Untitled - Kristina Sretkova

ART FAIRS
INTERNATIONAL
A BRIDGE BETWEEN EAST AND WEST
NEWSPAPER
Art Fairs International Newspaper 2010
NEW YORK, Issue #12 2011
©2011 ART FAIRS INTERNATIONAL NEWSPAPER
Great Britain £ 4
Japan ¥ 750
Canada $7.00
USA $10.00
Presented by
ARTS
w w w.ar t fairsinternational.com / w w w.nyar tsmagazine.com / w w w.nyar tsbeijing.cn/ w w w.ar t fairsnewspaper.com
Center Stage: China International Gallery Exposition
Destination: Armory 2011
http://www.cige-bj.com
http://www.thearmoryshow.com/cgi-local/content.cgi
Courtesy of CIGE.
Supported by the Ministry of Culture of the People’s Republic of China, the Eighth Edition of the China International Gallery Exposition (CIGE 2011) will take place at the
Exhibition Hall of the China World Trade Centre in Beijing
from April 21 to 24, 2011 (Preview April 20).
With the auspices of the 2008 Beijing Olympics and the
2010 Shanghai Expo, China now arrives at an unprecedented age of prosperity. Its remarkable economic developments in the 21st century and its advances as a political
and economic power have secured the country as a
leading international force in the world.
While China plays an important role to fortify the
network between Asian regions, CIGE 2011 serves as
a critical exchange platform to internationalize the local arts environment. As the world continues to keep
on eye on the booming developments of Chinese
contemporary art and its impact on the global art
world, the future of contemporary art market in China
remains promising to art professionals worldwide.
Looking back at the global economic decline in
2009 and its in 2010, the Chinese arts market has remained strong and the economic power of Chinese
art continues to
grow substantially. China’s growing consumption
levels for luxury
goods gives the
local art market
further
confidence.
continues
on page 23
Gallery at REDCAT
Coming out of a generation that
witnessed the ramifications of the
Cultural Revolution, the 1989 Tiananmen Massacre, and the infamous 1989 China/Avant-Garde
exhibition at the National Museum
of Contemporary Art and its subsequent closing by state authorities,
Hangzhou-based artist Zhang Pei-
1) The Armory Show, Piers 92 &
94, 12th Ave at West 55th St.
Wednesday–Saturday:Noon–8pm
Sunday: Noon–6pm
2) Pulse
Metropolitan Pavilion
125 West 18th Street
March 3-6
3) Volta NY
7 West 34th Street
March 3-6
Brian Fee
NEW YORK (January 28, 2011).
VOLTA NY returns for its fourth
consecutive year, filling its borders
with an array of cutting-edge
solo artists from 83 galleries,
representing 23 countries and
45 cities, in its central midtown
Manhattan location opposite the
iconic Empire State Building.
Continuing the original VOLTA
mandate to create a tightlyfocused event that is a place
for discovery and a showcase
for current art production and
relevant contemporary positions—
regardless of the artist or gallery’s
age—VOLTA
NY
features
exclusively solo projects of notable
and emerging international artists,
conceived to compliment the
exciting program of art presented
by its sister fair, The Armory Show.
With direct shuttles to and from
both fairs, VOLTA NY also shares
VIP access and the Open Forum
Talks Program.
continues on page 4
Featured Stories
La Vi En Rose
ArtParis
Sharjah Biennial 10
Zhu Jia, Forever, 1994. Video stills, singlechannel video, 27 min. Courtesy of the artist
and ShanghArt Gallery, Shanghai.
Tim Okamura, Work Shirt, 2011. Oil, mixed media on canvas, 76 x 56
inches. Courtesy of Volta NY.
7) Red Dot
82 Mercer Street
March 3-6
VOLTA: The Insider’s Perspective
The Tale Unfolds In Sharjah
4) Fountain New York
Pier 66 Maritime, Hudson River Park
26th Street & 12th Avenue
March 3-6
6) The Art Show
Park Avenue Amory
Park Avenue at 67th Street
March 2-6
on Pier 94 continues to be a venue
to premiere new works by living artists. With one admission ticket, visitors to The Armory Show on March
3–6, 2011 will again have access not
only to the newest developments
in the art world, but also to the
masterpieces that inspired them. 0
Gabriel Kuri, Untitled (merci thank you), 2008. Courtesy of Armory 2011.
