os princípios científicos desenvolveram complicada Camille Pissarro: "A pastora" na da ótica e uma busca teoria de uma exatidão para a mistura dos pontos. Claro que fazemos isso hoje em nossos computadores usando programas que trabalham para nós mas naquela época a tarefa foi bastante complexa. Os pontilhistas criaram toda uma teoria matemática para a combinação dos pontos coloridos e foram tratados como pintores de confete, pelos adversários do movimento. Na prática, nem todos os artistas seguiam o rigor matemático apregoado e foram desenvolvendo sua arte de maneira mais empírica e improvisada. Os principais iniciadores do movimento, Georges Seurat e Paul Signac representam também os pontos mais altos dessa técnica. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 4.1 SEUR AT Um dos grandes precursores da arte do século XX, Seurat foi o criador do pontilhismo, técnica neo-impressionista baseada na fragmentação da cor em pontos que, quando tomados em conjunto, definem a forma pictórica. O efeito produzido é semelhante ao da ampliação da retícula fotográfica, pela qual se obtém a granulação da imagem. Georges Seurat nasceu em Paris em 2 de dezembro de 1859. Em 1878 começou a estudar na Escola de Belas-Artes com Henri Lehmann, discípulo de Ingres voltado para a pintura de nus e retratos convencionais. Seurat nessa época já demonstrava interesse pelos fundamentos arte e teóricos por científicas da pesquisas quanto à percepção de linhas, cores e imagens. Esse interesse, que persistiu ao longo de sua breve carreira, levou-o a conhecer os estudos do químico Michel-Eugène Chevreul sobre cromatismo, que o "Um domingo de verão na ilha da Grande Jatte" Georges Seurat tiveram peso ponderável na elaboração do pontilhismo. Em 1879, com vinte anos, Seurat fez o serviço militar em Brest, onde realizou muitos esboços da paisagem marinha. Em 1883 compareceu pela primeira vez ao salão oficial, expondo retratos de sua mãe e de seu amigo Aman-Jean. No mesmo ano iniciou "Cena de banho, Asnières", quadro que, ao ser recusado pelo salão de 1884, motivou sua adesão à Société des Artistes Indépendants, cujas mostras eram organizadas sem premiação e sem júri. Seurat ligou-se então a Paul Signac, (o outro grande nome do pontilhismo, técnica também adotada, em determinado momento, por Camille Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. Pissarro) e partiu para a realização de sua maior obra, "Um domingo de verão na ilha da Grande Jatte", que fez sucesso, mas também causou celeuma, ao ser apresentada em Paris, em 1886, numa exposição do impressionismo. Igualmente famosas tornaram-se telas suas como "As modelos", "Le Chahut" e "O circo". Ao todo, sua obra, além de sete grandes composições, inclui quarenta quadros menores, cerca de 500 desenhos e diversos cadernos de esboços. Georges Seurat morreu em Paris em 29 de março de 1891 4.2 PAUL SIGN AC Pintor francês, nasceu no dia 11 de novembro de 1863, em Paris, e faleceu em 15 de agosto Começou a de pintar 1935. com dezenove anos, seguindo as veredas do Impressionismo. Em 1884 uniu-se a Georges Seurat para criar o Salão dos Independentes, e The Road to Gennevilliers. - Musée d'Orsay – Paul Signac, uma de suas primeiras obras juntos iniciaram uma nova senda pictórica derivada do Impressionismo, que eles denominaram Divisionismo ou Pontilhismo, uma variante do neo-impressionismo que consistia na aplicação de cores puras em pequenas pinceladas consecutivas ("pontilhismo" procede do francêspointillisme, formado a partir da palavra point, "ponto"). Signac pintou sobretudo paisagens, entre as quais numerosas vistas de Saint-Tropez, portos e marinhas (O Porto de Antibes, 1909). Exerceu influência considerável sobre outros estilos, como o fauvismo e o cubismo. A sua vida artística caracterizou-se pela profusão de suas viagens em busca de lugares de inspiração para a sua paleta. A partir de 1912 pintou em lugares mais afastados da insólita França. Destacou-se, em especial, pela Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. qualidade de suas aquarelas. Em 1899 publicou um texto fundamental para divulgar a teoria do Divisionismo: De Eugéne Delacroix ao Neo- Impressionismo. Em 1927 publicou um livro sobre Jongkind, que é um tratado muito completo sobre a aquarela. Faleceu em 1935, em Paris. Signac pintou sobretudo paisagens, entre as quais numerosas vistas de Saint-Tropez, portos e marinhas (O Porto de Antibes, 1909). Exerceu influência considerável sobre outros estilos, como o fauvismo e o cubismo. Port of La Rochelle. Musée d'Orsay – Paul Signac, uma de suas ultimas obras Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 5. EXPRESSIONISMO O Expressionismo já indica, com seu próprio nome, a principal razão existência: de sua expressar os sentimentos e visões de mundo dos seus artistas Representado principalmente por Munch, Kirchener, Dufy, Kokoschka, o Expressionismo anunciado pelo já fora pintor pós- impressionista Van Gogh, seu grande precursor. Os artistas expressionistas Metrópole - George Grosz inconformados aparência estavam com vulgar a e convencional do mundo visível e com o modo descritivo com que a arte acadêmica representava este mundo. Passam então a distorcer as formas naturais para expressar suas emoções, seus sentimentos particulares e sua visão sobre o mundo. Para isso fazem uso de cores fortes, de traços e linhas marcados e vibrantes, que resultam em uma dramaticidade e expressividade extremas. Embora o expressionismo tenha adquirido caráter nitidamente alemão, o francês Georges Rouault foi quem uniu os efeitos decorativos do fauvismo à cor simbólica do expressionismo germânico. Rouault foi colega de Matisse na academia de Moreau e expôs com os fauvistas, mas sua paleta e sua temática profunda o colocam como um dos primeiros expressionistas, ainda que isolado. A obra de Rouault tem sido descrita como “o fauvismo de óculos escuros”. Rouault era muitíssimo devoto, e alguns o consideram o maior artista religioso do século XX. Começou como aprendiz de vitralista, e o amor a contornos severos que contenham cores radiantes dão vigor e enternecimento Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. a suas pinturas de prostitutas e palhaços. Ele não julga essas desventuradas figuras, mas a extrema piedade com que as mostra causa poderosa impressão; assim, Prostituta no espelho é um libelo feroz contra a crueldade humana. A Brücke (Ponte) foi o primeiro de dois movimentos expressionistas que surgiram na Alemanha durante as primeiras décadas do século XX. O grupo formou-se em Dresden em 1905, e seus membros encontravam inspiração na obra de Van Gogh e Gauguin e na arte primitiva. Munch também era forte influência, tendo exposto em Berlim a partir de 1892. 5.1. VAN GOGH Começou a atuar profissionalmente ainda jovem, por volta dos 15 anos de idade. Trabalhou para um comerciante de arte da cidade de Haia. Com quase vinte anos, foi morar em Londres e depois em Paris, graças ao reconhecimento que teve. Porém, o interesse pelos assuntos religiosos acabou desviando sua atenção e resolveu estudar Teologia, na cidade de Amsterdã. Mesmo sem terminar o curso, passou a atuar como pastor na Bélgica, por apenas seis meses. Auto-Retrato com Chapéu de Impressionado com a vida e o trabalho dos Feltro – Van Gogh pobres mineiros da cidade, elaborou vários desenhos à lápis. Resolveu retornar para a cidade de Haia, em 1880, e passou a dedicar um tempo maior à pintura. Após receber uma significativa influência da Escola de Haia, começou a elaborar uma série de trabalhos, utilizando técnicas de jogos de luzes. Neste período, suas telas retratavam a vida cotidiana dos camponeses e os trabalhadores na zona rural da Holanda. O ano de 1886, foi de extrema importância em sua carreira. Foi morar em Paris, com seu irmão. Conheceu, na nova cidade, importantes pintores da época como, por exemplo, Emile Bernard, Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin e Edgar Degas, Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. representantes