Untitled - Óbidos Junho das Artes

Transcrição

ÍNDICE
INDEX
O3 >
JUNHO DAS ARTES 2010
TELMO HENRIQUE DANIEL CORREIA FARIA
O5 >
PEQUENOS GESTOS EM LUGARES ESPECÍFICOS
SMALL GESTURES IN SPECIFIC PLACES
FILIPA OLIVEIRA
O9 >
ARTISTAS CONVIDADOS
GUEST ARTISTS
1O >
14 >
18 >
2O > 24 > 28 > 3O > 34 > 36 > 4O > 44 > ANA JOTTA
ÂNGELA FERREIRA
ANTÓNIO BOLOTA
BRUNO CIDRA
GABRIELA ALBERGARIA
HUGO CANOILAS
JORGE MACIEL
LUÍSA CUNHA
RICARDO JACINTO
RUI HORTA PEREIRA
SANCHO SILVA
48 >
PROJECTS ROOMS
66 >
FICHA TÉCNICA
CREDITS
> O
JUNHO DAS ARTES 2010
Para 2010 escolhemos como tema as características particulares dos espaços públicos da Vila
de Óbidos. Sendo uma Vila que se desenvolve intramuros e no seu entorno, esses espaços assumem uma identidade muito particular, ficando na fronteira entre espaços privados e espaços
públicos. Como se compreende é terreno fértil para que criadores contemporâneos os reinterpretem, transformem, ou apenas realcem aspectos particulares.
Bem dentro desta visão urbanística, do ambiente construído da Vila, há espaço para reflexões
mais profundas, como o diálogo entre o tempo, ou a História e os seus reflexos construídos. Ou,
se quisermos, podemos ainda abordar a questão de uma forma metafórica, questionando sobre
quais são os novos muros, as novas fortalezas do nosso tempo. Que sítio melhor para o fazer,
que bem no interior da Vila de Óbidos.
Vivemos um período em que algumas das liberdades, até aqui dadas como adquiridas e perfeitamente sustentadas na nossa sociedade, são questionadas e reequacionadas. A incerteza e a
insegurança, noutras épocas, levaram a construções de castelos, fortalezas e muralhas. Ainda
hoje se levantam muros na perspectiva de afastar os problemas que não se resolvem de forma
pacífica.
A Arte serve para que novos olhares surjam, onde as vistas estão cansadas, onde o quotidiano
torna menos nítido o detalhe que faz a diferença, ou apenas para que outros pensem sobre
aquilo que para nós já pode ser um dado adquirido. Neste sentido, Óbidos vai realizar a terceira
edição do Junho das Artes, procurando reforçar a sua agenda de criatividade, contribuindo para
o desenvolvimento da contemporaneidade nacional. A estratégia Óbidos Criativa é isso mesmo,
um contributo importante para um debate nacional sobre a Criatividade e a Cultura na agenda
política nacional, demonstrando que uma mudança de atitude e acções inovadoras podem vencer os muros ou estigmas tantas vezes criados sobre estas matérias.
Não há espaços maiores ou menores, melhores ou piores para que a Arte se revele. É isso que
procuramos demonstrar este ano, saindo da beleza histórica da Vila intra-muros para os antigos
Armazéns da EPAC, que começam agora uma nova função, mais abertos ao mundo, mais transgressores nos seus princípios de utilização, mais criativos e inovadores, demonstrando que o
valor das ideias do futuro é compatível com as heranças do passado.
Aos artistas e criadores mantemos o desafio de que Óbidos é um local que os quer envolver na
sua estratégia, cientes de que, cada vez mais, o envolvimento das pessoas, dos diferentes actores sociais, é a razão do sucesso dos territórios. Em Óbidos acreditamos na importância de uma
agenda cultural forte e na necessidade que seja vivida pelas pessoas. Anualmente, o Junho das
Artes é um dos mais importantes capítulos dessa agenda.
Presidente da Câmara Municipal de Óbidos
> O
JUNHO DAS ARTES 2010 - CONTEMPORARY ART MONTH
For the 2010 edition of Junho das Artes, we chose as theme the particular distinctiveness of
Óbidos public spaces. Since Óbidos is a town that grew inside and around the castle walls, those
spaces assume a very specific identity, in the frontier between public and private spaces. Understandably, it is a fertile field for contemporary artists to re-interpret, transform or just highlight
those places.
Inside this urbanistic view, of the ambience created in the town, there is an area for deeper reflections such as the dialogue between time, History and its built heritage. Or, if we want, we can
also approach the matter in a metaphorical way by questioning about the new walls, the new
fortresses of our time. What better place to do it, but right inside de town of Óbidos?
We live in a period when some of the liberties, until now indisputable and perfectly sustained in
our society, are being questioned and reformulated. Uncertainty and insecurity, in other times,
led to the construction of castles, fortresses and walls. Even today, we build walls as a way of
avoiding problems that can’t be solved pacifically.
Art is used to create new perspectives when other views gets older, when everyday life blurs a
detail that makes the difference, or simply for others to think about what can be a given truth. In
this sense, Óbidos welcomes the third edition of “Junho das Artes”- Contemporary Art Month,
looking to increase its creativity agenda and contributing towards the development of national
contemporaneity. The Creative Óbidos strategy is an important contribution to the debate about
creativity and culture in the national political agenda, demonstrating that a change of attitude
and innovative actions can break down the walls or stigmata, so many times created around
these subjects. There aren’t bigger or smaller spaces, better or worse, for Art to be revealed. This
is what we want to demonstrate this year: leave the beauty of the historic town and use the old
EPAC warehouses that now begin a new function, more open to the world, more transgressive in
its principles of utilization, more creative and innovative, demonstrating that the value of future
ideas is compatible with past heritages.
To artists and creators we launch the challenge that Óbidos is a place that wants to include them
in its strategy, aware, more than ever, that the participation of people, of different social actors, is
the reason of the success of the territories. In Óbidos we believe in the importance of a diversified cultural agenda and, in the need, for it to be lived by people. Every year, “Junho das Artes” is
one of the most important chapters of that agenda.
Mayor of Óbidos
> O
PEQUENOS GESTOS EM LUGARES ESPECÍFICOS
O artista é um fazedor de mapas...Poesia é um lugar
William Burroughs
A mitologia em torno da figura do artista e da obra da arte estabeleceu-os, particularmente
depois do romantismo, como inacessíveis, fora deste mundo. O status atribuído à obra de arte
é de um objecto único que deve ser guardado no museu onde o espectador poderá ir cultivar o
espírito. Este mito teve como consequência um crescente isolamento da arte em relação a um
público mais diversificado, para além de uma pequena minoria.
Se no passado os artistas se preocupavam primeiramente com o objecto em si que depois passavam a quem o quisesse fruir, no presente a prática artística acontece cada vez num entrosamento com o quotidiano, com as experiências vulgares do dia-a-dia.
Os muros dos museus (invisíveis mas muito robustos) têm vindo a ser quebrados na tentativa
de descer a arte do seu pedestal, do estatuto romântico em que ficou presa e de a aproximar do
espectador.
Uma parte integral da prática contemporânea passa por um localizar a intervenção artística
num contexto específico. Já não se procura lugares neutros que possam receber a obra sem lhe
causarem qualquer interferência, mas antes espaços activos que dialoguem com o trabalho do
artista.
A rua, a cidade têm sido locais privilegiados de intervenção artística. Mas que papel pode ter a
arte no desenvolvimento de uma localidade? Se são meras (estranhas) esculturas em rotundas,
o impacto será certamente diminuto, mas se a relação entre a arte e o contexto público for o
de um jogo de cumplicidade, provocação e sedução, as consequências serão certamente mais
impactantes.
A proposta desta edição do Junho das Artes foi pensar o espaço público da Vila de Óbidos como
local fértil para a inter-acção entre arte e sociedade. É nas ruas da cidade, nas suas praças e
miradouros que pretendemos incitar um diálogo entre as obras de arte e os visitantes da vila.
O intuito está longe de ser o decorar Óbidos com ‘umas esculturas’, mas antes envolver cada
visitante e despertar nele uma nova relação/vivência com a Vila. E essa é exactamente uma das
capacidades intrínsecas das obras de arte, levar ao pensamento e ao questionar a realidade
conhecida.
Pretende-se que a experiência recorrente de admirar a Vila de Óbidos seja interrompida pelas
obras de arte com as quais o visitante se irá confrontar. Pequenos gestos, irão transformar a
forma como a Vila é vivida, como é contemplada. E assim, em torno destes objectos, alguns dos
quais absolutamente banais, outros mais estranhos, se crie uma sensação de comunidade, de
descoberta e de pertença ao lugar conquistado.
Se a muralha é um símbolo de fortificação, de separação do mundo, de isolamento, neste contexto deseja-se que a muralha seja o elemento agregador. Não só das obras de arte, mas de uma
comunidade que em conjunto com elas transforma um lugar de passagem numa paisagem
> O
pessoal e numa experiência transformadora. “Entre Muros” é símbolo assim de comunhão, de
descoberta, de transformação e também de transgressão.
Fazedores de mapas chama Burroughs aos artistas. Não de uma geografia contida e respeitadora das fronteiras e regras científicas, mas antes de uma cartografia poética que tenta dar sentido
ao mundo que nos rodeia. Em Óbidos, juntam-se diferentes intervenções que definem uma
nova geografia do lugar, numa tentativa de reflectir sobre as suas especificidades.
Os artistas abordam ainda o tema dos muros. Obviamente que cercada por uma muralha, a
condição de estar ‘entre muros’ é intrínseca à vila. Um muro, ou neste caso uma muralha, pode
ser entendida não como um elemento rígido, uma barreira, mas antes como uma membrana
maleável. Assim a querem estes artistas. Pensar esta condição, sugerir formas de transpor essa
fronteira são algumas das propostas dos artistas deste Junho das Artes.
Numa outra perspectiva, encontramos intervenções que meditam a tensão entre os dois lados
do muro. Exploram as dicotomias inerentes à condição da muralha e da ideia de um outro para
além: interior e exterior, presente e ausente, visível e invisível, alcançável e inacessível.
Cada uma das obras apresentadas deve ser vista como um percurso individual, como uma relação
pessoal com a condição ‘sitiada’ de uma geografia particular, ultrapassando a questão territorial
para se debruçarem sobre o político, o social e o estético. Óbidos deixa, durante um mês, de ser um
lugar com história, de turismo, para ser um espaço de poesia, intimidade e comunidade.
FILIPA OLIVEIRA
Comissária Convidada
> O
SMALL GESTURES IN SPECIFIC PLACES
The artist is a map-maker...Poetry is a place
William Burroughs
The mythology concerning idea of the artist and the work of Art resulted in them being considered
as inaccessible, out of this world, particularly after Romanticism. The status given to the work
consisted in a unique object that should be preserved in a museum where the visitor could go
and cultivate the spirit. This myth had as consequence an increased isolation of art and, aside
from a small minority, made it unavailable to a more diversified audience.
If in the past, artists were primarily worried with the object itself that would later be presented to
the public, nowadays, the artistic pratice takes place more and more intersection with ordinary
experiences of daily life.
The museum walls (invisible, but robust) have been brought down in an attempt to make art
descend from its pedestal, from the romantic status in which, it was held, trying to draw it nearer
to the spectator.
An integral part of contemporary art depends on placing the artistic intervention in a specific
context. Neutral places that can receive the artwork without interference are no longer preferred.
Instead, what is sought are active spaces that dialogue with the artists’ work.
The street and the city have been a privileged place of artistic intervention. But what can Art have
in the development of a place? If it’s simply (strange) sculptures in roundabouts, the impact will
certainly be low, but if the relation between Art and the public context is a game of complicity,
provocation and seduction, this will provoke an increased impact.
In this year’s edition of “Junho das Artes”- Contemporary Art Month, the objective is to think
the public space of Óbidos as a fertile place for the interaction between Art and society. It is the
streets, squares and belvederes that we wish to promote a dialogue between the works of art
and the visitors. The goal is far from an intention to decorate the town of Óbidos with “some
sculptures” but to entice the spectator into a new relationship with the town. That is exactly one
of the intrinsic capacities of Art… to make people think and doubt about the known truth.
We want the common experience of discovering Óbidos to be interrupted by works of Art
encountered by the visitor. Small gestures will transform the way the town lives, how it is
contemplated. Therefore, around these objects – some of them trivial, some of them peculiar
– a sense of community, of discovery and belonging is established.
If the wall is a symbol of fortification, of the separation of the world and isolation, in this context,
we wish for the wall to be the connecting element. Not only of the works of Art, but also of a
community that, together with them, transforms a place of transit into a a personal landscape
and into a transformative experience. “Entre Muros” (between walls) is thus a metaphor for
communion, discovery and also transformation.
Burroughs called artists map makers. Not of a geography that is contained and respectful of
frontiers and scientific rules, but a poetic cartography that tries to make sense of the world
> O
around us. In Óbidos different interventions are joined and define a new geography of the place,
in an attempt to think about it specificities.
The artists also approach the theme of “the walls”. Obviously surrounded by a wall, the condition
of being between walls is intrinsic to the Town. A wall, or in this case, a castle wall can be
understood, not as a rigid element, a barrier, but a malleable membrane. That is how these
artists want it. Thinking of this condition and proposing ways of transposing this frontier are
the main objectives for this edition of “Junho das Artes - Contemporary Art Month”. In another
perspective, we find interventions that regulate the tension between the two sides of the wall.
