Alain Urrutia - KUNSTHALLE São Paulo

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Alain Urrutia
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Conversa entre Marina Coelho e Alain Urrutia em
Ouro Preto, em 8 de julho de 2015, a propósito
da exposição «Sociedade Anônima», realizada na
KUNSTHALLE São Paulo, entre 03 de julho e 01 de
agosto de 2015.
Conversation between Marina Coelho and Alain
Urrutia in Ouro Preto, on 8 July 2015, on the
occasion of the exhibition «Sociedade Anônima», on
view at KUNSTHALLE São Paulo, from 03 July to 01
August 2015.
Marina Coelho: Vocês gostaria de contar um pouco
sobre sua formação e como a arte entrou na sua vida?
Marina Coelho: Would you like to tell a little about your
background and how art entered in your life?
Alain Urrutia: Eu comecei nas artes plásticas por
acaso. Mas eu acho que todas as coisas que
acontecem na minha vida são sempre por acaso.
Toda a carreira de um artista está relacionada com
tomadas de decisões. No último minuto, quando eu
tinha que decidir o que estudar, eu decidi primeiro
por fazer belas artes. Mas meu pai me disse que arte
era uma carreira difícil para se ganhar a vida. Então
eu mudei de ideia e decidi estudar design gráfico.
Mas depois, quando fui para a Itália para fazer o
Erasmus, acabei em aulas de desenho e pintura, só
porque eu cometi um erro com as palavras design e
desenho, misturando a palavra diseño em espanhol
que significa design, com disegno em italiano, que
significa desenho. Eu realmente gostei de pintura e
quando eu voltei para Bilbao, eu continuei pintando e
não terminei o curso de design.
Alain Urrutia: I started in fine arts just by chance.
But I think that all the things that happen in my life
are always by chance. The whole career of an artist
is related to taken decisions. In the last minute
when I had to decide what to study, I first decided
to do fine arts. But my father told me that art was a
difficult career to make a living from. So I changed
and decided to study design instead. But later, when
I went to Italy for Erasmus, I ended up in drawing
and painting classes, just because I made a mistake
with the words design and drawing, by mixing up
the Spanish word for design diseño with the Italian
disegno, that means drawing. I really liked painting
and when I went back to Bilbao, I just continued
painting and did not finish the design course.
MC: Mas antes de se tornar um artista, houve um
período de sua vida que você fazia apresentações
de mágica. Gostaria de falar um pouco sobre este
período e como mágica entrou na sua vida?
AU: Sim, eu trabalhei como mágico por anos. Uma
vez eu estava no hospital e comecei a fazer mágica,
e então eu fiz mágica profissionalmente dos meus
14 anos até os 26. Mas quando me disseram para ir
mais longe, eu decidi parar. Eu não gosto dessa parte
da minha vida. Eu gosto do fato de eu ter sido um
mágico, que eu me apresentava, mas parece que eu
era alguém que eu não sou mais, é algo que passou.
Eu me apresentava como mágico enquanto estava
estudando artes plásticas. Eu fiz isso até quando
eu voltei da Itália para o País Basco. Foi incrível!
Mas foi, durante esse período, que eu decidi me
tornar um pintor, um artista. Não foi antes ou depois,
MC: But before becoming an artist there was a period
of your life that you were performing magic. Would
you like to talk a little about this period and how magic
came into your life?
AU: Yes, I was working as a magician for years. Once
I was in the hospital and I started to do magic, then I
did magic professionally since I was 14 years old until
I was 26. But when they told to go further, I decided
to stop. I don’t like this part of my life. I like that I was
a magician, that I was performing, but it seems that I
was someone that I am not anymore, it is something
that is gone. I was performing as a magician while I
was studying fine arts. I did it until I came back from
Italy to Basque country. It was amazing! But it was
in the meantime that I decided to become a painter,
an artist. There was not before or after, it was all
together. Even if I am not performing, I am still doing
magic somehow with my paintings and my drawings.
It is all related.
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Mula Sem Cabeça. Sao Paulo, 2015. Oléo sobre parede / Oil on wall.
foi tudo junto. Mesmo que eu não esteja mais me
apresentando como mágico, eu, de alguma forma,
ainda estou fazendo mágica com as minhas pinturas
e desenhos. Está tudo relacionado.
