Untitled - eternaltour.org

Transcrição

workshop
urban intervention
performance
choreography
scenography
painting
photography
video
lecture
music
dance
new media
relational art
contextual art
publishing
The Program
Festival
28th of August
–
6th of September
Exhibition until the 29th of September
Monday to Friday from 10 a.m. to 9:30 p.m.
Saturday from 10 a.m. to 6:30 p.m.
SESC Consolação
R. Dr. Vila Nova, 245
Vila Buarque
São Paulo
Eternal Tour: of our infinite ability to travel
by Danilo Santos de Miranda Introduction Eternal Tour
by Donatella Bernardi Introduction Cosmopaulo
by Donatella Bernardi “Eternal Tour stories 2008–2012” exhibition
by Donatella Bernardi A Tribute to Lina Bo Bardi for a never-before-seen scenography
by Donatella Bernardi Eternal Tour: some concluding visions
by Pablo Leon de la Barra Blog
by Daniela Capelato and Boris Meister Two events in parallel to Eternal Tour
Walking along the Moebius strip with Lygia,
some indigenous people and a few Frenchmen
by Suely Rolnik Zumbi and Princess Isabel: an inverted mirror
for rethinking contemporary Brazil
by Denise Ferreira da Silva Art and territory
by Simon Lamunière Post-product: things after-life
by Gabriele Oropallo Grand Tour
by Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie Tripartite reunited
by Roberto Shwafaty Mandacarus
by Pazé Bioperversity
by Stéphane Malysse We are all happy
by Beat Lippert agorafobi/agorafobia/agoraphobia
by Anna Kindgren and Carina Gunnars Haiti and Brazil: same roots
by Anne-Laure Kénol in collaboration with Ted Beaubrun and Valérie Girault Poetic surgery
by Dominique Fleury and Ana Teixeira Urban walks: why is São Paulo beautiful?
by Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel and David Zumstein Anxious dreams in a single eye
by Cris Faria Percatempo – mobile community base
by Yusuf Etiman Camenzind goes to… São Paulo and the bureau for knowledge tourism
by William Davis Far away & Make me beautiful
by Boutheyna Bouslama Our last sonata
by Donatella Bernardi and Rudy Decelière Hot cat hot city
by Fabiana de Barros and Michel Favre Tribute to Meret Oppenheim
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by Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane Maria Guimarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo, Enrico Natale
and eight performers
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LapTopRadio – Don’t wait for things to happen
by Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid and Seda Yildiz
Pre-festival
from August 6th to 11th
Bikini production
for Meret Oppenheim’s tribute
with Sandra Belucci, Eliane Maria Guimarães, the fashion designer
Silvia Lucchi, and artists Donatella Bernardi and Fabiana de Barros
Developments and the stages in performing arts, fashion design,
painting, crocheting and notions about the work of one of the most
important Surrealist artists, Meret Oppenheim (1913–1985).
Opening
August 28th
at 8.p.m.
Tribute to Meret Oppenheim
by Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane
Maria Gumarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo, Enrico Natale
and eight performers
A tribute to Lina Bo Bardi
Camenzind goes to…
São Paulo
and the bureau for knowledge tourism
by William Davis
August 30th
at 2 p.m.
Artists’ presence at the event’s opening
Tripartite reunited
at 3 p.m.
Far away & Make me beautiful
by Boutheyna Bouslama
by Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud
Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid and Seda Yildiz
Percatempo – mobile community base
by Yusuf Etiman
by Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel
and David Zumstein
Guests: José Bueno, Luiz de Campos Jr, Iniciativa Rios & Ruas,
Instituto Harmonia – Sustentabilidade
at 4 p.m.
Poetic surgery
by Dominique Fleury and Ana Teixeira
at 6 p.m.*
agorafobi/agorafobia/agoraphobia
Zumbi and Princess Isabel:
an inverted mirror
at 8 p.m.
september 4th
Urban walks:
why is São Paulo beautiful?
Bioperversity
by Stéphane Malysse
August 31st
by Beat Lippert
Guest: Morena Nascimento
september 5th
at 4 p.m.
Art and territory
Talk by Simon Lamunière
september 6th
from 10 a.m. to 9:30 p.m.
Poetic surgery
Anxious dreams in a single eye
at 6 p.m.*
Discussion and reflection
on the urban walks
by Cris Faria
at 7 p.m.
August 29th
Mandacarus
by Pazé
from 2 p.m. to 4 p.m.
LapTopRadio –
Don’t wait for things to happen
by Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud
Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid and Seda Yildiz
Eternal Tour 2012 SESC Consolação Opening
by Daniela Capelato and Boris Meister
Routes: Estação Luz – Estação Santana
Poetic surgery
by William Davis
Guests: Juliana Gatti and Yusuf Etiman
Routes: SESC Consolação – Parque do Ibirapuera
and David Zumstein
São Paulo
and the bureau for knowledge tourism
www.eternaltour.org
by Daniela Capelato and Boris Meister
and David Zumstein
Itinerante, nos arredores da unidade
We are all happy
and David Zumstein
Urban walks:
at 6 p.m.
Urban walks:
Conference by Denise Ferreira da Silva
at 2 p.m.
www.eternaltour.org
at 9 a.m.
by Yusuf Etiman
at 7 p.m.
Presentation of the publication by Anna Kindgren and Carina
Gunnars, in collaboration with Ivaneti de Araújo, Sheila Souza,
Andre Kobashi, Eduardo Costa and Renato Cymbalista.
by Beat Lippert
Launching of the blog
Routes: Estação Santana – Estação Tucuruvi
We are all happy
DAILY ACTIVITIES
Urban walks:
by Roberto Shwafaty
at 9 a.m.
LapTopRadio –
Don’t wait for things to happen
september 3rd
at 9 a.m.
Blog
Grand Tour
by Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie
Exhibition
until september 29th
Following artists’ and thinkers’ actions,
a recording will be integrated in the exposition until 09/29.
PLACE:
Sala Moebius
(ESPAÇO CONVIVÊNCIA)
Talk by Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel
and David Zumstein
at 8 p.m.*
às 20h*
Post-product: things after-life
Eternal Tour:
some concluding visions
Talk by Pablo Leon de la Barra
Talk by Gabriele Oropallo
september 1st
Guests: Letícia Ramos and Guilherme Wisnik
Routes: Estação Sacomã – Estação Luz
at 7 p.m.
Poetic surgery
Hot cat hot city
by Fabiana de Barros and Michel Favre
at 3 p.m.
Haiti and Brazil: same roots
Concert by Anne-Laure Kénol in collaboration with Ted Beaubrun
and Valérie Girault
Our last sonata
at 20h*
by Donatella Bernardi and Rudy Decelière
at 4 p.m.*
Walking along the Moebius strip
with Lygia, some indigenous
people and a few Frenchmen
Ideas looking for conversation by Suely Rolnik
* Limited seating.
Ticket withdrawal one hour in advanceone hour in advance
at the site. (During the lectures and the concert, the exhibition
at Sala Moebius will remain closed to visitors.)
It is true that the appreciation of arts and cultural initiatives is at the heart of our purposes. They add colors to
our sometimes ordinary journey, rearranging and giving
new meanings to our experiences. However, they are not
records of our values or symbolic creations that inhabit
only the imaginary. Rather, since we want to remember that besides these aspects – often connected to the
individual subjectivities of freedom that color these initiatives, there lies a nature of collective understanding
capable of drawing and conceiving realities.
We can affirmatively state that that these manifestations are transformed into messages, and appear as a
strong cognitive link among people, times and spaces.
This magical property of the record – whether material or
immaterial – is what gives this property to “travel” through
a broad spectrum of the arts and cultural initiatives.
In the process of traveling, we become curious or
skittish, we try to get closer and admire things, or turn
away and object; in short, it is a triggering encounter
where we can feel identity or estrangement.
In order to provide one of these triggering encounters, the SESC welcomes the sixth edition of the
nomadic festival Eternal Tour, whose transdisciplinary
creations are inspired by the cosmopolitanism of the
21st century. At the São Paulo edition, topics like nature,
anthropophagy, modernism, slavery, racism and beauty
will be shared through experiences of practice and
reflection. Being part of this and many other trips into
the area that results in the best construction of metaphors about human and social tensions is to provide
paths and bridges, subtly drawing crisscrossing desires
and worldviews.
Eternal Tour
5
From hospitality to creolization
For an initiatory tourism
How can one inhabit the world? How can one
travel and experience hospitality: to be welcomed
and know how to welcome others? According to
Jacques Derrida, hospitality should be infinite, even
if unconditional hospitality is impossible. Aporia,
paradox and imbalance characterize hospitality, and
by extension, the Eternal Tour project. What is the
status of the host, the tourist or the migrant at the
geopolitical scale on one hand, and at the scale of
thought, know-how and specialized fields, on the
other? How is one to act, and why, in the context of
contemporaneity?
If universalism and other Western mechanisms
are strongly discredited, what should be preserved
of this heritage for building a future that is already
present? Experimentation of content and form is put
into place, accompanied by a perpetual creolization
motion, free from the trap of the definition of being
or of origins. Though one can anticipate the results
of miscegenation by synthesis, one cannot guess
what creolization will produce – it can be addressed
only through the imagination (Édouard Glissant) in
an adventurous, speculative move, and is therefore
tinted by a fondness for risk taking.
By admitting what generally founds the criticism of
tourism, that is, the brevity of sojourns, their relative
superficiality, or the gaze that is always “foreign”
to the place, Eternal Tour bets on the strength and
concrete dimension of the initiatory tour. Becoming then a true tool for networked research and
practice, tourism is emptied of its globalized and
contemporary mercantile content to rediscover its
dimension of interpersonal transmission. In fact,
if one refers to the Grand Tour’s principal characteristics, one can note the interest given to networks of sociability present in tour organization in
which familial, cultural and professional circles are
asked to contribute. In a certain light, this investigative method can also seem an anthropological or
sociological endeavor. Eternal Tour thus promotes
knowledge of the world based on interaction and
exchanges by turning to its indigenous peers. It bets
on a personalized, intimate and oral transmission of
knowledge: artists, academics, institutional leaders,
curators, architects, activists, educators or teachers are actively sought out. The meetings line up,
overlap and sometimes contradict one another – the
accumulated ideas are juxtaposed and sharpened.
More than things given: things obtained
A performative program
Founded in 2007 in Geneva by a dozen artists and
scholars, Eternal Tour has produced a new crossdisciplinary festival each year since. The project
unites and regularly renews a network of people
who only deal in symbolic values: knowledge,
imagery and sound. Its different editions – Rome
2008, Neuchâtel 2009, Jerusalem/Ramallah 2010,
from New York to Las Vegas 2011, Geneva and São
Paulo in 2012 – are opportunities to be exposed to
otherness in a game inspired by the Grand Tour.
Travels of northern European elites going south during the 17th to 19th centuries engender and led to
a homogenizing neoclassic culture. By ricocheting
off this strategy of movement and its consequences
for identity, Eternal Tour has given tourism a political
content through an intense appropriation of physical and immaterial territories. The stakes are high:
they reveal in an obvious way that nothing is given,
only obtained (Pascal Amphoux).
The result is a program where Genevan, Swiss and
international artists and scientists collaborate intensively for a given time, in a structure that favors
workshops, conferences and discussions around
proposals in multiple formats. The festival is also
relayed on the Internet and in publications, peculiar
in both their editorial form and their contributors.
Over the years, the complexity and irreducible
character of certain human phenomena, or the danger of cultural relativism, have become more and
more evident. Instead of a tabula rasa, Eternal Tour
is written on a palimpsest; better than a mineral or
architectonic sedimentation, the desire for acclimation is ceaselessly renewed, dreamt and performed,
tributary to the epiphany of the present moment.
Danilo Santos de Miranda
Director of the regional department
Introduction
Eternal Tour 2012 São Paulo
Introduction
Eternal Tour: of our infinite ability to travel
4
The city of São Paulo presents itself as the ideal
place to host an itinerant artistic and scientific project that questions movement – both literally and figuratively, tourism, and the migration of bodies and
ideas. In many respects, Latin America’s largest city
could even represent the archetype of multiculturalism explored by and dear to Eternal Tour. In fact,
having been one of the figureheads of the triangular
trade, then by becoming, in turn, an important pole
for European, Japanese and Lebanese immigration
during the 19th and 20th centuries, and an Eldorado for millions of Nordeste (Northeastern) Brazilians, São Paulo saw its immigration practically erase
the border between identity and otherness. Still
along these lines, Paulistano cosmopolitanism finds
itself incarnated in the ambient syncretism, which,
beyond occupying the religious sphere, impregnates and characterizes the events, habits and
social codes as a whole. Far from being restricted
to a unilaterally positive interpretation of cosmopolitanism, Eternal Tour proposes to explore the most
diverse events while examining the breaking points.
Gilberto Freyre, in the first chapter of Casa-grande e
senzala, where he examines the “hybridization” of
Brazilian society, highlights the negative aspects of
this process when he quotes the following proverb,
which characterizes the role of women according
to their color: “White woman for marriage, mulatto
woman for f–, Negro woman for work.” 1
“Eternal Tour stories 2008–2012” exhibition
Casting rules
The invited artists and thinkers were chosen according to their curiosity and potential interest in joining a resolutely experimental project, since the end
result of the operation cannot be foreseen. Starting from this postulate, the 2012 São Paulo Eternal Tourists were therefore strongly encouraged to
take risks with regards to their usual praxis and to
participate in the totality of the festival. It thus has
the status of a global workshop that addresses both
participants and public. It voluntarily provokes the
reception of artworks and would like to implicate
an audience whose boundaries between professionals and amateurs, specialists and generalists,
practitioners and theoreticians, are endlessly crisscrossed, without any complex or expectation other
than dynamics and speech.
From August 28 to September 6, the large entry hall
of the SESC Consolação, re-baptized Sala Moebius
for the event, welcomes the festival’s various activities and is the general rallying point for festivalgoers. Once the festival is over, until September 29,
at the same hall, it proposes a public exhibition
where the Eternal Tour São Paulo 2012 installations
shall be presented along with a selection of pictures,
sounds, films and videos from past editions assembled especially for the occasion. This is to give the
spectator a taste of the festival, and to translate the
sensations of a project where what is essential is
lived experience, that is, immaterial and ephemeral
7
souvenirs that tend to disappear. Without directly
or vindictively claiming to, Eternal Tour produces
experiments and laboratories that welcome and
frame them, in parallel to the existing system of art,
its objects, their market, and their conservation by
individuals and institutions. Eternal Tour thus aims,
first and foremost, to displace humans, their affects,
their energy and their desire to do things. This strategy is obviously not exclusive, but chooses primarily
to investigate the process, its potential and its educational value, just as much for the artist and intellectual as for the spectator or reader.