They explore the inherent dichotomies to the condition of the wall and the idea of a beyond:
interior and exterior, present and absent, visible and invisible, reachable and inaccessible.
Each of the works presented must be seen as an individual path, a personal relation with
the ‘enclosed’ condition of a particular geography, surpassing the territorial question and
concentrating on political, social and esthetic. During one month, Óbidos ceases to be a town
with history or of tourism, to become a space of poetry, intimacy and community.
FILIPA OLIVEIRA
Guest Curator
ARTISTAS
CONVIDADOS
GUEST ARTIST
PROJECT
ROOMS
> 1O
Artista Convidada > Guest Artist
ANA JOTTA
Frequentemente a obra de Ana Jotta parte de uma apropriação de referentes da história de arte
que subverte e recontextualiza usando como ferramentas mais recorrentes o humor e a irreverência.
As obras que aqui apresenta intitulam-se Vida Parada e constituem-se como uma paródia a
inúmeros níveis. Num primeiro mais imediato, são uma paródia à ideia da celebração. As setes
‘lunetas’ que se espalham pelas ruas de Óbidos são bandeirolas de festa. Têm como objectivo
enfeitar e animar a vila durante um evento que visa celebrar conjuntamente a criação artística e
a própria vila. Servem, como os dias de solenidades e de festas, para ver o mundo numa cor diferente. Por um momento, e através de uma lente mágica, Óbidos como a conhecemos aparece
nova, alterada, inesperada.
Uma outra leitura, enraizada na história da arte, apresenta estas obras como uma ironia à tradição do género das naturezas morta da pintura clássica. O título da obra é uma tradução literal
de still-life, uma natureza parada. A provocação da artista ocorre também nesse jogo linguístico
e na relação que estabelece com os locais onde cada luneta é colocada. Numa vila tão pitoresca
como Óbidos, cada esquina, cada prédio, cada pequeno pormenor ganha uma dimensão aurática grande. E ao serem contemplados através destas lentes coloridas, são de uma forma mais
agressiva, encapsuladas no tempo, encaixadas numa redoma, musificadas. As simples lunetas
contribuem para uma construção do mito da vila e ao mesmo tempo apagam os seus traços de
vida quotidiana.
The work of Ana Jotta often starts from the appropriation of Art History references, which she
subverts and recontextualises using humour and irreverence as her most frequent tools.
The pieces shown here are entitled Vida Parada and constitute themselves as a parody on countless levels. Most immediately, they are a parody of the idea of commemoration. The seven ‘lunettes’ scattered across the streets of Óbidos are festive banderoles. Their aim is to decorate
and enliven the town during an event that is intended to celebrate artistic creativity and the
town itself. Their purpose, the same as solemn or festive days, is to allow us to see the world in
a different colour. For one moment, through a magical lens, the Óbidos we knew becomes new,
changed, unexpected.
Another level of reading, rooted in Art History, sees these works as an ironic commentary on
the tradition of the classical painting still-life genre. Their title is indeed a literal translation into
Portuguese of the genre’s English name. The artist’s provocative stance is also visible in that
linguistic play and in the relationship she creates between each lunette and its setting. In such a
picturesque town as Óbidos, every corner, every building, every small detail takes on an important aura. By being looked at through these colourful lenses, they find themselves more aggressively encapsulated in time, under a glass bell, museified. These simple lunettes thus contribute
towards the mythification of the town, while at the same time erasing its signs of everyday life.
> NATUREZA PARADA, 2007
Ferro pintado e acrílico | painted iron and acrylic
170 x 30 x 5 cm (7)
Colecção Privada | Private Collection
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ANA JOTTA (LISBOA, 1946)
Educação Education: BA Faculdade de Belas-Artes de Lisboa; MA École d’Arts Visuels et d’Architecture, Bruxelas Brussels.
Exposições Individuais Solo Shows (selecção selection): Amor Vacui, Lisboa 20 Arte Contemporânea, Lisboa (2003); Rua Ana Jotta.
Retrospectiva, Museu de Serralves, Porto (2005); Ana Jotta. S/he is her/e, Chiado 8, Lisboa (2008).
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): 20+1 Artistas Portugueses nas Coleccións CGAC, Santiago de Compostela
(2004); En Voyage, Le Plateau, FRAC – Île de France, Paris (2006); Taking Time, MARCO – Museo de Arte Contemporánea de Vigo,
Vigo (2007); Anos 80, Uma Topologia, Museu de Serralves, Porto (2007).
Prémios Prizes: Seleccionado selected Prémio EDP.Arte 2001.
www.miguelnabinho.com
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12 <
> 14
ÂNGELA FERREIRA
A reflexão de Ângela Ferreira incide sobre o potencial político e social da escultura cruzando a
estrutura tridimensional com diferentes discursos em torno da cultura popular, história da arte
(em especial minimalismo e modernismo). Sendo a arquitectura o seu ponto de partida, a sua
reflexão ultrapassa a dimensão formal dos edifícios sobre os quais escolhe trabalhar, para considerar as diversas interpretações e discursos que sobre eles foram sendo promovidos.
Casa Meridional baseia-se numa casa vitoriana londrina aparentemente normal, onde, em 1851,
George Biddell Airy cartografou o primeiro meridiano: a base para definir uma nova geografia do
planeta. O telescópio que utilizou observava o céu através de um corte longitudinal no telhado,
que o abria a meio. Ângela Ferreira explora a estrutura desta casa, especialmente a tensão entre
a fragilidade causada por uma abertura no eixo central do telhado e a força económica e política
que esta fraqueza trouxe consigo. A casa é transformada numa estrutura híbrida - um contentor/pavilhão esventrado, cuja tampa se abre permitindo ver o seu conteúdo (imaginado).
Em Óbidos, a relação é estabelecida com a própria estrutura do Castelo. Situada na praça central, a arquitectura de Ângela Ferreira, dialoga com as próprias fragilidades da construção de um
castelo: uma ‘casa/contentor’ aberta a céu livre, não para estudar o firmamento mas antes para
poder observar toda paisagem em seu redor. Também a sua erecção tem associações simbólicas
economias e politicas relacionadas não apenas com a sua edificação inicial, mas também com
a sua reconstrução pelo Estado Novo.
In her reflection on the political and social possibilities of sculpture, Ângela Ferreira combines
three-dimensional structure with a variety of discourses concerning popular culture and art
history (Minimalism and Modernism, particularly). Architecture being her starting-point, her
reflection transcends the formal dimension of the buildings on which she chooses to work, to
consider the various readings and discourses they have inspired over time.
Casa Meridional [Meridian House] is based on a seemingly ordinary Victorian house in London,
where, in 1851, George Biddell Airy defined the prime meridian: the foundation on which a
new geography for the planet was built. The telescope he used scrutinised the sky through an
opening that split the house’s roof in the middle. Ângela Ferreira explores the house’s structure,
especially the tension between the fragility caused by the split in the roof’s central axis and the
economic and political power this same weakness brought into existence. The house becomes
a hybrid structure – a gutted container/pavilion, with a lid that opens to let us see its (imagined)
contents.
In Óbidos, a relationship is established with the very structure of the Castle. Installed at the town’s
central square, Ângela Ferreira’s architecture interacts with the inherent fragilities of constructing
a castle: a ‘house/container’ that opens itself to the sky, not to study the firmament but to
survey the whole surrounding landscape. Its erection also has symbolic, economic and political
associations, connected not only to its original construction, but also to its reconstruction by
the Estado Novo dictatorship.
> CASA MERIDIONAL, 2008
Madeira e metal | wood and metal
302 x 500 x 257,5 cm
Cortesia da Artista e Galeria Filomena Soares
Courtesy of the Artist and Galeria Filomena Soares
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ÂNGELA FERREIRA (MAPUTO, 1958)
Educação Education: BA e and MA Escultura Sculpture, Cape Town University, África do Sul South Africa.
Exposições Individuais Solo Shows (selecção selection): The Return of the Real #7, Museu do Neo-Realismo. Vila Franca de Xira
(2009); Hard Rain Show, Museu Colecção Berardo, Lisboa (2008), Centro de Arte Contemporânea La Crieé, Rennes (2008); Maison
Tropicale, Pavilhão de Portugal, 52ª Bienal de Veneza, Veneza Venice (2007).
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): Continents à la derive, Centre Régional d’Art Contemporain LanguedocRoussillon (2009); Afrika i Oslo, Maputo: A Tale of One City, Oslo Kunstforening, Oslo (2009); Learning Modern, The School of the
Art Institute of Chicago, Chicago (2009); 28ª Bienal de São Paulo, São Paulo (2008).
www.gfilomenasoares.com
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Artista Convidado > Guest Artist
ANTÓNIO BOLOTA
A participação de António Bolota neste projecto é muito especial e revela uma vontade de continuidade e de compromisso da Câmara Municipal de Óbidos não apenas com o projecto do
Junho das Artes, mas reiterando o apoio à criação artística (e às industrias criativas de um modo
mais generalizado).
A escultura de António Bolota acontece assim a dois tempos. Nasce agora, nesta edição do Junho das Artes, mas será apenas inaugurada no próximo ano. Durante o tempo de entre os dois
eventos surgirá a peça, uma escultura que requer tempo e dedicação, assim como uma conjugação de esforços para a sua concretização.
Nesta edição apresenta-se assim um desenho, um esboço. A potência de uma obra que virá a
ser, que renovará um olhar sobre a própria vila, mas que neste momento é apenas ‘coisa mental’.
Aguça-se o apetite.
The contribution of António Bolota to this project is very special and reveals the Óbidos Town
Council’s continued commitment, not only to the Junho das Artes project, but also to supporting
artistic creation (and creative industries in general).
António Bolota’s sculpture happens on two phases. It is born now, at this edition of Junho das
Artes, but will only be inaugurated next year. Between the two events, the piece will appear: it is a
sculpture that demands time and dedication, as well as a collaboration of entities that go beyond
the Council’s museum department, for its achievement.
The present edition will thus display a drawing, a sketch. The potential of a work that will come
to be, that will offer a new vision of the town itself, but which at the moment is only a ‘mental
thing’, an appetite-whetter.
ANTÓNIO BOLOTA (BENGUELA, 1962)
Educação Education: BA Engenharia Cível Civil Engineering, ISEL, Lisboa; curso de escultura e curso avançado Sculpture and Advance Course, Ar.Co, Lisboa.
Exposições Individuais Solo Shows (selecção selection): Sem título, BMC, S. Domingos de Rana (2005); António Bolota, Uma Certa
Falta de Coerência, Porto (2010).
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): Telhado, Interpress, Lisboa (2006); Sim Não, Auditório de Serralves, Porto
(2006); Articulações, Allgarve, Algarve (2008); Avenida 211, Espaço Avenida 211, 4º Andar, Lisboa (2008); Estados Gerais, Artecontempo, Lisboa (2009).
Prémios Prizes: Seleccionado selected Prémio Vespeira (2002); Seleccionado selected Prémio EDP Novos Artistas (2008).
www.antoniobolota.blogspot.com
www.quadradoazul.pt
> 19
ÓBIDOS - ESC. 1:100
> SEM TÍTULO, 2010-2011
Intervenção site-specific em progresso
site-specific intervention in progress
> 2O
BRUNO CIDRA
Apesar da prática de Bruno Cidra se concretizar em objectos tridimensionais, o seu trabalho não
pode ser apelidado exclusivamente de escultura. Antes, representa um cruzamento entre aquela
disciplina e o desenho, e os dois estabelecem um intrincado diálogo com o espaço onde o seu
trabalho se instala. A expressão site-specific é fundamental para entender as leitura das obras
que cria. As suas instalações possibilitam uma (re)descoberta do espaço que ocupam, e simultaneamente o próprio espaço potencia a leitura da obra.
No Oratório Nossa Senhora da Graça este princípios voltam a encontrar-se numa peça que,
de uma forma simples mas extremamente eficaz, reflecte sobre as tensões entre o exterior e
interior, sobre a muralha como lugar de equilíbrios e desequilíbrios. Com uma forma estranha,
o Oratório tem a constituição arquitectónica de um espaço religioso, mas é uma passagem. É
um espaço de diluição das fronteiras, como também se diluem na obra de Cidra com o cruzamento das disciplinas. E é aqui, nesta lugar-dobra entre duas extremidades, que converge a sua
intervenção.
Uma tira de papel com 15cm de largura e cerca de 8m de comprimento sustenta dois varões de
ferro maciço. Num exercício de limites, os varões contrabalançam-se, dependem um do outro e
do papel que os sustem em equilíbrio. Não há um ponto de vista único da peça e é sempre impossível vê-la integralmente. A instalação que criou implica um circundar do oratório e mesmo
do espaço envolvente. Estimula o espectador a entrar num jogo de descoberta e de encontro
com a escultura, e também como a própria vila.
Even though Bruno Cidra’s work takes the form of three-dimensional objects, it cannot be exclusively considered sculpture. Actually, it is a combination of sculpture and drawing, with the
two carrying out an intricate dialogue with the space where his work is displayed. The term
‘site-specific’ is essential to our understanding of the pieces he creates. His installations allow
for a (re)discovery of the space they occupy, while in turn the space enriches our reading of the
work.