Quando eu estava estudando magia, não havia vídeos
e DVDs, mas apenas livros com desenhos de mãos
explicando como movê-las para fazer os truques. Eles
também ensinavam como falar com o público e como
manter o mistério até o fim. E com a arte você está
fazendo a mesma coisa. Você tem uma ideia e a diz
ao público, mas você não conta tudo, você mantém
algo para si. Você mostra as coisas de uma forma
aberta, e o público pode assim terminar a história por
si mesmo. Quando existem mãos em meu trabalho,
elas estão sempre relacionadas com a ideia de que
você não sabe o que elas estão fazendo. Eu estava
sempre tentando me explicar com minhas mãos, e
também olhava para as mãos das pessoas.
Os conceitos na mágica são sempre os mesmos
que os da arte. A única coisa é que o público da
When I was studying magic, there were no videos
and DVDs, but only books with drawings of hands
explaining how to move them to do the tricks. They also
taught how to talk to the audience and how to keep the
mystery until the end. And in art you are doing the same
thing. You have an idea and you tell it to the audience,
but you do not tell everything, you just keep something
for you. You show things in an open way, and the
audience can finish the story by themselves. When
there are hands in my work, they are always related to
the idea that you don’t know what they are doing. I was
always trying to explain myself with the hands, and also
looking at the hands of the people.
The concepts in magic are always the same that
the ones in art. The only thing is that the public for
the magic can be anyone, and in the art world it is
different. There are some art works that are easy for
everyone, but the only ones who really enjoy it are
the ones from the art world. In magic, even if you, as
a magician, do know which the trick is, you enjoy it,
because there is something, which is the magic itself!
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Cobogó. Sao Paulo, 2015. Oléo sobre parede / Oil on wall.
mágica pode ser qualquer pessoa, e no mundo da
arte é diferente. Há algumas obras de arte que são
fáceis para todos, mas os únicos que realmente as
apreciam são as pessoas do mundo da arte. Na
mágica, mesmo que você, como um mágico, saiba
qual é o truque, você o aprecia, porque há algo que
é a mágica em si! Na arte é o mesmo. As pessoas
podem saber como as coisas são feitas, mas o que
é realmente relevante é a ideia por trás, o conceito.
Desta forma, quando estou falando sobre arte, eu
estou falando sobre mágica! Há algumas obras de
arte que, mesmo que sejam apenas um papel branco
pendurado na parede, apenas pelo modo como está
pendurado, ou apenas por causa daquilo que está
tentando dizer, a mágica acontece...
MC: Mas é você que diz que não há Deus, e que não
há amor.
AU: Existe mágica. Isso é tudo!
MC: Você pode definir mágica para mim então?
In art it is the same. People might know how things
are done, but what is actually relevant is the idea
behind it, the concept. In this way, when I am talking
about art, I am talking about magic! There are some
art works that, even if they are just a white paper
hanging on a wall, just by the way it is hang, or just
because of what it is trying to tell, magic happens…
MC: But you are the one saying that there is no god,
there is no love.
AU: There is magic. That is all!
MC: Can you define magic for me then?
AU: Magic is the illusion, but not something that is
fake. The magician is now called illusionist. Magic is
there! If you believe, it is there. It is not just the viewer
the one believing, it must be the performer the one
who must believe. It is strange to tell someone that,
but when you are training in front of the mirror you
think: “How did I do that?”.
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Sociedade Anônima. Sao Paulo, 2015. Oléo sobre madeira / Oil on wood. Página de livro / Book page.
AU: Mágica é a ilusão, mas não é algo falso. O
mágico é agora chamado ilusionista. A mágica
existe! Se você acredita, ele existe. Não é apenas o
espectador que tem que acreditar, mas deve ser o
mágico quem deve acreditar. É estranho dizer isso a
alguém, mas quando você está treinando em frente
do espelho você pensa: “Como foi que eu fiz isso?”.
MC: Que tipo de trabalhos você fazia quando você
começou a pintar?