Donatella Bernardi
Curator Eternal Tour 2012 São Paulo
Introduction
Landscape, slavery, cannibalism and beauty
Following a methodology adopted for its previous
editions, Eternal Tour sent out an invitation along
four axes, constructed from collective fields of
interest but also adapted to fit the festival’s location, São Paulo for this edition, and the Brazilian
context. To put it roughly: 1) the tropical and urban
landscape, fauna and flora, wild and domesticated;
2) slavery and the pro-slavery doctrine; 3) cannibalism, whether treated historically (Hans Staden),
modernly (Oswald de Andrade) or addressed today
philosophically in the context of advanced capitalism (Suely Rolnik); 4) a complex relationship with
beauty and the body, a vehicle for societal values
and codes. Far from being themes to be illustrated,
these four propositions are to be conceived of as
pathways that each contributor is free to modify,
develop and even refute.
Chapelle palimpseste, with Omar Ba, Josse Bailly, Crystel Ceresa, Hadrien Dussoix, Thierry Feuz, Tami Ichino,
Emma Perrochon, Frédéric Sanchez, Aymeric Tarrade and Eric Winarto.
Wall painting, mixed media.
Cosmotopia, curated by Donatella Bernardi, Eternal Tour Geneva 2012.
Photo: Vlado Alonso.
1
Proverb recorded by H. Hendelmann in his História do
Brasil, 1931; quoted by Gilberto Freyre, Masters and Slaves, 1933.
Mentioned in the first chapter “General characteristics of Portuguese colonization of Brazil: forming an agrarian, slaveholding
and multiracial society.”
Introduction
Cosmopaulo
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A Tribute to Lina Bo Bardi
for a never-before-seen scenography
São Paulo (1957/1968) – bears witness to her process of esthetic simplification, after a long stay in
Brazil’s Northeast. With regards to the scenography developed to present works from MASP’s collection, namely, a series of glass panels supported
by concrete cubes, she writes: “The didactic glass
panels in which the paintings are displayed do not
please those that are accustomed to the comfort
of overstuffed furniture and remote controls, as to
read the technical data, names of the authors and
titles of the works presented, it is necessary to look
behind the panels.”1 This glass structure, which
asserts itself by its radicalness while disappearing to
the benefit of the art displayed there, is the starting
point proposed to architect Alvaro Razuk to develop
the never-before-seen scenography of the Sala
Moebius. It is a series of transparent walls which
serve both as separations between workspaces and
as panels for hanging up artworks. The reference to
Bo Bardi’s work is also very freely re-appropriated
at the material and format levels, put to the service
of the project’s specific needs and the construction
materials available in 2012.
9
The Mexican curator Pablo Leon de la Barra has been invited to attend the
Eternal Tour festival in its entirety with the view of drawing up the final
assessment. In fact, 2012 São Paulo will be the last edition of the festival.
What is one to think of this adventure? What forms of art and knowledge does
it develop?
Pablo Leon de la Barra is an independent curator, researcher,
writer and editor. A doctor in history and the theory of art and
architecture from the Architectural Association in London, he has
planned and overseen numerous exhibitions and projects, notably
in Latin America. This Is Not America in San Juan, Puerto Rico
(2009); Incidents of Travel in Central America, Chiapas, Yucatan
and Elsewhere at the CCE in Guatemala (2010); To Know Him Is
To Love Him, Cerith Wyn Evans at Casa Barragan, Mexico City
(2010); Incidents of Mirror Travel (2011) at the Museo Tamayo,
Mexico City; and Bananas is my Business: The South American
Way at the Museum Carmen Miranda, Rio de Janeiro. He has
written for many publications and magazines, among them: FrogParis, Spike-Austria, PinUp-New York, Wallpaper-London and
Celeste-Mexico. He is also the editor of the blog The Centre for
the Aesthetic Revolution.
Introduction
1
Lina Bo Bardi, Edizioni Charta, Milano, Instituto Lina Bo e
P. M. Bardi, São Paulo, 1994, p. 100.
Rainbow by Radames ‘Juni’ Figueroa (2010), at 1st Bienal Tropical,
Loiza, San Juan, Puerto Rico, curated by Pablo Leon de la Barra, 2011.
Pablo Leon de la Barra
Eternal Tour was conceived at the Swiss Institute
of Rome. This institution welcomes a dozen Swiss
grantees a year – artists and scholars in an ideal
environment. It is one of many national cultural
institutes as splendid as they are mysterious for the
Romans. In fact, these luxurious infrastructures welcome a cosmopolitan elite momentarily expatriated
and reunited in the eternal city that admires and
exploits, above all and almost exclusively, the vestiges of the past. In order to address this phenomenon, based both on exclusiveness and a valorization
of the heritage, Eternal Tour ventured to question
its mechanisms and its legitimacy by organizing a
festival in July 2008. When invited to confront the
project to the Paulistano context by the SESC in
2012, Lina Bo Bardi proved to be an incontrovertible figure of investigation and inspiration. Born in
1914 in Rome, the young architect arrived in Brazil
in 1946 and obtained the Brazilian nationality in
1951. In her words, her jewelry projects, buildings,
scenography, museums, furniture and exhibitions
are works of architecture in their own right. Among
her major creations, the MASP – Museu de Arte de
Eternal Tour: some concluding visions
(Talk)
Pablo Leon de la Barra é curador independente, escritor e editor. Doutor em história e em teoria da arte e da arquitetura pela
Architectural Association de Londres, foi responsável pela curadoria de inúmeras exposições e projetos, particularmente na
América Latina. This is not America em San Juan, Puerto Rico
(2009); Incidents of Travel in Central America, Chiapas, Yucatan
and Elsewhere no CCE na Guatemala (2010); To Know Him Is to
Love Him, Cerith Wyn Evans na Casa Barragan, Cidade do México
(2010); Incidents of Mirror Travel (2011) no Museo Tamayo,
Cidade do México; e Banana is my Business: The South American Way no Museu Carmen Miranda, Rio de Janeiro. Escreve
para publicações e revistas, entre elas, Frog (Paris), Spike (Áustria), PinUp (Nova York), Wallpaper (Londres) e Celeste (México).
É também editor do blog The Centre for the Aesthetic Revolution.
O artista e curador mexicano ,Pablo Leon de la Barra, é convidado a acompanhar o festival Eternal Tour em sua íntegra, a fim de estabelecer um balanço
final desta que é a última edição do Festival. Que pensar dessa aventura? Que
formas de arte e de co-nhecimento propiciou?
Eternal Tour: algumas visões conclusivas
(Bate-papo)
Glass easels in the art gallery,
São Paulo Art Museum, 1957/1968,1969.
Instituto Lina Bo e P. M. Bardi, São Paulo
e Hans Gunter Flieg/Acervo Instituto Moreira Salles.
52
8
30a Bienal de arte contemporânea de São Paulo
4 de setembro
5 de setembro
Blog
51
O blog Eternal Tour 2012 São Paulo tem como função retransmitir o festival
na internet a um ritmo cotidiano, alimentado por textos, imagens e vídeos.
É bilíngue, português e inglês. O acesso é feito no site www.eternaltour.org.
Movida pela energia do “tempo real”, essa plataforma tem simultaneamente a
ambição de fornecer informações de qualidade e de traduzir, para aqueles que
não puderem estar presentes fisicamente, os diferentes eventos, seus bastidores
e as subjetividades implicadas no transcorrer do Festival. O blog é também,
e de maneira quase instantânea, um arquivo.
Daniela Capelato viveu até os 10 anos em Paris, antes de voltar ao
Brasil em 1980. Formada em comunicação, participou da produção de documentários para a televisão francesa, inglesa e alemã
no Institut National de l’Audiovisuel (INA), na França. De 1997 a
2001, foi responsável pela gestão do Departamento de Cinema
e Vídeo do Instituto Itaú Cultural. Em 2001, abriu a empresa
DOCFILMES que produz documentários e filmes de ficção para
cinema e televisão com o Brasil e o exterior. Como produtora,
Daniela realizou os longas-metragens: Viajo porque preciso, volto
porque te amo, de Marcelo Gomes e Karim Ainouz; Do outro lado
do rio, de Lucas Bambozzi e Sólo dios sabe, de Carlos Bolado –
primeira coprodução realizada entre o Brasil e o México. Como
roteirista, Daniela desenvolveu, em 2002, o projeto 9 atos para
um jogo – filme assinado por várias mãos e destinado à internet,
contemplado pelo programa Itaú Transmídia.
Boris Meister nasceu em 1989 em Genebra, onde vive. Em
novembro de 2004, lança www.nack.ch/mandark (hoje desativado), um blog atualizado cotidianamente que misturava fotografia e textos escritos em francês. Pioneiro no fenômeno do
blogging, recém-chegado à Suíça, o site tornou-se objeto de
grande atenção, com uma frequência de cerca de 4.500 visitantes por dia. Em 2006, surge WE LOVE GENEVA!, no endereço
www.welovegeneva.blogspot.com. Fundado por Boris Meister,
ao qual vieram se juntar Alexandra Afsary e Raphael Roux, WE
LOVE GENEVA! trata da cultura genebrina diurna, mas principalmente noturna. Entrevistas, artigos, comentários sobre a vida
cultural e festiva de Genebra são ali publicados. A produção de
jovens músicos e artistas locais é também difundida pela plataforma. Rapidamente, o número de leitores semanais cresce, chegando a 2 mil em setembro de 2009. Hoje, 6 mil pessoas leem
o blog a cada mês. Além disso, Boris Meister, como community
manager, coloca seus conhecimentos de WEB 2.0 a serviço de
diversos clientes.
Daniela Capelato and Boris Meister
Rousseau for all, an evening realized by the CineSESC of São Paulo with the support of the Swiss Consulate-General in São Paulo
and Presence Switzerland. Blame it on Rousseau is a collection of short films produced by RITA and the Geneva University of Art and
Design (HEAD), in coproduction with RTS – Radio Télévision Suisse.
The next day, September 5th, at the CineSesc, an evening dedicated to
La Faute à Rousseau [Rousseau’s fault] (a series of 55 films initiated and coordinated by Pierre Maillard for the tricentennial of the Genevan thinker’s birth
– June 28th 1712) is the ideal opportunity to link the Eternal Tour program to
the cinematographic reading of Rousseau, whose work is produced by active
artists at the start of the 21st century.
September 5th
La Faute à Rousseau
The opening night of the 30th São Paulo Biennial of Contemporary Art is
included in the Eternal Tour 2012 program. Through its prestige, its internationalism and the synergy produced there, this grand event will offer the chance of
confronting an exceptional selection of artworks and people.
September 4th
30th São Paulo Biennial of Contemporary Art
50
Dois eventos paralelos a Eternal Tour acontecem em São Paulo. Não é uma
coincidência! A 30a Bienal Internacional de arte de São Paulo integra o programa dos Eternos Turistas do festival Eternal Tour 2012, com seu prestígio,
internacionalismo e a sinergia que dela emana, a grande manifestação será a
oportunidade de se confrontar com uma seleção excepcional de obras e personalidades.
La Faute à Rousseau
No dia seguinte à abertura da 30º Bienal, no CineSesc, uma noite consagrada a La Faute à Rousseau – série de 55 filmes iniciada e coordenada por
Pierre Maillard, por ocasião do tricentenário do nascimento do pensador
genebrino –, será a ocasião ideal para estender fios entre a programação de Eternal Tour e a leitura cinematográfica da obra rousseauniana feita por artistas
ativos neste início do século XXI.
Rousseau para todos, um evento realizado pelo CineSESC de São Paulo, com o apoio do Consulado geral da Suíça em São Paulo
e Présence Suisse. La faute à Rousseau é uma coleção de filmes curta-metragem produzida por RITA e a Haute École d’art et de design
– Genebra (HEAD), em coprodução com a RTS - Radio Télévision Suisse.
Gol, Fulvio Bernasconi, 6'13'', 2012.
Boris Meister was born in 1989 in Geneva, where he lives. In
November 2004 he started www.nack.ch/mandark (offline
today), a daily-updated blog that mixed photos and texts written in French. Pioneer of the blogging phenomenon, then just
recently arrived in Switzerland, much attention was given to the
site with over 4,500 daily visitors. In 2006, WE LOVE GENEVA!
appeared at www.welovegeneva.blogspot.com, founded by Boris
Meister, joined by Alexandra Afsary and Raphael Roux. WE LOVE
GENEVA! deals with Genevan culture by day and especially by
night. Interviews, articles, comments on the cultural and party life
in Geneva are published there. The productions of young musicians or local artists are also webcast on this platform. Rapidly,
the number of readers increased to reach 2,000 weekly readers in
September 2009. Today 6,000 people read the blog each month.
Boris Meister also makes his knowledge of web 2.0 available to
different clients as a “community manager”.
Blog
Two events in parallel to Eternal Tour – Dois eventos paralelos ao Eternal Tour
Connecting points.
Daniela Capelato lived until she was ten in Paris before moving
back to Brazil in 1980. With a communications diploma in hand,
she participated in the production of documentaries for French,
English and German television at the INA (National Audiovisual
Institute) in France. From 1997 to 2001 she was responsible for
managing the Itaú Cultural institute’s Cinema and Video sections.
In 2001, she started the business DOCFILMES which produces
documentary and fiction films for cinema and television with Brazil and abroad. As a producer, Daniela made full-length films: Viajo
porque preciso, volto porque te amo, by Karim Ainouz; Do outro
lado do rio, by Lucas Bambozzi, and Solo dios sabe, by Carlos
Bolado – the first Brazilian-Mexican coproduction. As a screenwriter, Daniela developed the project 9 actes pour un jeu in 2002
– a film signed by several authors, destined for Internet and prized
by the show Itaú Transmedia.
The Eternal Tour 2012 São Paulo blog has the role of relaying the festival’s
happenings through its Internet platform on a daily basis. It is fueled by texts,
images and videos, and it is bilingual – Portuguese and English. It is accessible via www.eternaltour.org. Dependent on “real-time” energy, this platform
also aspires to supply quality information and to translate, for those who
cannot be physically present, the different events, their backstage activities,
and the subjectivities involved during the festival. The blog also builds up
an instant archive.
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11
Suely Rolnik is a psychoanalyst, critic of art and culture, curator,
and chair professor of the graduate program in Clinical Psychology at PUC-SP. She has integrated the faculty of the Program
of Independent Studies (PEI) at Museo d’Art Contemporani de
Barcelona (MacBa), Spain. She has conceived Arquivo para uma
obra-acontecimento [Archives for a happening/work], a research
project for the activation of the bodily memory of Lygia Clark’s
artistic propositions and her context. As part of this project, Rolnik has produced 65 films of interviews conducted in different
countries. Her extensive bibliography includes a book written
jointly with Felix Guattari released in seven countries: Micropolítica. Cartografias do desejo (São Paulo: Vozes, 1986; 11th ed.
2011). Suely Rolnik is the author of more than 80 essays published in anthologies, art and culture magazines, and catalogues
of art exhibitions held in various countries.