At the Nossa Senhora da Graça Shrine, these principles meet again in a piece that, in a simple yet
extremely efficient way, reflects on the tensions between outside and inside, on the town wall as
a place of balance and disturbance. The strangely shaped shrine has the architectural features of
a religious space, but it is also a passage. It is a space where boundaries become diluted, which
also happens in Cidra’s oeuvre, in terms of the combination of artistic forms. It is here, in this
place-fold between two extremities, that his intervention occurs.
A 15cm-wide, 8mt-long strip of paper holds up two solid iron rods. In an exercise of extremities,
the rods counterbalance each other, depend on one another and on the paper that keeps them
balanced. There is not a single viewpoint of the piece; it is always impossible to have a full view
of it. His installation demands that we walk around the shrine and even its surroundings. It invites
viewers to join a game in which they encounter and discover sculpture, and the town itself.
> SEM TÍTULO (ORATÓRIO), 2010
Papel e ferro | paper and iron
Dimensões variáveis | variable dimensions
> 21
> 22
BRUNO CIDRA (LISBOA, 1982)
Educação Education: BA Escultura Sculpture, Faculdade de Belas Artes de Lisboa.
Exposições Individuais Solo Shows (selecção selection): 8 Esculturas, Galeria Baginski, Lisboa (2009); Contraforte, Espaço Fábulas
Projecto Tráfico, Lisboa (2009).
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): Eurasia, Casa-Museu Anastácio Gonçalves, Lisboa (2008); Afterthought,
Reims (2008); Diamantes na Sola dos Sapatos, Galeria 102-100, Castelo Branco (2009); A Museu is to Art what a Great Translator is
to a Writer, Galeria Baginski, Lisboa (2010).
Prémios Prizes: Vencedor winner Prémio D. Fernando II de Escultura (2005); Seleccionado selected Prémio EDP Novos Artistas
(2008).
http://o-declive.blogspot.com/2007/07/trabalho-bruno-cidra.html
www.baginski.com.pt
> 23
> 24
GABRIELA ALBERGARIA
Diz Kant na “Critica da Faculdade do Juízo” que “a jardinagem paisagística não consiste em nada
mais do que no decorar da terra com a mesma diversidade [de coisas] que a natureza oferece à
nossa vista, mas dispondo-as de modo diferente em obediência a determinadas ideias”. O conceito de teatralidade é um dispositivo central na concepção de um jardim, mesmo que implique
o violentar da própria natureza. Neste sentido, o trabalho de Gabriela Albergaria situa-se precisamente no veicular dessa artificialidade e no desvendar das construções ideológicas subjacentes
que imperam na criação do que nós percepcionamos como natural e puro. Albergaria alia a uma
exploração do estético central na ideia de jardim, com a estética na criação artística, importando
para a sua prática, acções e técnicas comuns na jardinagem. Assim, o belo é uma característica
omnipresente nos seus trabalhos, mas não pode ser dissociado de uma reflexão sobre os jardins
como coisa mental e como ferramenta invisível do discurso do poder.
Em Viveiro, Gabriela Albergaria explora o conceito das origens e criação de um jardim. Insere
num ambiente artificial (uma casa construída com paredes caiadas e chão de mármore) um
grupo de árvores bebés. O facto de este edifício ser uma igreja adensa as leituras da obra, acrescentando-lhe mais uma camada: a questão do acto criativo e a relação com o divino/espiritual.
No contexto de Óbidos, esta instalação quer pensar ainda a vida de uma vila que se consegue
recriar e renascer no mais inóspito contexto: fortemente despovoada e com uma territorialidade
imposta por uma muralha que a encerra em si própria.
In The Critique of Judgement, Kant states that “[landscape gardening] is nothing else than the
ornamentation of the soil with a variety of those things […] which nature presents to an observer,
only arranged differently and in conformity with certain Ideas”. The concept of theatricality is
central to the conception of a garden, even if it implies exerting violence against nature itself. In
this sense, Gabriela Albergaria’s work places itself squarely in the propagation of that artificiality
and in the revelation of the ideological constructs that underlie the creation of something we
perceive as natural and pure. Albergaria connects the exploration of the aesthetical that plays
a central role in the notion of a garden with the aesthetics of artistic creation, bringing gardening actions and techniques into her practice as an artist. Consequently, the beautiful, though an
omnipresent feature in her works, cannot be dissociated from a reflection on gardens as both
things of the mind and invisible tools of the discourse of power.
In Viveiro [Nursery], Gabriela Albergaria explores the concept of a garden’s origins and creation.
Into an artificial environment (a building with whitewashed walls and a marble floor), she inserts
a number of baby trees. The fact that this building is a church enriches the readings of the work,
by adding a new layer to it: the issue of the creative act and its relationship with the divine/spiritual.
Within the context of Óbidos, this installation also aims at considering the life of a town that is
able to re-create itself within the most inhospitable of contexts: a severe depopulation problem
and a territoriality imposed by a wall that surrounds it, closing it upon itself.
> VIVEIRO, 2008
Ramos e troncos de árvores enxertados (Castanheiro, cerejeira,
videira), fio de algodão, madeira (pinho) e grampos de carpinteiro
Graffetd trunks and branches (Chestnut tree, cherry tree, vine)
cotton thread, wood (pine) and carpenter’s clips
Cortesia da Artista e Vera Cortês Agência de Arte
Courtesy of the Artist and Vera Cortês Art Agency
> 25
> 26
GABRIELA ALBERGARIA (VALE DE CAMBRA, 1965)
Educação Education: BA Faculdade de Belas Artes do Porto; artista residente artists-in-residence, Künstlerhaus Bethanien, Berlim
Berlin
Exposições Individuais Solo Shows (selecção selection): Térmico, Pavilhão Branco do Museu da Cidade, Lisboa (2010); Gabriela
Albergaria, Galeria Vermelho, São Paulo (2010); ABRACADÁRVORE, Museu de Arte Moderna da Bahía, São Salvador da Bahía
(2008);
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): KURS: THE TREE, Fuglsang Kunstmuseum, Toreby (2010); Acclimatation,
Villa Arson, Centre National d’Art Contemporain, Nice (2009); O Desenho Dito, Casa da Cerca, Almada (2008); The Tree: From the
sublime to the social, Vancouver Artgallery, Vancouver (2008),
www.gabrielaalbergaria.com/
www.veracortes.com
> 27
> 28
HUGO CANOILAS
O trabalho de Hugo Canoilas é multifacetado. Da pintura, à escultura às intervenções públicas,
a sua prática passa por um questionamento do senso comum, daquilo que é tomado como
natural, comum.
O Jornal d’Óbidos é um jornal de carácter regional, organizado por Hugo Canoilas, em conjunto
com um grupo de autores de natureza diversa, artistas plásticos escritores, pedagogos, agricultores e médicos. O jornal é encarado não como meio de divulgação de informação, mas antes
enquanto escultura social que visa a construção de uma comunidade. Constitui-se como um
lugar de reflexão sobre a relação que temos com o mundo em que vivemos. Mais do que um
objecto afastado do leitor, este jornal pretende estabelecer uma relação horizontal de proximidade com o seu público.
A estrutura do Jornal parte de uma revista regional que era publicada para a população de Óbidos. Muitas das rubricas que constituíam essa revista são emuladas no jornal, mas apresentando
uma visão completamente diversa da que aquele meio de comunicação propunha. Assim, as realidades existentes no jornal são múltiplas: algumas reinterpretam quase literalmente dimensões
previamente existentes, outras são ficcionadas: um conjunto de propostas de carácter absurdo
(um anúncio a flautas que não tocam ou uma receita de limonada) que cortam ou suspendem a
relação do espectador, exigindo-lhe mais atenção. Existe ainda um conjunto de trabalhos de carácter pedagógico (saúde e ambiente) que visam intensificar uma condição do viver em Óbidos,
que é a sua ligação à Terra. Este trabalho insere-se numa economia do dom e da dádiva.
‘Multifaceted’ is the adjective that best describes Hugo Canoilas’ work. From painting to sculpture and public interventions, his artistic practice comprises a questioning of common sense, of
what is widely seen as natural, common knowledge.
Jornal d’Óbidos is a regional newspaper, edited by Hugo Canoilas in collaboration with a group
of authors with a variety of backgrounds: visual artists, writers, teachers, farmers and doctors.
The periodical is seen, not as a means for divulging information, but rather as a social sculpture
aimed at the construction of a community, a place for reflecting on our relationship with the
world we live in. Instead of being an object distanced from its reader, this newspaper intends to
establish a horizontal relationship of proximity with its readers.
The newspaper’s structure is based on an extinct regional magazine for the population of Óbidos. Many of the magazine’s original sections are revived in the newspaper, only now presenting
a perspective that is completely different from the one of the original publication. Thus, the
newspaper displays a multitude of realities: some sections almost literally reinterpret previously
existing elements, while others are fictionalised: a set of absurd pieces of writing (such as an advertisement for flutes that do not make music or a recipe for lemonade) interrupt or suspend the
reader’s relationship with the periodical, demanding more attention from him/her. The newspaper also contains several educational pieces on health and the environment, which intend to
intensify one condition of living in Óbidos: the town’s connection to the land. This piece is part
of an economy of the gift and giving.
HUGO CANOILAS (LISBOA, 1977)
Educação Education: BA Escultura Sculpture, ESAD, Caldas da Rainha; MA Pintura Painting, Royal College of Art, Londres.
Exposições Individuais Solo Shows (selecção selection): Vota Otavio Pato, Frankfurter Kunstverein, Frankfurt (2007); Endless Killing,
Huarte Contemporary Art Center, Pamplona (2008); Equilibrium and action, Galeria CML, Loulé (2009); To fall in height, Nosbaum
& Reding – Art Contemporain, Luxemburgo Luxembourg (2010).
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): More light than heat, The Basement Gallery Town Hall, Dundalk (2007);
Articulações, Antiga Fabrica da Cerveja, Faro (2008); Gyumri International Biennial of Contemporary Art, Gyumri (2008); KAAP, Utrecht
Fortress, Utrecht (2009); República ou o Teatro do Povo, Estados Gerais, Arte Contempo, Lisboa (2009).
http://infinitoaoespelho.blogspot.com/
www.quadradoazul.pt
> 29
> JORNAL DE ÓBIDOS, 2010
Colaboradores | Collaborators: A.M.A. Associação Medicina
Antroposófica, Ana Baliza, André Missika, André Romão,
Benjamin Valenza, Chiara Fumai, Eduardo Guerra, Filipa
Oliveira, Giannis Varelas, Hugo Canoilas, Kaszás Tamás, Maria
Catuna, Miguel Ferrão, Miguel Rondon, Projecto 270, Raimond
Chavez & Gilda Mantilla, Rodrigo Peixoto, Sílvia Katona, Tânia
Nunes, Thierry Simões, Thomas Kratz
Papel impresso | Printed paper - 29 x 41,5 cm
> 3O
JORGE MACIEL
Apoiando-se num pequeno nicho num muro de uma ruela de Óbidos, Jorge Maciel constrói
uma complexa instalação que proporciona ao espectador cenários para ficções imaginárias,
criadas quase inteiramente a partir de materiais apanhados no lixo. Jorge Maciel, um recolector
por excelência, constrói a partir daquilo que encontra. E fá-lo com uma intensidade vertiginosa,
rápida e efusiva (sugerida aliás pelo próprio título da obra Always Bombating). Tudo feito à mão,
pela sua própria mão. Preocupa-se em contrariar a produção em massa que domina a criação
de objectos hoje em dia. Agrada-lhe que se vejam os defeitos, o sujo, o manusear dos materiais.
Não esconde o processo, assumindo a plasticidade da produção artesanal e mesmo do erro.
O muro, do qual Jorge Maciel se apropria, serve de ponto de partida para um trabalho sobre
fronteiras, sobre as limitações do acto de ver e a possibilidade de imaginar para além daquilo
que é presente, visível.
A construção é realizada em torno de um conjunto de maquetas, as quais na verdade podem
ser consideradas como máquinas de visão. É nestas que a paisagem dentro das muralhas se
encontra com o exterior e com elementos que a interrompem, como um avião que se despenha
sobre as casas da vila. Entre realidade e ficção, interessa a este artista a dimensão do lúdico, e
igualmente todo o processo de elaboração de mecanismos que permitem o funcionar de toda
a instalação.
Taking as the foundation for his work a small wall niche in an Óbidos alley, Jorge Maciel builds,
mostly from waste materials, a complex installation that offers the spectator scenarios for
imaginary fictions. Jorge Maciel, a waste-picker par excellence, creates out of what he finds.
And he does so with dizzying, quick, joyous intensity (which is indeed reflected on the piece’s
title: Always Bombating). All is done by hand, by his own hand. He is concerned with countering
the mass production approach that nowadays dominates the creation of objects. He likes that
people can see flaws, the messiness and manipulation of materials. He does not conceal the
process, accepting the plastic value of handcraft and even of mistakes.
The wall Jorge Maciel appropriates acts as a starting-point for a work on boundaries, on the
limitations of the act of seeing and the possibility of imagining something beyond what is
present and visible. The construction is carried out around a set of models, which can indeed
be considered vision machines. It is in them that the landscape within the town walls meets
the outside and other elements that disrupt it, such as a plane crashing on the town’s houses.