AU: Eu sempre estive interessado em contar histórias
coisas. Quando eu estava na Itália, eu comecei a
fazer uma espécie de diário da minha vida. Eu pensei
que, se eu contasse pequenas coisas sobre a Itália,
eu estaria contando toda a minha história na Itália.
Era uma espécie de metonímia, dizendo a coisa toda
só com as suas partes. Neste momento, eu estava
apenas tentando aprender a pintar. Eu passei seis
anos apenas pintando, sem mostrar meus trabalhos.
Eu estava tentando entender como pintar. Eu tinha
22 anos quando eu decidi não pintar com a cor. Eu
MC: What kind of works you were doing when you
started painting?
AU: I have always been interested in telling stories.
When I was in Italy, I started to do a kind of a diary of
my life. I thought that, if I was telling small things about
Italy, I was telling my whole story in Italy. It was a kind
of metonymy, telling the whole thing just with its parts.
In this moment, I was just trying to learn how to paint.
I have been for six years just painting without showing,
just trying to figure it out. I was 22 when I decided not
to paint with colour. I am not colour-blind, but I have got
problems with colours. I am always wearing black, but
now I started wearing grey.
MC: Would you like to talk a little about how you
started to appropriate images?
AU: In the beginning, when I was learning how to
paint, I didn’t know what to paint, so I would go to
the newspaper and find pictures that I liked. But as
I was painting occasionally, I needed a discipline to
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Estátua do Bandeirante Anhanguera / Statue of the Bandeirante Anhanguera
não sou daltônico, mas eu tenho problemas com
cores. Estou sempre me visti de preto, mas agora eu
comecei a usar cinza.
MC: Você gostaria de falar um pouco sobre como
você começou a apropriar imagens?
AU: No começo, quando eu estava aprendendo a
pintar, eu não sabia o que pintar, então eu ia aos
jornais procurar fotos que eu gostasse. Mas como eu
estava pintando ocasionalmente, eu precisava de uma
disciplina para aprender a pintar. Então eu decidi fazer
uma série de pinturas a óleo que eram retratos dos
meus amigos. Para fazer um retrato por dia, eu decidi
fazê-los em preto e branco. Eu fiz 80 retratos, um por
dia, apenas para me acostumar a ir para o estúdio
todos os dias. Então, eu fiz uma exposição em uma
feira de arte jovem com todos aqueles retratos, 80
pequenas pinturas, todas juntas.
Mas, no final, para mim a ideia era um pouco vazia.
Eu percebi que era hora de eu começar a pensar
learn how to paint. So I decided to do a series of oil
paintings that were portraits of my friends. In order to
do one portrait per day, I decided to do them in black
and white. I made 80 portraits, one per day, just to
get used to go to the studio everyday. Then, I made
a show in a young art fair with all those portraits, 80
small paintings, all together.
But in the end, for me the idea was a bit empty, as I
realized that it was time for me to start to think about
what to tell, and not anymore how to paint. I started
thinking about if I was able to tell stories with the
paintings, because to tell a story you not only need to
know what to tell, but also how to tell it.
At this point I was just appropriating images,
without changing anything, and not telling anything.
I started to get images from my friends, my phone,
newspapers, and I called them Strictu sensu. They all
had a story behind them, and for me it was like telling
my life, a kind of diary. It was related to the memory of
a society, the history and the time.
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Vista da cidade de São Paulo / Sao Paulo view
sobre o que dizer, e não mais como pintar. Comecei a
pensar sobre se eu era capaz de contar histórias com
as pinturas, porque para contar uma história você não
só precisa saber o que dizer, mas também a forma
como contá-la. Nesse momento, eu estava apenas
apropriando imagens, sem mudar nada, e não dizendo
nada. Comecei a usar imagens dos meus amigos, do
meu telefone, dos jornais, e eu chamei essa série de
Stricto sensu. Todos as pinturas tinham uma história
por trás, e para mim, era como contar a minha vida,
uma espécie de diário. Ele estava relacionado com a
memória da sociedade, a história e o tempo.
MC: Em um determinado ponto você começou a se
interessar pelo fato de que a imagem é sempre muito
presente em nossas vidas diárias, e por esta razão
começou a esconder coisas nas pinturas.