Moving Frames
of China
5) Scope New York
320 West Street
Across from Pier 40
March 3-6
The Armory Show is one of the
top international art fairs devoted
to the most important artworks of
the 20th and 21st centuries. In its
twelve years, The Armory Show
has become an international institution, combining a selection of
the world’s leading galleries with
an unsurpassed program of art
events and exhibitions at the fair
venue and throughout New York
City. Every March, artists, galleries,
collectors, critics and curators from
all over the world make New York
their destination during Armory
Arts Week.
The Armory Show 2011 will again
present two sections, Contemporary and Modern. The Armory
Show – Modern features a selection of renowned galleries specializing in Modern and secondary
market material on Pier 92, while
The Armory Show – Contemporary
Li and Beijing-based artist Zhu Jia
use video to navigate the complex
and shifting terrain that characterizes contemporary China. Not Only
Time: Zhang Pei-Li and Zhu Jia at
the Gallery at REDCAT is the first
Los Angeles presentation of these
two influential contemporary artists
who pioneered the field of video
art in China.
Though both artists trained in
oil painting at the Central Academy of Fine Arts in Beijing and the
Zhejiang Academy of Fine Arts in
Hangzhou respectively, they have
exclusively worked in video and
photography since the late 1980s/
early 1990s.
8
continues online
Performance in Motion
Biljana Ciric
Seducing Gender’s Interlude
Ana Borralho & João Galante
Architecture Reborn
George Stolz
Ghosts of the Big Screen
Youssef Nabil
Featured Artists
Alexandre Joly, Dersou. 2008. Peau de mouton, bois, carapace de tortue, dents de cheval,
bottes et gants en cuir, moquette, 320 (diam.)
www.artfairsinternational.com / www.nyartsmagazine.com / www.nyartsbeijing.cn / www.artfairsnewspaper.com
Duda Penteado
Kristina Sretkova
Kerry Grøneng
Claire Phipps
Rosae Novichenko
Valentina De’ Mathà
Hwang Ran
And Many More...
1
Kristina Sretkova
Featured
Artist
Kristina Sretkova
Featured Artist
Art Fairs International Newspaper 2010
Featured Artist
Residual Reverberations
Abraham Lubelski
Different frequencies of radio waves have varied characteristics in the
Earth’s atmosphere. Specifically, long waves may cover a part of the Earth
with regularity. In contrast, shorter waves can bounce off the ionosphere
and zip around the world. Often, we take this instantaneous reverberation
for granted. As a sensation it can be measured, yet primarily it is felt. Such
is the case with the vivid, abstract oil paintings of Kristina Sretkova. Suffused with an intense emanating light; they reference poetry, sound, nature, and the history of Abstract Expressionism. Swirling animated brushstrokes of indigo, crimson and white fuse to create dense, otherworldly
realms. Throughout her body of work, an impassioned vision conjures up
elemental sensations of fire, water, fractals, and flowers. Some works have
been lovingly, almost feverishly, smothered in unfurling’s of violets, and
blues. Sretkova remarks “while I paint I focus on my inner world and listen
to the inner voice by taking power, intuition, rhythm, intelligence and inspiration from my soul. I then project my inner light on the canvas. I feel
the colors are like different frequencies they cover areas, which are behind
the real world we see.” The results of her inspiration are bold, romantic
works that do not let up.
Kristina Sretkova is a hot, accomplished young painter whose work
will be on view at Broadway Gallery in New York this February. Residing in
Berlin, her work is slated to exhibit this year in Moscow, Spain, Germany,
Bulgaria and Italy. Spending 8 years of her childhood in the Children’s
Choir of the Bulgarian National Radio has granted her an expansive vocal
range. It is a range that has led to a personal discovery. She relates, “I
understood that singing and painting have got a lot of common! When I
create paintings, my soul is singing and I put the sounds on the canvas. My
art, in that sense, is music on the canvas!” Some carry the fast, bombastic
nature of a Mozart allegro others carry the sweet, melancholy refrain of a
Chopin nocturne. Her latest works lean towards the latter. Their gestalt
is due to the framing of soft, colorful, gestural forms by dark swaths of
viscous paint. This is most easily seen in works like My Heart, (Oil on Canvas, 100x100cm, 2010). Bisecting the canvas at a diagonal, an aorta-like
shape is captured in cerulean blues, bright yellows, rose reds, and deep
black. It is suspended and dangling in the center, surrounded by a smoky,
deep blue-black field. The heart shape is an amorphous amalgamation of
impasto swirls deftly applied and overlapping like flower petals in bloom.