Between reality and fiction, what truly interests this artist is the playful element, as well as the
whole process of conceiving the mechanisms that allow the whole installation to work.
> ALWAYS BOMBATING, 2010
Técnica mista | mixed media
> 31
> 32
> 33
JORGE MACIEL
(VALE DE PUNHE, VIANA DO CASTELO, 1982)
Educação Education: BA Artes Plásticas Visual Arts, ESAD, Caldas
da Rainha.
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): 7 Artistas a Monte, Mata de Tomar, Tomar (2007); 7 artistas ao 10º mês,
Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa (2008); Apresentação, Galeria Municipal de Arte, Abrantes (2009); T4, Casa Bernardo, Caldas da Rainha (2009); O amor não cai do céu como as pipocas,
VPF Cream Art Gallery, Lisboa (2010).
> 34
LUISA CUNHA
A investigação que Luisa Cunha tem vindo a desenvolver situa-se nos campos da filosofia da linguagem, e da estrutura da linguagem como comunicação. Fazendo uso de médios tão diferentes como a
escultura, o som, a fotografia e o vídeo, uma das metodologias de trabalho mais frequentes na sua obra
é o texto falado e escrito.
Invariavelmente a voz gravada é a sua que implica directamente o espectador, estabelecendo com ele
um envolvimento que entra no domínio do íntimo. A fronteira entre o espaço público e o privado é aliás
uma das questões centrais na sua obra. O espectador é assim activamente convocado para a obra. Vêse obrigado a obedecer a ordens, comandos, ou a ser convocado fisicamente a experienciar o espaço.
Situada na Porta da Vila, a obra É Aqui! apresenta-se como uma muito simples constatação que é repetida até à exaustão, interpelando directamente o espectador, incluindo-o na sua construção. Apesar
da economia de meios, de uma quase nudez da peça, ela transfigura-se numa intervenção axiomática
da exposição. Ao obrigar o visitante de Óbidos a ser confrontado com esta condição de lugar, através
desta asserção ‘é aqui’, a obra de Luísa Cunha convida o próprio corpo do espectador para um reconhecimento de um espaço - para uma tomada de consciência corporal e mental deste lugar – confrontando-o com o seu próprio acto de percepção da realidade que o rodeia. Desafia-o a uma tomada
de consciência auto-reflexiva, jogando com as expectativas da chegada, do encontro, e dotando um
simples espaço de passagem num ‘não-lugar’ de adensado significado.
The philosophy of language and the structure of language as communication make up the field in which Luisa
Cunha carries out her research. Although she resorts to such diverse media as sculpture, sound, photography
and video, one of the most frequent working methods in her oeuvre is the spoken and written text.
The recorded voice is invariably hers, thus directly implying the viewer in the work, by creating an intimate involvement with her/him. The borderline between public and private space is indeed a central
issue in her work. Viewers are thus actively drawn to the work. Often, they find themselves obliged to
follow commands, or being physically led to experience the space.
Situated at the Town’s Gate, É Aqui! [It’s Here!] presents itself as a quite simple assertion that is exhaustively repeated, directly questioning the viewer and including him/her in its construction. In spite of the
piece’s limited means and near nakedness, it becomes an axiomatic element in the exhibition. By forcing
the visitor to Óbidos to confront her/himself with the condition of the place via this ‘it’s here’ statement,
Luísa Cunha’s piece invites his/her body to survey a space – to achieve a mental and corporeal awareness of this place – by confronting her/him with his/her own act of perceiving her/his surroundings. It
challenges him/her to attain a self-reflective awareness by playing with the expectations of the arrival, of
the encounter, and turning a simple space of passage into a ‘non-place’ with enhanced meaning.
LUISA CUNHA (LISBOA, 1949)
Educação Education: Curso Avançado de Escultura Advanced Course in Sculpture, Ar.Co, Lisboa.
Exposições Individuais Solo Shows (selecção selection): Luisa Cunha, Fundação de Serralves, Porto (1998); Words for Gardens,
CHIADO 8, Lisboa (2006); Oh!, Galeria Lisboa 20, Lisboa (2008); HOT RED HOT, Uma Certa Falta de Coerência, Porto (2010).
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): On Reason and Emotion, Bienal de Sydney Sydney Biennial, Sydney
(2004); The Invisible Show, MARCO, Vigo (2006), Tel Avive (2007); IV Bienal de Jafre, Catalunha (2009); A luz, por dentro, ALLGARVE,
Loulé (2009); I’m Not Here. An Exhibition Without Francis Alÿs, De Appel, Amesterdão Amsterdam (2010); Correspondência #1, Arte
Contempo, Lisboa (2010).
Prémios Prizes: Seleccionada selected Prémio EDP.ARTE (2002); Seleccionada selected Prémio Tabaqueira de Arte Pública (2003).
> 35
> É AQUI!, 2010
Som, 20’’, Loop | sound, 20’’, loop
Cortesia da Artista e Galeria Miguel Nabinho
Courtesy of the Artist and Galeria Miguel Nabinho
> 36
RICARDO JACINTO
Grande parte da pesquisa conceptual de Ricardo Jacinto recai sobre mecanismos de percepção
e processos de comunicação. Som, escultura e arquitectura são as áreas por onde se move,
construindo complexas instalações que questionam física e conceptualmente a relação do corpo com o espaço e o tempo.
Térnio é uma escultura e também um mecanismo auditivo. Um instrumento estranho sem uma
função ou uso claros. A estranheza daquele corpo feito de tubos de cobre é corroborada pelo
título da obra – uma palavra inventada pelo artista sem qualquer significado lógico – que dotam
a peça de uma seriedade quasi-cientifica.
Instalada numa das árvores da praça central de Óbidos, a escultura de Ricardo Jacinto, apesar de
ser realizada em cobre, apresenta-se como um dispositivo efémero. No entanto, e precisamente
devido ao material em que é construída, a escultura lembra uma invenção remota. Jogando
com sistemas primários e obsoletos de comunicação, a escultura/dispositivo baseia-se numa
ideia de imperfeição da comunicação.
A escultura é concebida como um propagador de som com uma entrada e duas saídas de som,
propondo aos espectadores um jogo para duas pessoas. Numa das extremidades alguém é convidado a falar e nas outras duas saídas (que devem ser utilizadas como auriculares) ouve-se esse
mesmo som mas com diferentes tempos de chegada.
Most of Ricardo Jacinto’s conceptual research focuses on perception mechanisms and communication forms. Sound, sculpture and architecture are the areas he explores, by building complex
installations that put into question, in physical and conceptual terms, the body relationship with
space and time.
Térnio is both a sculpture and a hearing mechanism, a strange mechanism with no clear function or use. The strangeness of that copper-tube body is corroborated by the piece’s title – a
word made up by the artist, devoid of any logical meaning – which lends it a near-scientific
seriousness.
Installed in one of the trees of Óbidos’ central square, Ricardo Jacinto’s sculpture, in spite of
being made of copper, displays itself as an ephemeral contrivance. Nonetheless, and precisely
because of its material, the sculpture is also evocative of an archaic device. By playing with
primitive, obsolete systems of communication, this sculpture/device bases itself on a notion of
the imperfectness of communication.
The sculpture is a sound propagator with an input and two outputs, which invites viewers to
play a two-person game. Someone speaks at one end, while at the other the two outputs (which
should be used as earphones) reproduce that same sound after a varying time lapse.
> TÉRNIO, 2010
Cobre e mangueira | copper and hose
> 37
> 38
> 39
Ricardo Jacinto (LISBOA, 1975)
Educação Education: Curso Avançado de Escultura Advanced Course in Sculpture, Ar.Co, Lisboa; BA Arquitectura Architecture, FAUTL,
Lisboa.
Exposições Individuais Solo Shows (selecção selection): In a rear room, Vera Cortês Agência de Arte, Lisboa (2009); Earworm, Culturgest, Lisboa (2008); Labirintite, Casa da Música, Porto (2007).
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): Hauptsponsor Ok | Höhenrausch, Ok Offenes Kulturhaus, Linz (2009); (A)
Gravity Weightless Narratives, Fonds Régional d’art contemporain de Lorraine, França France (2009); Manifesta 7, Trentino Alto Adige,
Itália (2008); Representação de Portugal, Bienal de Veneza de Arquitectura Venice Architecture Biennial (com o with arq. Pancho
Guedes), Veneza Venice (2007);
Prémios Prizes: Seleccionado selected Prémio União Latina (2005), V Prémio de Escultura City Desk (2005).
www.myspace.com/cactotj
www.parque.biz
www.veracortes.com
> 4O
RUI HORTA PEREIRA
No telhado de uma das casas de Óbidos encontra-se um Dragão em repouso. A escultura realizada em madeira recuperada, remanescente de usos passados tornados obsoletos e reinventados pela mão do artista. A base processual da construção desta escultura é capital para o entendimento da obra: a sua elaboração obedeceu a uma lógica de investigação sobre os recursos
finitos e a sua reutilização.
A escolha do lugar onde se instalou em Óbidos relaciona-se com o explorar das referências fantásticas inerentes à própria peça. Rui Horta Pereira escolheu retirar a este dragão o seu aspecto
real para acentuar a dimensão fantástica que lhe está inerente. De alguma forma podemos inserir a sua acção numa estética que evoca Lewis Carrol ou Jonathan Swift. Óbidos aparece aqui
como análoga a uma Lilliput - a ilha fictícia do romance “As Viagens de Gulliver” – ou com o País
das Maravilhas. Essa dimensão do fantástico é omnipresente em Óbidos seja pelas suas próprias
características, seja pelos diversos eventos que alberga e que acentuam essa vertente onírica.
A estrutura do dragão parece incompleta. Enquanto a cabeça se afigura acabada, o seu corpo
(sobre o qual se enrola) encontra-se aberto apenas com a estrutura básica prefigurada. Este espaço desvendado apresenta-se como um convite ao espectador a perfazer o vazio, a imaginar
os novos contornos.
Entre a ruína e a renovação, o Dragão de Rui Horta Pereira supõe um passado arcaico, vestígios
de um tempo longínquo num presente reinventado.
A Dragão [Dragon] reposes on the roof of an Óbidos house. It is a sculpture made from once obsolete and now recycled pieces of wood, which the artist’s hand reinvents. The procedural basis
of this sculpture’s construction is crucial to our understanding of the piece: its manufacture is
closely linked to a research focused on finite resources and their reutilisation.
The choice of its place of installation in Óbidos is connected to the exploration of fantastic references inherent to the piece itself. Rui Horta Pereira chose to strip this dragon of realistic elements
to heighten the fantastic dimension that underlies it. In some way, his action is part of an aesthetics that is evocative of Lewis Carroll or Jonathan Swift. Óbidos appears here as something
analogous to Lilliput – the fictional island in “Gulliver’s Travels” – or Wonderland. That fantastic
dimension is omnipresent in Óbidos, be it for the town’s own qualities or by the varied events it
hosts, which heightens its oneiric features.
The dragon’s structure seems incomplete. While the head appears finished, the body (upon
which it rolls itself) seems incomplete, with only its basic lines laid down. This disclosed space
seems to invite the viewer to fill the formal void with his/her imagination.
Between ruin and renovation, Rui Horta Pereira’s Dragão suggests an archaic past, traces of a
faraway time in a reinvented present.
> DRAGÃO, 2009
Madeira (pinho) colada e aparafusada
glued and screwed wood (pine)
3400 x 70 x 70cm
Cortesia do Artista e Galeria Graça Brandão
Courtesy of the Artist and Galeria Graça Brandão
> 41
> 42
RUI HORTA PEREIRA (ÉVORA, 1975)
Educação Education: BA Escultura Sculpture, FBAL, Lisboa.
Exposições Individuais Solo Shows (selecção selection): Fio de Mão, Espaço Avenida, Lisboa (2009); Artificializar, Giefarte, Lisboa
(2009); Linda Fantasia, Carpe Diem - Arte e Pesquisa, Lisboa (2009); Tudo aquilo que cair da mesa para o chão, Quase Galeria,
Espaço T, Porto (2010).
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): Jovens Criadores, Amarante (2005); O Contrato do Desenhista, Plataforma
Revolver, Lisboa (2008); I Certame de Dibujo Contemporâneo Pilar e Andrés Centenera Jaraba, Guadalajara (2008).
www.galeriagracabrandao.com
> 43
> 44
SANCHO SILVA
O trabalho que Sancho Silva desenvolve relaciona-se de uma forma muito directa com a relação
que o espectador cria com o contexto que o rodeia, sugerindo, através das suas instalações,
novas formas de percepção e de releitura da semiótica do espaço intervencionado. Na sua pesquisa, o museu e o espaço da galeria sempre foram postos em questão, subvertidos de formas
diferentes. A ontologia destes espaços, a sua relação com o público, a sua função, os vectores
espaciais que os definem, são alguns dos temas que interessam a este artista.
Museu de Rua é uma construção de madeira com uma aparência minimal. Uma estrutura de
prateleiras com pequenos compartimentos que convida o transeunte a abrir as portas e aí colocar objectos que lhe pareçam ‘dignos’ de estar num museu. São duas as questões fundamentais
levantadas pela obra: a relação dos museus com o seu público (o tema das acessibilidades é aqui
predominante) e em segundo lugar o encarceramento das denominadas ‘obras de arte’.