AU: Sim, porque estamos em um período que
estamos rodeados de imagens, e eu percebi que uma
pintura não é uma imagem, mas é real. A foto é uma
imagem que representa um momento na realidade,
MC: I guess also at a certain point you started to
become interested in the fact that image is always
so present in our daily lives, and for this reason you
stared to hide things.
AU: Yes, because we are in a period that we are
surrounded by images, and I realized that a painting
is not an image, but it is real. A photo is an image that
represents a moment in reality, but a painting is not
representing the moment it is reality itself.
MC: Would you like to talk a little about your
references?
AU: In the beginning, I was not interested in the
paintings at all. I was interested in the painters’ lives.
I liked the story of Van Gogh, Toulouse-Lautrec, and
how Gauguin and Van Gogh were arguing. I liked
the way they managed to tell their lives through their
paintings. It was a kind of story telling. I was interested
in cinema, the black and white one, the French
cinema from the 1960’s or the Russian cinema. I also
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mas uma pintura não está representando o momento,
ela é a própria realidade.
MC: Você gostaria de falar um pouco sobre suas
referências?
AU: No início, eu não estava interessado nas
pinturas em si. Eu estava mais interessado na vida
dos pintores. Eu gostei da história de Van Gogh, de
Toulouse-Lautrec, de como Gauguin e Van Gogh
estavam discutindo. Gostei da maneira como eles
conseguiam contar suas vidas através de suas
pinturas. Era uma espécie de narração de histórias.
Eu estava interessado em cinema, no cinema em
preto e branco, o cinema francês da década de 1960
e o cinema russo. Eu também gostava do escritor
italiano Alessandro Baricco e sua maneira de contar
histórias. Era esta maneira de contar escondendo
partes da história até ao fim. É o enigma. E está
sempre relacionado à mágica! Eu também me
interessei pelo filme O Encouraçado Potemkin de
Eisenstein, e tentava obter aquele preto e branco com
carvão. Me interessei também pelo Efeito Kuleshov,
que é a ideia de mudar o significado através da
edição, isso é, criar uma narrativa colocando juntas
duas sequências de imagens. Para mim era incrível
pensar que se pode mudar o significado de qualquer
imagem mostrando uma segunda. Estas ainda são as
minhas referências.
Mas é claro que depois que eu comecei a pintar em
preto e branco, eu percebi que havia pintores fazendo
algo parecido com o que eu estou fazendo agora.
Luc Tuymans também apropriava imagens de outras
pessoas para fazer o seu trabalho. Várias pessoas
me diziam que minhas pinturas eram semelhantes às
de Gerhard Richter, mas eu nunca tinha visto suas
obras até talvez seis anos atrás. Mas, claro, depois de
começar a ler sobre a arte contemporânea, você se
familiarizar com todos esses pintores.
MC: Você gostaria de dizer um pouco sobre os rostos
ocultos e também as coisas que você esconde no
seu trabalho?
AU: É sempre difícil explicar quem é cada pessoa
em minhas pinturas, porque às vezes as histórias
Montagem da exposição / Exhibition making of
liked the Italian writer Alessandro Baricco and his way
of telling stories. It is this way of telling hiding parts
of the story until the end. It is the enigma. And it is
always relating to the magic! I was also interested in
Eisenstein’s The Battleship Potemkin, and I was trying
to get that same black and white with charcoal. I was
interested in the Kuleshov Effect, which is the idea
of changing meaning by editing, it means creating a
narrative by putting two sequential shots together.
For me it was amazing to think that you can change
the meaning of any image by showing a second one.
These are still my references.
But then, of course, after I started painting in black
and white, I realized that there were painters doing
something similar to what I am doing now. Luc
Tuymans was also appropriating images of other people
to do his work. A lot of people used to tell me that my
paintings were similar to Gerhard Richter’s, but I had
never seen his works until maybe six years ago. But of
course, after you start reading about contemporary art,
you get familiar with all these painters.