do impressionismo. Recebeu uma grande influência destes mestres do impressionismo, como podemos perceber em várias de suas telas Dois anos após ter chegado à França, parte para a cidade de Arles, ao sul do país. Uma região rica em paisagens rurais, com um cenário bucólico. Foi neste contexto que pintou várias obras com girassóis. Em Arles, fez único quadro que conseguiu vender durante toda sua vida : A Vinha Encarnada. Convidou Gauguin para morar com ele no sul da França. Este foi o único que aceitou sua idéia de fundar um centro artístico naquela região. No Girassois I – Van Gogh início, a relação entre os dois era tranqüila, porém com o tempo, os desentendimentos foram aumentando e, quando Gauguin retornou para Paris, Vincent entrou em depressão. Em várias ocasiões teve ataques de violência e seu comportamento ficou muito agressivo. Foi neste período que chegou a cortar sua orelha. Seu estado psicológico chegou a refletir em suas obras. Deixou a técnica do pontilhado e passou a pintar com rápidas e pequenas pinceladas. No ano de 1889, sua doença ficou mais grave e teve que ser internado numa clínica psiquiátrica. Nesta clínica, dentro de um mosteiro, havia um belo jardim que passou a ser sua fonte de inspiração. As pinceladas foram deixadas de lado e as curvas em espiral começaram a aparecer em suas telas No mês de maio, deixou a clínica e voltou a morar em Paris, próximo de seu irmão e do doutor Paul Gachet, que iria lhe tratar. Este doutor foi retratado num de seus trabalhos: Retrato do Doutor Gachet. Porém a situação depressiva não regrediu. No dia 27 de julho de 1890, atirou em seu próprio peito. Foi levado para um hospital, mas não resistiu, morrendo três dias depois. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 5.2 CEZANNE Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 19 outubro de 1906) foi de janeiro de 1839 — 22 um pintor pós-impressionista francês, cujo de trabalho forneceu as bases da transição das concepções do fazer artístico do século XIX para a arte radicalmente inovadora do século XX. Cézanne pode ser considerado como a ponte entre o impressionismo do final do século XIX e o cubismo do início do século XX. A frase atribuída a Matisse e a Picasso, de que Cézanne "é o pai de todos nós", deve ser levada em conta. Após uma fase inicial dedicada aos temas dramáticos e grandiloquentes próprios da escola romântica, Paul Cézanne criou um estilo próprio, influenciado por Delacroix. Introduziu nas suas obras distorções formais e alterações de perspectiva em benefício da composição ou para ressaltar o volume e peso dos objetos. Concebeu a cor de um modo sem precedentes, definindo diferentes volumes que foram essenciais para suas composições únicas. Cézanne não se subordinava às leis da perspectiva. A sua concepção da composição era arquitetônica; segundo as suas próprias palavras, o seu estilo consistia em ver a natureza segundo as suas formas fundamentais: a esfera, o cilindro e o cone. Cézanne preocupava-se mais com a captação destas formas do que com a representação do ambiente atmosférico. Não é difícil ver nesta atitude uma reação de carácter intelectual contra o gozo puramente colorido do impressionismo. Sobre ele, Renoir escreveu, rebatendo o crítico de arte Castagnary: Eu me enfureço ao pensar que ele [Castagnary] não entendeu que Uma Moderna Olympia, de Cézanne, era uma obra prima clássica, mais próxima de Giorgione que de Claude Monet, e que diante dele estava um pintor já fora do Impressionismo. Cézanne cultivava sobretudo a paisagem e a representação de naturezas mortas, mas também pintou figuras humanas em grupo e retratos. Antes de começar as suas paisagens estudava-as e analisava os seus valores plásticos, reduzindo-as depois a diferentes volumes e planos que traçava à base de pinceladas paralelas. Árvores, casas e demais elementos da paisagem Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. subordinam-se à unidade de composição. As suas paisagens sutilmente geométricas. são Cézanne pintou sobretudo a sua Provença natal (O Golfo de Marselha e as célebres versões sucessivas de O Monte de Sainte-Victoire). Nas suas numerosas naturezas mortas, tipicamente compostas por maçãs, levava a cabo uma exploração formal exaustiva que é a terra fecunda de onde surgirá o cubismo poucos anos mais tarde. Entre Vista de Gardanne, 1885-1886. as representações de grupos humanos, são muito apreciadas as suas cinco versões de Os Jogadores de Cartas. A Mulher com Cafeteira, pela sua estrutura monumental e serena, marca o grande momento classicista de Cézanne. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 6. FORMAS DO CUBISMO Podemos dizer que o Cubismo é um movimento artístico decorrente da preocupação que Cézanne tinha em relação ao estudo da forma. Desenvolvido por Picasso e Braque, que rompeu com a idéia de imitação da natureza e abandonou as noções tradicionais de perspectiva. Esses artistas procuravam novas maneiras de retratar o que viam e, influenciados por Cézanne, passaram a valorizar as formas geométricas e a retratar os objetos e as pessoas como se estivessem partidos, ou multiplamente retratados segundo os diversos pontos de vista sob os quais eram observados. Todas as partes de um objeto (lados, parte superior e inferior) eram representados em um único plano, ao mesmo tempo, como se o artista visse esse objeto de vários ângulos diferentes simultaneamente. Essa forma de representação fragmentada e múltipla é a marca registrada do Cubismo. Uma outra importante característica trazida pelo Cubismo é a incorporação de outros materiais e técnicas. Com o Cubismo surgem as experimentações no campo da colagem, que passa a ocupar um lugar mais nobre no universo da arte. Então, elementos como as palavras, pedaços de papel, de jornais, de rótulos, letras, números, pedaços de vidro e de madeira, começam a ser adicionados às pinturas. Em algumas obras cubistas, o artista se preocupou tanto em apresentar simultaneamente todos os lados de um objeto escolhido que, devido à fragmentação excessiva desse objeto, ficou quase impossível reconhecê-lo na pintura. O Cubismo foi uma revolução estética e técnica tão importante para a Arte Ocidental quanto o Renascimento. Ocorreu no período de 1907 a 1914, tendo como fundadores Pablo Picasso e Georges Braque. Iniciado dentro de um círculo muito restrito, não foi pensado como um movimento. Aos seus criadores se uniu um grupo de amigos intelectuais escritores de vanguarda. Kahnweiler abre no outono de 1907 a galeria da rua Vignon, que será o santuário do Cubismo. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. Foram influenciados pela escultura negra e pelas artes primitivas, pelas retrospectivas de Cézanne, no Salão de Outono de 1907 e de Seurat no Salão dos Independentes em 1905. Em 1907 Picasso termina “Les Demoiselles d'Avignonque” marca o nascimento do Cubismo. O Cubismo analítico, reúne em uma tela única diversos aspectos do mesmo objeto, não tal como se vê mas como se pensa, como existe em si e na mente. Esse período “Les Demoiselles d'Avignonque” de análise experimentação Pablo Picasso, 1907 extrema sistemática e de não se processava sem o perigo de hermetismo, o qual Georges Braque e Pablo Picasso remediaram com o uso de "papiers collés" (ou colagens), de detalhes reais como meios excitantes perceptivos. De 1911 a 1912, o Cubismo tornou-se mais conhecido internacionalmente e impulsionou vários movimentos como o Futurismo, CuboFuturismo e Construtivismo. A Guerra de 1914 dispersa os criadores do movimento, cada qual seguindo seu destino. O cubismo analítico apareceu depois da junção do trabalho desenvolvido separadamente por Pablo Picasso e Georges Braque. A forma é analisada num plano, decomposta e montada novamente nesse mesmo plano. A prioridade dada à forma é máxima, tal que a composição cromática aponte quase para uma só cor. O objeto é de tal forma distorcido que quase tende para a abstração, ficando no limite do perceptível e do abstrato. Foi nesta fase que se procedeu a uma teorização do cubismo, nesta forma o cubismo tem a predominância de poucas cores (preto, cinza e tons de marrom e ocre). No cubismo sintético qualquer aspecto decorativo ou acessório ao objeto representado era extraído. A representação de objetos também ajuda na compreensão das obras, pois do hábito, reconhecem-se mais facilmente, como por exemplo um cachimbo que remete a representação de um fumador. Os planos são mais redutores e esquemáticos em relação ao cubismo analítico, Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. isto é, sobrepõem e a sua relativa transparência dá um novo aspecto à obra. A cor volta aqui a tomar importância depois de ter sido desvalorizada na fase analítica. O cubismo sintético buscou recuperar um pouco a imagem real do objeto tornando as cores mais fortes e as formas mais decorativas. Desta fase decorrem dois movimentos que adotam esta nova interpretação e utilização da cor e quebram o imobilismo que até então era patente nas obras cubistas já apontando para o futurismo, podendo de certa forma considerar estas obras futuro-cubistas. 