For Eternal Tour, Denise Ferreira da Silva presents the analysis of an inverted
mirror-image of Isabel (white mistress) and Zumbi (black slave) to contemplate
Brazilian identity in today’s political context. Denise was in Brasilia for the
nationwide commemorative demonstration dedicated to Zumbi on November
20th 1995. Representatives from a score of black communities were invited
to join an important “Zumbi for Justice and Life” march, organized to boycott the official ceremonies, as the government had been accused of appropriating Zumbi and his memory for use in national reconciliations. Today, almost
twenty years after these events, the Brazilian government has completely
reversed its rhetoric, the programs developed and the policies put in place, and
created institutions to eradicate the effects of racism from the country.
Denise Ferreira da Silva is professor of ethics and director of the
Center for Ethics and Politics at the School of Business and Management at Queen Mary, University of London (QMUL). She also
taught for eleven years at the University of San Diego, California.
Thinking from a theoretical feminist perspective, her research
deals with the conceptual, political, legal and ethical challenges
of the contemporary period. She is particularly interested in Latin
America where she examines the continuing effects of the colonial machine, of power and racial knowledge, and she draws
up a cartography of the way they function in the local, national,
regional and international contexts.
Para o Eternal Tour, Denise Ferreira da Silva apresenta sua análise a partir de
uma imagem em espelho invertida da princesa Isabel (senhora branca) e de
Zumbi (escravo negro) para pensar a identidade brasileira no contexto político
contemporâneo. Em 20 de novembro de 1995, Denise esteve em Brasília, participando da manifestação que relembrava os 300 anos da morte de Zumbi dos
Palmares. Representantes de cerca de 20 comunidades e movimentos negros
haviam sido convidados a compor uma importante marcha, a “Marcha Zumbi
dos Palmares contra o racismo, pela cidadania e pela vida”, organizada para boicotar as cerimônias oficiais, pois o governo era acusado de se apropriar da imagem de Zumbi e de sua memória em prol de uma ideia de conciliação nacional.
Hoje, quase 20 anos após esses acontecimentos, o governo brasileiro modificou
completamente sua retórica, os programas desenvolvidos e as políticas implementadas, criando instituições para eliminar os efeitos do racismo no país.
Zumbi e Princesa Isabel:
um espelho invertido para repensar
o Brasil contemporâneo
(Conferência)
Suely Rolnik, 2012.
Design: Bijari/Rodrigo Araujo.
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Denise Ferreira da Silva
Suely Rolnik
Caminhando [Walking] with Lygia Clark along the Moebius strip, Suely Rolnik seeks to impart sensibility to a politics of thought, desire, and subjectivity
effective in Brazil and, even more broadly, in the “global south”. According to
Rolnik, this politics is supposedly in the process of being updated while injecting the knowledge of the body into the bloodstream of the crisis that currently
affects western modernity. Starting from the idea of repression of this knowledge as the key micro-political operation of colonization, she suggests that the
return of the repressed asserts itself as an inescapable act of resistance supposedly powerful enough to displace the state of things in our contemporaneity.
Zumbi and Princess Isabel:
an inverted mirror
(Lecture)
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Walking along the Moebius strip with Lygia, some
indigenous people and a few Frenchmen
(Ideas looking for conversation)
Denise Ferreira da Silva é professora de ética e diretora do Center
for Ethics and Politics da School of Business and Management de
Queen Mary, Universidade de Londres (QMUL). Também ensinou
durante 11 anos na Universidade de San Diego, Califórnia. Adotando uma perspectiva teórica feminista, suas pesquisas tratam
dos desafios conceituais, políticos, legais e éticos da contemporaneidade. Interessa-se particularmente pela América Latina, examinando os efeitos contínuos da máquina colonial, do poder e do
conhecimento raciais e traçando a cartografia de seu funcionamento nos contextos locais, nacionais, regionais e internacionais.
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Suely Rolnik, psicanalista, crítica de arte e de cultura e curadora,
é Professora Titular da PUC-SP, no Pós-Graduação de Psicologia
Clínica. Membro do corpo docente do Programa de EstudiosIndependientes (PEI) no Museo d’Art Contemporani de Barcelona
(MacBa). Autora do Arquivo para uma obra-acontecimento. Projeto de pesquisa e ativação da memória corporal das proposições
artísticas de Lygia Clark e seu contexto, no qual realizou 65 filmes
de entrevistas em vários países. Entre suas publicações, escreveu
em co-autoria com Félix Guattari, Micropolítica. Cartografias do
desejo (Vozes, 1986; 11ª ed. 2011), publicada em 7 países. Autora
de mais de 80 ensaios publicados em coletâneas,revistas de arte
e de cultura e catálogos de exposições em vários países.
Caminhando com Lygia Clark pela fita de Moebius, Suely Rolnik busca tornar
sensível uma política do pensamento, do desejo e da subjetividade, presente no
Brasil e, mais amplamente, no “Sul-Global”. Tal política, segundo ela, estaria
hoje em vias de atualização, injetando o saber do corpo nas veias da modernidade ocidental em crise. Partindo da idéia de que o recalque deste saber é
a operação micropolítica fundamental da colonização, Rolnik sugere que o
retorno deste recalcado afirma-se com um ato incontornável de resistência que
teria a força de deslocar o estado de coisas em nossa contemporaneidade.
Caminhando pela fita de Moebius com Lygia,
uns índios e alguns franceses
(Idéias querendo conversar)
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Simon Lamunière, curador da Art Unlimited (a seção das grandes obras da feira
Art Basel) durante doze anos, diretor da Utopics, XI Exposição Suíça de Escultura em 2009, e coordenador do projeto de arte pública Neon Parallax, apresenta no Festival a estratégia de seus projetos e traça um paralelo entre eles
e outras formas artísticas e territoriais, como Nutopia, de Yoko Ono e John
Lennon, Inhotim e The Land (fazenda autogerida agrocultural dos artistas
Rirkrit Tiravanija e Kamin Letchaiprasert na Tailândia). Tentar entender esses
modelos artísticos significa abordar a difícil relação que a arte mantém com
o território e seus signos tangíveis. O aumento das escalas, a midiatização e a
globalização engendram inúmeras mudanças estratégicas, tanto da parte dos
centros urbanos como dos artistas. Ao mesmo tempo que a arte cresce, a competição se acirra. O território é limitado. Um combate entre visibilidade e invisibilidade, entre centros e periferias, é declarado.
O aperfeiçoamento constante dos equipamentos eletrônicos e sua comercialização ultrarrápida levam à consequente proliferação do material obsoleto, que
é muitas vezes abandonado sem que se atente a seu teor tóxico ou seu efeito
sobre o meio ambiente e a população. Esse fenômeno é comumente chamado
“e-lixo”. Os sucateiros, que coletam os produtos eletrônicos descartados após
o uso, devem se adaptar constantemente. Gabriele Oropallo, historiador do
design especialmente interessado na durabilidade dos objetos, considera que os
sucateiros brasileiros do “e-lixo” se distinguem dos colegas africanos ou asiáticos: organizam-se em movimentos e cooperativas, e reivindicam sua dignidade para tentar reciclar os materiais eletrônicos obsoletos. Seus carrinhos, que
empurram pelas ruas, tornaram-se um verdadeiro símbolo.
A arte e o território
(Bate-papo)
Lixo-eletrônico: as coisas após sua vida útil
(Bate-papo)
Gabriele Oropallo vive e trabalha em Oslo, na Noruega. Historiador e crítico do design, suas pesquisas focalizam-se nos objetos
provenientes da produção industrial. Fotógrafo e autor de um
blog, emprega frequentemente a técnica do vídeo para desenvolver suas pesquisas. É também o tradutor do inglês para o italiano
de Eyal Weizman.
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Simon Lamunière
Gabriele Oropallo
Untitled, Fabrice Gygi and ECAL,
2009, lacquered steel, 350 × 210 cm.
Photo: Annik Wetter.
Catadores coletam computadores usados
no centro de São Paulo, março de 2012.
Foto: cortesia de Victor Grigas.
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Gabriele Oropallo lives and works in Oslo, Norway. Historian
and design critic, his research is on the durability of industrially
produced objects. He is also the English-Italian translator for
Eyal Weizman and frequently uses video technique to further his
research.
Art and territory
(Talk)
Post-product: things after-life
(Talk)
Known for having been the curator for Art Unlimited (Art Basel’s large-scale
works section) for 12 years, Simon Lamunière has also directed Utopics, the
11th Swiss Sculpture Exhibition in 2009. At the festival, he presents the artistic strategy for his projects and draws a parallel with other artistic and territorial forms such as Yoko Ono and John Lennon’s Nutopia, Inhotim, and The
Land (Rirkrit Tiravanija and Kamin Letchaiprasert’s self-managed agro-cultural farm in Thailand). Trying to understand these artistic models is, first of
all, to address the difficult relation art maintains with territory and tangible
signs. Increases in scale, mediatization and globalization generate numerous
strategic modifications both by urban centers and artists. At the same time art
grows, competition grows stronger. Territory is limited. A battle is under way
between visibility and invisibility, between centers and peripheries.
The constant improvement of electronic equipment and their ultra-fast commercialization leads to a consequent proliferation of outdated material that is
often abandoned without any consideration of their toxicity or their effect on
the environment and the population. This phenomenon is commonly called
“e-waste”. The rag-pickers that collect the discarded used electronic products
must constantly adapt. Gabriele Oropallo, a design historian particularly interested in the durability of objects, considers that Brazilian e-waste rag-pickers
distinguish themselves from their African and Asian colleagues: they are
organized into movements and co-ops and demand respect for their attempts
to recycle outdated electronic materials. The pushcarts they drive down the
streets have become a strong symbol.
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Grand Tour
Merzedes Sturm-Lie é uma artista sueca/norueguesa/belga que
estuda atualmente no Instituto Real de Arte de Estocolmo, Suécia. Ao lado de sua prática artística, foi responsável pela curadoria de quatro exposições no Espace0IN em Bruxelas e, em abril
de 2011, da exposição White Zoo and Black Powers no Instituto
Real de Arte de Estocolmo, que foi um comentário direto sobre o
espaço das galerias brancas convencionais.
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Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie
As jovens artistas Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie
vão utilizar a plataforma e o tempo do festival como um Grand Tour de duas
semanas. Vão perscrutar a cidade e alguns de seus extratos: escolas de arte, institutos culturais, galerias estabelecidas e de arte bruta. Essa exploração implica
inúmeros encontros e colaborações. Três temas principais, como grades de leitura urbanas, foram selecionados pelas artistas: nacionalidade, liberdade e propaganda. Essas linhas diretoras levam à criação de trabalhos site-specific em
mídias adaptadas às ocasiões particulares. Essas produções e as experiências a
elas relacionadas são reunidas em um “Gameplan”, que poderá ser usado por
outras pessoas que estiverem visitando São Paulo como um guia de viagem
alternativo.
Cecilie Hundevad Meng Sørensen é uma artista dinamarquesa
que estuda atualmente no Instituto Real de Arte de Estocolmo,
Suécia. Explora os muitos processos efêmeros subjacentes à
criação de significado. Como ou quando o significado está sendo
criado e como a arte tem um propósito, um senso de significado
no mundo? Ela enxerga a arte como um esforço coletivo desprovido de um autor singular direto. Por sua vez, isso a conduz a
questionar o paradeiro não apenas da obra de arte, mas do artista.
Merzedes Sturm-Lie is a Swedish/Norwegian/Belgian artist who
currently studies at the Royal Institute of Art in Stockholm, Sweden. Besides her artistic practice, she has curated four exhibitions
at Espace0IN in Brussels, and in April 2011 organized and curated
the exhibition White Zoo and Black Powers at the Royal Institute
of Art in Stockholm which was a direct comment on the conventional white gallery space.
The two young artists will use the festival’s platform and its duration as
a Grand Tour lasting two weeks. They will explore the city and some of its
strata: art schools, cultural institutions, established galleries and art brut. This
exploration will lead them to many meetings and collaborations. Three main
themes, like urban reading templates, have been chosen by the artists: nationality, liberty and propaganda. These guidelines will result in the creation of
site-specific works in media adapted to given situations. These productions, as
well as the experiences that accompany them, are compiled into one “Game
plan”. This will be used by other visitors or inhabitants of São Paulo, like an
alternative city guide.
Grand Tour
Cecilie Hundevad Meng Sørensen and Merzedes Sturm-Lie
Contra-Union, Cecilie Hundevad Meng Sørensen & Merzedes Sturm-Lie,
Grand Tour, a game plan resulting from live performances,
propaganda and videos in São Paulo, 2012.
Cecilie Hundevad Meng Sørensen is a Danish artist currently
studying at the Royal Institute of Art in Stockholm, Sweden.
She explores the many ephemeral processes underlying the
creation of meaning. How or when is meaning being created and
how does art have a purpose, a sense of meaning in the world?
She looks at art as being a collective effort with no direct single
author. This in turn leads her to question the whereabouts of not
only the artwork, but the artist as well.
Contra-Union, Cecilie Hundevad Meng Sørensen & Merzedes Sturm-Lie,
Grand Tour, um jogo de estratégias resultante de performances ao vivo,
propaganda e vídeos, em São Paulo, 2012.
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Since 2010 Roberto Shwafaty has been developing research on the Moebius
strip, a mathematical figure that appeared in 1858 and has undergone several
very different formalizations over time, in the domains of art, advertisement
and design. The form itself has migrated and transformed, like the Eternal Tour
logos for 2008, 2009, 2010, 2011 and 2012, which are all different interpretations of the Moebius strip. In Brazil, one version is particularly well-known:
Max Bill’s work Tripartite Unity which won the sculpture award at São Paulo’s first Contemporary Art Biennial in 1951. It remains the symbol of progress
for South America. The Moebius strip also incarnates an eternal movement
whose two sides are but one unique surface: black and white, sad and happy,
cruel and kind. It is everything at once, in succession.
A small atlas of meanings and forms,
projeto Tripartite Reunited, 2011/2012.
An artist based in São Paulo, Beto Shwafaty obtained in 2001 his
diploma in visual arts from the State University of Campinas/SP
(UNICAMP), and a master’s in visual arts and curatorial studies
from the Nuova Accademia di Belle Arti (Naba/Milano) in 2010.
He followed Simon Starling’s class as an invited student for over
a year at the Staedelschule – Frankfurt am Main. His interests
lie mainly at the junction of critical design, the politics of space,
and the economy of knowledge as well as visual culture. Some
of his recent exhibitions: Mythologies – Cité des Arts (2011,
Paris); Shadowed by The Future – Instituto Cervantes (2010, São
Paulo); 4th Architecture Biennial Rotterdam (Urbaninform Platform, 2009); 3rd Utrecht Manifest (2009); Public Turbulence at
Isola Art Center (2009, Milan), The Building: E-flux (2009, Berlin);
Rumos Artes Visuais – Itaú Cultural (São Paulo, 2006); 6th Goias
Art Exhibition (Goiania/Brazil, 2006) and the 31st SARP (Ribeirão
Preto/Brasil, 2006).