The central form functions as a gateway to Sretkova’s subjectivity. She
disarms us with the wistful, organic paint handling and invites us into an
inner-world of mesmerizing beauty. It is a sorrowfully sweet and seductive internal self-portrait. Her work shares an affinity with the other highly
influential, abstract painters. She is the contemporary bridge between
the sublime, evocative vegetative imagery of Georgia O’Keefe and the
gestural, heroism of Cy Twombly. This work in particular is reminiscent of
Twombly’s Peony Blossom Paintings series. His series exploded the image of the flower and distorted it by using a massive scale. The blossoms
were rendered with expressionist, textured brushstrokes conjuring up associations to planets, hearts, or leaves of grass. The sense of reverence
felt within these closely observed images of nature is powerful. Twombly’s process highlights his fascination with creation and destruction, birth
and decay.
Additionally, Sretkova illustrates Roger Fry’s concept of formalism
that was so crucial to 20th century abstraction. Fry was a member of the
Bloomsbury Group, which played a special role in the genesis of British
psychoanalysis. As a painter and critic, he looked at psychoanalysis to
inform his aesthetic experience. Formalism eschews anthropological or
social considerations and challenges autobiographical readings of artwork. It is a philosophy that examines the plastic qualities of tactile materials, in Sretkova’s case, oil paint. Fry in conjunction with Clive Bell termed
the phrase “significant form.” Modernists were concerned with finding
a form that alluded to ‘truth’ or primal significance. In distinction to this
purely formal reading of art are the philosophies of Edmund Husserl and
Leo Stein. In The Necessary Angel, Wallace Stevens summarized Stein’s
position as having improvised a definition of art. That, when in nature, we
seen the light of its significance and that this significance was itself a form.
In effect he united the formal and the significant. Sretkova merges these
contrasting philosophies to create an art that is wholly aware of its formal
and psychological connotations.
Spending time with her work one realizes how they are intimately connected to nature. Nature is both chaotic and ordered, held together by
14
Kristina Sretkova, The Noble Lady, 2010. Oil on canvas. 100 x 100 cm. Courtesy of the artist.
“Sretkova has aligned herself with a new generation
of artists that signal a return to subjectivity, a return
to sensitivity, and a return to a responsive art.”
way of random organization. Sretkova’s paintings hone these contradictory impulses to create dualities. These
dualities are envisioned in her microcosmic and macrocosmic interpretations of the universe. They are similar to
fractals found in nature. A fractal is a rough or fragmented geometric shape that can be split into parts, each of
which is at least approximately a reduced-size copy of the whole. This amazing property is called self-similarity.
In the natural world vegetative life display self-similar structures over an extended, but finite, scale range. Clouds,
snowflakes, pulmonary vessels, and rivers all possess this quality. It is not surprising that fractal patterns can be
found in Jackson Pollock’s’ mature splatter and drip abstractions. At first glance what appears to be a chaotic
abstraction is actually composed of repeated, ordered fractal patterns. This is because as Sretkova states “I
think, that we don’t only live in the world, because the world is also in us. I believe that the quality of my works is,
that they are alive and radiate positive light, which ends up in an energetic metamorphosis with the viewer. The
intensity of my vibrations creates a third dimension beyond the canvas, a kind of illusion, of something present,
from the world behind (the fine world) which we see.” This holistic, cosmological view is refreshing at a time in
which humanity seems dismissive of metaphysical discourse or utopian visionaries.
In other works such as The Noble Lady, (Oil on canvas, 100x100cm, 2010,) dense, opaque ceruleans, cyans,
and cobalts create a blooming vegetative shape. The paint application is graceful and dreamy as though cut
directly out of a pensive Thomas Gainsborough landscape. Upended brushstrokes rush towards the left hand
corner of the canvas with heartfelt intent. The glimmering, concentrated blues that create the flower-like shape
echo with celestial radiance. The white center of the budding form creates a penetrating void in the middle of the
painting; it is a strong focal point. Is it an orifice…an existential void…or simply the stigma of flower? Whatever
its significance it is the entry point for the viewer. Historically, flat abstractions on a perfect square resist centralization. The eye scans the piece as a continuous whole without any singular resting point. Unlike a horizontally
or vertically dominant shape, it does not make any references to the body or landscape. Here though the white
center acts as a portal to metaphysical inquiry. The lush surface draws us in, disarming preconceived notions of
what it is or claims to be. Such is the nature of melancholy; it acts as a lulling agent seducing us into a romantic,
sorrowful, and occasionally erotic zone. The deep enclosure created by a blue-black haze of oil paint seems to en-
capsulate this vegetative form; it is frozen in time yet constantly resounding in empty space. It is a visual echo. An echo is classically defined as
the repetition of a sound resulting from reflection of the sound waves. In
Greek mythology, echoes originated from a mountain nymph transformed
into a disembodied voice. Supposedly, her babbling distracted Hera from
the infidelities of Zeus, thus the goddess penalized her by depriving her
of independent speech, rendering her able only to repeat the last words
uttered by another. When Narcissus failed to return her love, she faded
away into nothing but a voice. Sretkova’s flower form is a fragment; a
disembodied voice given image and enshrined within a meditative cavity.