6.1. PABLO PICASSO Pablo Ruiz Picasso foi reconhecidamente um dos mestres da Arte do século XX. É considerado um dos artistas mais famosos e versáteis de todo o mundo, tendo criado um grande número de obras, não somente na pintura, mas também na escultura e na cerâmica, usando, enfim, todos os tipos de materiais. É, também, conhecido como sendo o co-fundador do Cubismo, juntamente com Georges Braque. A sua obra é, muitas vezes, classificada em períodos: Azul (1901– 1904), Rosa (1905–1907), Africano (1908–1909), (1909–1912) Cubismo e Cubismo Analítico Sintético (1912–1919). O “Período Azul” consiste em obras sombrias em tons de azul e verde azulado, ocasionalmente sendo usadas outras cores. Desenhava prostitutas e mendigos e The Blindman’s Meal – Pablo pintou várias vezes o seu amigo Carlos Picasso Casagemas, que, após o seu suicídio e juntamente com as viagens a Espanha, se tornou numa grande influência. A cegueira é, também, um tema recorrente Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. no período e está presente em The Blindman’s Meal e no retrato Celestina. Outros temas freqüentes são artistas, acrobatas e arlequins, tendo-se estes tornado num símbolo pessoal para Picasso. O Período Rosa é caracterizado por um estilo mais alegre com as cores rosa e laranja e, novamente, com muitos arlequins. Muitas das pinturas são influenciadas por Fernande Olivier, sua modelo e seu amor na época. O Período Africano de Picasso começou com duas figuras inspiradas em África, representadas no seu quadro “ Les Demoiselles d’Avigno” n que foi nada mais nada menos que o inicio do cubismo. O Cubismo Analítico é um estilo de pintura que Picasso, como anteriormente referi, desenvolveu com Braque, utilizando cores marrons monocromáticas. Os dois artistas pegaram em objectos e analisaram-nos nas suas formas. As pinturas de Picasso e de Braque eram muito semelhantes nesse período. O Cubismo Sintético é um desenvolvimento posterior ao Cubismo, no qual fragmentos de papel (papel de parede ou jornais) eram colados em composições, marcando o primeiro uso da colagem nas artes plásticas. À Picasso, parte em disso, todas as épocas por que passou, sempre muito teve próprio, freqüente um estilo utilizando e essencialmente a linha, o Guernica – Pablo Picasso contorno e a direção e desenhando pessoas, animais e edifícios destruídos - este último tema em conseqüência do bombardeio sofrido pela cidade espanhola de Guernica (vila basca no norte da Espanha) em 26 de abril de 1937 por aviões alemães - em todas as suas obras. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 6.2. GEORGES BRAQUE Georges Braque era filho e neto de pintores, Foi criado em Le Havre e, ali, estudou na École des Beaux-Arts de 1897 a 1899.Mudou-se para Paris e estudou com um mestre decorador em 1901. Seu estilo inicial era impressionista. Entre 1902 e 1904, foi aluno da Academie Humbert, também em Paris. Lá, fez amizade com Marie Laurencin e Francis Picabia já em 1907, depois de alguns meses em Antuérpia, participou de uma exposição do Salão Ás de paus, - Georges Braque, 1913 dos Independentes (Paris), apresentando obras mais próximas do fauvismo. Fez sua primeira exposição individual em 1908. No ano seguinte, trabalhou com Picasso no desenvolvimento do cubismo m 1911, casou-se com Marcelle Lapré. Em 1912, Braque e Picasso começaram a incorporar em suas pinturas a técnica da colagem. A parceria duraria até 1914, quando estourou a Primeira Guerra Mundial e Braque, convocado, partiu para a frente de batalha. Sendo em 1915 ferido em combate. Após a guerra, a obra de Braque foi adquirindo liberdade, tornando-se menos esquemática. Em 1922, expôs no Salão de Outono (Paris), o que lhe rendeu fama fazendo tambem a cenografia para dois balés de Sergei Diaghilev. Em 1925, mandou construir uma casa, chamando o arquiteto Auguste Perret (o mesmo do teatro dos Champs-Élysées). No fim da década, sua obra foi ficando mais realista, em 1930, comprou casa de campo em Varengeville, na Normandia, onde passou a morar boa parte do tempo, usando seu ateliê de pintura e escultura. Em 1931, elaborou as primeiras gravuras e começou a Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. utilizar motivos mitológicos. Sua pintura tornou-se então mais lírica. Em 1933, Braque realizou a primeira retrospectiva de peso, num museu da Basiléia (Suíça). Quatro anos depois, ganhou o primeiro prêmio na mostra Carnegie International, em Pittsburgh (EUA). Durante a Segunda Guerra Mundial, recolheu-se a Varengeville e trabalhou com litogravura, gravura em metal e escultura. A partir do fim da década de pássaros, 1940, pintou paisagens e marinhas. Em 1954, desenhou os vitrais Varengeville da igreja e, em de 1958, participou da Bienal de Veneza, Violino e Cântaro - Georges Braque, 1910 que lhe dedicou uma sala especial. Nos últimos anos de vida, mesmo com problemas de saúde, Georges Braque continuou atuante, dedicando-se à pintura, à litografia e à joalheria. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 7. DADAISMO O Dadaísmo é caracterizado pela oposição a qualquer tipo de equilíbrio, pela combinação de pessimismo irônico e ingenuidade radical, pelo ceticismo absoluto e improvisação. Enfatizou o ilógico e o absurdo. Entretanto, apesar da aparente Tábua com ovos – Hans Arp falta de sentido, o movimento protestava contra a loucura da guerra. Assim, sua principal estratégia era mesmo denunciar e escandalizar. A princípio, o movimento não envolveu uma estética específica, mas talvez as formas principais da expressão dadá tenham sido o poema aleatório e o ready made. Sua tendência extravagante e baseada no acaso serviu de base para o surgimento de inúmeros outros movimentos artísticos do século XX, entre eles o Surrealismo, a Arte Conceitual, a Pop Art e o Expressionismo Abstrato. É niilista (falta de sentimentos baseada na análise racional), arte experimentalista, espontâneo, trabalham com o acaso, fazem montagens de imagem, junção entre diferentes formas de expressão, incorpora objetos, sons e imagens do cotidiano nas suas obras. Abrange as áreas das artes plásticas, fotografia, música, teatro, etc. O Dadaísmo foi um movimento originado em 1915 na cidade de Zurique (cidade que durante a Primeira Grande Guerra Mundial conservou-se neutra). Negava todas as tradições sociais e artísticas, tinha como base um anarquismo niilista e o slogan de Bakunin "a destruição também é criação". Contrários à burguesia e ao naturalismo, identificado como "a penetração psicológica dos motivos do burguês", buscavam a destruição da arte acadêmica e tinham grande admiração pela arte abstrata. O acaso era extremamente valorizado Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. pelos dadaístas, bem como o absurdo. Tinha tendências claramente antiracionais e irônicas. Procurava chocar um público