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Chapter IV. Bibao, 2013. Carvão sobre papel / Charcoal on paper. 100 x 165 cm.
são super pessoais. A pintura é uma espécie de
ritual para eu passar por algo. Mas há sempre uma
razão pela qual eu apago os rostos nos retratos;
o sujeito está sempre ligado a uma ideia, ele está
representando alguma coisa.
MC: Você gostaria de contar como você começou a
criar essas obras mais escultóricas?
AU: De vez em quando eu faço um trabalho
incomum, e está sempre relacionado com a
ideia de que uma pintura é para mim uma obra
tridimensional. Uma vez, relacionando-se com a
ideia de esconder partes das pinturas, eu fiz uma
estrutura de duas telas que ficam enroladas em
um eixo. Havia duas pinturas de cinco metros de
comprimento cada uma, mas que eram mostradas
enroladas. Eu escondia a maior parte da pintura,
mas aqui com a materialidade, não pintando por
cima, como de costume. Agora estou fazendo o
mesmo com uma pintura que eu estou mostrando
em uma coletiva em Londres. Eu coloquei uma tela
MC: Would you like to tell a little bit about the hidden
faces and also the things that you hide in your work?
AU: It is always hard to explain who is each person
in my paintings, because sometimes the stories are
super personal. Painting is a kind of a ritual for me
to go through something. But of course, there is
always a reason why I am erasing the faces for these
portraits; the subject is always relating to an idea, it is
representing something.
MC: Would you like to tell me how you started creating
these more sculptural works?
AU: Once in a while I do an unusual work, and it is
always relating with the idea that a painting for me is
a three dimensional work. This kind of work intents
to change the idea of painting as something bidimensional. Once, relating with the idea of hiding
parts of the paintings, I made a structure of two rolling
canvases. There were two paintings that were five
meters long each, but they were showed rolled. I was
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Untitled. Bilbao, 2010. Estrutura de metal e óleo sobre tela / Metal Structure and oil on canvas. 220 x 500 cm cada / each.
pintada de preto por cima de uma pintura e amarreias com cintas de carga. Relacionando com isso, eu
comecei a fazer pinturas que eram separadas da
parede, quase que flutuando, e que tornavam-se
mais objetos do que pinturas.
Na exposição na KUNSTHALLE São Paulo, o capítulo
Pindorama está relacionado com a ideia do passado.
A partir daí, há duas maneiras através das quais
uma sociedade pode se desenvolver: uma que pode
ser mais distópica, Mula Sem Cabeça, relativa aos
Bandeirantes; e outra que se relaciona mais com
uma ideia utópica, com Lina Bo Bardi, a humanidade
dos edifícios, a arquitetura que se relaciona com o
ambiente, a transparência. E, então, existe o quarto
capítulo que é uma obra feita em uma estrutura de
madeira. Mesmo que a imagem seja do mesmo
período de Lina Bo Bardi, podemos dizer que é uma
espécie de conclusão do que estamos vivendo hoje, é
mais real. Os três primeiros trabalhos são planos, pois
são pinturas de parede, e este último é mais real, pois
é tridimensional. É menos uma ideia, e é mais real.
hiding most of the painting but here in materiality, not
by painting on top of them like usual. I am now doing
the same again with a painting that I am showing in
a group show in London. I placed a black painted
canvas on top of a painting and tied them with lashing
straps. Relating with that, I started to do paintings that
were separated from the wall, kind of floating, and they
were becoming more objects instead of paintings.
In the show at KUNSTHALLE São Paulo, the
chapter Pindorama is related to the idea of the past.
From that, there are two ways that a society can
develop: the one that can be more dystopic, Mula
Sem Cabeça, relating to the Bandeirantes; and the
other one that is relating more with a utopic idea,
with Lina Bo Bardi, the humanity of the buildings,
the architecture relating to the environment, the
transparency. And then, there is the fourth one that
is made on a wooden structure. Even if the image is
from the same period of Lina Bo Bardi, we can say
that it is a kind of a conclusion of what we are living
today. It is more real. The first three are flat, as they
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The Blitz. London, 2015. Óleo sobre tela / Oil on canvas, 150 x 190 - 150 x 145 cm, e fitas de carga / and ratchet straps.