Georgia O’Keefe’s paintings are similar in fashion. She remarks that
“I often painted fragments of things because it seemed to make my statement as well as or better than the whole could...I had to create an equivalent for what I felt about what I was looking at...not copy it.” O’Keefe
received widespread recognition for playing a major role in bridging the
linear Precisionism of Charles Demuth with the tenets of Abstract Expressionism. Perhaps most well known for her paintings of flowers, animal
bones, and landscapes; she effectively synthesized abstraction and representation. She handled her subject matter with dexterous skill rendering
forms with crisp contours and subtle tonal variations; they are deeply moving. Yet O’Keefe always holds onto the referential nature of her abstractions. They never entirely lose their specificity and are therefore highly
symbolic. Sretkova in contrast revels in the ambiguities of image making.
Many works suggest vegetative forms only to collapse once again into
complete abstraction. Each work is infused with symbolism yet without a
specific referent; they represent a sign that only points to itself. This is a
remarkably, personal gesture. It is a gesture that steps directly in line with
contemporary abstraction.
In works such as Delicious, (Oil on canvas 100x100cm, 2010) there is
the faintest reference to a landscape. A deep, crimson sky serves as the
backdrop for rosy pink, yellow, and red splotches of color. These impasto
laden ovals cluster together within the right hand corner of the painting.
Flecks of light blue paint stray around the edges of the shapes. This activated corner acts as a precipice for declarative marks. As if seashells
washed ashore, they are emotive residual castaways. These forms seem
to rise like a wave oscillating in the water’s surface. For oscillations to exist and spread, like a vibrating guitar string, there must be a cyclical force
that brings equilibrium. The tensions in a guitar string and air pressure in
the atmosphere are such forces. Without this tension, the guitar string
cannot produce tones. In a wave, the oscillations that are passed to the air
travel in widening spheres outward. In the air their returning force is the
compression of the air molecules. In surface waves, the returning force is
gravity, the pull of the Earth. This painting pulls and pushes on the viewer
both visually and physically. Our eye rises with the tide of oval forms to the
peak. We remain transfixed there as we wait for the impending crash. It
never comes. The suspense creates a pressure felt deep within the body.
From a phenomenological standpoint, the body is the locus of physical
sensations experienced, the eye merely gazes. Together these function
to create the haptic sense. In its entirety, this work creates an impressive
mind-body duality.
Kristina Sretkova’s cropped abstractions fathom partial views of lush,
opaque natural forms. Operating between the symbolic and the expressive, her work is metaphysical yet entirely grounded in perception. Her
refulgent, thick application of paint generates voids and crests, which
transfer us to a higher plane of awareness. Here is an artist palette, refined. She relates that her work comes out of “jumping fantasies, hot adventures, passionate erotic interludes, a story from the future, a balance,
a healthy excitement, a devotion or just the feeling that life is joyful…everything around us is full of vitality. I try to deliver to the viewer joy, hope
and the ability to love, a push to think about and just to feel.” For decades
critics and curators have denigrated the value of the Abstract Expressionist impulse. Some 50 years ago since its heyday, many now categorize it
as either pompous or overly emotional. As a result, much painting of the
past 40 years has felt withdrawn, distant, and dispassionate. This mainstream trend has now run its course. Sretkova has aligned herself with a
new generation of artists that signal a return to subjectivity, a return to
sensitivity, and a return to a responsive art. 
Kristina Sretkova, My Heart, 2010. Oil on Canvas. 100 x 100 cm. Courtesy of the artist.