A escultura questiona ainda a noção de espaço público e convida à participação, não dos habituais visitantes de um museu (em particular de um museu de arte contemporânea) mas os habitantes e visitantes de um miradouro no meio de Óbidos. Abrir e fechar, esconder e revelar, proibir
e consentir são algumas das operações elementares propostas pela escultura que encoraja a
apropriação pelo público. Neste sentido, e com uma agenda profundamente contemporânea
Sancho Silva transforma a brincadeira e a participação, numa acção política de cidadania.
The work carried out by Sancho Silva is very directly connected to the relationship the viewer
creates with her/his surroundings; through his installations, he suggests new manners of perceiving and reading the semiotics of the space in which he intervenes. In his research, museums
and galleries have always been put into question, subverted in various ways. The ontology of
such spaces, their relationship with the public, their function and the spatial vectors that define
them are some of the subjects that interest this artist.
Museu de Rua [Street Museum] is a minimalistic-looking wooden construction, a structure of
shelves with small compartments, which invite passers-by to open their doors and place in them
objects that seem to them ‘worthy’ of being in a museum. This piece raises two fundamental
issues: the relationship between museums and their public (the subject of accessibility is central
here) and secondly, the imprisonment of pieces termed ‘works of art’.
The sculpture also puts into question the notion of public space, by inviting the participation, not
of the usual visitors of a museum (especially a contemporary art one), but of the inhabitants and
visitors of a belvedere in the middle of Óbidos. Opening and closing, concealing and revealing,
prohibiting and consenting are some of the elementary operations allowed by the sculpture, which
encourages its appropriation by the public. Thus, under a profoundly contemporary agenda,
Sancho Silva turns playfulness and public participation into a political action of citizenship.
> MUSEU DE RUA, 2008
Contraplacado, acrílico e metal
plywood, acrylic and metal
230 x 240 x 40cm
> 45
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SANCHO SILVA (LISBOA, 1973)
Educação Education: BA Matemática Maths, Trinity College Dublin; MA Filosofia da Linguagem Philosophy of Language, UNL, Lisboa; Curso de Escultura Sculpture course, Ar.Co; MA Fine Arts, Pratt Institute, Nova Iorque New York; Whitney Independent Study
Program, Whitney Museum, Nova Iorque New York
Exposições Individuais Solo Shows (selecção selection): 6 Objects, Pinsummer Gallery, Genova Genoa (2009); Dolle Mol, Objectif
Exhibitions, Antuérpia Antwerp (2008); Involtino, Parfiri Building, Bossarino (2007) [Instalação permanente permanent project];
Cyclopean Eye: Berlin, Künstlerhaus Bethanien, Berlim Berlin (2006).
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): Slow Movement or: Half and Whole, Kunsthalle Bern, Berna Bern (2009);
El Medio es el Museo, MARCO, Vigo (2008); Love at First Site, Futura Projects, Praga Prague (2008).
Prémios Prizes: Seleccionado selected Prémio União Latina (2007).
http://sancho-silva.blogspot.com/
> 47
> 48
Project Rooms
ANDRÉ NETO (SÃO MARTINHO DO PORTO, 1985)
Educação Education: BA Pintura e Intermédia Painting and Multimédia, Instituto Politécnico de Tomar. Frequenta MA Pintura Painting, FBAUL, Lisboa.
Exposições Colectivas Group Shows: Os pés do Artista, São Martinho do Porto (2007); Best of Santos, Lisboa
(2007); Passear contigo, Fábrica da Pólvora, Oeiras (2009); o Pé dos Carrinhos de Choque, São Martinho do
Porto (2009); Anteciparte’09, Museu do Oriente, Lisboa (2009); Balde de Água, Fábrica da Pólvora, Oeiras
(2010).
Prémios Prizes: Seleccionado Selected Jovens Criadores, Lisboa (2008), Jovens Criadores CPLP (2009), Jovens Criadores (2009), Anteciparte, Lisboa (2009).
http://0oten0.blogspot.com
http://andreneto.arte.com.pt
> MINHA CASA SEM FRONTEIRA
& ADEUS QUE ME VOU EMBORA, 2010
Vídeo, sem som, cor, 30’, loop;
Máquinas de Bolas de Sabão
vídeo, no sound, colour, 30’, loop;
bubble machine
> 49
Estúdio de Arquitectura Internacional formado por Inês Martins de Brito (Portugal, 1977) e Gilberto Rodriguez (EUA, 1973). O trabalho desenvolvido no atelier conta com a colaboração de equipas multidisciplinares
e os projectos desenvolvidos reflectem a interpretação do contexto envolvente e das qualidades intrínsecas
do lugar. Em 2010 foram seleccionados no World Architecture Community Awards / 6th Cycle com o projecto Site Museum, Tulum, México.
International architecture studio formed by Inês Martins de Brito (Portugal, 1977) and Gilberto Rodriguez
(USA, 1973). They coordinate a multidisciplinary team, and the projects they develop focus on concepts inherent to the identity of a space while interpreting the specific context and conditions of the environment. In
2010 were selected for the World Architecture Community Awards / 6th Cycle with the Site Museum, Tulum,
México.
www.britorodriguez.com
> 3 MURALHAS,
3 PATRIMÓNIOS CULTURAIS,
3 PROJECTOS, 2010
Proposta espaço criativo
“José Joaquim dos Santos”, Óbidos
Maquetas e cartão | models and cardboard
59,4 x 84,1cm (3); 60 x 60 x 20cm (3)
Project Rooms
BRITO.RODRIGUEZ ARQUITECTURA
> 5O
Project Rooms
> ATOMIC MAGNÓLIA, 2010
Bandas elásticas pretas | black elastic bands
BRUNO JAMAICA (CARVIDE, 1981)
Educação Education: BA Escultura Sculpture, ESAD, Caldas da Rainha.
Exposições Individuais Solo Shows: Our Welt not your Brand!, Hotel25, Berlim Berlin (2009); Push & Pull,
FCT/UNL, Lisboa (2008); The new Art’s will, Atelier Arte & Expressão, Caldas da Rainha (2008).
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): Feinprobe Honiguss II, Lutherstadt Wittenber,
(2009); The Florence Trust Show 2009, Londres London (2009); Re-birth, Islington Arts Factory, Londres
London (2009).
http://www.bm81.blogspot.com/
> 51
Educação Education: Frequenta Attends BA Artes Plásticas Visual Arts, ESAD, Caldas da Rainha.
Exposições Individuais Solo Shows: Externato Cooperativo da Benedita (2010).
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): Dá-me Espaço, Museu Bernardo, Caldas da Rainha
(2008); Artistas no Alentejo, Casa da Cultura de Elvas (2009).
Prémios Prizes: 3º Lugar 3rd Place Prémio Ilustração Contos Júlio Verne, Biblioteca Municipal de Portalegre
(2005).
http://serissaseroid.blogspot.com/2008/11/interveno-na-esep-por-ctia-ezequiel-em.html
> SEM TÍTULO | UNTITLE, 2010
Telhas | roof tiles
Project Rooms
CÁTIA EZEQUIEL (PORTALEGRE, 1979)
> 52
Project Rooms
EDGAR PIRES (OEIRAS, 1982)
Educação Education: BA Escultura Sculpture, FBAUL, Lisboa.
Exposições Individuais Solo Shows: (RE) ACÇÃO, Lagar do Azeite, Oeiras (2009).
Exposições Colectivas Group Shows: Actos Isolados, Espaço avenida 211, Lisboa (2009); On Europe – 1.ª
Bienal Internacional de Montijo (2008); Finalistas de Escultura, Escultura V, Oeiras (2007); Campus V, Lagar
do Azeite, Oeiras (2007).
Prémios Prizes: Menção Honrosa Honorable mention Aveiro Jovem Criador 09 - Escultura Sculpture (2009);
IX Prémio Vespeira (2008); Prémio Fundação Marquês de Pombal - Arte Contemporânea Contemporary Art,
Ex-aequo (2006).
> SEM TÍTULO | UNTITLED, 2010
Vidro pintado | painted glass
50 x 200cm
> 53
Project Rooms
> IMISCÍVEL, 2010
Fios metálicos e imanes | metal wires and magnets
GUSTAVO JESUS (TAVIRA, 1958)
Educação Education: BA Artes Visuais Visual Arts, UALG; Curso Course ARCO, Lisboa; Curso experimental
de Arte Contemporânea MobileHome experimental Contemporary Art course MobileHome.
Exposições individuais e colectivas Solo and Group Shows: Pintura, Museu Municipal de Faro (2007); Pintura, Instituto Português da Juventude (2008); Dialogue Boxes on Street Windows Art, Algarve (2009); MobileHome, Loulé (2009); Desenho, Centro Cultural de Lagos (2009).
> 54
Project Rooms
> INTERVALO, 2010
Tijolos | bricks
240 x 240 x 240cm
JOANA FONSECA (SANTARÉM, 1982)
Educação Education: BA Arquitectura Architecture, UAL, Lisboa; Frequenta curso de Escultura Attends the
Sculpture Course, Ar.Co, Lisboa.
Esta é a sua primeira participação numa exposição. This is her first participation in an exhibition.
> 55
Project Rooms
JOANA IMAGINÁRIO (LISBOA, 1960)
Educação Education: BA Escultura Sculpture, FBAUL, Lisboa.
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): IV Prémio de Escultura City Desk, Fundação
D. Luis I, Cascais (2005); XIII Bienal Internacional de Arte de Vila Nova de Cerveira (2005).
> SOMBRA_2, 2010
Feltro, flanela e mármore |
embroided cloth and marble
185 x 125cm; 110 x 190cm
> 56
Project Rooms
MARIA TERESA CARDOSO (BARREIRO, 1975)
Educação Education: Curso de Escultura e Curso Avançado Sculpture and Advance Course, Ar.Co.
Exposições Individuais Solo Shows: On the ceiling, Museu do Chiado, Lisboa (2001).
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): Prémio Arte Mar, Estoril (2009); Exposição de Finalistas do Ar.Co, Cordoaria Nacional, Lisboa (2000).
> 3º QUADRANTE, 2010
Fotografia impressa em vinil |
photograph pinted on vynil
200 x 140cm
> 57
Project Rooms
> RAÍZES, 2010
Grés | stoneware
60 x 80cm (5)
MARTIM SANTA RITA (LISBOA, 1964)
Educação Education: Curso de Cerâmica Ceramics Course, Ar.Co, Lisboa.
Exposições Individuais Solo Shows: Cerâmica de Martim Santa Rita, Galeria Terreiro das Gralhas, Caldas da
Rainha (1996).
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): Gerações de Ceramistas da Escola António Arroio,
Galeria Municipal Artur Bual, Amadora (2003); 15 Anos de cerâmica no Ar.Co, Museu Nacional do Azulejo,
Lisboa (2004).
Prémios Prizes: 2º Prémio Nacional de Artesanato Contemporâneo do IEFP (1996); Prémio Ceramista Cotanda, 25º Concurso Internacional de Cerâmica de L´Alcora, Valência (2005); 2º Prémio da VIII Bienal Internacional de Cerâmica Artística de Aveiro (2007).
http://www.oficinaraku.com/martim/index.html
> 58
Project Rooms
Gesso | plaster
NATÁLIA RATO (CASTELO BRANCO, 1984)
Educação Education: Finalista Finalist BA Pintura e Intermédia Painting and Multimédia, Instituto Politécnico
de Tomar.
Exposições Colectivas Group Shows: A Meio Caminho, Galeria de Arte do Centro Cultural de Vila Nova da
Barquinha (2010).
> 59
Educação Education: BA Artes Plásticas Visual Arts, ESAD, Caldas da Rainha; Frequenta Attends MA Artes
Plásticas Visual Arts, ESAD, Caldas da Rainha.
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): Caldas Late Night, Caldas da Rainha (2005/2007);
Leão Azedo, Caldas da Rainha (2007); Museu Bernardo, Caldas da Rainha (2007).
Impressões a jacto de tinta sobre papel Epson
colour print on Epson paper
Project Rooms
PATRÍCIA FAUSTINO (CALDAS DA RAINHA, 1983)
> 6O
Project Rooms
ROSANA ALEXANDRE (RIO DE JANEIRO, 1981)
Educação Education: BA Design Industrial - Programação Visual Industrial Design - Visual Programing,
UFRJ, Rio de Janeiro; Arte e Design para o Espaço Público Art and Design for Public Space, FBAUL, Lisboa.
Desenvolve projectos que tratam da relação do design com a infância, através do lúdico e da educação. Develops projects that consider the relationship between design and childhood through play and education.
> ÓBIDOS PARA CRIANÇAS, 2010
Cartão e papel | cardboard and paper
> 61
Project Rooms
RUI SILVEIRA (CAMPO MAIOR, 1983)
Educação Education: BA Design de Comunicação Communication Design, FBAUL, Lisboa.
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): Mostra Jovens Criadores 2009 (2010); Nodar: Território Inscrito, Teatro Viriato, Viseu (2009); Festival Rencontres Internationales, Haus der Kulturen der Welt,
Berlim Berlin (2009), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid (2009), Jeu de Paume, Paris (2008);
Des)construção Narrativa, Fabrica Features, Lisboa (2009).
> ABRIGO, 2010
Vídeo, cor, som, 16’13’’ |
vídeo, colour, sound, 16’13’’
> 62
Project Rooms
> PROCURA-SE, 2010
Papel impresso | printed paper
A2 posters
SARA NUNES FERNANDES (SETÚBAL, 1985)
Educação Education: BA Fine Art, Goldsmiths College, Londres London.