mais ligado a valores tradicionais e libertar a imaginação via destruição das noções artísticas convencionais. Acredita-se, ainda, que seu pessimismo venha de uma reação de desilusão causada pela Primeira Guerra Mundial. Apesar de sua curta durabilidade - no período entre guerras, praticamente havia sido esquecido - e das críticas realizadas ao movimento, fundamentalmente baseadas em sua O Gigante Acefalo (sem cabeça) – ausência de vocação construtiva, teve Max Ernest grande importância para a arte do século XX. Fez parte de um processo, observado nesse século, de libertação da arte de valores preestabelecidos e busca de experiências e formas expressivas mais apropriadas à expressão do homem moderno e de sua vida. Originou-se de um grupo composto por artistas como Tristan Tzara, Hans Harp, Richard Hülsenbeck, Marcel Janko, Hugo Ball e Hans Richter que se encontravam em cafés de Zurique. A idéia inicial era a realização de um espetáculo internacional de Cabaré que contava com músicas diversas, recitais de poesia e exposição de obras. A maneira como surgiu o nome do evento é sugestiva: por acaso Ball e Hülsenbeck abriram um dicionário de alemãofrancês e acabaram se deparando com a palavra dada, que foi posteriormente adotada pelo grupo e pelo movimento que daí surgiria. A brochura "Cabaret Voltaire", a inauguração da "Galeria Dada" em 1917 e as revistas "Dada", seguidas de livros sobre o movimento, ajudaram a popularizá-lo. Sua provocação, ativismo e conceito de simultaneidade (realizar ao mesmo tempo diversas apresentações, como a leitura de poemas distintos) muito deve aos futuristas, entretanto, não possuía o otimismo e a valorização da tecnologia que esse último movimento tinha. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 7.1. FUTURISMO O movimento futurismo artístico foi e um literário instituído com a publicação do Manifesto Futurista do poeta italiano Filippo Tomasso Marinetti, no ano de 1909, já em 1912 os pintores Balla, Boccioni, Carra, Russolo e Severini unem-se a Marinetti e lançam o Manifesto dos Pintores Futuristas, realizando Pintura Futurista – Giacomo Balla uma exposição. Os principais sinais do futurismo eram o movimento, a velocidade, a vida moderna, a violência e a ruptura com a arte do passado, já que os adeptos do movimento rejeitavam o moralismo, o passado. Os primeiros futuristas europeus também engrandeciam a guerra e a violência. O movimento tem o estilo de expressar o movimento real, assinalando a velocidade exposta pelas figuras em movimento no espaço. O futurismo desenvolveu-se em todas as artes e exerceu influência sobre vários artistas que, posteriormente, criaram outros movimentos modernistas. Repercutiu principalmente na França e na Itália, onde diversos artistas se identificaram com o fascismo nascente. A pintura futurista foi influenciada pelo cubismo e pelo abstracionismo, porém o uso de cores vivas e contrastes e a sobreposição das imagens tinha a pretensão de passar a idéia de dinamismo. O interesse do artista futurista não é pintar um automóvel, e sim captar a forma plástica, a velocidade descrita por ele no espaço. O movimento enfraqueceu após a Primeira Guerra Mundial, porém seu espírito inquieto e rumoroso deixou indícios no dadaísmo. Nas artes plásticas, as obras reproduzem o mesmo ritmo e espírito da sociedade industrial. Na literatura, as principais expressões aconteceram na poesia italiana. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 7.2. A B AUH AUS Fundada a partir de um manifesto de Walter Gropius, em 12 de abril de 1919, a Bauhaus tem suas origens na fusão entre a Academia de Artes e a Escola de Artes e Ofícios da Alemanha. Impulsionados pelo novo quadro econômico enfrentado pelo país no pós-guerra, seus fundadores buscavam o fim da separação entre artistas e artesãos. Seu pioneirismo em estabelecer um novo conceito pedagógico (que defendia a modernização radical da vida em bases racionalistas) foi revolucionário na época. Entre seus docentes, estavam os principais artistas do período, como Wassily Kandinsky, Paul Klee, Johannes Itten e László Moholy-Nagy, além de grandes nomes da arquitetura, como Walter Gropius (principal idealizador) e Ludwig Mies van der Rohe. Em seus quatorze anos de existência, a Escola de Bauhaus passou por três etapas diferentes: a fase expressionista em Weimar, sob a direção de Walter Gropius, a fase do formalismo construtivista com Hannes Meyer em Dessau e, finalmente, a fase do racionalismo radical com ênfase na produção arquitetônica sob a direção de Mies van der Rohe, parte em Dessau e parte em Berlim. Encerrando suas 1933, em decorrência atividades de em mudanças sociopolíticas na Alemanha, a Bauhaus ainda segue orientando o pensamento das novas gerações de designers, em várias partes do mundo. Professores da Bauhaus foram acolhidos principalmente em instituições dos Estados Unidos, Em 1937, Lászlo Moholy-Nagy fundou Bauhaus, também em Chicago. a New O Manifesto da Bauhaus Crédito: www.seahorse-design.com Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 7.3. PRINCIPAIS ARTISTAS 7.3.1. MARCEL DUCH AMP Marcel Duchamp nasceu em 1887, em Blainville, perto de Roen na França. Todos os irmãos de Duchamp também foram artistas de renome. Marcel Duchamp foi primeiramente bibliotecário, ganha-pão que lhe forneceu a liberdade para explorar seu precoce e revolucionário talento. A primeira grande escola e influência de Duchamp veio através dos Impressionistas. Já em 1912 realiza Nu Nú descendo a escada – Marcel Descendo a Escada onde já é possível Duchamp perceber a radicalização de seu estilo. Nu Descendo a Escada (exposto em Nova York, em 1913) causou impacto considerável e transformou Duchamp num artista, repentinamente, famoso. O ano de 1919 é criada a sua obra de maior ressonância junto ao público, a reprodução do retrato de Gioconda L.H.O.O.Q, que adornou com bigodes finos. Subversivo até a última ponta do bigode. O universo artístico nova-iorquino que na época andava meio fraco das pernas, apoderou-se com grande vontade de todo o magnetismo desse jovem artista e Marcel Duchamp que não era bobo nem nada, percebeu que tinha pela frente um campo ideal para suas experiências e não vacilou em trocar a Europa pela América do Norte tão ávida de novos rumos nas artes e no design. Mas é bom lembrar que Duchamp era um homem de espírito anti-conformista e não deu bolas aos contratos que surgiram pós-Nu Descendo a Escada. Para sobreviver, passou a lecionar francês (a dois dólares a hora) para artistas nova-iorquinos ou a qualquer um que se interessasse pela língua. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. De 1915 a 1923 executou uma obra com três metros de altura, o primeiro quadro construído em chapa de vidro transparente, que servia de apoio a pedaços de folha de estanho recortados e pintados, fixados ao vidro por meio de verniz aderente. Marcel Duchamp gostava de se vestir de mulher. Costumava dizer que ao se travestir fragmentava e redimensionava a sua virilidade e ao se aprofundar no universo feminino, desequilibrava-se. Para o artista o que valia era o desconhecido. Em contrapartida nesses anos 20 Gioconda L.H.O.O.Q – Releitura de Leonardo da Vinci, por Marcel Duchamp conhecidos com “anos loucos”, Duchamp cortou o cabelo curtíssimo e desenhou uma estrela. Nessa mesma época ao lado do fotógrafo Man Ray, publica um único número da revista dadaísta “New York Dada”. Negando a Arte, recusando-se a levá-la a sério e preferindo jogar xadrez com os amigos, Duchamp em sua brilhante trajetória construiu uma desconcertante re-invenção da arte. Justapôs o universo psicológico com o cotidiano, de objetos encontrados ao acaso, um acaso magnificamente pensado, investigado, sofrido e vivido. A desarticulação total do objeto e suas várias interpretações no olhar da única pessoa que realmente interessa: o olhar do espectador. Marcel Duchamp faleceu em outubro de 1968, na cidade de Neuilly-surSeine, na França e está enterrado no Cemitério de Rouen, em Rouen, França. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 7.3.2. GIACOMO BALL A O interesse artístico de Giacomo Balla remonta à época de sua infância e juventude em Turim. Com a intenção de ingressar na Academia Albertina, tem aulas de pintura com Giacomo Grosso e acompanha as aulas de Psiquiatria e Antropologia Criminal de Cesare Lombroso, adepto do positivismo científico. Transfere-se para Roma em 1895, onde, apesar das dificuldades financeiras, desenvolve sua pintura e mantém a expectativa de trabalhar como arquiteto e decorador. Participa da Sociedade Amadora e Cultural de Belas-Artes Luz da rua – Giacomo Balla, 1909 expondo paisagens, retratos e cenas do cotidiano e aborda os problemas sociais da classe trabalhadora e dos excluídos. Em sua técnica, há influências do Divisionismo e da fotografia, percebidas no modo como trata a luminosidade. É definido pela crítica como "pintor impressionista e divisionista". Em Paris, entre 1900 e 1901, surpreende-se com a modernidade da metrópole, com a multidão e o barulho dos veículos e principalmente com os anúncios luminosos. Em visita à Exposição Universal, depara-se com as pesquisas cronofotográficas onde personagens em movimento são fotografados com o uso de apenas uma câmera, de modo que, sobre uma mesma placa fotográfica, verdadeiras decomposições do movimento são registradas. São desse momento suas primeiras pinturas em que a análise da luz, em pinceladas divisionistas, prenuncia as formas seqüenciadas com as quais irá desenvolver seus estudos sobre o movimento. Balla participa do Salão de Outono de Paris em 1909 mesmo ano da publicação do "Manifesto Futurista" de Filippo. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. Em fevereiro de 1910, a convite de Boccioni, assina junto com Carlo Carrà e Luigi Russolo, o "Manifesto dos Pintores Futuristas", conclamando os jovens artistas italianos a aderirem ao movimento. Empolgado com a luta para que a Itália se modernize cultural e socialmente, Balla empreende a transposição das soluções formais obtidas pela cronofotografia na representação pictórica do movimento. São exemplos desse momento, suas obras futuristas de 1912; “Dinamismo de um cão na coleira” e “Menina que corre sobre um balcão”. Inicia também a série Compenetrações Iridescentes, em que esquemas geométricos de cores e formas alternadas transcrevem a sensação visual da luz em composições abstratas. Sua investigação pictórica sobre a decomposição formal do movimento volta-se para a velocidade do automóvel, na obra “Velocidade abstrata: o carro”, linhas marcadas por reflexos cromáticos cortam as formas simplificadas da paisagem criando as novas "formas-pensamento" de Balla. Propõe a construção de "conjuntos plásticos", ou seja, obras cinéticas contruídas com materiais partir diversos. de atuação 1916, estende-se A sua a outras áreas artísticas, como o teatro, com a criação Velocidade abstrata: O carro luminosa da cenografia para Feu d'artifice de Stravinsky. Com o final da guerra dedica-se também às artes aplicadas, criando padrões para tecidos e fabricando móveis multicoloridos, em busca do que denomina "vibração universal". Antes do final dos anos 1920, alterna suas proposições estéticas futuristas, como o manifesto "Aeropittura", com um retorno à pintura de paisagem. Nas décadas seguintes assume definitivamente o Realismo como a "arte pura". Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 7.3.3 WALTER GROPIUS Arquiteto alemão conhecido por dar nova aplicação funcional à arte e desenvolver novos métodos e materiais destinados à construção. Nascido em Berlim, estuda em Munique e, em 1910, trabalha como assistente de Peter Behrens. No ano seguinte constrói a Fábrica Fagus, em Alfeld-an-derLeine, considerada a primeira obra em estilo moderno. Em 1919, já diretor da Escola de Weimar, funda a Bauhaus, primeira escola de desenho industrial moderno. Em 1925 muda a escola para Walter Gropius – Wikipédia commons Dessau, ocupando um prédio desenhado por ele. Dirige a Bauhaus até 1928, chefiando uma equipe de professores composta de artistas consagrados, como o norte-americano Lyonel Feininger, o suíço Paul Klee e o russo Vassíli Kandínski. Pressionado pelo nazismo, abandona o país em 1934 e vai para a Inglaterra, onde projeta fábricas e prédios estatais. Em 1937 é nomeado professor da Universidade de Havard, nos Estados Unidos, país no qual se fixa e executa várias obras, algumas em colaboração com Marcel Breuer, seu antigo aluno. Em 1944 torna-se cidadão norteamericano. Morre em Boston. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 8. SURREALISMO O movimento Surrealista surgiu em Paris em 1924, fruto dos ideais de um grupo de escritores e artistas que, liderados por André Breton, valorizavam as pesquisas científicas, sobretudo a psicanálise. Esse grupo de artistas, que ficou conhecido como a vanguarda européia do século XX, início do baseava-se principalmente nos estudos de Freud e explorava o inconsciente e os sonhos nas expressões Anti-Papa – Max Ernst, 1942 artísticas. Dessa maneira, as obras não seguiam nenhum padrão estético pré-determinado e não se prendiam à moral, à lógica e à razão. . As telas saem com formas curvas, linhas fluidas e com muitas cores. São nomes mais importantes deste movimento o de Salvador Dalí, Joan Miró e Max Ernst. Elas muitas vezes parecem sem sentido, mas na realidade representam os pensamentos mais íntimos e verdadeiros do homem. Como representantes significativos do Surrealismo na pintura, podemos destacar Salvador Dali e René Magritte. Com o passar do tempo muitos artistas juntaram-se ao grupo, entre eles o pintor e designer russo Marc Chagall e o pintor e artista gráfico espanhol Joan Miró. Este último foi um pintor representativo da linha abstrata dentro do Surrealismo. Como características formais de sua obra podemos destacar a linearidade e uso de sistemas simbólicos. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 8.1. SALV ADOR DALI Salvador Dali nasceu em 11 de maio de 1904, na cidade catalã de Figueras (Espanha), região que foi também uma espécie de pano de fundo para grande parte de sua obra. Tornou-se uma figura popular A persistência da memória – Salvador Dalí com aqueles bigodes enormes. Filho de um prestigioso tabelião, estudo escola pública (Colégio Salle). Começou a estudar desenho quando tinha 13 anos. Em 1919 participa de uma exposição de pintura. Em 1922 obtém o reconhecimento da Associação Catalã de Arte e no mesmo ano matricula-se na Escola de Belas Artes de Madrid, onde fica até 1926 conhecendo Frederico Garcia Lorca (autor Bodas de Sangue), Luís Brunuel. Vinha de uma família sólida de classe média. Era rodeado por amigos ricos e cultos que incentivavam Dali e mantinham bem informado sobre os desenvolvimentos no mundo das artes. Foi estudar pintura em Madri quando já possuía boa bagagem artística. Foi nessa época que fez amizade com o poeta Lorca. Sua primeira exposição individual aconteceu em 1925, na Galeria Dalmau (Barcelona). Foi chamado em 1927 para o serviço militar, cumprindo-o no Castelo de Sant Ferran (Figueres). Surrealista desde 1928. Em 1938, fiel ao surrealismo, modificou sua orientação temática até chegar a quase mesmo misticismo. É cada vez mais atraído para o Surrealismo a partir de 1929, e influenciada pelas teorias de Sigmund Freud. Casou-se com Gala Eluard que fora antes sua amante, que além de ser a musa inspiradora, foi uma grande colaboradora e organizadora de seus afazeres. Mas foi ela também que sua ganância incentivou Dalí a banalizar a sua arte. As pinturas desenvolviam interpretações e associações irracionais, dependendo do ponto de vista, de acordo com o método crítico-paranóico por ele criado. Conferiu à sua obra sempre uma aparência acadêmica com Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. impecável precisão fotográfica. No final da década de 1930, Dalí estava começando a ser reconhecido nos Estados Unidos, onde as atitudes face às novidades