Kristina Sretkova, Delicious, 2010. Oil on canvas.100 x 100 cm. Courtesy of the artist.
www.artfairsinternational.com / www.nyartsmagazine.com / www.nyartsbeijing.cn / www.artfairsnewspaper.com
15
NY ARTS MAGAZINE, Frühlingsausgabe 2011
Sonderartikel
NACHHALLENDE REFLEXIONEN: Neue Bilder von Kristina Sretkova
Abraham Lubelski
“Sretkova gehört zu einer neuen Malergeneration, die ein Zeichen für die
Rückkehr zur Subjektivität, zur Sensibilität und eine Rückkehr zu
einer gefühlvollen Kunst setzen”.
Die unterschiedlichen Frequenzen der Radiowellen haben verschiedene Eigenschaften in
der Erdatmosphäre. Besonders lange Wellen können einen Teil der Erde regelmäßig
abdecken. Im Gegensatz dazu können die Kurzwellen in der Ionosphäre reflektieren und
sich auf weite Entfernungen in der Welt verteilen. Oft halten wir diese momentane
Reflexion als Gegebenheit. Als Empfindung kann sie gemessen werden, jedoch fühlt man
sie vor allem. Das ist auch der Fall mit den lebendigen, abstrakten Ölbildern von Kristina
Sretkova. Durchtränkt mit einem intensiv ausstrahlenden Licht beziehen sie sich auf die
Poesie, die Klänge, die Natur und die Geschichte des Abstrakten Expressionissmus. Die
animiert aufgetragenen Pinselstriche in lebendigen Farben von Indigo, Karmin und Weiß
vermischen sich um reichliche, außerirdische Welten zu schaffen. Ihre gesamten Werke
enthalten eine leidenschaftliche Vision, die eine fieberhafte Visualisierung von Feuer,
Wasser, Fraktale und Blumen hervorruft. Einige Bilder sind leidenschaftlich und fast
fieberhaft von breiten violetten und blauen Schichten umschlossen. Sretkova bemerkt:
“Während ich male, fokussiere ich mich auf meine innere Welt und höre auf meine
innere Stimme, indem ich Energie, Intuition, Rhythmus, Intelligenz und Inspiration aus
meiner Seele schöpfe. Danach projeziere ich mein inneres Licht auf die Leinwand. Ich
fühle, dass die Farben unterschiedliche Frequenzen darstellen: sie umfassen Gebiete, die
außerhalb der realen, sichtbaren Welt sind”. Die Ergebnisse ihrer Inspiration sind mutige,
romantische Werke, deren Wirkung nicht nachlässt.
Kristina Sretkova ist eine anmutige, vollendete junge Malerin, deren Werke im Februar
dieses Jahres in der BROADWAY GALLERY, New York City zu sehen waren. Sie
wohnt in Berlin und wird 2011 noch in Moskau, Madrid, Bulgarien, Deutschland und
Italien ihre Kunst zeigen. Die acht Jahre, die sie im Kinderchor des Bulgarischen
Nationalen Rundfunks verbrachte, gewährten ihr eine expansive Klangpalette. Diese
Erfahrung führte sie zu einer persönlichen Entdeckung. Sie erzählt: “Ich verstand, dass
Singen und Malen eine Menge Gemeinsames haben. Wenn ich Bilder kreiere, singt
meine Seele und ich verpflanze die Töne auf die Leinwand. In diesem Sinne ist meine
Kunst Musik auf der Leinwand!”. Einige Werke haben den stürmischen, bombastischen
Charakter eines Allegros von Mozart, andere stellen das mäßige, melancholische Refrain
eines Nocturnos von Chopin. Ihre neuesten Werke neigen mehr zum Zweiten. Ihre
Gestalt entsteht durch die Kreation von weichen, farbigen, nichtverbalen Formen, gemalt
mit dunklen viskosefarbenen Streifen. Das betrachtet man am besten in Werken wie “My
Heart” (Öl auf Leinwand, 100 x 100cm, 2010). Die Leinwand wird diagonal, in Form
einer Aorte halbiert, indem himmelblaue, glanzgelbe, dunkelrote und tiefeschwarze
Farben aufgetragen werden. Die Herzform ist eine amorphe Verschmelzung von
geschickt aufgetragenen, dicht gebogene Schichten, die sich wie Blätter in voller Blüte
überlappen. Die zentrale Form spielt die Rolle eines Portals zu Sretkovas Subjektivität.