Beto Shwafaty obtém, em 2001, um diploma em artes visuais na
Universidade Estadual de Campinas (Unicamp) e um mestrado
em artes visuais e estudos curatoriais na Nuova Accademia di
Belle Arte (NABA/Milano) em 2010. Frequenta, durante mais de
um ano, as aulas de Simon Starling como estudante convidado na
Staedelschule – Frankfurt am Main. Seus interesses residem principalmente no encontro dos campos do design crítico, da política
espacial, da economia do saber e da cultura visual. Entre suas
exposições recentes destacam-se: Mythologies – Cité des Arts
(2011, Paris); Remediações – à sombra do futuro – Instituto Cervantes (2010, São Paulo); IV Bienal Internacional de Arquitetura
de Rotterdam (Urbaninform Platform, 2009); 3rd Utrecht Manifest (2009); Public Turbulence no Isola Art Center (2009, Milão),
The Building: E-flux (2009, Berlim); Rumos Artes Visuais – Itaú
Cultural (São Paulo, 2006); 6º Salão de Artes de Goiás (Goiânia/
Brasil, 2006) ou ainda o 31º SARP (Ribeirão Preto/Brasil, 2006).
Tripartite Reunited, 2011.
Digital collage fusing Tripartite Unity sculpture (Max Bill),
PDF Acrobat and Commerzbank logos,
c-print mounted in methacrylate.
Beto Shwafaty
Beto Shwafaty
Tripartite reunited
Beto Shwafaty desenvolve desde 2010 uma pesquisa sobre a fita de Moebius,
uma figura matemática surgida em 1858 e que conheceu formalizações muito
diferentes ao longo do tempo, no domínio da arte, da publicidade e do design. A
forma migrou e se transformou, como os logotipos de Eternal Tour 2008, 2009,
2010, 2011 e 2012, todos eles interpretações diferentes da fita de Moebius. No
Brasil, um deles é particularmente famoso: a obra concreta de Max Bill, Tripartite Unity [Unidade tripartida], que ganhou o prêmio de escultura da primeira
bienal de arte contemporânea de São Paulo, em 1951. Ela permanece o símbolo do progresso na América do Sul. A fita de Moebius encarna também um
movimento eterno, cujas duas faces são, na verdade, apenas uma única superfície: preto e branco, triste e alegre, cruel e amável. É tudo ao mesmo tempo,
alternadamente.
Tripartite reunited
43
Mandacaru (76 × 56 cm).
Watercolor, 2012.
Mandacarus
41
O artista paulista Pazé propõe aquarelas inéditas a partir de sua pesquisa sobre
a planta mandacaru, na qual se inspirou para sua instalação no Parque do Ibirapuera, nas imediações do Auditório. Ele também participa das Caminhadas
urbanas, apresentando a instalação no quarto dia dos passeios. Nela, os frutos vermelhos da planta foram recriados em vidro e podem ser iluminados.
Durante os longos períodos de seca das regiões do Brasil semiárido, o mandacaru é muito útil tanto para os seres humanos como para os animais, pois
estoca água em seu caule e raízes e serve para alimentar os rebanhos. Pazé aprecia igualmente o aspecto quase escultural da planta, da qual emana uma beleza
particular.
Artista baseado em São Paulo, Pazé é titular de um diploma de
Artes Plásticas da FAAP – Fundação Armando Alvares Penteado
de São Paulo (1999). Violência, ilusão, hostilidade e utopia são os
temas que ocupam o artista, sendo abordados pelo viés de esculturas ou instalações fortes nos níveis visual e conceitual. Associa
mitologias antigas com as mais recentes novidades, entre elas
a corrente virtual. Pazé expôs na Bienal do Mercosul em 2001
e 2002, na de Havana em 2003 e no SESC em 2007 e 2010.
Pazé
Pazé
Pazé, an artist based in São Paulo, holds a diploma in Fine Arts,
obtained from FAAP – Fundação Armando Álvares Penteado,
São Paulo, in 1999. Violence, illusion, hostility and utopia are the
main themes that occupy the artist, and their implications are
addressed through strongly visual and conceptual sculptures or
installations. He associates ancient mythologies with the latest
novelties, the virtual trend chief among them. Pazé has exhibited
his work at the Mercosul Biennials of 2001 and 2002, the Havana
Biennial in 2003 and at the SESC in 2007 and 2010.
Mandacaru (76 × 56 cm).
Aquarela, 2012.
Paulistano artist Pazé proposes never-before-seen watercolors of his research
on the mandacarus plant which inspired him for his installation in Ibirapuera
Park, near the Auditorium, where a few of the plant’s red fruits were recreated
in glass forms that can be lit. It will also be presented in the Urban walks’
fourth day. The mandacarus is very useful in Brazil’s semi-arid regions during
long periods of drought, both for humans and for animals, since it stocks water
in its stem and roots, and is eaten by some herds. Pazé also appreciates the
plant’s quasi-sculptural aspect, emanating a certain beauty.
Mandacarus
21
Bioperversidade
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No âmbito do festival Eternal Tour, o artista plástico Stéphane Malysse propõe
uma performance que permitirá dar início a um debate com o público sobre a
ecologia e seus descaminhos propagandísticos, baseada em seu “manifesto da
bioperversidade”, redigido em 2010:
Realizar gestos “biodesagradáveis” em plantas vivas:
Torturar com malícia
Envenenar lentamente
Atacar sadicamente
Picar esteticamente
Descascar impecavelmente
Queimar ao banho-maria
Estragar eficazmente
Maltratar sem culpa
Asfixiar simplesmente
Transplantar de cabeça para baixo
Impedir a fotossíntese a qualquer custo…
Stéphane Malysse vive no Brasil e ensina arte e antropologia na
Universidade de São Paulo (EACH/USP). Também trabalha como
artista plástico e crítico de arte. Após um doutorado em antropologia social na Escola de Altos Estudos em Ciências Sociais
(EHESS) de Paris, publicou sua pesquisa pós-doutoral no suporte
multimídia do departamento Multimídia do Instituto de Arte da
Unicamp. Recentemente publicou seu primeiro livro sobre a cultura brasileira da musculação.
Stéphane Malysse
Stéphane Malysse
Bioperversity#4, (after Dexter), 2011.
Stéphane Malysse lives in Brazil and teaches art and anthropology at the University of São Paulo (EACH/USP). He also works
as a visual artist and art critic. After obtaining a PhD in social
anthropology at Paris’ School for Advanced Studies in the Social
Sciences (EHESS), he published his post-doctoral research on
UNICAMP Art Institute of São Paulo’s multimedia platform. He
recently published his first book on Brazilian bodybuilding culture.
This manifesto is a veritable pamphlet in the context of the green revolution
we are experiencing today.
Bioperversidade, 2012.
Within Eternal Tour, Stéphane Malysse proposes a performance that will provoke a debate with the audience on ecology and its propagandistic drift. It is
based on the manifesto he wrote for “bioperversity” in 2010:
Do “bio-disagreeable” things to living plants:
Torture with malice
Slowly poison
Tie sadistically
Cut esthetically
Burn in a bain-marie
Damage efficiently
Mistreat guiltlessly
Asphyxiate in all simplicity
Transplant upside down
Prevent photosynthesis at any cost…
Bioperversity
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Donatella Bernardi, Hadrien Dussoix, Beat Lippert,
EVAM in the woods (workshop Siamo tutti beati,
TERRORISTES, JE VIS POUR VIVRE), 2011.
Photo: Beat Lippert.
Somos todos felizes
37
Durante o ano de 2007, Donatella Bernardi e Beat Lippert incubaram a ideia
do projeto. Inicialmente, as atividades consistiam em oficinas realizadas principalmente em comunidades carentes, reunindo artistas locais (Nettuno, em
2007), crianças (Sociedade da Comunidade Africada em Jerusalém, em 2010),
e pessoas em busca de asilo (Centre EVAM, Bex, Suíça, em 2011). Estruturas e
obras de arte efêmeras, montadas com materiais reaproveitados, foram registradas em micro-documentários, filmados pelos dois artistas. Como integrante do
projeto Percatempo, em São Paulo, Beat Lippert resgatará esses métodos para
realizar uma nova escultura por dia, utilizando materiais descartados. Empregando a técnica do “snapshot”, ele registrará esses trabalhos em uma nova
coleção de imagens.
Beat Lippert
Nascido em Lausanne em 1977, Beat Lippert estudou escultura
(Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft em Bonn, Alemanha (1997-2001), arqueologia e artes visuais (Haute Ecole d’Art et
de Design (HEAD-Genebra, 2003-2007). Em sua obra, principalmente conceitual, o artista associa esses três domínios, ligados
tanto à ciência como à arte, questionando, assim, sua legitimidade. Em diversos trabalhos, Lippert apropria-se dos motivos
da estatuária antiga, seja, por exemplo, viajando através da Itália
rebocando uma coluna coríntia em sua bicicleta, Véhicule (2008),
ou reproduzindo de maneira sutilmente modificada o famoso
Spinario (2009). O artista emprega a duplicação como uma estratégia central para questionar um lugar de memória (Duplication
6, reprodução idêntica de um cemitério) ou simplesmente a
presença de uma pedra, (Les Monolithes, dois monólitos perfeitamente idênticos instalados em um espaço público em Plan-les-Ouates em Genebra).
Beat Lippert
Born in Lausanne in 1977, Beat Lippert studied sculpture (Alanus
Hochschule für Kunst und Gesellschaft) Bonn, Germany (1997–
2001), archeology and visual arts (HEAD – Geneva University of
Art and Design) (2003–2007). In his work, the artist associates
these three domains to both art and science, thus questioning
their respective legitimacy. In several works, Lippert appropriates
the motifs of ancient statuary, by for example traveling through
Italy pulling a Corinthian column with his bicycle, Véhicule
(2008), or by reproducing a subtly modified version of the famous
Spinario [Boy with Thorn] (2009). The artist uses duplication as
the principal strategy to question a memorial site (Duplication 6,
identical reproduction of a cemetery) or simply the presence of
a rock (Monolithe, two perfectly identical monoliths for a public
space in Plan-les-Ouates in Geneva).
Donatella Bernardi, Hadrien Dussoix, Beat Lippert,
Materiais para bombola (workshop Siamo tutti beati,
TERRORISTES, JE VIS POUR VIVRE), 2011.
Foto: Donatella Bernardi.
Throughout 2007, Donatella Bernardi and Beat Lippert incubated this idea. It
began with workshops, chiefly in underprivileged areas, and brought together
indigenous artists (Natuno in 2007), children (African Community Society
in Jerusalem during 2010), and asylum seekers (Centre EVAM, Bex, Switzerland, in 2011). Ephemeral art pieces and structures were assembled with
reworked materials. Micro-documentaries filmed by the two artists showcase
these works. Joining in the Percatempo endeavour in Sao Paulo, Beat Lippert
will recapture these methods and, using waste materials, new sculptures arise.
Using the snap-shot technique, a new registry of these works will recover
these images.
We are all happy
25
35
Anna Kindgren e Carina Gunnars desenvolveram durante três anos uma pesquisa de campo sobre o urbanismo de duas cidades: Estocolmo e São Paulo.
Dela resultou uma publicação trilíngue – sueco, português, inglês – lançada
em 2011, que propõe uma análise, ao mesmo tempo sociológica e psicanalítica,
dos efeitos das cidades sobre seus habitantes. O livro, nunca apresentado ao
público brasileiro, permite abrir uma discussão sobre as mudanças recentes do
tecido urbano de São Paulo, enriquecida por um olhar cruzado, graças ao caso
de Estocolmo. O modernismo e sua possível evolução ligam essas duas cidades
de uma maneira espantosa.
“Quando os espaços públicos encolhem e a língua é sequestrada, muitos
de nós tateiam em uma realidade partida. O que a associação do medo com as
praças e espaços abertos provoca em nós? Quem tem medo de quem? Terrenos e edifícios são vistos como valores permanentes. O movimento popular da
Suécia percebeu isso há mais de cem anos. Os lugares que foram construídos
proporcionaram força e espaço por um século. Qual e onde é o espaço público,
agora que ele está sendo vendido? Um urbanista de São Paulo diz que vender
moradia popular é má ideia. Quem tem direito a ter um teto sobre a cabeça?
Um movimento em São Paulo suscita questões relativas à propriedade e pergunta: quem pode viver onde, na era da escolha? Três curadores discutem o
espaço público. O que acontece quando mais e mais espaços são cercados pelo
interesse privado? Aqui levantamos questões por meio de nosso trabalho como
artistas num tempo de ambivalência e confusão. O psicólogo diz que devemos
primeiro sofrer. Eficiência e criatividade em termos da realpolitik e da economia empresarial não rimam com as realidades da prática artística. Pensamos
que é importante fazer nossas próprias conexões entre, por exemplo, a megalópole de São Paulo e um vilarejo na Noruega”.
Anna Kindgren e Carina Gunnars formam um duo de artistas
baseado em Estocolmo. Seus métodos de trabalho privilegiam os
encontros, os atos de pesquisa e as viagens. Desenvolvem projetos de longo prazo, como Love and Devotion, de 2000 a 2006,
em colaboração com dois outros artistas. A recente revolução
neoliberal sueca as fez reavaliar a situação financeira e política,
em uma escala local e global. Seus objetos de investigação são as
instituições e as cidades suecas; abordam, por exemplo, o espaço
urbano e a limitação de atividades cívicas em seu interior, pois
tais atividades são reguladas pela lei e pelos interesses comerciais. As duas artistas participaram de eventos nos seguintes
locais: Södertörn University, University College of Arts, Crafts
and Design, Estocolmo(Konstfack), The Royal Institute of Art,
Estocolmo (formalmente, Royal University College of Fine Arts),
KTH School of Architecture, Estocolmo, Ölands Folk High School,
Art School, Umeå Academy of Fine Arts, Swedish University of
Agricultural Sciences.
Anna Kindgren e Carina Gunnars, em colaboração com Ivaneti de Araújo, Sheila Souza,
André Kobashi, Eduardo Costa
e Renato Cymbalista
Pages 32–33 in the book agorafobi/agorafobia/agoraphobia,
(the great transformation – inside) read in Sørfinnset Village, Norway, 2011.
Photo: akcg (Anna Kindgren and Carina Gunnars).
Anna Kindgren and Carina Gunnars form an artistic duo based in
Stockholm. Their work methods favor meetings, research reports
and travel. They lead long-term projects, like Love and Devotion
from 2000 to 2006, in collaboration with two other artists. The
recent Swedish neoliberal movement forced them to reevaluate the financial and political situation at the local and global
level. The objects of their investigation are Swedish cities and
institutions, for instance, urban space and the limitation of civic
activities within that space, regulated by laws and commercial
interests. The two artists participated in numerous events in the
following places: Södertörn University, University College of Arts,
Crafts and Design, Stockholm (Konstfack), The Royal Institute
of Art, Stockholm (former Royal University College of Fine Arts),
KTH School of Architecture, Stockholm, Ölands Folk High School,
Art School, Umeå Academy of Fine Arts, the Swedish University
of Agricultural Sciences.