MC: Antes de vir ao Brasil você pesquisou muito
sobre nossa história. Mas foi interessante que a
exposição tenha sido na verdade resolvida durante
uma caminhada de 10 minutos que fizemos em seu
primeiro dia em São Paulo. Você gostaria de falar um
pouco sobre isso e toda a experiência no Brasil?
AU: Sim! Nós estávamos andando no Parque
Trianon e havia essa natureza original que eu trouxe
para o primeiro capítulo da exposição. Então, nós
caminhamos para fora e eu te perguntei de quem era
aquela estátua. E quando percebi que Anhanguera
foi um dos Bandeirantes, entendi que aqui vocês
estão cometendo o mesmo erro que os espanhóis
e os franceses cometem, pensando que esses
colonizadores bastardos foram heróis. Da mesma
forma, talvez em 500 anos, Hitler também poderá
ser um herói! A verdade é que, em São Paulo, em
todos os lugares, você é confrontado com estes
quatro aspectos: a natureza e os povos indígenas,
os Bandeirantes nas estátuas, nomes de avenidas, a
arquitetura modernista e brutalista e a selva de pedra.
are wall paintings, and this last one is more real, as it
is three-dimensional. It is less an idea, but more real.
MC: Before coming to Brazil you did some research
about our history, but it was interesting that the show
was actually solved during a 10 minutes walk that we
took on your first day in São Paulo. Would you like to
talk about this and the whole experience in Brazil?
AU: Yes! We were walking in Parque Trianon and there
is this original nature that I brought to the first chapter
of the show. Then, we walked out and I asked you who
was that statue. When I realized that Anhanguera was
one of the Bandeirantes, I understood that here they
are making the same mistake that the Spanish and the
French are doing, thinking that these bastard colonizers
are heroes. In the same way, maybe in 500 years Hitler
can also be a hero! The truth is that in São Paulo,
everywhere you are confronted with these four aspects:
the nature and the indigenous people, the Bandeirantes
in statues, names of avenues, the modernist and
brutalist architecture and the concrete jungle.
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«Sociedade Anônima»
Exposição de 03 Julho até 01 Agosto 2015
Exhibition from 03 July through 01 August 2015
O artista basco Alain Urrutia (*1981, Bilbao) apropriase de imagens existentes para pintá-las, alterando
sempre alguns elementos, de forma a contar sua
própria versão da história. Caminhando por São
Paulo em seus primeiros dias na cidade, o artista
confrontou-se com diversos aspectos da cultura
brasileira, que exerceram um grande impacto sobre
ele. Para a exposição «Sociedade Anônima» na
KUNSTHALLE São Paulo, sua primeira individual
no Brasil, ele propõe uma análise, em quatro
capítulos, da história do Brasil e como ela reflete no
desenvolvimento dos valores sociais.
Basque artist Alain Urrutia (*1981, Bilbao)
appropriates existing images and paints them always
changing some elements, in order to tell his own
version of the story. Walking around São Paulo in his
first days in the city, the artist was confronted with
several aspects from the Brazilian culture, which had
an impact on him. For the exhibition «Sociedade
Anônima» at KUNSTHALLE São Paulo, his first solo
show in Brazil, he proposes a four chapter analyses
of the Brazilian history and how it reflects in the
development of the social values. O primeiro capítulo, intitulado Pindorama, é uma
pintura de parede de um padrão indígena usado
para pintura corporal, que é uma abstração de folhas
de palmeiras. A imagem é usada pelo artista como
uma homenagem às origens do país, aos povos
indígenas, sua cosmologia, e à natureza – que ele
pôde experimentar no Parque Trianon, uma pequena
amostra remanescente da Mata Atlântica, onde a luz
e a frescura do ar fornecem a sensação de se estar
dentro de uma selva. Pindorama – a palavra Tupi
para Terra de Palmeiras – era usada pelos indígenas
para nomear o Brasil.