Sie entwaffnet uns mit dem wehmütigen Auftragen der organischen Farben und lädt uns
in eine innere Welt von faszinierender Schönheit ein. Das ist ein traurig liebes, nett
anziehendes, inneres Selbsbildnis. Ihr Werk hat Verwandschaft mit den anderen, sehr
einflussreichen, abstrakten Malern. Sie ist die zeitgenössische Brücke zwischen der
erhabenen, stimmungsvollen pflanzlichen Bildsprache von Georgia O’Keefe und dem
nonverbalen Heldentum von Cy Twombly. Insbesondere dieses Werk erinnert an
Twomblys Gemälde-Serien von “Pfingstrosen Blossom”. In dieser Serie zeigte er das
Blumenbild fraktal und verzerrte es mit einem massiven Masstab. Die Blüten wurden mit
expressionistischen Pinselstrichen strukturiert um heraufbeschwoerenen Assoziationen
von Planeten, Herzen oder Grasblättern wieder zu geben. Bei genauer Betrachtung dieser
Naturbilder ist das Gefühl der Ehrfurcht mächtig. Twomblys Kunst setzt ein Akzent auf
seine Faszination von Schöpfung und Zerstörung, von Geburt und Tod.
Darüber hinaus illustriert Sretkova das Konzept von Roger Fry, das entscheidend wichtig
für die Abstraktionissten des 20. Jahrhunderts war. Fry war Mitglied in der Bloomsbury
Group, die eine besondere Rolle bei der Entstehung der britischen Psychoanalyse spielte.
Als Maler und Kritiker sah er in der Psychoanalyse Inspiration für seine ästetische
Einsicht. Der Formalismus meidet anthropologische oder soziale Aspekte und fordert das
autobiographische Leseverstehen der Kunstwerke. Es ist eine Philosophie, die die
plastischen Qualitäten der taktilen Materialien untersucht, die bei Sretkova die Ölfarbe
ist. Fry, zusammen mit Clive Bell, führt den Begriff “ signifikante Form” ein. Als
Modernisten suchten sie eine Form, die die “Wahrheit” oder die Ur-Bedeutung darstellen.
Im Unterschied zu dieser rein formalen Kunstdeutung sind die Philosophien von Edmund
Husserl und Leo Stein völlig anders. Walles Stivens hat in “Der erforderliche Engel” den
Standpunkt von Stein als improvisierte Definition von Kunst zusammengefasst und zwar,
wenn wir in der Natur das Licht und deren Bedeutung sehen und dass diese Bedeutung
eine Form an sich ist. Er hat eigentlich das Formale und das Bedeutende vereint. Sretkova
vereint diese gegensätzliche Philosophien zu einer Kunst, die vollkommen ihrer formalen
und psychologischen Konnotationen bewusst ist.
Verbringt man eine gewisse Zeit mit ihren Werken, bemerkt man wie eng und intim ihre
Verbindung zur Natur ist. Die Natur ist gleichzeitig chaotisch und geordnet und beruht
auf eine provisorische Organisiertheit. Sretkovas Gemälde glätten diese widersprüchliche
Impulse um Dualitaeten zu schaffen. Diese Dualitäten werden in ihren mikrokosmischen
und makrokosmischen Interpretationen des Universums dargestellt. Sie sind ähnlich mit
den in der Natur vorhandenen Fraktalen. Ein Fraktal ist eine rauhe oder fragmentierte
geometrische Form, die man in Teile spalten kann, und jedes Teil ist eine verkleinerte
ungefähre Kopie des Gesamten. Diese erstaunliche Eigenschaft nennt man SelbstÄhnlichkeit. In der Natur zeigt die Pflanzenwelt solche selbstähnliche Strukturen in einer
längeren aber endlichen Skala. Wolken, Schneeflocken, Lungengefäße und Flüsse, alle
besitzen diese Qualität. Es ist kein Wunder, dass fraktale Muster in den Abstraktionen der
reifen Periode von Jackson Pollock entdeckt werden können. Was auf dem ersten Blick
wie eine chaotische Abstraktion aussieht, besteht in Wirklichkeit aus geordneten,
fraktalen Modellen. Vielleicht liegt es daran, wie Sretkova sagt: “ Ich denke, dass wir
nicht nur in dieser Welt leben, die Welt ist auch in uns. Ich glaube, dass sich die Qualität
meiner Werke damit harakterisiert, dass sie lebendig sind und positives Licht ausstrahlen,
das zu einer energetischen Metamorphose mit dem Beobachter führt. Die Intensität
meiner Schwingungen schafft eine dritte Dimension jenseits der Leinwand, eine Art von
Illusion, die aus der Welt kommt, die wir nicht sehen, aus der feinstofflichen Welt.”