Anna Kindgren and Carina Gunnars, in collaboration with Ivaneti de Araújo, Sheila Souza,
André Kobashi, Eduardo Costa
and Renato Cymbalista
Páginas 260–261 do livro agorafobi/agorafobia/agoraphobia,
mostrando o abandonado, ocupado, evacuado e demolido (2010) arranha-céu
São Vito em São Paulo, sendo lidas na vila Sørfinnset, na Noruega, 2011.
Foto: akcg (Anna Kindgren e Carina Gunnars).
For three years Anna Kindgren and Carina Gunnars developed field research
on urbanism in two cities: Stockholm and São Paulo. The result is a trilingual
publication (Swedish, Portuguese, English) that appeared in May 2011, which
sets up a parallel between a sociological and a psychoanalytical analysis of
the effects of cities on their inhabitants. The book was never presented to the
Brazilian public. It prompts a discussion on the recent changes of São Paulo’s
urban fabric, enhanced by a double perspective thanks to a comparative study
with Stockholm. Modernism and its possible evolution link these two cities in
a surprising way.
“As common spaces shrink and language is kidnapped, many of us grope
about in a somewhat ruptured reality. What does the association of fear with
squares and open spaces do to us? Who is afraid of whom? Land and buildings
are seen as lasting values. The popular movements in Sweden realized this
more than a hundred years ago. The places they built provided strength and
space for a century. But what and where is the commons now that it is being
sold out? An urban developer in São Paulo says that selling public housing is a
bad idea. Who is entitled to a roof over their head? A movement in São Paulo
asks questions regarding ownership, and who gets to live where in the era of
choice. Three curators discuss the commons. What happens when more and
more of it is fenced off by private interests? Here we have asked questions
through our work as artists at a time of ambivalence and confusion. Psychologists say that we must first grieve. Efficiency and creativity in terms of ‘realpolitik’ and business economics don’t jibe with the realities of artistic practice.
We feel it is important to make our own connections between for example, the
megalopolis São Paulo and a village in Norway”.
27
Haiti e Brasil: mesmas raízes
Cantora lírica, Anne-Laure Kénol desenvolveu com Ted Beaubrun e Valérie
Girault uma pesquisa sobre a música e a dança de escravos no Haiti e no Brasil.
Fascinados pelos paralelos que podem ser traçados entre as duas culturas, os
três músicos propõem ao público um recital de canto acompanhado ao piano
que reúne tanto a música tradicional como um repertório mais clássico. Efetivamente, o Haiti foi o primeiro território descoberto por Colombo e foi para
lá que os primeiros escravos vindos da África foram deportados. Mesmo após a
abolição da escravatura, sua situação pouco melhorou. As tradições africanas
(Benim e Angola) permaneceram extremamente presentes, apesar das diferentes influências que as modificaram, conforme a região.
A música, o canto e a dança permitiram a essas populações exprimir seus
sofrimentos, sua cólera e, principalmente, conservar sua dignidade e sua identidade. Certas danças foram, também, o modo de treinar para o combate sem
atrair a atenção dos senhores brancos. Essa é uma das semelhanças entre o
Haiti (danças de guerra) e o Brasil (capoeira). A música (fortemente ligada às
crenças do vodu e do candomblé) permitiu-lhes encontrar os meios e a coragem
de se revoltar. O Haiti foi o primeiro a se libertar, arrastando atrás de si muitos
países em sua revolta.
Anne-Laure Kénol é uma cantora lírica mestiça franco-haitiana
que vive em Paris, onde desenvolve sua carreira de solista e se
consagra, igualmente, ao ensino do método Dalcroze, particularmente como professora de formação musical no Conservatório
de Paris.
Valérie Girault é uma autora, compositora e intérprete de Guadalupe, nascida em Pointe-à-Pitre. Já realizou trabalhos em colaboração com a coreógrafa Léna Blou e com os músicos antilhanos
Rony Théophile e Sonny Troupé.
Ted Beaubrun nasceu no Haiti e desde muito jovem se destacou pela multiplicidade de seus talentos. Já na infância, viveu
banhado em música, graças a seus pais, que criaram o grupo
Boukman Eksperyans, até hoje um dos mais conhecidos no Haiti.
Aos 12 anos, começa a participar das turnês do grupo como
músico e dançarino (Caribe, Canadá, EUA, Europa). Esse “tamborinista” é também violonista, pianista, cantor, compositor e arranjador. Participa da concepção de álbuns nos estilos de música de
raiz haitiana, hip-hop, música latina, R&B e coupé-decalé. Produziu quatro álbuns como arranjador e realizador artístico. Atualmente, prepara vários outros em Genebra, onde vive.
33
Anne-Laure Kénol em colaboração com Ted Beaubrun e Valérie Girault
Ted Beaubrun was born in Haiti and distinguished himself at an
early age thanks to his many talents. He has lived and breathed
music since he was quite young, thanks to his parents who
created the group Boukman Eksperyans which is one of Haiti’s
most renown groups, even today. At the age of twelve he began
to participate in the group’s international tours as a musician
and dancer (the Caribbean, Canada, USA, Europe). This “tambourinist” is also a guitarist, pianist, singer, composer and
arranger. He participated in the creation of many albums in styles
such as Musique Racine d’Haïti, Hip-Hop, Latin, R&B, CoupéDécalé. He has produced four albums in the role of arranger
and artistic director. He is currently preparing several others in
Geneva, where he lives.
Opera singer Anne-Laure Kénol developed, in collaboration with Ted Beaubrun
and Valérie Girault, a research on the music and dance of Haitian and Brazilian
slaves. Fascinated by the parallels one can make between the two cultures, the
three musicians propose a vocal recital accompanied by piano that regroups
both traditional music and a more classical repertoire. Indeed, Haiti was the
first territory discovered by Columbus and it is there that the first slaves from
Africa were shipped. Even after the abolition of slavery their situation did not
improve much. The African traditions (Benin and Angola) maintained a strong
presence, despite the different regional influences that modified them.
Music, song, dance, all permitted these populations to express their suffering, their anger and especially to keep their dignity and their identities. Some
dances were also a means of training oneself for combat without attracting
attention from the white masters. It is one of the similarities between Haiti
(war dances) and Brazil (capoeira). The music (strongly tied to Voodoo and
Candomblé) allowed them to find the resources and energy to emancipate
themselves! Haiti was the first to free itself and drew many countries along in
its revolt.
Haiti and Brazil: same roots
Anne-Laure Kénol in collaboration with Ted Beaubrun and Valérie Girault
Ted Beaubrun, Haitian drum player.
Photo: Sandrine Oyeyi.
Valérie Girault is a Guadeloupian author, composer and performer, born in Pointe-à-Pitre. She has notably collaborated
with choreographer Léna Blou and West Indian musicians Rony
Théophile and Sonny Troupé.
Anne-Laure Kénol is Franco-Haitian opera singer living in Paris.
There she pursues her career as a soloist and also dedicates herself to teaching the Dalcroze method, notably as a professor at
the Paris Conservatory.
Anne-Laure Kénol, 2012.
Foto: Daphné Bengoa.
29
Cirurgia poética
31
Inspirando-se diretamente na infraestrutura do SESC (que se dedica não
somente à cultura do espírito, mas também aos cuidados com o corpo), Dominique Fleury e Ana Teixeira convidam o público a se reunir em uma sala de
espera criada na sala Moebius (Convivência). A audiência confiará, então, aos
artistas, as histórias de seus corpos, do olhar que dirigem a seus males físicos
ou psíquicos para, em seguida, dar-lhes forma. A partir desses testemunhos
um texto coletivo será redigido, como um poema assinado por vários autores
para, em seguida, proceder-se à elaboração de uma escultura antropomórfica
comum. A matéria-prima da escultura será o corpo do grupo, aqui considerado
como Um. Desse modo, à maneira de Frankenstein, um ser constituído por um
mosaico de emoções será posto no mundo. Por meio desse projeto, Dominique
Fleury e Ana Teixeira terão uma amostra da relação de alguns brasileiros com
seu corpo, sua intimidade e seu imaginário.
Ana Teixeira é artista, formada pela Escola de Comunicação e
Artes (ECA) da Universidade de São Paulo (USP), mestra em Poéticas Visuais pela mesma universidade. Trabalha com desenho,
instalações, fotografia e vídeo. Tem participado de mostras e
programas de residência no Brasil e no exterior. O foco de seu trabalho está na maneira como nos relacionamos, contamos nossas
histórias e nos comunicamos. Seu interesse é engendrar relações
por meio da arte, de maneira a ultrapassar os limites do convívio
habitual entre as pessoas. Tanto em suas intervenções como em
seus desenhos, objetos e fotos, a artista tem se dedicado a uma
extensa pesquisa sobre seres humanos por meio de sua subjetividade. Em suas ações de rua, já coletou sonhos, desejos, palavras,
histórias de vida e impressões digitais de milhares de pessoas.
Em seus desenhos, as relações humanas ganham destaque por
seu avesso: os personagens da artista parecem deslocados da
realidade, presos a uma solidão e a um desconforto inevitáveis.
Ela vive e trabalha em São Paulo.
Dominique Fleury e Ana Teixeira
Dominique Fleury é uma artista líbano-suíça diplomada pelo
Royal Institute of Art de Estocolmo. Seu trabalho se articula em
torno das mitologias singulares em meio às quais cada um evolui.
Interessa-se por aquilo que está ameaçado de desaparecer e se
encontra na fronteira entre dois mundos. Sua pesquisa mistura
diferentes temporalidades jogando com as ficções pessoais e
coletivas. Seus recentes projetos tomaram como ponto de partida
questões suscitadas pelos cristãos do Oriente.
Ana Teixeira is an artist who graduated from the University of
São Paulo’s School of Communications and Arts (ECA-USP) and
has a master’s degree in Visual Arts from the same school. She
works with drawings, installations, photography and video. Her
experience includes exhibitions and residency programs both in
Brazil and abroad. Her work focuses on how we tell our stories
and communicate in our relationships. Ana is interested in engendering relations through art, so as to surpass the boundaries of
people’s usual experience of living together. Both in her interventions and in her drawings, objects and photos, the artist has been
devoted to an extensive study of human beings and their subjectivity. In her street actions she has collected the dreams, wishes,
words, life stories and fingerprints of millions of people. In her
drawings, the flip side of human relationships is highlighted: the
artist’s characters seem displaced from reality, bound to inevitable solitude and discomfort. She lives and works in São Paulo.
Dominique Fleury and Ana Texeira
Dominique Fleury, Untitled, 13 ×11 cm, 2012.
Dominique Fleury is a Lebanese-Swiss artist with a diploma from
Stockholm’s Royal Institute of Art. Her work is articulated around
the peculiar mythologies each person lives by. She is interested
in what is threatened to disappear and therefore finds itself at the
edge of two worlds. Her research mixes different temporalities by
playing with individual and collective fictions. Her recent projects
took off from questions raised by Eastern Christians.
Ana Teixeira, Balão, séries No Longer, But Still, 2012.
Directly inspired by the SESC Consolação infrastructure (dedicated not only
to culture and mind, but also to physical health), Dominique Fleury and Ana
Teixeira invite the audience to go to a waiting room created for the Eternal
Tour festival in the Sala Moebius. The audience will share stories about their
bodies, the view they have of their physical or mental ailments and then move
on to give them form. A collective text will be written with these testimonies,
like a poem signed by multiple authors, to then move on to create a common
anthropomorphic sculpture. The raw materials for this sculpture are thus the
bodies of the group considered as One. So, much like Frankenstein, a being
made of a mosaic of emotions shall be born. Through this project Dominique
Fleury and Ana Teixeira will have a glimpse of the relations some Brazilians
have with their bodies, their intimacy and their imagination.
Poetic surgery
31
Virgin territory.
Why is São Paulo beautiful? 2012.
Illustration by Juliana Russo, São Paulo.
Caminhadas urbanas: por que São Paulo é bela?
Esse coletivo de pessoas de horizontes diferentes (arquitetura, design, arte
contemporânea) propõe por meio de um itinerário cartesiano e de um olhar
curioso, uma travessia de sul a norte pela cidade de São Paulo, dividida em quatro etapas. A caminhada, aberta a todos, se dirige tanto aos participantes do
Eternal Tour como aos habitantes de São Paulo.
A proposta do coletivo fundamenta-se na “promenadologia”, ciência fundada pelo sociólogo suíço Lucius Burckhardt nos anos 1980, que visa confrontar
o pedestre com a paisagem e o espaço urbano, na perspectiva de um explorador
ingênuo e entusiasta, que aprecia a estética de todo e qualquer lugar, na sua
simplicidade ou mesmo banalidade, em oposição ao espetacular.
A intenção é provocar uma paleta colorida de percepções subjetivas do
ambiente, do contexto e da realidade espacial que vá além do evidente e dos
estereótipos.
Cris Faria vive e trabalha em Zurich. Aos 24 anos, abandonou a
praia, uma carreira de surfista e a faculdade de história na Universidade Federal da Bahia para principiar seus estudos em artes
plásticas em Genebra, na HEAD. Obtém seu diploma com as felicitações da banca em 2005, com Art Basel Geneva, e dois anos
depois ganha o Swiss Award 2007. Ele próprio se define como
um não artista, ou seja, um artista que busca as fronteiras entre
a arte e a vida. Por meio de uma operação que ele denomina
“Umwertung” [reavaliação], seus trabalhos questionam os valores sociais e políticos e os papéis que nos são atribuídos.
Céline Guibat, arquiteta, formou-se na Escola Politécnica de
Lausanne. Após ter vivido na Alemanha e na Espanha, se estabelece finalmente na Suíça, onde trabalha para o estúdio Daniel
Libeskind em Berna. Em seguida, continua suas atividades no
campo do design e da arquitetura, além de participar de um trabalho de pesquisa para o Prof. Deplazes na Escola Politécnica
Federal de Zurique. Dirige atualmente seu próprio estúdio entre
Zurique e Sion, e ensina na Escola de Arquitetura de Winterthur.
Karin Zindel, designer suíço-brasileira, estudou e viveu vários
anos na Inglaterra, onde começou seu engajamento no campo
de inovação do design e da arte contemporânea. Trabalhando
continuamente entre as duas disciplinas, sempre se interessou
pelos diferentes papéis e funções que esses dois domínios de
criação podem explorar e produzir. Após um projeto fotográfico
para a Fundação Terra dos Homens no Brasil em 2005, começou
uma pesquisa voltada ao design participativo, ao urbanismo e à
produção artística no espaço público. Entre outras atividades
autônomas, trabalha atualmente como assistente científica na
Universidade de Artes de Zurique.
David Zumstein, arquiteto, vive e trabalha em Zurique. Seu trabalho tem como foco as questões do desenvolvimento urbano e de
paisagem, na zona de tensão entre a exploração e a preservação.
Aborda também o confronto e a percepção das fenomenologias
específicas de um espaço cada vez mais (uni)formado pela globalização. Entre suas diversas atividades estão a pesquisa inédita
Coastscape Albania – Feasibility study for a sustainable development of a unique Mediterranean coastal strip e a plataforma
colaborativa na internet www.howtopedia.org. Seu campo de
atividades abrange desde um mandato de conselheiro e gerente
de projeto no departamento de Real Estate Asset Management
em um dos maiores bancos suíços, passando por trabalhos livres
como escritor no campo de arquitetura e urbanismo, até o engajamento em seu escritório de desenvolvimento de projetos arquitetônicos Acupuncture Investments.