Exposições Individuais Solo Shows: I’m just an animal looking for a home share the same space for a minute
or two, 38 Elderfield Road, Londres London (2010).
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): TEEN ROMANCE-ploitation, Özlem, Londres London (2010); Özlem a turkish salon, Özlem, Londres London (2010); House Show, 45 Lewisham Park Exhibition Space, Londres London (2009).
> 63
ANA RITA VIEIRA: Finalista da licenciatura em Design de Ambientes Attends the BA in Interior and Spatial Design na Escola
Superior de Artes e Design, Caldas da Rainha. Exposições e projectos Exhibitions and projects: Feira da Criança (cenografia
stage design), Alcobaça (2009); Voltamos a ver-nos (cenografia stage design), Teatro da ESAD, Caldas da Rainha (2010);
Projectos académicos, FITEC, Batalha (2008, 2009, 2010); Exposição de finalistas, Caldas da Rainha (2008, 2009); Caldas
Late Night 14, Caldas da Rainha (2010).
CARINA HENRIQUES: Finalista da licenciatura em Design de Ambientes Attends the BA in Interior and Spatial Design na
Escola Superior de Artes e Design, Caldas da Rainha. Exposições e projectos Exhibitions and projects: Voltamos a ver-nos
(cenografia stage design), Teatro da ESAD, Caldas da Rainha (2010); Projectos académicos, FITEC, Batalha (2008, 2009,
2010); Exposição de finalistas, Caldas da Rainha (2008, 2009); Caldas Late Night 14, Caldas da Rainha (2010).
CÁTIA JACINTO: Finalista da licenciatura em Design de Ambientes Attends the BA in Interior and Spatial Design na Escola
Superior de Artes e Design, Caldas da Rainha. Exposições e projectos Exhibitions and projects: Projectos académicos,
FITEC, Batalha (2008, 2009, 2010); Exposição de finalistas, Caldas da Rainha (2008, 2009); Stabatmater (Sonorização sound
design), Teatro da ESAD, Caldas da Rainha (2010); Exposição de finalistas, Caldas da Rainha (2009, 2010); Caldas Late Night
14, Caldas da Rainha (2010).
SANDRA BOAVENTURA: Finalista da licenciatura em Design de Ambientes Attends the BA in Interior and Spatial Design
na Escola Superior de Artes e Design, Caldas da Rainha. Exposições e projectos Exhibitions and projects: Feira da Criança
(cenografia stage design), Alcobaça (2009); Voltamos a ver-nos (cenografia stage design), Teatro da ESAD, Caldas da Rainha
(2010); Projectos académicos, FITEC, Batalha (2008, 2009, 2010); Exposição de finalistas, Caldas da Rainha (2008, 2009);
Caldas Late Night 14, Caldas da Rainha (2010).
> PACKAGE MUSEUM, 2010
Técnica mista | mixed media
Project Rooms
ANA RITA VIEIRA (AROUCA, 1989)
CARINA HENRIQUES (CALDAS DA RAINHA, 1988)
CÁTIA JACINTO (MACEIRINHA, 1989)
SANDRA BOAVENTURA (PARIS, 1989)
> 64
Project Rooms
> I GOT SOMETHING TO SAY, 2010
Papel, cartazes, posters e cola |
paper, posters ad glue
200 x 500cm
TAMARA ALVES (PORTIMÃO, 1983)
Educação Education: BA Artes Plásticas Visual Arts, ESAD, Caldas da Rainha; MA Prácticas Artísticas Contemporâneas Contemporary Artistic Practices, FBAUP, Porto.
Exposições Individuais Solo Shows (selecção selection): I Can Figure You Out In A Short Glance, Galeria
Show Me, Braga (2010); Starving, Hysterical, Naked, Plano B, Porto (2010); The Only Cure For Love Is… CEPiA,
Évora (2008);
Exposições Colectivas Group Shows (selecção selection): Festival Se Esta Rua Fosse Minha, Porto (2009);
Swatch MTV Playground Event Showcase, St Elisabeth-Kirche, Berlim, (2009), aA Design Museum, Seul
(2009); Bios, Atenas (2009); The Village, Sanlitun Beijing (2009); Valtifest, Amsterdão (2009); Blue Balls Festival, Lucerna (2009).
www.tamaraalves.com
> 65
TIAGO MARQUES: Licenciado em Fotografia pelo Instituto Politécnico de Tomar, é Mestre em Design e
Cultura Visual pelo Instituto de Artes Visuais, Design e Marketing (IADE). Holds a BA in Photography by the
Instituto Politécnico de Tomar and a Masters in Design and Visual Culture by Instituto de Artes Visuais, Design e Marketing (IADE).
Exposições colectivas Group Shows: ArtBloc, Lisboa (2010); POP UP Lisboa, Antiga Cavalariça do Palácio da
Trindade, Lisboa (2009); JANELA URBANA LIVE at’YRON, Galeria Yron, Lisboa (2008); IPT Curso Superior de
Fotografia 2001-2007, Arquivo Fotográfico Municipal de Lisboa (2007).
Prémios Prizes: Seleccionado Selected Prémio Jovens Criadores 10, Évora.
TIAGO A. COSTA: É licenciado em Fotografia e Cultura Visual pelo Instituto de Artes Visuais, Design e Marketing (IADE). Frequenta o Mestrado Arte Multimédia na Faculdade Belas Artes da Universidade Lisboa. Holds
a BA in Photography and Visual Culture by Instituto de Artes Visuais, Design e Marketing (IADE). Attends the
MA in Multimedia at the Fine Arts University, Lisbon.
Exposições colectivas Group Shows: ArtBloc, Lisboa (2010); [X], Exposição de Finalistas IADE (2009); POP
UP Lisboa, Antiga Cavalariça do Palácio da Trindade, Lisboa (2009).
> VOU DAQUI PARA LÁ, 2010
Mapas cortados; som, 50’, loop |
cut maps; sound, 50’ loop
Project Rooms
TIAGO MARQUES (LISBOA, 1982)
TIAGO A. COSTA (AVEIRO, 1986)
> 66
FICHA TÉCNICA
CREDITS
CATÁLOGO Catalogue
CONCEPÇÃO Conception
Filipa Oliveira
COORDENAÇÃO Coordination
Ana Calçada
TEXTOS Texts
Telmo Henrique Correia Faria e Filipa Oliveira
SECRETARIADO Secretariat
Catarina Machado, Maria Besuga, Ana Raquel Arsénio
TRADUÇÕES Translations
Filipa Oliveira, Filomena Gomes, José Gabriel Flores e Paula Ganhão
DESENHO GRÁFICO Graphic Design
Susana Santos e Cátia Garcia
IMPRESSÃO E ACABAMENTOS Printing and Binding
Torreana - Indústria e Comunicação Gráfica, S.A.
CRÉDITOS FOTOGRÁFICOS Photographic Credits *
André Neto, Bruno Cidra, Edgar Libório, Patrícia Faustino e Rui Silveira
PRODUÇÃO Prodution
Óbidos Patrimonium EEM
5 a 27 de Junho 2010
TIRAGEM Copies
1500 exemplares
DEPÓSITO LEGAL Legal Deposit
312825/10
ISBN 978-972-9132-19-3
PRIMEIRA EDIÇÃO PUBLICADA EM 2008 First edition published 2008
Todos os direitos reservados. Nenhuma parte deste catálogo pode ser reproduzida ou
transmitida por qualquer forma ou processo, electrónico, mecânico ou fotográfico, sem
autorização prévia e por escrito do editor. All rights reserved. No part of this book may be
reproduced or transmitted in any form or by any means, electronic or mechanical, including
photocopying, eroding or any other information storage and retrieval system, without prior
permission in writing from the publisher.
Este catálogo foi publicado por ocasião da exposição ENTRE MUROS que teve lugar em
Óbidos (Portugal), integrado na iniciativa Junho das Artes’10. This catalogue has been
published on the occasion of the exhibition ENTRE MUROS that took place at Óbidos
(Portugal) as part of the initiative JUNHO DAS ARTES’10.
JUNHO DAS ARTES’10
ORGANIZAÇÃO Organization
COMISSÁRIA CONVIDADA Guest Curator
Filipa Oliveira
DIRECTORA DE EXPOSIÇÕES Exhibitions Director
Ana Calçada
JÚRI PROJECT ROOMS Project Rooms Jury
Filipa Oliveira, Miguel Silvestre, Ana Calçada
ASSISTENTE DE PRODUÇÃO Productions Assistant
Catarina Machado
SECRETARIADO Secretariat
Maria Besuga, Ana Raquel Arsénio
APOIO ADMINISTRATIVO Administrative Support
Daniel Sousa e Paula Santos
IMPRENSA Media
David Vieira, Edgar Libório, Nelson Lança, Pedro Pereira, Luís Ferreira
DESENHO GRÁFICO Graphic Design
Susana Santos, Cátia Garcia
SÍTIO Site
Susana Nobre, Ana Vital e João Escada
EQUIPA JUNHO DAS ARTES E MONTAGEM
Team Junho das Artes and Installation *
Albino Lopes, Ana Friezas, Ana Raquel Arsénio, Aníbal Semião, António
Ferreira, Armando Gomes, Armando Marcolino, Avelino Bonifácio, Bruno
Mimoso, Bruno Silva, Bruno Silvano, Carlos Gomes, Carlos Lourenço, Carlos
Zina, Catarina Machado, Daniel Mateus, David Monteiro, Eduardo Timóteo,
Fernando Sousa, Gilberto Florêncio, Herculano Santos, Horácio Ferreira, Hugo
Rodrigues, J.C. Sampaio, João Fernando, João Maria, João Oliveira, João
Paulo Ferreira, João Santos, Joaquim Claudino, Joaquim Dias, Joaquim Felicio,
Joaquim Martins, Jorge Maciel, Jorge Munhá, Jorge Reis, José Faustino, Júlio
Sousa, Manuel Silva, Marco Maria, Marco Santos, Maria Besuga, Maria José
Sobral, Nelson Agostinho, Nelson Sousa, Orlando Pinto, Paula Ribeiro, Paulo
Santana, Pedro Pimentel, Raquel Feliciano, Renato Sousa, Ricardo Norte,
Rogério Gomes, Sérgio Rodrigues, Valdemar Gomes e Vítor Sousa
SOM E IMAGEM Sound and Image
Mário Ferreira e Luís Ferreira
JORNAL DE ÓBIDOS Óbidos Newspaper *
A.M.A. Associação Medicina Antroposófica, Ana Baliza, André Missika, André
Romão, Benjamin Valenza, Chiara Fumai, Eduardo Guerra, Filipa Oliveira,
Giannis Varelas, Hugo Canoilas, Kaszás Tamás, Maria Catuna, Miguel Ferrão,
Miguel Rondon, Projecto 270, Raimond Chavez & Gilda Mantilla, Rodrigo
Peixoto, Sílvia Katona, Tânia Nunes, Thierry Simões, Thomas Kratz
EMPRESTADORES Lenders
Fundação de Arte Moderna e Contemporânea - Colecção Berardo, Museu do
Vinho da Bairrada, Galeria Filomena Soares e Galeria Miguel Nabinho.
* por ordem alfabética in alphabetical order
AGRADECIMENTOS Acknowledgments *
Alexandra Baudouin, António Bolota, Caima, Cristina Ataíde, Dalila Gonçalves,
Edgar Pires, Equipa Carpe Diem, Galeria Baginski, Galeria Filomena Soares,
Galeria Miguel Nabinho, Gonçalo Galvão Teles, Horácio Ferreira, Isabel Alves,
Isabel Corte-Real, Isabel Aboim, João Moreira, João Moura, Joaquim Machado,
José Pessegueiro, Lourenço Egreja, Luís Serpa, Miguel Delgado, Paulo Pires
do Vale, Paulo Reis, Pe Vergamotta, Rosa e Vasco Aboim, Sótão da Avó, Vera
Cortês Agência de Arte, Vítor Sousa e a todos que, directa ou indirectamente,
tornaram possível esta iniciativa and all those who helped to make this
iniciative possible either directly or indirectly.
ÍNDICE
INDEX
O3 >
TODA A PAISAGEM NÃO ESTÁ EM PARTE NENHUMA
ALL OF THE LANDSCAPE IS NOWHERE TO BE FOUND
FILIPA OLIVEIRA
O5 >
FERNANDA FRAGATEIRO
12 >
16 >
2O >
22 > 24 > 28 > 3O > 34 >
WANDERING 2005
ATRAVÉS DA PAISAGEM, 2008/2009
CAIXA (DESMONTAGEM) 2, 2006
PÁTIOS, 2003
JARDIM DAS ONDAS, 1998
JARDIM NAS MARGENS, 2003-2008
IN THE VOCABULARY OF PROFIT, THERE IS NO WORD FOR “PITY”
(NO VOCABULÁRIO DO LUCRO NÃO EXISTE A PALAVRA “COMPAIXÃO”), 2008
FICHA TÉCNICA
CREDITS
> O3
TODA A PAISAGEM NÃO ESTÁ EM PARTE NENHUMA
A par de uma prolífica prática escultórica, Fernanda Fragateiro tem frequentemente transportado o seu pensamento conceptual e estético para o espaço público. Pode mesmo dizer-se que
esta faceta é um prolongamento da outra (e vice-versa), numa outra escala.