Diese ganzheitliche, kosmologische Sicht wirkt erfrischend und zwar in einer Zeit, in der
die Menschheit den metaphysischen Diskurs oder die utopischen Visionen abzuweisen
scheint.
In anderen Werken, wie z.B. “The Noble Lady” (Öl auf Leinwand, 100 x 100 cm, 2010)
schaffen dichte, undurchsichtige, matte himmels-, cyan- und kobaltblaue Farben eine
blühende vegetative Form. Der Farbauftrag ist anmutig und verträumt, als ob er direkt
aus einer nachdenklichen Landschaft von Thomas Gainsboroughs geschnitten ist.
Strürmisch und gefühlvoll sind die Pinselstriche zur oberen linken Ecke der Leinwand
gerichtet. Die schimmernden, konzentrierten blauen Nuancen stellen eine Blumengestalt
dar, ein Echo mit kosmischem Glanz. Die weiße Mitte der aufblühenden Form schafft im
Zentrum des Bildes eine durchdringende Leere und wirkt wie ein außergewöhnlich
einflussreicher Fokus. Ist es eine Öffnung oder eine existenzielle Leere ... oder einfach
das Stigma der Blume? Unabhängig von ihrer Bedeutung ist das das erste, dass der
Beobachter sieht. Historisch gesehen widerstehen flache Abstraktionen, auf einem
perfekten Quadrat, der Zentralisierung. Das Auge tastet das Werk als ein
zusammenhägendes Ganzes ab, ohne jeglichen Ruhepunkt. Im Gegesantz zu den
horizontal oder vertikal dominanten Formen macht es keine Verbindung zum Körper
oder zur Landschaft. Hier jedoch fungiert das weiße Zentrum als ein Portal zur
metaphysischen Suche. Die üppige Oberfläche überwältigt uns und entwaffnet im voraus
die vorgefassten Meinungen darüber, was es ist, oder vorgibt zu sein. Das ist die Natur
der Melancholie – sie wirkt wie eine Beruhigung, die uns in eine romantische, traurige,
manchmal erotische Welt verführt. Das tiefe Gehäuse, das von einem blau-schwarzen
Schleier der Ölfarben geschaffen ist, scheint diese vegetative Form zu verkapseln. Es ist
in der Zeit erstarrt und hört trotzdem nicht auf sich in dem leeren Raum zu bewegen. Das
ist ein visiulles Echo. Der klassische Begriff für Echo wird als Wiederholung eines
Klangs aus der Reflexion der Schallwellen definiert. Laut griechischer Mythologie
entstand das Echo von einer Bergnymphe, die in einer körperlosen Stimme verwandelt
wurde. Angeblich hat ihr Gerede Hera von der Untreue Zeus’ abgelenkt und deshalb hat
sie die Göttin durch den Entzug ihrer unabhängigen Eigenschaft zu Reden bestraft, um
nur in der Lage zu sein, die letzten Worte anderer wiederholen zu können. Als Narzis
ihrer Liebe nicht entgegenkam, verschwand sie ins Nichts und wurde nur in einer Stimme
verwandelt. Die Blume von Sretkova ist ein Fragment, eine körperlose Stimme, der
Gestalt gegeben wurde und die in einem meditativen Hohlraum verankert ist.
Die Bilder von Georgia O’Keefe tragen denselben Geist. Sie bemerkt: “ich habe oft
Fragmente von Dingen gemalt, weil mir meine Aussage so besser erschien, als wenn ich
das Ganze malen würde… . Ich musste ein Äquivalent für das, was ich fühlte erstellen …
nicht einfach kopieren.” O’Keefe erhielt breite Anerkennung für ihre wichtige Rolle in
der Errichtung einer Brücke zwischen dem linearen Precisionismus von Charles Demuth
und den Grundsätzen des Abstrakten Expressionismus. Vielleicht am bekanntesten mit
ihren Bildern von Blumen, Tierknochen und Landschaften synthesiert sie sehr
wirkunsvoll die Abstraktion und die Representation. Sie behandelte geschickt ihren
Gegenstand und interpretierte Formen mit klaren Konturen und feinen klanglichen
Veränderungen; ihre Bilder sind tief ergreifend. Trotzdem hält sich O’Keefe immer an
den refferenziellen Charakter ihrer Abstraktionen. Sie verlieren nie ganz ihre Spezifik
und sind daher stark symbolisch. Im Gegensatz dazu, schwelgt Sretkova in der
Mehrdeutigkeit beim Malen des Bildes. Viele ihrer Bilder deuten auf vegetative Formen
hin, um nochmals in vollkommenen Abstraktionen zusammen zu brechen. Jedes Werk ist
mit Symbolik geladen, jedoch ohne einen bestimmten Referenten; sie präsentieren ein
Zeichen, das nur auf sich selbst gerichtet ist. Das ist eine bemerkenswerte persönliche
Geste. Es ist eine Geste, die im direkten Einklang mit der zeitgenössischen Abstraktion
ist.