29
Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel e David Zumstein
Thais Ribeiro obtained a diploma in architecture and urbanism from the Mackenzie Presbyterian University of São Paulo
(in Brazil) in 1998. During her studies she was active within the
experimental and politically engaged National Student Association of Architecture and Urbanism, where she supervised
meetings, workshops, publications, seminars and exhibitions at
the local and national level. In São Paulo she participated in different design and construction projects. Established in Switzerland since 2005, she is currently collaborating in the extension
of Geneva’s Ethnographic Museum developed by Zurich’s Graber
Pulver Architects.
Céline Guibat, architect, studied at the Lausanne Federal Institute
of Technology. After living in Spain and Germany, she finally settled in Switzerland, where she first worked for the Daniel Libeskind studio in Bern. Later she worked in the field between design
and architecture, as well as doing research at the Zürich Federal
Institute of Technology for professor A. Deplazes. She is currently
running her own studio between Zurich and Sion, while teaching
at Winterthur’s School of Architecture.
Cris Faria lives and works in Zurich. At 24 he left the beach, a
surfing career and his studies in history at the Federal University
of Bahia to begin his studies in visual arts at the Geneva University
of Art and Design (HEAD). He obtained his diploma with honors in
2005 with Art Basel Geneva, and won the Swiss Award in 2007.
He defines himself as an unartist, that is, an artist who seeks out
the frontiers between art and life. Through a procedure he calls
“Umwertung” [reevaluation], his works question social and political values and attributed roles.
David Zumstein, architect, lives and works in Zurich. His work
focuses on urban and landscape development issues, in the zone
of tension between exploitation and preservation. His work also
deals with the confrontation and perception of the specific phenomenologies of a space becoming more and more (uni)form
because of globalization. Among his various works are the unpublished research Coastscape Albania – Feasibility study for a sustainable development of a unique Mediterranean coastal strip and
the collaborative Internet platform www.howtopedia.org. His
field of activity spreads from a mandate as councillor and project
manager in the Real Estate Asset Management at a major Swiss
bank, to freelance work as an author in the field of architecture
and urbanism, and his commitment as a developer in his office
Acupuncture Investments.
Karin Zindel, Swiss-Brazilian designer, studied and lived several
years in England, where she started her engagement in the field
of innovation of design and contemporary art. Often working
between the two disciplines, she has always been interested in
the different roles and functions these two types of creation can
explore and produce. Following a photographic project for Fondation Terre des Hommes in Brazil in 2005, she began research on
participative design, urbanism and art in public spaces. Among
other independent activities, she currently works as a scientific
assistant at the Zurich University of the Arts.
This collective of people from different backgrounds (architecture, design, contemporary art) proposes a cartesian itinerary, crossing through the city of São
Paulo from south to north, with a questioning gaze. This itinerary is divided
into four walks. The walks, open to everyone, are just as easily intended for
Eternal Tour participants as for São Paulo’s residents.
The proposal refers to the vision of the “strollology” science founded by the
Swiss sociologist Lucius Burckhardt in the 1980s. This vision of pedestrian activity aims to confront the landscape with the urban space through the approach of
a naive and enthusiastic explorer, thus appreciating the aesthetics of any location even in its simplicity or greatest banality, as opposed to the spectacular.
The collective intends to provoke a colorful palette of subjective perceptions of the environment, the context and spatial reality, beyond the obvious
and the stereotypical.
Urban walks: why is São Paulo beautiful?
Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel and David Zumstein
Thais Ribeiro, arquiteta, graduou-se em 1998 pela FAU – Universidade Mackenzie (São Paulo). Codirigiu e coordenou a realização
de encontros, workshops, publicações, seminários e exposições
nacionais e regionais, dos estudantes de arquitetura no Brasil, no
âmbito da FENEA, representação estudantil de dimensão política
e experimental. Como arquiteta autônoma e em colaboração,
trabalhou na concepção e na construção de diversos projetos de
edificação em São Paulo e, desde 2005, na Suíça. Atualmente,
trabalha em Zurique, junto ao escritório de arquitetura Graber
Pulver, na realização do novo museu de etnografia de Genebra.
O olhar curioso.
Por que São Paulo é bela? 2012
Foto: Céline Guibat.
33
Yai, fotografia, 86 × 112 cm, 2011.
Sonhos ansiosos em um só olho
27
Com esta série inédita de fotografias, o artista Cris Faria coloca em imagens, de
maneira extremamente sutil, uma análise da herança cultural brasileira pelo
prisma da antropologia: antropofagia, sociedade multicultural, modernismo,
motivos tribais… Certos formatos-padrão da história da arte são igualmente
convocados: natureza-morta, autorretrato, drapejado, construção e desconstrução do cenário da imagem ou, ainda, a arte do enquadramento e do fora
de campo são articulados a um grande domínio técnico e simbólico do preto
e branco.
Cris Faria vive e trabalha em Zurich. Aos 24 anos, abandonou a
praia, uma carreira de surfista e a faculdade de história na Universidade Federal da Bahia para principiar seus estudos em artes
plásticas em Genebra, na HEAD. Obtém seu diploma com as felicitações da banca em 2005, com Art Basel Geneva, e dois anos
depois ganha o Swiss Award 2007. Ele próprio se define como
um não artista, ou seja, um artista que busca as fronteiras entre
a arte e a vida. Por meio de uma operação que ele denomina
Umwertung (reavaliação), seus trabalhos questionam os valores
sociais e políticos e os papéis que nos são atribuídos.
Cris Faria
Cris Faria
Cris Faria lives and works in Zurich. He left the beach, a surfing career and his studies in history at the Federal University of
Bahia to begin his studies in visual arts at the Geneva University
of Art and Design (HEAD). He obtained his diploma with honors
in 2005 with the project Art Basel Geneva. He defines himself as
an unartist, that is, an artist who seeks out the frontiers between
art and life.
Sonhos ansiosos em um só olho,
fotografia/instalação, 2012.
With this series of unpublished photographs, Cris Faria puts into pictures a
very subtle analysis of Brazilian cultural heritage through the prism of anthropology: cannibalism, multicultural society, modernism, tribal motifs… Some
standard formats of art history are also called forth: the still-life, the self-portrait, drapery, the construction and deconstruction of an image’s decor or even
the art of center and off-field shots are articulated with great technical and
symbolic mastery of black and white.
Anxious dreams in a single eye
35
Percatempo consists in a cart that catalyzes a series of situations while on the
move during the festival in São Paulo’s city center. The vehicle is the object
of appropriations and daily variations over the course of material collecting.
The project takes its inspiration from the numerous carts one can see in the
Paulistano urban context. They are pulled by vegetable vendors or rag-pickers.
There are several sorts of cart and they can be decorated or fitted with sound
or lighting devices. The title Percatempo is a reference to the organizations
called “Poupatempo” (Save time!) that are present throughout the city. Even
if advertising has been restrained in the Paulistano public sphere for several years, the lifestyle and dominant values are heavily laden by capitalism,
with a relation to time that is always compressed and calculated in terms
of profit. In this context, Percatempo is a device around which one enjoys
wasting time. More than becoming politicized, it is about going crazy, in a
“psycho-geographic” dimension. Percatempo solicits different anti-gentrification projects, cycling movements, urban artists and activist organizations,
shamans, also provoking pilgrimages towards improbable pit stops chosen
by intuition, through games or chance. The exhibition space thus becomes
nomadic and helps to show the Paulistano metropolitan area, whose limits
are hard to define, to its best advantage. The stakes for this long performance
equally consist in the personalization of the public sphere for a given time, and
addresses people on the street rather than the usual art-goers.
The project’s initiator is Yusuf Etiman, who lives and works in
Berlin and São Paulo. He studied communication in Berlin, and
worked as a graphic designer, principally in the field of electronic
music and visual arts. His artistic practice deals with urbanism, the social context, architecture and the public and private
spheres. He uses photography, text and performance depending
on the projects developed, and dedicates himself to the work process, to degrowth and to alternative structures. Over the last few
years he has committed himself to coordinating the atelier-space
Basso in Berlin, which he initiated in 2004.
Percatempo, 2012.
Photo: Yusuf Etiman.
37
Yusuf Etiman
Percatempo, 2012.
Foto: Yusuf Etiman.
O iniciador do projeto Percatempo é Yusuf Etiman que vive e trabalha em Berlim e São Paulo. Estudou Comunicação em Berlim
e trabalha como designer gráfico, principalmente no campo da
música eletrônica e das artes visuais. Sua prática artística envolve
o urbanismo, o contexto social, a arquitetura e o espaço público
e privado. Utiliza a fotografia, o texto e a performance de acordo
com os projetos desenvolvidos e se consagra ao processo de trabalho, ao decrescimento e às estruturas alternativas. Nos últimos
anos, dedicou-se a coordenar o espaço-ateliê Basso, em Berlim,
que fundou em 2004.
Percatempo consiste em um carrinho catalisador de uma série de situações
enquanto é empurrado durante todos os dias do festival pelo centro da cidade
de São Paulo. O veículo torna-se um objeto de apropriações e variações cotidianas ao sabor das coletas dos materiais. O projeto inspirou-se nos inúmeros
carrinhos que podem ser vistos no contexto urbano paulista. São puxados por
vendedores de legumes ou catadores de papel. São de vários tipos, alguns decorados ou dotados de dispositivos de som ou de luz. O título Percatempo faz
referência aos postos do “Poupa Tempo”, presentes na cidade inteira. Embora
a publicidade tenha sido restringida no espaço público paulistano, o modo de
vida e os valores dominantes são extremamente impregnados pelo capitalismo;
por isso, o tempo é sempre comprimido e calculado em termos de rentabilidade. Nesse contexto, Percatempo é um dispositivo em torno do qual se sente
prazer em perder tempo. Mais do que ser politizado, trata-se antes de tudo de
tornar-se louco, em uma dimensão “psicogeográfica”. Percatempo solicita diferentes projetos anti-gentrificação, movimentos dos ciclistas, dos artistas e das
organizações ativistas urbanas, dos xamãs, provocando também peregrinações
a paragens improváveis escolhidas por intuição, jogo e acaso. O espaço de exposição torna-se, assim, nômade e permite realçar a aglomeração urbana paulista,
cujos limites são dificilmente discerníveis. A essência dessa longa performance
consiste igualmente em uma domesticação do espaço público por um período
determinado e dirige-se mais às pessoas da rua do que ao público tradicional da
arte.
Percatempo – base comunitária móvel
Yusuf Etiman
25
São Paulo e a agência de turismo de conhecimento
23
Para o projeto Eternal Tour 2012, a Camenzind abre uma agência de turismo de
conhecimento em São Paulo. Com base na sua experiência, pesquisa e reflexão,
seus agentes acreditam em um entendimento mais amplo do termo “turismo”,
que abranja novas correntes de produção do conhecimento e considere a
importância do olhar do turista. Tendo em mente esse modo de produção, eles
convidam as pessoas a participar desse fenômeno, a questionar, criticar, rir e
compartilhar seus pensamentos sobre essa forma. Os Eternal Tourist podem
deixar um impacto positivo, sustentável e ressoante? Quais são os seus benefícios – em termos de identidade, educação e herança? E como os dois lados
podem ser associados – estrangeiro e local? O que o turista de conhecimento
leva consigo de sua viagem internacional? E o que o turista de conhecimento
está trazendo para suas visitas ou encontros com as pessoas do local?
Instalado em Berlim, William Davis é cofundador e membro da
ANZA (revista para as pessoas e os espaços) em Dar es Salaam,
Tanzânia. É membro do comitê de Camenzind, uma agência de
viagens fictícia, e de uma revista de arquitetura sediada em Zurique. Em 2012, trabalhou como diretor artístico para o escritório
cenográfico Chezweitz & Roseapple, para o planejamento e a
reforma de museus como o Deutsches Hygienes Museum, em
Dresden e The Barbican. Em 2011, coorganizou a exposição Part-Time Pioneer com Leah Whitman-Salkin e o artista Beny Wagner,
no Lichthof da Universidade Humboldt de Berlim. Com Camenzind, participou do projeto de criação da primeira revista de
arquitetura da África do Leste (ANZA). O projeto teve o apoio da
Pro Helvetia, da embaixada suíça em Dar Es Salaam, BHSF e de
patrocinadores privados. Em 2012, fundou um grupo de pesquisa
com Kenton Card e Christian Berkes e trabalhou com Corporate
Watch (organização para a observação das ações das empresas
relativas à sociedade), em Londres.
http://www.knowledgetourism.org/
William Davis
William Davis
Untitled (Eiffel Tower keyring), 2012.
Photo: Camenzind.
Based in Berlin, William Davis is co-founder and member of
ANZA (magazine for people and spaces) at Dar es Salaam in
Tanzania. He is a member of the collective, Camenzind, based in
Zürich. In 2010, he worked as artistic director for scenography
agency Chezweitz & Roseapple, for the planning and development of museums such as Deutsches Hygiene Museum Dresden
and The Barbican. In 2011, he co-organized the exhibition PartTime Pioneer with Leah Whitman-Salkin and artist Beny Wagner,
at Humboldt University’s Lichthof space in Berlin. In 2012 he ran
the discussion group The City and the Political” with Kenton Card
and Christian Berkes.
http://www.knowledgetourism.org/
Sem título (guia de linguagem comprado
em Dar es Salaam, Tanzânia), 2012.
Foto: Camenzind.
For the project Eternal Tour 2012, Camenzind have set up a a bureau for knowledge tourism in São Paulo. Based on their experience, research and reflection,
Camenzind’s agents believe in a broader understanding of the term ‘tourism’:
one that encompasses new strains of knowledge production, and the importance of the tourist gaze. With this mode of production in mind, they open a
fictive bureau in São Paulo inviting people to participate in this phenomenon,
to question, criticize, laugh, and share their thoughts on this form. Can the
Eternal Tourist leave a sustainable, resonating positive impact? What are the
benefits of both education and heritage, in terms of identity? And how can
both sides – foreign and local – be more productively understood? What does
the knowledge tourist take back home from their foreign voyage?
São Paulo and the bureau for knowledge tourism
39
Longe e Faça-me bela
21
Para o Festival, a artista tunisiana Boutheyna Bouslama apresenta dois trabalhos: o primeiro, Longe (25 min), realizado no âmbito de Eternal Tour 2010
Jerusalém, evoca a impossibilidade, para certas pessoas do mundo árabe, entre
elas a artista, de entrar em Jerusalém. Ressalta, assim, os limites do cosmopolitismo em certos contextos precisos. O segundo, Faça-me bela, (5 min 18 s)
realizado para a edição paulista do festival Eternal Tour, opera um retorno ao
corpo da artista. Ela interessou-se pela relação da mulher brasileira com o corpo
e com a beleza, para melhor entender sua percepção de seu próprio corpo. A
artista foi educada em um espírito que privilegiava a inteligência e o trabalho
nas mulheres, e deixava o físico de lado. Contudo, em razão de uma doença
tumoral e de duas operações pesadas, ela aprende a dar ao seu corpo uma atenção particular, não somente por meio de cuidados médicos, mas principalmente de cuidados estéticos.