O seu trabalho desenvolve-se em torno de uma vontade de activar o espaço, uma necessidade
de intervir na sociedade e de transformar sítios em lugares. Interessa-lhe a(s) história(s) dos espaços onde intervém, interessa-lhe a memória que se inscreve nas suas paredes.
Na relação com o exterior, com o espaço público, reflecte sobre a ligação entre cultura e paisagem, sobre tudo o que uma acrescenta à outra. Examina ainda o papel da arquitectura neste
binómio, considerando as dimensões politicas, sociais e culturais que a informam.
Os espaços que tem vindo a trabalhar são, na sua maioria, anti-monumentais. E a sua intervenção nunca se direcciona no sentido de acrescentar ou decorar mas antes, contrariando a lógica
da aglomeração e do excesso, revelar o que estava oculto. Voltamos à dimensão da memória, de
uma consciência particular pelo passado colectivo. Fernanda Fragateiro, procura-o, lê-o escondido nos escombros e torna-o visível de novo. Intervenções que engajam com o mundo exterior
e com a quotidiano através de intensos diálogos com o contexto, com o local. Confirmando a
afirmação de Hugo von Hofmannsthal de que “o que é profundo está escondido à superfície”,
as suas obras actuam de forma minimal, próximo da invisibilidade num desejo de apagar os
vestígios da sua intervenção.
Fernanda Fragateiro reflecte frequentemente sobre a forma como as pessoas se relacionam com
o espaço, como o habitam e o usufruem. Leva-nos, a nós espectadores, a pensar o nosso corpo
como expressão da nossa sociabilidade. Neste sentido, os seus projectos, mais do que dirigidas
ao olhar, são actos que se concentram na experiência corpórea e dos sentidos, possibilitando
uma nova consciência do espaço. Na procura da sua obra, somos induzidos a descobrir o lugar
onde ela acontece assim como todo o contexto envolvente. É uma prática situacionista, num
sentido muito puro do termo.
A exposição na Galeria novaOgiva centra-se apenas em sete dos seus projecto que conciliam
escultura, arquitectura e paisagem. Alguns que tiveram uma grande visibilidade, como o Jardim
das Ondas na Expo, enquanto outros permanecem quase invisíveis, como Wandering. Mais do
que apenas documentar projectos já realizados, quis-se principalmente mostrar a ligação entre
o fazer e o pensar. Neste sentido, os desenhos e maquetas são momentos de puro pensamento
(conceptual mas também escultórico, da fisicalidade do movimento da mão) que se ligam com
imagem das obras realizadas e do seu contexto. São intervenções que se revelam na tensão
entre o público e o privado, o visível e o invisível, o dentro e o fora, a esfera individual e social.
FILIPA OLIVEIRA
Curadora
> O4
ALL OF THE LANDSCAPE IS NOWHERE TO BE FOUND
Alongside a prolific sculptural production, Fernanda Fragateiro has often brought her conceptual
and aesthetic thinking to the public space. It can even be said that this aspect of her work is an
extension of the other (and vice versa), in a different scale.
Her work develops out of desire to activate space, a need to intervene in society, turning sites into
places. She is interested in the history/stories of the spaces in which she works, in the memory
inscribed upon their walls.
In her relationship with the outside, with the public space, she reflects on the connection
between culture and landscape, on everything they lend one another. She also scrutinises the
role architecture plays in this binomial, taking into consideration the political, social and cultural
elements that shape it.
The spaces in which she has worked are mostly of the anti-monumental kind, and her
intervention never takes the form of adding or decorating; instead, she opts for countering the
logic of agglomeration and excess, by revealing what was concealed. We return to the sphere
of memory, of a peculiar awareness of the collective past. Fernanda Fragateiro searches for it,
deciphers it among the rubble and makes it visible again. Her interventions engage the outside
world and everyday life via intense dialogues with the context, with the place. In confirmation
of Hugo von Hofmannsthal’s saying, ‘depth lies hidden on the surface’, her works act minimally,
close to invisibility, obeying a desire to erase the traces of her intervention.
Fernanda Fragateiro often reflects on the ways people relate to space, on how they inhabit and
enjoy it. She leads us, the viewers, to think of our bodies as the expression of our sociability. In
this sense, her projects, rather than being aimed at the eye, are actions focused on corporeal and
sensorial experience, allowing for a new awareness of the space. While looking for her work, we
are led to discover the place in which it exists, as well as the whole enveloping context. Hers is a
situationist approach, in the purest sense of the term.
Her exhibition at Galeria novaOgiva focuses only on seven of her projects combining sculpture,
architecture and landscape. Some of them enjoyed wide visibility, such as the Jardim das Ondas
[Wave Garden] at the Expo ’98, while others, such as Wandering, have remained nearly unseen.
More than simply documenting projects already carried out, the main objective here is to show
the connection between making and thinking. In this sense, these drawings and models are
moments of pure thought (conceptual and sculptural, connected to the physicality of the hand’s
movement), accompanied by pictures of the finished works and their context. These interventions
reveal themselves in the tension between public and private, visible and invisible, inside and
outside, the individual and social spheres.
FILIPA OLIVEIRA
Curator
> O5
FERNANDA FRAGATEIRO (MONTIJO, 1962)
Nasceu no Montijo. Estudou na Escola Superior de Belas Artes e no Ar.Co, e desde meados dos
anos 80 começou a expor publicamente em Lisboa,
Em 2001, ganhou o Prémio Tabaqueira de Arte Pública. Entre 2004 e 2005 foi bolseira da Fundación Marcelino Botín, Santander, Espanha, no âmbito da qual visitou a Ciudad Abierta, Ritoque,
Chile. A partir desta experiência, desenvolveu vários projectos, entre os quais: “Caixa para guardar o vazio”, 2005.
Entre 2006 e 2008, realizou, entre outras, as instalações: “Expectativa de uma paisagem de
acontecimentos”, Galeria Elba Benítez, Madrid; “Não pensar”, Casa da Música, Porto; “Não ver”,
Mosteiro de Alcobaça, e “um círculo que não é um círculo, 2”, obra permanente para o Pátio da
Universidade Politécnica de Valência, em Espanha.
Em 2009 realizou as seguintes exposições individuais: “Construir é destruir é construir”, Sala do
Cinzeiro, Fundação EDP, Lisboa; “Conteúdo desconhecido”, Galeria Baginski, Lisboa; “Bildraum”,
Galeria Arratia Beer, Berlim e “Invisibilidade”, Galeria Leme, S. Paulo.
A sua obra está representada em várias colecções públicas e privadas, entre as quais o Museu de
Arte Contemporânea de Serralves, Porto; Fundação EDP, Lisboa; Fundação Calouste Gulbenkian,
Lisboa; CGAC, Santiago de Compostela e o Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
Born in Montijo, Fernanda Fragateiro studied at the University of Fine Arts and in Ar.Co. In the
1980’s she began to exhibit in Lisbon.
In 2001, she won the Tabaqueira Public Art Award. Between 2004 and 2005 she received a scholarship from the Fundación Marcelino Botín, Santander, Spain. In this ambit she visited the Ciudad
Abierta, in Ritoque, Chile. From this experience she developed different projects, among them:
“Caixa para guardar o vazio”, 2005. Between 2006 and 2008, she created other installations: “Expectativa de uma paisagem de acontecimentos”, Elba Benítez Gallery, Madrid; “Não pensar”, Casa
da Música, Oporto; “Não ver”, Monastery of Alcobaça, and “um círculo que não é um círculo, 2”,
a permanent work for the pateo of the Polytechnic University of Spain, Valência.
In 2009, she exhibited the following solo exhibition: “Construir é destruir é construir”, EDP Foundation, Lisbon; “Conteúdo desconhecido”, Baginski Gallery, Lisbon; “Bildraum”, Arratia Beer Gallery, Berlin, and “Invisibilidade”, Leme Gallery, S. Paulo.
Her work is represented in different public and private collections, among them the Contemporary Art Museum of Serralves, Oporto; EDP Foundation, Lisbon; Calouste Gulbenkian Foundation, Lisbon; CGAC, Santiago de Compostela and the Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía, Madrid.
http://www.fernandafragateiro.com/
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Artista Convidada > Guest Artist FERNANDA FRAGATEIRO
WANDERING, 2005
Texto pintado à mão sobre as paredes hand-painted murals
Intervenção no edifício building intervention: “Quinta em Évora”
Arquitectura architecture: João Maria Trindade
Citações de quotes from: “L’attente l’oubli”, Maurice Blanchot
Tradução translation: António Mega Ferreira
Fotografia photo: João Maria Trindade e Filipe Meireles
Fotografias em exposição exhibition photos: João Maria Trindade e Filipe Meireles
É numa tensão entre poesia e arquitectura, que se situa a intervenção de Fernanda Fragateiro
numa habitação privada de autoria do arquitecto João Maria Trindade em Évora. Baseando-se
no romance de Maurice Blanchot “l’attente l’oubli” (A espera, O esquecimento), Fragateiro pinta
frases do escritor em locais muito precisos da casa. Espaços de passagem, espaços entre espaços.
Esta é uma casa com uma arquitectura curiosa, onde o exterior e interior se inter-cruzam de
forma inusitada e quase indistinta. Existe uma indiferenciação entre o dentro e o fora, entre
o começo e o fim. É precisamente esse território de fronteiras indeterminadas que Fernanda
Fragateiro explora, incitando uma conversa entre duas personagens ou entre os dois espaços. É
sempre uma relação com um outro (espaço ou pessoa) que quer encorajar. Um encontro a dois
tempos, no qual a resposta é dada através de uma espera, de um processo de reflexão. A sua
obra constitui-se como um diálogo silencioso que adensa o lugar.
Fernanda Fragateiro’s intervention in a private dwelling in Évora, authored by architect João
Maria Trindade, takes place in the tension between poetry and architecture. Drawing inspiration
from Maurice Blanchot’s novel “l’attente l’oubli” (Wait and Oblivion), Fragateiro paints quotes by
the writer in very precise locations of the house: spaces of passage, spaces between spaces.
This is a house with an intriguing architecture, where the outer and inner spaces intersect in
unusual and almost indistinct ways. There isn’t a differentiation between inside and outside,
between beginning and end. It is precisely within this territory of undetermined borders that
Fernanda Fragateiro operates, encouraging a conversation between two characters or between
the two spaces. It is always a relationship with an other (space or person) that she wishes to
encourage. A meeting occurring on two levels, in which the answer comes through waiting,
through a process of reflection. Her work constitutes itself as a silent dialogue that deepens the
place.
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ATRAVÉS DA PAISAGEM, 2008/2009
Texto pintados à mão sobre as paredes hand-painted murals
Intervenção no edifício building intervention:
Estação Biológica do Garducho Garducho Biological Station, Mourão
Arquitectura architecture: João Maria Trindade
Fotografias photos: André Carvalho e Miguel Angelo Guerreiro
Fotografias em exposição exhibition photos: Miguel Angelo Guerreiro e André Carvalho
Sobre o edifício da Estação Biológica do Garducho, com a arquitectura de João Maria Trindade
- cuja finalidade é estudar a biodiversidade - Fernanda Fragateiro, citando diversos autores,
interveio com um conjunto de frases e pensamentos: ferramentas para reflectir sobre conceitos
de paisagem e natureza. A sua obra propõe simultaneamente uma nova leitura do edifício
como do próprio espaço envolvente onde este se insere. Nas palavras da artista este é “um
guia poético para atravessar arquitectura e paisagem, criando múltiplas relações que potenciam
novas experiências do olhar e do sentir”.
Pintados directamente na parede, os textos criam trajectos e panoramas alternativos. Potenciam
uma nova relação entre o corpo do espectador e o espaço a percorrer. O visitante, na procura
das palavras, transforma-se em activador do próprio edifício assim como dos pensamentos que
os textos instigam. É o seu corpo que (re)edifica o espaço e a paisagem e, através das reflexões
sugeridas pelos textos, constrói um novo lugar onde o real se funde com o mental, o presente
com a memória, o individual com o colectivo.
To the building of the Garducho Biological Station (a facility dedicated to the study of biodiversity),
a creation of architect João Maria Trindade, Fernanda Fragateiro brought a set of sentences and
thoughts from several authors: tools to reflect on concepts of landscape and nature. Her work
simultaneously offers a new reading of the building, as well as of its surroundings. According to
the artist’s words, this is “a poetic guide to navigate through architecture and landscape, creating
multiple relationships that enhance new visual and emotional experiences.”
Painted directly on the wall, the texts create alternative routes and sights. They foster a new
relationship between the body of the viewer and the space to traverse. The visitor, in the search
for words, becomes an activator of the building itself as well as of the thoughts enticed by the
texts. His/her body (re)builds the space and the landscape and, by reflecting on the texts, builds
a new place where the real merges with the fictional, the present with memory, the individual
with the collective.
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CAIXA (DESMONTAGEM) 2, 2006
Aço inox polido polished stainless steel
120 x 1000 x 1000cm
Maqueta model: Aço inox polido polished stainless steel
95 x 285 x 275cm
Fotografia photo: Cintra & Castro Caldas, Cortesia Courtesy Museu Colecção Berardo
Colecção Museu Colecção Berardo, Lisboa
Esta obra surge no contexto de um convite para a criação de uma escultura a ser instalada no
espaço exterior do Museu Colecção Berardo. Ela faz parte de uma série de quatro, nas quais se
plasma o movimento de abertura de uma caixa.