artísticas eram menos conservadoras do que na Europa. O início da Segunda Guerra Mundial e a vitória dos alemães sobre a França, em 1940, levaram Dalía fugir para os EUA, onde ficou oito anos. Durante a Segunda Guerra Mundial, com a invasão alemã em 1940, vai para os Estados Unidos, onde teve inúmeras oportunidades para usar seu talento. A América também despertou seu lado exibicionista, tornou-se uma super-celebridade. Em 1962 cria grandes pinturas como a "Batalha de Tetuán". Recebe em 1964 a Cruz de Isabel a Católica e um ano depois realiza uma grande exposição em Tókio. Em 1973 é inaugurado o Museu Dali. Os últimos anos de Salvador Dalí foram obscurecidos por um distanciamento de Gala, que morreu em 1982. No mundo das artes crescia a preocupação com a quantidade de obras falsas que lhe eram atribuídas a Dalí. O próprio Dali sabia de sua parcial culpa, pois que muitas vezes chegou a assinar centenas de folhas em branco que seriam obviamente usadas de forma ilícita. Em 1986 sofreu graves queimaduras por causa de um incêndio,ocorrido em seu quarto. Faleceu em 20 de janeiro de 1989, anos 84 anos de idade. Tentação – Salvador Dalí Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 8.2. JOAN MIRÓ Joan Miró nasceu em Barcelona, na Espanha, em 20 de abril de 1893. Apesar da insistência do pai em vê-lo graduado, não completou os estudos. Freqüentou uma escola comercial e trabalhou num escritório por dois anos até sofrer um esgotamento nervoso. Em 1912, seus pais finalmente consentiram que ingressasse numa escola de arte em Barcelona. Estudou com Francisco Galí, que o apresentou às escolas de arte moderna de Paris, transmitiu-lhe sua paixão pelos afrescos de influência bizantina das igrejas da Catalunha e o introduziu à fantástica arquitetura de Antonio Gaudí. Miró trazia intuitivamente a visão despojada de preconceitos que os artistas das escolas fauvista e cubista buscavam, mediante a destruição dos valores tradicionais. Em sua pintura e desenhos, tentou criar meios de expressão metafórica, ou seja, descobrir signos que representassem conceitos da natureza num sentido poético e transcendental. Nesse aspecto, tinha muito em comum com dadaístas e surrealistas. De 1915 a 1919, Miró trabalhou em Montroig, próximo a Barcelona, e em Maiorca, onde pintou paisagens, retratos e nus. Depois, viveu em Montroig e Paris alternadamente. De 1925 a 1928, influenciado pelo dadaísmo, surrealismo pelo e principalmente por Paul Klee, pintou cenas oníricas e paisagens imaginárias. Após uma viagem Países Baixos, estudou a pintura aos onde dos realistas do século XVII, os elementos figurativos ressurgiram em suas obras. O sitio – Joan Miró Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. Na década de 1930, seus horizontes artísticos se ampliaram. Fez cenários para balés, e seus quadros passaram a ser expostos regularmente em galerias francesas e americanas. As tapeçarias que realizou em 1934 despertaram seu interesse pela arte monumental e mural. Estava em Paris no fim da década, quando eclodiu a guerra civil espanhola, cujos horrores influenciaram sua produção artística desse período. No início da segunda guerra mundial voltou à Espanha e pintou a célebre "Constelações", que simboliza a evocação de todo o poder criativo dos elementos e do cosmos para enfrentar as forças anônimas da corrupção política e social causadora da miséria e da guerra. A partir de 1948, Miró mais uma vez dividiu seu tempo entre a Espanha e Paris. Nesse ano iniciou uma série de trabalhos de intenso conteúdo poético, cujos temas são variações sobre a mulher, o pássaro e a estrela. Algumas obras revelam grande espontaneidade, enquanto em outras se percebe a técnica altamente elaborada, e esse contraste também aparece em suas esculturas. Miró tornou-se mundialmente famoso e expôs seus trabalhos, inclusive ilustrações feitas para livros, em vários países. Em 1954, ganhou o prêmio de gravura da Bienal de Veneza e, quatro anos mais tarde, o mural que realizou para o edifício da UNESCO em Paris ganhou o Prêmio Internacional da Fundação Guggenheim. Em 1963, o Museu Nacional de Arte Moderna de Paris realizou uma exposição de toda a sua obra. Joan Miró morreu em Palma de Maiorca, Espanha, em 25 de dezembro de 1983. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 9. NEOPLASTICISMO O neoplasticismo é uma das formas que a abstração tomou nas primeiras décadas do século XX, e teve seu início em 1917. Trata-se de uma doutrina estética proposta por Piet Mondrian, pintor holandês, em 1920, e está baseada na concepção analítica da pintura, na procura de um tipo de arte que transcenda a realidade externa, material, numa tentativa de chegar à essência através de uma linguagem plástica e objetiva, reduzindo-a a formas geométricas e cores puras e torná-la universal. Junto de Theo van Doesburg fundou a revista De Stijl, principal órgão de difusão do movimento, em cujo primeiro número foi publicado o Manifesto Neoplasticista, em 1918. As teorias de Piet Mondrian, cuja origem está nas obras dos cubistas Pablo Picasso e George Braque e na teosofia, reivindicam um processo de abstração progressiva em razão de do qual as formas estavam sendo reduzidas a linhas retas tanto horizontais quanto verticais e as cores foram reduzidas as cores neutras e primárias. Além de van Doesburg, entre seus principais representantes estavam o pintor Wilmos Huszár, o escultor Georges Vantongerloo e os arquitetos Jacobus Johannes Pieter Oud e Gerrit Thomas Rietvel, entre outros. O excesso de rigor proposto por Mondrian gerou grandes críticas, dentro e fora do seu círculo de adeptos. Mesmo assim, o neoplasticismo é tido, juntamente com o suprematismo de Maliévich, aorigem da abstração geométrica. Theo van Doesburg foi o componente mais ativo do grupo, visto que desempenhava as atividades de pintor, escultor, arquiteto, poeta e novelista. O dinamismo geométrico das linhas e dos planos das pinturas de Mondrian, longe de qualquer intenção de simetria, encontra seu correlativo na decomposição elementarista dos polêmicos projetos de Rietveld e van Eesteren, bem como na vibração plástica do café-cabaret Aubette de van Doesburg. A proposta básica deste movimento é simplesmente abstrair ao máximo as formas da natureza. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 9.1. MONDRIAN Nascido em ambiente rural, com clima de fazenda e sítio, Piet Cornelis Mondrian vinha de uma família calvinista extremamente religiosa. Seu pai, puritano, desejava seguisse a um que carreira pastor o filho clerical. A religião marcou o jovem Piet e o Broadway Boogie-Woogie, Piet Mondrian sentimento metafísico iria permear sua obra durante toda a vida, em maior ou menor grau. Tendo um tio que trabalhava com pintura, interessou-se pela carreira artística, mas foi obrigado a enfrentar a visão ortodoxa da família, que via na arte um caminho para o pecado. Vê, porém, na possibilidade de dar aulas uma resolução ao seu dilema: prometeu ao pai estudar artes, tornando-se um professor. Insatisfeito com o magistério, Mondrian sente a necessidade de libertarse e estabelecer-se como pintor, mas teme enfrentar ao pai (que de antemão desaprovava a idéia) e a si mesmo, tal o peso de sua formação religiosa. Quando entra em contato com a teosofia, porém, encontra em seu ideário uma resolução para o problema: a doutrina pregava o trilhar de um caminho evolutivo pessoal e a arte encaixava-se neste caminho. O contato com a teosofia irá manifestar-se no trabalho de Mondrian e marcará sua vida profundamente daí em diante. Piet Mondrian começou a sua carreira como caminhoneiro ao mesmo tempo que ia praticando a sua pintura. A maior parte do seu trabalho deste período é influenciada pelo naturalista ou impressionista. No Museu Gemeente, em Haia, estão expostos vários trabalhos deste período, incluindo exemplares pós-impressionistas tais como "O Moinho Vermelho" e "Árvores ao andar". Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. Após entrar em contato com a teosofia, Mondrian passa por um breve período simbolista, mas que lhe será fundamental para que atinja a abstração. Este período costuma-se confundir com a radical abstração que caracterizaria o resto de sua obra, já revelando uma certa tendência à geometrização e à síntese da realidade. Além do pensamento espiritual calcado na busca de uma essência matemática e racional para a existência que caracteriza a teosofia, Mondrian também exibiu um interesse quase obsessivo pelo jazz – pela identificação de sua alegria contagiante com o ritmo irregular que, ele também, possuiria um fundamento matemático. Em 1913, visitou uma exposição cubista em Amsterdã que o marcou profundamente e teve grande influência no seu trabalho posterior. A partir de 1917 até a década de 1940 desenvolve sua grande obra neoplástica. Essa fase de sua obra, a mais popularmente difundida, se caracteriza por pinturas cujas estruturas são definidas por linhas pretas ortogonais (o uso de diagonais induziria a percepção a ver profundidade na tela e motivou o rompimento de sua amizade com Theo Van Doesburg). Essas linhas definem espaços que se relacionam de diferentes modos com os limites da pintura, e que podem ou não serem preenchidos com uma cor primária: amarelo, azul e vermelho, decisão que mostra sua estreita relação com as teorias estéticas da Bauhaus e da Escola de Ulm, e que definem pesos visuais diferentes para esses espaços. O blocos de cor, pintados de modo fosco e distribuidos assimetricamente, reforçam a idéia de um movimento superficial que se estende perpetuamente, indicando que o pintor investia na percepção de sua obra como uma abstração materialista e sem profundidade, criticando a pintura histórica enquanto produzia uma abstração racionalista, espiritualista e sobretudo concreta do mundo. Sua obra, muitas vezes copiada, continua a inspirar a arte, o design, a moda e a publicidade que a apropriamcomo design, sem necessariamente levar em conta sua fundamental e filosófica recusa à imagem. O seu quadro "Broadway Boogie Woogie", que pode ser visto no Museu de Arte Moderna de São Francisco, pertence à fase posterior ao Neoplasticismo, quando Mondrian se liberta das regras que ele próprio se impôs. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 10. ABSTRACIONISMO De um modo amplo, a palavra abstrato pode ser aplicada a qualquer obra de arte que não faça uma representação imediata dos objetos. O artista abstracionista usa cores, linhas e manchas para criar formas indefinidas, não copiando mais a realidade. O pintor russo Vassily Kandinsky é considerado por muitos historiadores o iniciador da pintura abstrata no sistema de arte ocidental Wassily Kandinsky - "Fugue" – Galeria (é importante não perdermos de vista Olga que estamos estudando a história da arte ocidental e, neste momento, lembrarmos que representações abstratas já haviam sido exploradas pela arte indígena e pela arte africana, entre outros sistemas de arte). O termo abstracionismo geralmente é usado para designar algumas obras de arte do século XX de artistas que abandonaram a concepção tradicional de arte como imitação da natureza. Eles criaram em suas pinturas formas e cores que não estão imediatamente relacionadas com as formas e as cores dos objetos, ou seja, ao observamos uma pintura abstrata não identificamos de imediato o objeto ou a cena representada. É interessante perceber que alguns artistas que desenvolviam seu trabalho em outros movimentos modernos, como o Cubismo ou o Futurismo, por exemplo, radicalizaram tanto suas pesquisas nestes movimentos, que atingiram a abstração, mesmo não sendo este o seu objetivo primeiro. Há também artistas que misturam, numa mesma obra, formas figurativas e formas abstratas. Há também os que tiveram uma fase figurativa em sua carreira e outra abstrata. Os verdadeiros artistas estão sempre pesquisando, procurando novos caminhos e Diferentes soluções para seu trabalho. Isso implica, muitas vezes, em mudança de rumo, em abandono de uma forma já estabelecida pela Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. busca de uma nova forma de expressão. Correr o risco de caminhar por terrenos desconhecidos é uma situação que um artista não pode temer. Observando estas duas obras de Picasso, ambas “Naturezas Mortas”, percebemos como o mesmo artista pode abordar de diferentes maneiras os elementos visuais em cada composição, chegando a dar-nos a impressão de que são obras de diferentes artistas. Observe também como a deformação pode levar a uma estilização das formas, aproximando-as de formas abstratas. O abstracionismo dominou a pintura moderna e se diversificou em duas tendências principais: o abstracionismo informal (que não faz uso de formas geométricas) e o abstracionismo geométrico. O abstracionismo informal, que em Kandinsky seu principal representante, expressa os sentimentos e idéias do artista que, com total liberdade de expressão, utiliza cores, linhas e formas de maneira espontânea. Diferentemente do informal, no abstracionismo geométrico as formas e as cores são organizadas mais racionalmente e a base da composição é composta por linhas e figuras geométricas. O pintor e projetista russo Kazimir Malevich e o pintor holandês Piet Mondrian (que também era neo-plasticista) foram os pioneiros do abstracionismo geométrico. Podemos observar um desejo de objetividade, uma tendência anti-individualista e anti-expressionista, a busca de uma “arte pura”, das formas exatas e das cores puras (primárias), no abstracionismo geométrico. Observe as duas reproduções de pinturas abaixo, tentando perceber as características dos dois movimentos que fazem uso da abstração. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 10.1 KANDINSKY Nascido em Moscou, passou grande parte da infância em Odessa. De volta à capital russa, estudou Direito e Economia na Universidade de Moscou, chegando a diplomar-se em Direito aos 26 anos, mas desistiu dessa carreira. Casou-se em 1892 com a sua prima Anja Tchimikian, que acompanhou Kandinsky em 1896 quando este se mudou para Munique, iniciando os seus estudos em pintura na escola de Anton Ažbè. O estilo da escola de Ažbè desiludiu Kandinsky, que preferia pintar paisagens coloridas ao ar livre em vez de modelos "malcheirosos, apáticos, inexpressivos, geralmente destituídos de carácter". Após dois anos, Kandinsky tenta inscrever-se, sem sucesso, num curso ministrado por Franz von Stuck. Um ano depois Kandinsky ingressou finalmente no curso, que frequentou até 1900. Em Maio de 1901, Kandinsky cofundou a sociedade artística Phalanx e foi professor na escola fundada pouco tempo depois pela sociedade. Uma das suas alunas foi Gabriele Münter, que se tornou companheira de Kandinsky até 1914. Kandinsky separou-se de Anja Tchimikian em 1903. Já na década de 1910 Kandinsky desenvolve seus primeiros estudos não figurativos, fazendo com que seja considerado o primeiro pintor ocidental a produzir uma tela abstrata. Algumas das suas obras desta época, como "Murnau - Jardim I" e "Grüngasse em Murnau" mostram a influência dos Verões que Kandinsky passava em Murnau nessa época, notando-se um crescente abstracionismo nas suas paisagens. Outra influência nas suas pinturas foi a música do compositor Arnold Schönberg, com quem Kandinsky manteve correspondência entre 1911 e 1914. Com o eclodir da Primeira Guerra Mundial, Kandisnky é forçado a abandonar a Alemanha, partindo para a Suíça acompanhado por Gabriele Münter em 3 de Agosto de 1914, esperando um fim rápido do conflito. Quando este não se concretizou, Kandinsky voltou à Rússia, separando-se de Münter, a 16 de Novembro do mesmo ano. Aproveitando uma exposição em Estocolmo em 1916, Kandinsky permanece na Suécia, onde conhece a sua Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. terceira companheira, a russa Nina de Andreewsky, até ao advento da Revolução Russa. Volta então à Rússia interessado nos rumos do país, mas desentende-se com as teorias da arte oficiais e retorna à Alemanha em 1921. Em constante contato com os artistas da vanguarda, passa a lecionar na Bauhaus até 1933 quando a escola é fechada pelo governo nazista. Muda-se para Paris e aí viveu até o fim de sua vida. Faleceu em Neuilly-surSeine em 1944. Desenvolveu a arte abstrata até o fim de sua vida. Junto a Piet Mondrian e Kasimir Malevich, Wassily Kandinsky faz parte do "trio sagrado" da abstração, sendo o mais famoso. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 11. CONCLUSÃO A arte moderna foi fortemente influenciada pelo momento em que o mundo passava na época do seu surgimento, a visão antropocentrista começada no renascimento se voltou contra a humanidade, mostrando para todos nós que éramos capazes de cometer atrocidades por motivos não tão justos, por motivos pequenos perto das “maldades” humanas. Um mundo que passou por duas guerras mundiais, e diversas revoluções como a industrial e sexual, assim como um muno repleto de descobertas como a máquina fotográfica e o fácil acesso a carros (como o Ford T e o Fusca, lançados por Henri Ford e Adolf Hitler respectivamente). Como já sabemos a arte sempre acompanha seu tempo, e numa época de revolução a arte moderna veio quebrando as barreiras do conhecido pela arte de até então passando por movimentos que vão do impressionismo ao Neoplasticismo, fazendo com que os homens repudiassem a arte clássica, mudassem suas temáticas e buscassem inspiração dentro de si mesmos. De uma forma ampla arte moderna veio mostrar todos estes avanços de visão do homem para o próprio homem, e dos avanços tecnológicos retratando suas impressões do mundo ao invés de uma visão perfeita de como a coisas são, não haviam mais sentido pintar imagens fotográficas já que a fotografia já desempenhava este papel (impressionismo e neo-impressionismo), expressar o que sentia ao ver uma imagem principalmente em áreas externas já que estava mais fácil carregar os materiais de pintura Vale lembrar também que foi na era do arte moderna que nasceu a teoria psicanalítica de Sigmund Freud, que mostrou para a sociedade facetas que o homem evitava ver, como por exemplo o tratamento das mulheres histéricas e as causas de suas histerias, sempre ligadas ao sexo, e as viagens ao significado dos sonhos, o que inspirou muitos artistas surrealistas como Salvador Dali. Outro nome importante citar que teve grande influência na arte moderno é Karl Marx que desenvolveu o socialismo científico e escreveu o grande grito da classe operária (o proletariado que acava de nascer com a revolução industrial), chamado de “O Capital”. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. Na revolucionária, desconstrutiva e conceitual nova arte (arte Moderna), houve um grande movimento para considerar estes três itens presentes em todos os movimentos do período sendo eles muitos, e até mesmo deixados para outra ocasião, porém não esquecidos, o impressionismo, o neoimpressionismo, o expressionismo Art noveau, Fauvismo, Abstracionismo, Futurismo, Surrealismo, etc. Estes movimentos modernos coexistiram e se influenciaram fazendo alguns artistas terem influências de dois ou mais movimentos no decorrer de suas vidas sendo tão abrangente que muitos artistas eram simplesmente indecifráveis, ou mesmo não encaixáveis em nenhum movimento nomeado pelos historiadores da arte. A estética moderna continha elementos de velocidade, multiplicidade, abstração de formas, desconstrução de formas entre outras dependendo do seu período e movimento encaixado. O impressionismo veio com força depois de Monet pintar seu quadro Impressões do nascer do sol, este movimento teve como principal característica não ter uma fidelidade com a realidade e sim com a impressão que o artista tinha daquele momento ou daquela visão, assim como o uso de cavaletes e bisnagas de tinta (agora mais fáceis de carregar), fora de seus estúdios, ao ar livre. O Neo-impressionismo, seguiu a mesma estética, ou seja, o mesmo conjunto de valores com a diferença de ser diferente em sua forma de ser feito, este movimento passou pelo pontilhismo, que nada mais era do que captar as impressões e representá-las através de pontos um do lado do outro formando a imagem (assim como nossas televisões e fotos digitais que tem como principio o método de pixels, pontos luminosos). O expressionismo vem revolucionando o impressionismo, deixando de captar apenas as impressões visual, mas expressando as mesmas e os sentimentos nela envolvidos naquele determinado momento, fazendo com que a pintura fosse uma foto com “coração”, o que era resultado de uma revolta com a forma descritiva dos movimentos anteriores a arte moderna. Novamente houve uma quebra conceitual com Pablo Picasso que depois de sua fase azul, rosa e africana, desconstruiu tanto as formas para expressar Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. o que sentia, que passou a algumas formas geométricas, ou não chegando a um auto grau de abstração e movimento, dando inicio ao cubismo, com seu quadro “Les Demoiselles d'Avignonque” de 1907. O dadaísmo foi o movimento coexistente de muitos destes que simplificou tanto a arte que passou a trabalhar com as formas mais simples, com o acaso dando origem a muitas formas de hoje como a pop-art, a arte conceitual entre outros. O movimento futurista nasceu de um manifesto de um poeta em 1909 (poucos anos depois do surgimento do cubismo) sendo que três anos depois Giacomo Balla e outros pintores aderiram ao movimento, buscando retratar o movimento, a velocidade, a vida moderna, a violência e obviamente a ruptura com a arte do passado. Foi em 12 de abril de 1919 que as belas artes, a engenharia e os ofícios se juntaram na fundação por Walter Gropius da Bauhaus, uma escola que ensinou muitos artistas com a construção de prédios, e a especialização em Designer. 13 anos depois o final da Bauhaus, vindo a ser acolhida pelos Estados Unidos que a mantém até hoje como grande influência a nova geração de artistas e designer. Junto com Freud o surrealismo surge com uma realidade de sonhos, onde todas as coisas são possíveis, sendo o quadro mais famoso “persistência da Memória” de Salvador Dali que mostra picos desertificados ao lado de um mar e relógios sendo derretidos. A arte neo-plasticista desenvolve um novo conceito plástico, onde as formas geométricas predominam resultando no abstracionismo de Mondrian. Abstrair nada mais é que usar formas geométricas ou não para um ojeto ou pessoa. Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. 12. REFERENCIA BIBLIOGRÁFICA ARGAN, Giulio Carlo. Arte moderna: do iluminismo aos movimentos contemporâneos. Tradução Denise Bottmann, Frederico Carotti; prefácio Rodrigo Naves. São Paulo: Companhia das Letras, 1992. xxiv, 709 p., il. color. CHALVERS, Ian. Dicionário Oxford de arte. Tradução Marcelo Brandão Cipolla. 2.ed. São Paulo: Martins Fontes, 2001. DICIONÁRIO da Pintura Moderna. Tradução Jacy Monteiro. São Paulo: Hemus, 1981. 380 p., il. p.b. GOMBRICH, Ernst Hans Josef, A História da Arte Moderna, 16. Ed. São Paulo: LTC, 2000 La Nuova enciclopedia dell'arte Garzanti. Milão: Garzanti, 1986. Portal: ©Encyclopaedia Britannica do Brasil Publicações Ltda. PORTAL: ITAÚ CULTURAL (www.itaucultural.org.br) – 11/09/2009 MORAIS, Frederico. Cronologia das artes plásticas no Rio de Janeiro: da Missão Artística Francesa à Geração 90 : 1816-1994. Rio de Janeiro: Topbooks, 1995. 559p. ZANINI, Walter (org.). História geral da arte no Brasil. Apresentação Walther Moreira Salles. São Paulo: Fundação Djalma Guimarães : Instituto Walther Moreira Salles, 1983. 2v., il. color. SITES: La Nuova enciclopedia dell'arte Garzanti. Milão: Garzanti, 1986. Portal: ©Encyclopaedia Britannica do Brasil Publicações Ltda. PORTAL: ITAÚ CULTURAL (www.itaucultural.org.br) – 11/09/2009 Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only. Rodrigo José Guergolet Ribeirão Pires, 15 de setembro de 2009 Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software http://www.foxitsoftware.com For evaluation only.