Artista plástica e cineasta tunisiana, nascida em Paris em 1982
de pais tunisianos, Boutheyna Bouslama cresceu no Catar e no
Oriente Médio. Desde 2007, vive e trabalha em Genebra. Formada em artes e cenografia na Escola Superior de Belas-Artes
de Mônaco, essa antiga bióloga obtém, em seguida, um Master
em artes visuais da Escola superior de Arte e Design de Genebra.
Seu trabalho baseia-se na escrita e nas diferentes formas plásticas que dá a seus textos, narrativos e autoficcionais, e que tratam
de suas preocupações de mulher/artista/expatriada. Uma de suas
preocupações consiste na difusão de seu trabalho em espaços
não dedicados à arte contemporânea e procede, assim, a infiltrações de seus objetos de arte no espaço do cotidiano. Seus filmes,
a maioria deles documentários, embaralham voluntariamente
os limites entre o real e a ficção, e são regularmente projetados
em festivais na Europa, na América Latina, no Oriente Médio e
na Índia.
Boutheyna Bouslama
Boutheyna Bouslama
Boutheyna Bouslama, Far away, 2010.
Tunisian visual artist and filmmaker, born in Paris in 1982 to Tunisian parents, Boutheyna Bouslama grew up in Qatar and the
Middle East. She has been living in Geneva since 2007. With a
diploma in art and scenography from Monaco’s School of Fine
Arts (ESAP), this former biologist then obtained a Master’s in
visual arts from the Geneva University of Art and Design (HEAD).
Her work is based on writing and the different forms she gives her
texts, narrative and self-fictional, and which deal with her preoccupations as a woman/artist/expatriate. She is interested in disseminating her work in spaces not dedicated to contemporary art,
and proceeds by infiltrating everyday spaces with her art objects.
Her films, for the most part documentaries, voluntarily blur the
limits between reality and fiction, and are regularly projected in
festivals in Europe, Latin America, the Middle East and India.
Boutheyna Bouslama, Longe, 2010.
For the festival, the Tunisian artist Boutheyna Bouslama presents two works:
the first, Far away (25 minutes), produced for Eternal Tour 2010 Jerusalem,
evokes the impossibility for certain people from the Arab world – including the
artist herself – to go to Jerusalem. Thus it highlights the limits of cosmopolitanism in certain precise contexts. The second, Far away & Make me beautiful
(2012/5 min 18 sec) produced for the Paulistano edition of the Eternal Tour
festival, is a return to the artist’s body. She became interested in the relationship between the Brazilian woman and beauty to better understand her own
perception of her body. The artist was raised in an atmosphere that promoted
intelligence and work in women, by setting aside physique. However, after a
tumorous disease and two difficult operations, she learned to pay particular
attention to her body, not only through medical treatment, but especially with
esthetic treatment.
Far away & Make me beautiful
41
Nossa última sonata
Rudy Decelière vive e trabalha em Genebra. Formado pela Escola
Superior de Artes Visuais de Genebra (hoje HEAD de Genebra),
seu trabalho gira em torno do som, instalado no espaço público
ou no espaço de exposição. Desenvolve suas atividades também
no cinema, como operador de som, montador e mixador. Desde
2009, participa do festival Eternal Tour.
19
Donatella Bernardi e Rudy Decelière
Filme realizado por Donatella Bernardi e Rudy Decelière, representa uma viagem e uma leitura, de Sarajevo a Jerusalém. Três protagonistas: uma barba,
uma cabeleira e um chapéu. Uma fala dita para a câmera, imagens-quadros e
câmaras de ar. De sua 114ª à sua 1ª sura, o Alcorão é lido na beira das estradas,
em uma tenda, um bar, na entrada de um shopping, diante de um jumento, no
mar, em um ônibus, em um trem noturno ou em um avião. Como entender
essa tradução francesa do texto sagrado que fundou a língua árabe, a língua de
Deus? Seria preciso tentar interpretá-lo e ligá-lo às paisagens-contextos? Se se
trata de viver um livro, por meio de uma leitura estimulada e sustentada pela
câmera e pelo microfone, o que está em jogo é também a questão de uma pesquisa da fronteira geográfica e cultural entre Ocidente e Oriente, das distinções
e entrecruzamentos feitos entre os três monoteísmos, da apropriação dessas
problemáticas por três pessoas que encarnam alternativamente o patriarca,
a mulher e o judeu ou, ainda, o Papai Noel, a indisciplinada e o jovem. Com
todos os esforços que isso requer, como prova o filme, trata-se definitivamente
de duas travessias paralelas – terra e texto – entre as quais os protagonistas buscam invariavelmente o ponto de contato, Deus sabe onde.
Donatella Bernardi, artista, vive e trabalha em Genebra e em
Estocolmo, onde é professora na Academia Real de Belas-artes.
Sua prática artística – cujos temas principais são a história, a tradição, as classes, os sexos, os esquemas de poder – inclui filmes,
instalações, publicações científicas e curadorias de exposições.
É membra fundadora de Eternal Tour.
Rudy Decelière lives and works in Geneva. With a diploma from
Geneva’s School of Fine Arts (currently, HEAD), his work revolves
around sound, set up in the public sphere or in an exhibition
space. He also works for cinema as soundman, sound editor and
sound mixer. He has participated in Eternal Tour since 2009.
A trip and a lecture, from Sarajevo to Jerusalem. Three protagonists: a beard, a
head of hair and a hat. A word performed for the camera, tableaux-images and
inner tubes. From its 114th to its 1st Sura, the Koran is read by the side of the
road, in a tent, a bar, a shopping mall entrance, in front of a donkey, at sea, on a
bus, a night train or plane in flight. How is one to understand the French translation of the sacred text that founded the Arab tongue, the language of God?
Should one even try to interpret the Koran and try to link it to the landscapecontexts? Though it’s about living a book and reading it, encouraged and supported by camera and mic, it’s also a question of researching this geographic
and cultural frontier between West and East – distinctions and cross references
made between the three monotheisms, from the appropriation of these problems by three people taking turns being the patriarch, the woman, and the Jew
or even Santa Claus, the rebel girl and the young man. With all the efforts this
required, recorded on film, it is definitely a question of two parallel crossings
– earth and text – whose protagonists invariably seek the point of contact, God
knows where.
Our last sonata
Donatella Bernardi and Rudy Decelière
Emmanuel DuPasquier in Our last sonata, a film by Donatella Bernardi and Rudy Decelière, 2012.
Photo: Donatella Bernardi.
Donatella Bernardi, artist, lives and works in Geneva and Stockholm, where she is a professor at the Royal Academy of Fine Art.
Her artistic practice – whose principal subjects are history, tradition, the classes, gender, power schemes – includes films, installations, scientific publications and exhibition commissions. She is
a founding member of Eternal Tour.
Caffe Tito em Sarajevo, Nossa última sonata,
filme de Donatella Bernardi e Rudy Decelière, 2012.
Foto: Donatella Bernardi.
43
The installation Hot cat hot city proposes to make the animal kingdom’s
tracks visible – an animal kingdom that lives and rubs elbows with civilized and channeled nature such as the city imposes today. Indeed São Paulo,
tropical metropolis, is, like other cities of the South, in a permanent balance
between its economic and urban growth and its geographical, climatic and biological situation. The rivers that become sewers are also a home to wild animals; the power of vegetation mistreats manmade constructions; to the city’s
immense population corresponds an equally huge population of pets or wild
animals, semi-civilized or parasitic. Hot cat hot city is a research on this fauna:
what relations do they maintain with humans, between the desire for protection, the will to eradicate and irrational fears? Hot cat hot city will take the
form of a film project, deployed like a mural diagram that reports on the state
of the research with a display case to be progressively filled with traces of the
wilderness and the beast.
Fabiana de Barros is a Swiss artist of Brazilian origin educated at the School of Arts FAAP and at the ESAV (School of
Visual Arts, currently HEAD) in Geneva. She lives and works in
these two cities. In 1987, she presented her first solo exhibition: Tours du monde in Geneva. In 1988, she was invited to
São Paulo’s 20th biennial, where she participated again in 2000
and 2002. Her work is situated in the field of Contextual and
Relational Art where the public plays a crucial role. The Fiteiro
Cultural [Culture Kiosk] (1998), developed over the course of
10 years, was built in several cities of the world: João Pessoa,
Athens, Sion, New York, Havana, Erevan, Lisbon, São Paulo,
Dunkirk, Milan, Geneva, Bienne, Bern, Jerusalem, Berlin and Second Life. Other works include: 3rd Biwako Biennal, Japan; Això
no és un museu, ACVic Centre d’Arts Contemporànies, Spain; 7th
Bienal do Mercosul, Porto Alegre; Mapping Festival, Centre d’Art
Contemporain, Geneva; 1st Bienal das Canarias, Islas Canarias;
GOING PUBLIC’05, New Contemporary Art Centre, Larissa; 8th
Bienal de La Habana, Cuba; Interactivos’10: Ciencia de barrio,
MediaLab Prado, Madrid; Utopics 11th Swiss Sculpture Exhibition, Bienne.
Michel Favre obtained his diploma in cinema in Geneva’s School
of Fine Arts (currently HEAD), where he studied cinema, video
and visual arts. During his studies he co-founded the Spoutnik
cinema in Geneva. After his studies he made several short films
– Suspendus à un fil (1985), L’an (1988), and Stock (1992). From
1991 until 2007, Michel Favre has been collaborating with Télévision Suisse Romande directing variuous documentaries. Since
1994, he’s been pursuing an artistic activity with his companion
Fabiana de Barros with whom he notably produces urban intervention AUTO PSi (2003). Since 1999, he directed various long
feature documentaries exhibited in the major international film
festivals – Geraldo de Barros – Sobras em Obras (1999), L’image
à paroles (2006), so close so far (2012). Since 2006, Michel Favre
teaches cinema at the Geneva University of Art and Design
(HEAD) in Geneva.
Fabiana de Barros & Michel Favre,
Saudade, video still, 2012.
45
Fabiana de Barros and Michel Favre
Fabiana de Barros & Michel Favre,
Saudade, vídeo still, 2012.
Fabiana de Barros é uma artista suíça-brasileira formada pela
Faculdade de Artes Plástica da FAAP de São Paulo e na Escola
Superior de Artes Visuais de Genebra (hoje HEAD de Genebra).
Vive e trabalha nessas duas cidades. Em 1987, apresenta sua
primeira exposição individual: Tours du monde, em Genebra. Em
1988, é convidada para a XX Bienal de São Paulo, e participa também de suas edições de 2000 e 2002. Sua obra se situa no campo
da Arte Contextual e Relacional, em que o público desempenha
um papel decisivo. O Fiteiro Cultural (1998), obra desenvolvida ao
longo de mais de 10 anos, foi construído em várias cidades do
mundo: João Pessoa, Atenas, Sion, Nova York, Havana, Erevan,
Lisboa, São Paulo, Dunquerque, Milão, Genebra, Bienne, Berna,
Jerusalém, Berlim e Second Life. Principais exposições: III Biwako
Biennal, Japão; VII Bienal do Mercosul, Porto Alegre; I Bienal das
Canarias, Ilhas Canárias; VIII Bienal de La Habana, Cuba; Utopics
11th Swiss Sculpture Exhibition, Bienne.
Michel Favre é formado pela Escola Superior de Belas-Artes de
Genebra (hoje HEAD de Genebra), onde estudou cinema, vídeo e
artes visuais. Durante seus estudos, funda o cinema associativo
Spoutnik em Genebra. Realiza os curta-metragens, Suspendus
à un fil (1985), L’an (1988) e Stock (1992). Entre 1991 e 2007,
Michel Favre colaborou com a Télévision Suisse Romande como
diretor de documentários. Desde 1994, desenvolve uma atividade artística com sua companheira, a artista plástica Fabiana
de Barros, com a qual realizou, entre outras obras, a intervenção
urbana AUTO PSI (2003). A partir de 1999, Michel Favre dirigiu
varios documentários longa-metragem, entre os quais Geraldo de
Barros – Sobras em Obras (1999), Ouvindo imagens (2006) e Tão
perto tão longe (2012). Desde 2006, Michel Favre ensina cinema
na Universidade HEAD de Genebra.
A instalação Cidade gato quente se propõe a tornar visíveis os vestígios da
natureza animal selvagem que vive e convive com a natureza civilizada e canalizada que a cidade impõe. De fato, São Paulo, metrópole tropical, a exemplo
de outras cidades de países do Sul, está em permanente desequilíbrio entre seu
crescimento tanto econômico como urbano e sua situação geográfica, climática e biológica. Os rios que se tornam esgotos são também terras para animais
selvagens, a potência da vegetação compromete as construções, à imensidão
de sua população corresponde uma população ao menos tão significativa de
animais de estimação ou selvagens, semicivilizados ou parasitas. Cidade gato
quente consiste em uma pesquisa sobre essa fauna: que relações ela mantém
com o ser humano, entre desejo de proteção, vontade de erradicação e medos
irracionais? Cidade gato quente tomará a forma de um projeto de filme, apresentado como um diagrama mural, relatando o estado das pesquisas com uma
vitrine que será preenchida, à medida que forem se escoando os dias do Festival, com os vestígios do selvagem e do animal.
Cidade gato quente
Fabiana de Barros e Michel Favre
Hot cat hot city
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Homenagem à Meret Oppenheim
Fabiana de Barros é uma artista suíça-brasileira formada pela
Faculdade de Artes Plástica da FAAP de São Paulo e na Escola
Superior de Artes Visuais de Genebra (hoje HEAD de Genebra).
Vive e trabalha nessas duas cidades. Em 1987, apresenta sua
primeira exposição individual: Tours du monde, em Genebra. Em
1988, é convidada para a XX Bienal de São Paulo, e participa também de suas edições de 2000 e 2002. Sua obra se situa no campo
da Arte Contextual e Relacional, em que o público desempenha
um papel decisivo. O Fiteiro Cultural (1998), obra desenvolvida ao
longo de mais de 10 anos, foi construído em várias cidades do
mundo: João Pessoa, Atenas, Sion, Nova York, Havana, Erevan,
Lisboa, São Paulo, Dunquerque, Milão, Genebra, Bienne, Berna,
Jerusalém, Berlim e Second Life. Principais exposições: III Biwako
Biennal, Japão; VII Bienal do Mercosul, Porto Alegre; I Bienal das
Canarias, Ilhas Canárias; VIII Bienal de La Habana, Cuba; Utopics
11th Swiss Sculpture Exhibition, Bienne.
Donatella Bernardi, artista, vive e trabalha em Genebra e em
Estocolmo, onde é professora na Academia Real de Belas-Artes.