A caixa, enquanto contentor que é também conteúdo, é um objecto muito presente no trabalho
desta artista. O seu interesse não se prende com uma simbologia formal, mas antes com a
possibilidade de ‘desmontar’ ou desconstruir o objecto, de o abrir e descobrir o seu interior
(pense-se na obra seminal Caixa para Guardar o Vazio, 2005). Um interior que era povoado por
um vazio, por uma ausência.
Esta escultura nasce do encontro fortuito com caixas de cartão abandonadas na rua.
Aquele objecto descartado transportava consigo a memória de conteúdos desconhecidos
passados. Fragateiro recupera o objecto perdido e transforma o frágil e transitório num corpo
resistente e duradouro, o opaco em reflector – o cartão em aço inox. Esta transfiguração
converte a caixa encontrada num objecto que perdeu a sua função, permanecendo apenas
como revelador da memória e de um potencial irrealizável.
This work came out of an invitation to create a sculpture to be installed in the outer spaces of
the Berardo Collection Museum. It is part of a series of four, in which the movement of opening
a box is simulated.
The box, as both container and content, is a subject very much present in the work of this
artist. Its interest is not tied to a formal symbolism, but with the possibility of ‘dismantling’ or
deconstructing the object, opening it and discovering its interior (such as in the seminal work
Caixa para Guardar o Vazio, 2005). An interior that was inhabited by a void, by an absence.
This sculpture is born from the chance encounter with cardboard boxes abandoned in the
streets. That discarded object carried with it the memory of its previous, unknown contents.
Fragateiro recovers the lost object, changing the fragile and ephemeral into a sturdy and durable
body, the opaque into a reflective surface - the cardboard into stainless steel. This transfiguration
converts the found box in an object that has lost its function, remaining only as a trigger for the
disclosing of memory and of an unachievable potential.
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PÁTIOS, 2003
Amanhecer: Aço inox stainless steel, 600 x 300cm
Plano Inclinado: Terra, relva, aço inox earth, grass, stainless steel, 879 x 590 x 60cm
Anoitecer: Aço inox stainless steel, 870 x 45cm
Entardecer: Aço inox stainless steel, 300 x 250cm
Instalação permanente permanent installation: Museu do Vinho da Bairrada, Anadia
Fotografia photo: Duarte Belo
Convidada a pensar numa intervenção permanente no, então, novo Museu do Vinho da Bairrada
em Anadia, Fernanda Fragateiro escolheu operar em quatro dos seis pátios que constituem
a arquitectura do museu. Duas características sobressaíam que impulsionaram a sua escolha: a
ontologia do espaço vazio e a possibilidade do estabelecimento de um diálogo entre o interior e
o exterior do edifício. Mais do que modificar o espaço existente, quis Fragateiro usar e intensificar
o que já existia.
Trabalhar nos quatro pátios, em vez de intervir num só, prendeu-se com o desejo de pensar a
ideia de sequência e de passagem do tempo. O encadeamento da luz entre os espaços equivale
aos quatro momentos do dia: manhã, meio-dia, tarde e noite. Desta forma, Fragateiro conseguiu
trabalhar tanto a luz, o vazio e a ideia de transitoriedade.
A inclusão de um plano de espelho no chão relvado introduz imediatamente o céu, trazendo-o
para o solo. A superfície reflectora não só abre o espaço, como conduz para o seu interior novos
pontos de vista, inclusive o próprio visitante.
When asked to conceive a permanent intervention in the then new Bairrada Wine Museum
in Anadia, Fernanda Fragateiro chose to work in four of the six courtyards that feature in the
architecture of the museum. Her choice was supported by two salient attributes: the ontology
of the empty space and the possibility of establishing a dialogue between the inside and outside
of the building. Rather than modify the existing space, Fragateiro wanted to use and enhance
what already existed.
To work on the four courtyards, rather than intervening in just one, was justified by the desire
to think through the idea of sequence and passage of time. The gradation of light between the
spaces is equivalent to the day’s four moments: morning, noon, afternoon and evening. Thus
Fragateiro was able to simultaneously explore light, emptiness and the idea of transience.
The placing of a mirror on the lawn immediately draws the sky in, taking it to the ground. The
reflecting surface not only opens space, but brings new points of view, including the visitor.
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JARDIM DAS ONDAS, 1998
Terra, relva, árvores, aço e luz earth, lawn, trees, stainless steel and light, 100 x 50m
Parque das Nações, Lisboa Lisbon
Arquitecto paisagista landscape architect: João Gomes da Silva
Fotografia photo: Bruno Portela
Fotografias em exposição exhibition photos: Francisca Serra e Moura, Bruno Portela
Este jardim resulta da colaboração de Fernanda Fragateiro com o arquitecto paisagista João
Gomes da Silva e foi desenvolvido no âmbito do plano urbanístico da Expo’98. Numa paisagem
urbana degradada, a artista foi convidada a pensar um jardim. Esta oportunidade possibilitou um
exercício de reflexão social e antropológica tanto sobre a natureza como o uso de um jardim.
Este é considerado não como um lugar neutro mas antes enquanto estrutura social, assim como
lugar singular do presente (não é um espaço de memórias do passado, nem de projecções sobre
o futuro, mas antes um lugar do ‘aqui e agora’).
O jardim é aqui pensado como espaço de experimentação. Um lugar que convida a diversos
momentos e a diferentes intensidades: Parar, deitar, contemplar. O seu desenho é directamente
inspirado pelo movimento das águas e as modelações do terreno simulam o moção do mar: o
crescer e dissolver das ondas. As diferentes deslocações do corpo – movimentos activadores de
um espaço - foram igualmente inspiradores da organização final do jardim.
This garden, the result of a collaboration between Fernanda Fragateiro and landscape architect
João Gomes da Silva, was developed under the urban plan of Expo ‘98. In a degraded urban
landscape, the artist was asked to conceive a garden. This opportunity allowed for an exercise
in social and anthropological reflection on both the nature and use of a garden, considered here
not as a neutral space but as a social structure as well as a unique dwelling of the present (not a
place of memories from the past or projections about the future, but rather a place of ‘here and
now’).
The garden is thought as a space of experimentation. A place that invites a variety of attitudes and
different intensities: rest, lay down, contemplate. Its design is directly inspired by the movement
of water and the topographical modulations simulate the sea motion: waves that grow and
dissolve. The different body actions - activators of a space - were also inspirational towards the
final organization of the garden.
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JARDIM NAS MARGENS, 2003-2008
Parque Linear da Ribeira das Jardas, Cacém, 100 x 25m
Arquitectura Paisagista Landscape Architecture: NPK - Arquitectos Paisagistas
Fotografia photo: Abílio Leitão
A pequena maqueta deste projecto mostra como o seu desenho nasce do pensamento intuitivo
do movimento da mão em contacto com o gesso. A construção acontece na experiência da
modelação directa. A partir da mão pensa-se uma nova cidade, uma nova utopia. A mão é assim
assumida como um instrumento de transformação numa prática que conjuga a consciência
social e o engajamento político.
A construção de um jardim, na obra de Fernanda Fragateiro, combina arte, arquitectura e design
urbano com teorias sobre a cidade, o espaço social e o espaço público. Um jardim é considerado
não apenas como um lugar, mas antes como uma rede de relações e como a encenação de
diversos paradigmas sociais e de poder. Neste sentido, construir um jardim é pensar para além
do domínio do familiar, e reflectir sobre a produção do espaço segundo as categorias avançadas
por Henri Lefebvre: forma, estrutura e função. É simultaneamente criar espaços de liberdade
para uma comunidade invisível e temporária.
The small model of this project demonstrates how its creation emerges from the intuitive
thinking of the hand’s movement when in contact with the plaster. The construction occurs in
the experience of direct modelling. A new city and a new utopia are thought through the hand,
which is thus acknowledged as an instrument of transformation in a practice that combines
social awareness and political engagement.
In the work of Fernanda Fragateiro, the construction of a garden combines art, architecture and
urban design with theories about the city, social space and public space. A garden is regarded
not only as a place, but rather as a network of relationships and as the staging of various social
and power paradigms. In this sense, to build a garden is to think beyond the realm of the familiar
and reflect upon the production of space through the categories defined by Henri Lefebvre:
form, structure and function, while simultaneously creating spaces of freedom for a temporary
and invisible community.
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IN THE VOCABULARY OF PROFIT, THERE IS NO WORD FOR ‘PITY’
(NO VOCABULÁRIO DO LUCRO NÃO EXISTE A PALAVRA ‘COMPAIXÃO’), 2008
Madeira, MDF pintado, espelho e outros materiais wood, painted plywood, mirror and other
materials, 22 x 14 x 5m
Instalação in situ installation, “Holidays in the Sun”, Antiga lota old fish market, Portimão
Citação de quote from “The Coup”, John Updike, New York: Fawcett, 1978
Fotografia photo: Miguel Ângelo Guerreiro
Fotografias em exposição exhibition photos: Miguel Angelo Guerreiro
Maqueta model: Arquitecto architect Rui Mendes, Bruno Pica, Filipe Meireles
Foi na antiga lota da cidade de Portimão, desactivada e abandonada há anos, que Fernanda
Fragateiro foi convidada a trabalhar no âmbito de um conjunto de intervenções públicas
promovidas pela Fundação de Serralves para o programa Allgarve. Mantendo-se fiel à metodologia
que tem vindo a distinguir a sua prática, Fragateiro preferiu restaurar o edifício, em vez de impor
um objecto no espaço. Através de uma limpeza profunda que implicou uma acção de retirar,
restaurar e redescobrir, a artista transformou o seu trabalho mais num processo do que no
objecto final permanente. Contudo esse gesto de limpeza foi complementado por um esforço
de manutenção da memória colectiva em torno àquele edifício. Um dos mais fortes objectivos
desta obra, marcada por uma estética minimal, era o desejo de dar força ao vazio.
Para além dos actos simbólicos de limpeza e restauro, Fragateiro reabriu um conjunto de
vãos que denunciavam a memória das diferentes utilizações do edifício no passado. Criou
assim atravessamentos que permitiram redescobrir e alterar a percepção do próprio edifício,
estabelecendo um novo diálogo entre este, a cidade e o rio.
It was in the old fish market of the city of Portimão, disabled and abandoned for years, that
Fernanda Fragateiro was invited to work within the series of public interventions promoted
by the Serralves Foundation for the Allgarve project. Staying true to the methodology that has
marked her practice, Fragateiro favoured restoring the building, rather than imposing an object
on space. Through a deep cleaning operation, which involved the actions of removing, restoring
and rediscovering, the artist’s work became more a process than a permanent final object. Still,
this gesture of cleaning was complemented by an effort to maintain the collective memory
pertaining to that building. One of the strongest objectives of this work, marked by a minimalist
aesthetics, was the desire to give intensity to the emptiness.
Beyond the symbolic acts of cleaning and restoration, Fragateiro reopened a number of recesses
where the memory of the various uses of the building in the past transpired, thus creating
crossings that allowed for a rediscovery and a change in the perception of the building itself,
establishing a new dialogue between it, the city and river.
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FICHA TÉCNICA
CREDITS
EXPOSIÇÃO GALERIA novaOgiva
novaOgiva Gallery Exhibition
ORGANIZAÇÃO Organization
CURADORIA Curator
Filipa Oliveira
DESENHO DA EXPOSIÇÃO Exhibition Design
Fernanda Fragateiro, Filipe Meireles, Filipa Oliveira
PRODUÇÃO Prodution
Fernanda Fragateiro, Filipe Meireles
MONTAGEM Installation
Fernanda Fragateiro, Filipe Meilreles, José Fragateiro
ASSISTENTES DE MONTAGEM Installation Assistants
Ricardo Norte, Jorge Maciel
DESIGN GRÁFICO DEPLIANTS Graphic Design Leaflet
Patrícia Cativo
TRANSPORTES Transportations
Iterartis e Município de Óbidos
TEXTOS Texts
Filipa Oliveira
TRADUÇÕES Translations
Filipa Oliveira e José Gabriel Flores
CRÉDITOS FOTOGRÁFICOS Photographic Credits *
André Carvalho, Abílio Leitão, Bruno Portela, Cintra & Castro Caldas (Cortesia
Museu Colecção Berardo), Duarte Belo, Edgar Libório, Filipe Meireles, João
Maria Trindade e Miguel Ângelo Guerreiro
IMPRESSÕES FOTOGRÁFICAS Photographic prints
José Manuel Costa Alves
AGRADECIMENTOS Acknowledgments *
Abilio Leitão, André Carvalho, Bruno Pica, Bruno Portela, Clara Vilar, Duarte
Belo, Filipe Meireles, Francisca Serra e Moura, Gonçalo Galvão Teles, Isabel
Alves, Isabel Corte-Real, Jean-François Chougnet, João Maria Trindade, José
Fragateiro, José Manuel Costa Alves, Luís Alves de Matos, Patrícia Cativo, Rita
Lougares, Rui Mendes.
* por ordem alfabética in alphabetical order

Untitled - Óbidos Junho das Artes

Transcrição

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