In Werken wie “Delicious” (Öl auf Leinwand, 100 x 100 cm, 2010) gibt es nur den ganz
leisen Hinweis auf eine Landschaft. Der tiefe, karminrote Himmel dient als Kulisse für
rosa, gelbe und rote Farbflecken. Diese großartig beladenen, ovalen Formen sind in der
rechten Ecke der Leinwand zusammengeballt. Hellblaue Lichtfleckchen weichen zu den
Ränden der Formen. Diese aktivierte rechte Ecke wirkt wie ein Abgrund für deklarative
Zeichen. Ähnlich abgeschwemmter Muscheln erscheinen sie wie traurige Reste von
Schiffsbrüchigen. Diese Formen scheinen wie eine Welle hochzukommen, viebrierend
auf der Wasseroberflaeche verteilt. Damit diese Schwingungen existieren, ähnlich wie
eine vibrierende Gitarrensaite, braucht man eine zyklische Kraft, die zum Gleichgewicht
führt. Die Spannungen in einer Gitarrensaite und der Luftdruck in der Atmosphäre sind
solche Kräfte. Ohne diese Spannung kann die Gitarrensaite keine Töne erzeugen. In einer
Welle werden Luftschwingungen in breiten Sphären nach außen geleitet. In der Luft ist
ihre Zentripetalkraft die Kompression der Luftmoleküle. In den Oberflächenwellen ist
diese Zentripetalkraft die Anziehungskraft der Erde. Dieses Gemälde zieht den Betrachter
an und drägt ihn zurück, sowohl visuell als auch körperlich. Unser Blick steigt zum
Gipfel mit der Flut der ovalen Formen. Wir verharren dort gebannt in der Erwarung des
bevorstehenden Crashes. Aber es kommt nicht dazu. Die angespannte Erwartung ruft tief
im Körper Spannung hervor. Vom phänomenologischen Standpunkt her ist der Körper
ein Ort der physischen Empfindungen und die Augen sind einfach starrer Beobachter. Sie
schaffen gemeinsam ein Berührungsgefühl. In seiner Ganzheit stellt dieses Werk eine
beeindruckende Körper-Geist-Dualität dar.
Die abgeschnittenen Abstraktionen von Kristina Sretkova enthüllen fragmentarische
Blicke auf reichliche, undurchsichtige Naturformen. Ihre Werke befinden sich etwa
zwischen dem Symbolischen und dem Expressiven, metaphysisch aber gleichzeitig ganz
in der Wahrnehmung geerdet. Ihre strahlenden, dicken Farbaufträge erzeugen Höhen und
Tiefen, die uns auf eine erhabene Ebene des Bewusstseins bringen. Das ist eine Malerin,
die über eine verfeinerte, reiche Künstlerpalette verfügt. Sie erzählt, ihre Werke entstehen
aus “singenden Phantasien, heißen Abenteurn, leidenschaftlichen erotischen
Zwischenspielen, einer Geschichte aus der Zukunft, einer Balance, einer Andacht oder
einfach aus dem Gefühl, dass das Leben eine Freude ist …und alles um uns herum ist
voller Vitalität. Ich versuche dem Betrachter Freude, Hoffnung und die Fähigkeit zum
Lieben zu übermitteln, ihn aufzufordern zu denken oder einfach zu fühlen”. Seit
Jahrzehnten haben Kritiker und Kuratoren die Impulse des Abstrakten Expressionissmus
verunglimpft. Heute, fast 50 Jahre nach der Blütezeit des Abstarkten Expressionismus’,
kategorisieren ihn viele entweder als pompös oder übertrieben emotional. Als Ergebnis
wurden viele Bilder der letzten 40 Jahre als zurückgezogen, fern und leidenschaftslos
empfunden. Dieser Trend ist heute ausgeschöpft. Sretkova gehört zu einer neuen
Malergeneration, die das Zeichen für die Rückkehr zur Subjektivität, zur Sensibilität und
eine Rückkehr zu einer gefühlvollen Kunst setzen.