O capítulo dois, intitulado Mula Sem Cabeça, é uma
pintura a óleo baseada na capa do livro Retrato do
Brasil, de Paulo Prado, que mostra a imagem de um
bandeirante montando um cavalo. No entanto, na
pintura, Urrutia substitui o cavalo por uma Mula Sem
Cabeça – uma personagem do folclore brasileiro, que,
na lenda, é o fantasma de uma mulher condenada,
por seus pecados, a transformar-se em uma mula
sem cabeça, que cospe fogo e galopa pelo interior
assustando as pessoas. A obra é uma reflexão sobre
os efeitos do processo da colonização portuguesa,
com o genocídio de milhões de indígenas, e a
imposição da religião católica na cultura nacional. O
trabalho também comenta o fato de os bandeirantes
Chapter one, entitled Pindorama, is a wall painting
of an indigenous pattern used for body painting,
that is an abstraction of palm tree leaves. The image
is used by the artist as an homage to the country’s
origins, the indigenous people, their cosmology, and
the nature, which he could experience in Parque
Trianon – a small remaining sample of the former
Mata Atlântica – where the light and the freshness of
the air provide the feeling of being inside of a jungle.
Pindorama – the Tupi word for Land of the Palms –
was used by the indigenous people to name Brazil.
Chapter two, entitled Mula Sem Cabeça, is an oil
painting based on the cover of Paulo Prado’s book
Retrato do Brasil, which shows the image of a
bandeirante – one of the 17th-century Portuguese
settlers and fortune hunters in the São Paulo region
– riding a horse. However, in the painting, Urrutia
replaces the horse by a Mula Sem Cabeça – a
character from the Brazilian folklore, who, in the
legend, is the ghost of a woman condemned, for
her sins, to turn into a fire-spewing headless mule,
and to gallop through the countryside, scaring
people. The work is a reflection on the effects of the
Portuguese colonization process, with the genocide
of millions of indigenous people, and the imposition
of the Catholic religion in the national culture. The
work also comments on how the bandeirantes
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«Sociedade Anônima». Vista da exposição / Exhibition view
ainda serem vistos como heróis nacionais pela
sociedade contemporânea, que segue erguendo suas
estátuas em espaços públicos.
are still worshiped as heroes by the contemporary
society that keeps erecting their statues on the
public space.
O capítulo três, intitulado Cobogó, é composto por
duas imagens, uma que mostra as mãos de Lina Bo
Bardi segurando um pequeno objeto, e a outra, um
padrão indígena, que assemelha-se esteticamente
à estrutura de um cobogó – o típico elemento da
arquitetura brasileira, que é um tijolo vazado, usado
para construir paredes, permitindo maior ventilação e
iluminação dentro de um edifício. A obra reflete sobre
o esforço dos arquitetos modernistas em estabelecer
uma arquitetura nacional que integrasse a natureza,
através do uso de elementos, tais como o pilotis, o
concreto, o vidro, e o cobogó.
Chapter three, entitled Cobogó, is comprised by two
images, one that shows Lina Bo Bardi’s hands holding
a small object, and the other, an indigenous pattern,
which resembles aesthetically to the structure of a
cobogó – the typical Brazilian hollow concrete element
used to build up walls, that allows more ventilation
and lighting within a building. The work reflects on
the effort of the modernist architects in establishing a
national architecture that would integrate the nature,
through the use of elements, such as the pilotis, the
concrete, the glass, and the cobogó.
O quarto capítulo, intitulado Sociedade Anônima,
é uma pintura escultural que parece ser um
elemento arquitetônico do espaço expositivo. A
imagem na pintura é um frame do filme homônimo
de Luis Sérgio Person. Datado de 1965, o filme
Chapter four, entitled Sociedade Anônima, is
a sculptural oil painting that seems to be an
architectonical element of the exhibition space.
The image on the painting is a frame from the
homonymous film by Luis Sérgio Person. Dating
from 1965, the film shows a progressive period of
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PROFILE
Issue # 4/15 | 14
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«Sociedade Anônima». Vista da exposição / Exhibition view
mostra um período progressista da história do
Brasil, que foi sido decisivo para a forma como a
vida é experimentada hoje nas grandes cidades.
Nesse período, o estabelecimento da indústria
automobilística no país fez com que se tenha dado
preferência ao desenvolvimento do transporte
individual em detrimento do público, gerando
os problemas de transporte hoje existentes nas
metrópoles brasileiras. Da mesma forma, o processo
de verticalização de São Paulo, causado pela
constante construção de arranha-céus, transformou
a cidade em um lugar de concreto, desumanizado,
para a vida de uma sociedade anônima.
Como epílogo da exposição, Alain Urrutia escolheu a
primeira página do livro Magia do Brasil, que foi enviado
por um brasileiro a um amigo europeu em 1978, com
uma dedicatória dizendo: “Ao amigo Pico, para que
conheça um pouco do meu país. Ezio Elio Bovino“.
Curadoria de Marina Coelho
the Brazilian history, which has been decisive for
the way how life is experienced in the big cities. In
that period, the establishment of the car industry in
the country has given preference to the individual
transport in detriment to the public, generating the
transport problems existing today in the Brazilian
metropolis. In the same way, the verticalization
process of São Paulo, caused by the constant
construction of skyscrapers, transformed the
city into a dehumanized place, for the living of an
anonymous society.
As an epilogue of the exhibition, Alain Urrutia chose
the first page of the book Magia do Brasil, which
has been sent by a Brazilian to an European friend
in 1978, with an inscription saying: “Ao amigo Pico,
para que conheça um pouco do meu país. Ezio Elio
Bovino” (To my friend Pico, for you to know a little of
my country. Ezio Elio Bovino).
Curated by Marina Coelho
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PROFILE
Issue # 4/15 | 15
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«Sociedade Anônima». Vista da exposição / Exhibition view
Sobre o artista
About the artist
Alain Urrutia (*1981, Bilbao) vive e trabalha em
Londres. Entre as exposições em que apresentou
seus trabalhos estão:
Alain Urrutia (*1981, Bilbao) lives and works in
London. Among the exhibitions in which he presented
his works are:
INDIVIDUAIS (Seleção)
Revista de Occidente, Casado Santapau Gallery
(2013), Madri; Gaizing Again!, Egg Gallery (2013),
Beijim; Chapter II, Guggenheim Museum (2012),
Bilbao; The Coyote and the wolf, MA STUDIO (2011),
Beijim; Fundación Bilbao Arte (2009), Bilbao; Evig
Sondag (Eternal Sunday), Stavanger (2008), Noruega.
SOLO SHOWS (Selection)
Revista de Occidente, Casado Santapau Gallery
(2013), Madrid; Gaizing Again!, Egg Gallery (2013),
Beijing; Chapter II, Guggenheim Museum (2012),
Bilbao; The Coyote and the wolf, MA STUDIO (2011),
Beijing; Fundación Bilbao Arte (2009), Bilbao; Evig
Sondag (Eternal Sunday), Stavanger (2008), Norway.
COLETIVAS (Seleção)
Crise de identidade; Museo Fundación Eugenio
Granell (2014), Santiago de Compostela; In Situ.
Espacio de Arte OTR (2014), Madri; Wunderkammer,
Museum Nacht (2012), Delft, Holanda; Festival
EXPOLIS, Triennale di Milano (2011), Milão; Antes que
todo/Before Everything, CA2M, Centro de Arte Dos de
Mayo (2010), Móstoles.
GROUP SHOWS (Selection)
Crise de identidade; Museo Fundación Eugenio
Granell (2014), Santiago de Compostela; In Situ.
Espacio de Arte OTR (2014), Madrid; Wunderkammer,
Museum Nacht (2012), Delft, Netherlands; Festival
EXPOLIS, Triennale di Milano (2011), Milan; Antes que
todo/Before Everything, CA2M, Centro de Arte Dos de
Mayo (2010), Móstoles.
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PROFILE
Issue # 4/15 | 16
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Créditos / Credits
Fotografia / Photography
Marina Coelho
Alain Urrutia
Texto / Text
Marina Coelho
Design gráfico /
Graphic design
Suzanne Lima
Apoio / Supported by
KUNSTHALLE São Paulo
Rua dos Pinheiros, 411
Pinheiros - 05422-010
São Paulo - SP - Brazil
+ 55 11 2339 8586
[email protected]
kunsthallesaopaulo.com
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