Sua prática artística – cujos temas principais são a história, a tradição, as classes, os sexos, os esquemas de poder – inclui filmes,
instalações, publicações científicas e curadorias de exposições.
É membra fundadora de Eternal Tour.
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Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane Maria Guimarães, Silvia Lucchi,
Angela Marzullo e Enrico Natale
Sketch for Tribute to Meret Oppenheim,
Fabiana de Barros, Second Life, March 2012.
Angela Marzullo and Enrico Natale
Silvia Lucchi, nasceu em São Paulo em uma família de imigrantes italianos. Nos anos 1980, estudou arquitetura em São Paulo,
cenografia e figurino teatral na Accademia de Bellas Artes em
Florença e design de moda na Domus Accademy em Milão. Nos
anos 1990, trabalhou para Krizia, Zoomp e Fiorucci. Depois criou
a sua própria marca, SL, onde desenvolveu chapéus com novos
materiais, também para outras marcas brasileiras. Em São Paulo
participou de importantes eventos no “Look of the Year”. Em
1995, Silvia abriu sua própria empresa, AVATAR, que produzia,
vendia e distribuía suas coleções. Até 2005 desenhou sua coleção de chapéus com distribuição internacional. Em 2009 foi
convidada pelo Museu ACASA, com direção de Marcelo Kahns e
Renata Mellão, a fazer uma mostra intitulada NA CABEÇA. Desde
2005 reside em Marília, onde trabalha como design no projeto
Residencial Costa do Ipê.
Angela Marzullo, artista, vive e trabalha em Genebra, Suíça. Após
seus estudos em Genebra, ganhou vários prêmios e bolsas. Em
2007, participou de uma residência em Erevan e atualmente é
bolsista no Instituto Suíço de Roma. Durante esse ano de residência, produz um curta-metragem, Concettina, baseado nas Cartas
luterianas de Pier Paolo Pasolini. Como videógrafa, alia a arte do
vídeo e a performance, investindo o feminismo, em sua história
e ideologia.
Enrico Natale é licenciado em história contemporânea e em latim
na Universidade de Genebra. Trabalhou com a história humanitária e o cinema dos anos 1920, no Comitê Internacional da Cruz
Vermelha. Em 2007, concluiu um mestrado em relações euro-mediterrâneas, que o levou à Espanha, à Itália, à França e ao
Marrocos, para estudar os problemas contemporâneos ligados ao
Mediterrâneo. Interessado pelas questões interculturais impostas
pelas migrações, participou de vários projetos de pesquisa entre
as duas margens do Mediterrâneo. No âmbito do projeto infoclio.ch, trabalha atualmente em Berna, voltado à organização do
saber e à história social das ciências na era digital.
Ensaio para Homenagem à Meret Oppenheim,
Angela Marzullo e Donatella Bernardi, Genebra, julho 2012.
Foto: Dominique Fleury.
This event is planned for the festival’s grand opening. It incarnates what
Eternal Tour is perfectly. Starting with a performance that marked the surrealist movement, several artists and scholars will collaborate to create a neverbefore-seen carnivalesque reenactment, specially made for the Paulistano
context. This project starts with Meret Oppenheim’s Fruhlingsfest, or ‘Feast’,
to shift towards Brazil’s culture of cannibalism, the question of skin color
and its political implications, our relation to nourishment and the dialectic
between creolization and camouflage.
In April 1959, the artist Meret Oppenheim organized a performance in Bern
she called Fruhlingsfest (Spring Festival). The original work consisted in a
young girl lying naked on a table decorated with wooden anemones, her throat
and face covered with golden paint. Meret Oppenheim arranged different foods
on various parts of her body, and then some of her friends were invited to eat
the food arranged on the girl’s anatomy.
On August 28th 2012, in the SESC Consolação’s Sala Moebius, eight performers will be dressed in two-piece swimsuits specially created for the occasion in a workshop with the SESC Consolação’ public, a Brazilian fashion
designer, and artists in a collective work. The bikinis are produced with a crafting technique of Portuguese origin, the crochet. Their hues are adapted at will
to the bodies’ color tones, while the performers are arranged on human-sized
pedestals, covered by flashy multicolored plastic tablecloths. A series of edible
jellies of all colors is put on their bodies, live. They evoke different aspects
of Brazil’s agricultural history and put certain Brazilian economic and social
circumstances into perspective (colonization, slavery, immigration, naturalization, industrialization, hybridization). Some of the foods chosen: pineapples,
cacao, coffee, sugarcane, limes, oranges, corn, manioc, passion fruit and soya.
Among other things, the work represents a symbolic geography of the different
social groups with Brazilian foodstuffs.
47
Fabiana de Barros is a Swiss artist of Brazilian origin educated at the School of Arts FAAP and at the ESAV (School of
Visual Arts, currently HEAD) in Geneva. She lives and works in
these two cities. In 1987, she presented her first solo exhibition: Tours du monde in Geneva. In 1988, she was invited to
São Paulo’s 20th biennial, where she participated again in 2000
and 2002. Her work is situated in the field of Contextual and
Relational Art where the public plays a crucial role. The Fiteiro
Cultural [Culture Kiosk] (1998), developed over the course of
10 years, was built in several cities of the world: João Pessoa,
Athens, Sion, New York, Havana, Erevan, Lisbon, São Paulo,
Dunkirk, Milan, Geneva, Bienne, Bern, Jerusalem, Berlin and Second Life. Other works include: 3rd Biwako Biennal, Japan; Això
no és un museu, ACVic Centre d’Arts Contemporànies, Spain; 7th
Bienal do Mercosul, Porto Alegre; Mapping Festival, Centre d’Art
Contemporain, Geneva; 1st Bienal das Canarias, Islas Canarias;
GOING PUBLIC’05, New Contemporary Art Centre, Larissa; 8th
Bienal de La Habana, Cuba; Interactivos’10: Ciencia de barrio,
MediaLab Prado, Madrid; Utopics 11th Swiss Sculpture Exhibition, Bienne.
Remake of Meret Oppenheim, Project for Parkett No.4, 1985,
Angela Marzullo, 1995.
Foto: Angela Marzullo.
Donatella Bernardi, artist, lives and works in Geneva and Stockholm, where she is a professor at the Royal Academy of Fine Arts.
Her artistic practice – whose principal subjects are history, tradition, the classes, gender, power schemes – includes films, installations, scientific publications and exhibition commissions. She is
a founding member of Eternal Tour.
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Angela Marzullo and Enrico Natale
Silvia Lucchi was born in São Paulo to a family of Italian immigrants. In the 80s she studied architecture in São Paulo, scenography and theatrical costume design at the Academy of Fine
Arts in Florence, as well as fashion design at Milano’s Domus
Academy. In the 90s, she worked for Krizia, Zoomp and Fiorucci.
Thereafter she developed hats out of new materials for her own
brand, SL, and also for other Brazilian brands. In São Paulo she
took part in several important events, such as “Look of the Year”.
In 1995, Silvia started her own business, AVATAR, which produces, sells and distributes her collections. She designed her hat
collection and distributed it internationally up to 2005. In 2009
the ACASA museum, directed by Marcelo Kahns and Renata
Mellão, invited her to present an exhibit titled NA CABEÇA. Since
2005 she’s been living in Marilia, where she works as a designer
for the Costa do Ipe residence project.
Angela Marzullo, artist, lives and works in Geneva, Switzerland.
After her studies in Geneva, she obtained numerous prizes and
grants. In 2007, she was in residence at Erevan, and in 2010 she
obtained a grant for the Swiss Institute in Rome. During this year
of residence she produced the short film, Concettina, based on
Pier Paolo Pasolini’s Lutheran Letters. As a videographer she combines video art and performance while appropriating feminism, in
its history and its ideology.
Enrico Natale obtained his MA in Contemporary History and Latin
at the University of Geneva. He worked on humanitarian history
and 1920s cinema within the International Committee of the Red
Cross. In 2007, he obtained his MA in Euro-Mediterranean Affairs,
which led him to Spain, Italy, France and Morocco to study contemporary Mediterranean issues. Interested in the intercultural
questions raised by migrations, he participates in several research
projects on both shores of the Mediterranean. Within the infoclio.
ch project, he is currently working in Bern on the organization of
knowledge and the social history of science in the digital age.
Workshop: designing bikini with crochet,
with Sandra Belucci and Eliane Maria Guimarães, 6th
to 11th August at SESC Consolação, 2012.
Photo: Donatella Bernardi.
Angela Marzullo e Enrico Natale
Este evento, programado para a abertura do festival, encarna perfeitamente o
que é o Eternal Tour. A partir de uma performance que marcou o movimento
surrealista, vários artistas e pesquisadores colaboraram para criar um reenactment inédito e carnavalesco, especialmente concebido para o contexto
paulistano. Este projeto toma como ponto de partida a Frühlingsfest de Meret
Oppenheim, para reencontrar a antropofagia cultural brasileira, a questão da
cor da pele e suas implicações políticas, nossa relação com a alimentação e a
dialética entre crioulização e camuflagem.
Em abril de 1959, a artista suíça Meret Oppenheim organizou em Berna
uma performance intitulada Frühlingsfest ou Festa da Primavera. A obra original consistia em uma jovem nua, deitada em cima de uma mesa decorada
de anêmonas dos campos, com o pescoço e o rosto cobertos de tinta dourada.
Sobre as diversas partes de seu corpo, Meret Oppenheim dispôs diferentes alimentos. Alguns amigos foram convidados a comer as iguarias ali apresentadas.
No dia 28 de agosto de 2012, na sala Moebius do SESC Consolação, oito
performers, homens e mulheres, vestirão biquínis realizados para a ocasião, em
um workshop com o público do SESC Consolação, uma estilista brasileira e os
artistas, em um trabalho coletivo. Eles são confeccionados com uma técnica
artesanal de origem portuguesa, o crochê. Os tons dos biquínis são adaptados
propositadamente aos dos corpos, enquanto os intérpretes estão acomodados
em grandes mesas adaptadas ao tamanho humano, cobertas por toalhas de plástico multicolorido e pop. Sobre seus corpos serão dispostos, ao vivo, uma série
de gelatinas comestíveis coloridas, que evocam diferentes aspectos da história agrícola brasileira e colocam em perspectiva certas circunstâncias econômicas e sociais do Brasil (colonização, escravatura, imigração, naturalização,
industrialização, hibridação). Entre os alimentos selecionados estão o abacaxi,
o cacau, o café, a cana-de-açúcar, a lima, a laranja, o milho, a mandioca, o maracujá e a soja. Através as diversas interpretações possíveis, a obra representa
uma geografia simbólica dos diferentes grupos sociais em suas relações com os
gêneros alimentares no Brasil.
13
LapTopRadio – Não espere as coisas acontecerem
11
LapTopRadio é uma estrutura de difusão experimental, nômade e irregular:
um laptop com acesso móvel à internet permite realizar emissões e, ao mesmo
tempo, continuar a se deslocar livremente. É também um projeto colaborativo
e auto-organizado que propõe experimentos com base nas problemáticas formuladas por Félix Guattari no contexto do que ele chamava de “era pós-mídia”,
que repousaria em redes de proximidade descentralizadas, nos novos meios tecnológicos de comunicação e em disposições subjetivas criativas. LapTopRadio
será ativo em três níveis durante o festival Eternal Tour: o projeto Don’t wait
for things to happen tenta desenhar um mapa da expressão política espontânea,
referindo-se à longa e vasta tradição das canções políticas no Brasil; visa cobrir
as atividades de Eternal Tour, as discussões, os workshops e as conferências;
essas gravações estarão disponíveis na Sala Moebius (Convivência) para todos
que quiserem ouvir os eventos já realizados.
Sophie Alphonso nasceu em Genebra em 1985. Graduada pelo
departamento de pintura da HEAD (Haute Ecole d’Art et de
Design) em 2008, continua seu trabalho artístico na oficina do
ARG (Ateliers de Recherches Géniales). Desde 2007, participa de
exposições coletivas e individuais e de diversas edições. Desde
2008, é membro e cofundadora da New York, banda de hip-hop
dark noise, com Renaud Marchand e Viktor Konwicky. Em 2011,
nasce Sofy Maladie (DJ). Em 2012, começou o Workmaster da
HEAD, dando início a novos projetos como N.A.N.A e REPETITION (projeto radiofônico).
Leila Amacker (nascida em Genebra em 1982) estudou História
do Cinema e da Literatura Francesa na Universidade de Lausanne
e Genebra, com especialização no cinema suíço de cunho social e
político dos anos setenta. Após essa pesquisa, que a levou a pensar a fronteira entre documentário e ficção, explora, atualmente,
o campo da arte: recorre a séries fotográficas e apresentação de
performances para atenuar a separação entre arte e vida.
Mara Krastina (nascida em 1984, Riga) estudou na HEAD (Haute
École d’Art et de Design), formando-se bacharel em pintura. Faz
desenhos e, atualmente, publica fanzines (com o coletivo “Les
chiens fous”) e trabalha no projeto “Prospectus”, um dicionário
ilimitado de técnicas de desenho, com Guillaume Fuchs. Entre
suas atividades recentes, estão o desenvolvimento da língua
“Desesperanto”, projetos solo e coletivos de música (Massicot,
Bass and Boys, QBH), eventos de som e rádio.
Renaud Marchand nasceu em 1977 em Delémont (CH) e vive
em Genebra desde 1998. Nessa cidade, seguiu um curso de fotografia e formou-se em 2002. Desde 2000, atua como DJ (com
Simon Riat) sob o nome de Bad Trip Inc. e organiza concertos
e festivais (The Wild Party 2006/2007/2008/2009). Em 2007,
graduou-se no Departamento de Arte/Mídia da École Supérieure
des Beaux-Arts (ESBA) em Genebra. Em 2008, criou o Centro
Fraction Extrême (arte coletiva com Simon Riat e Viktor Konwicki), e começou a participar da New York (banda de trash-hip-hop). Em 2009, nasce o selo de vinil Wildrfid Records (com
Simon Riat).
Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas,
Laurent Schmid,
e Seda Yildiz
LapTopRadio, N.A.N.A ACT 5
with La Plèvre & Krodelabestiole, 2012.
Photo: Sophie Alphonso.
Renaud Marchand was born in 1977 in Delémont (CH) and
has been living in Geneva since 1998. He undertook a photo
graphy apprenticeship in Geneva and graduated in 2002. Since
2000, he’s been djing (with Simon Riat) under the name of Bad
Trip Inc. and organizes concerts and festivals (The Wild Party
2006/2007/2008/2009). In 2007, he graduated from the Art/
Media department of the School of Fine Arts (ESBA) in Geneva. In
2008, he created the Fraction Extrême Centre (art collective with
Simon Riat and Viktor Konwicki), and is a member of New York
(trash-hip-hop-band). In 2009, the vinyl label Wildfrid Records is
born (with Simon Riat).
Mara Krastina (born in 1984) studied at the Geneva University
of Art and Design (HEAD), obtaining a bachelor’s in painting.
She makes drawings and publishes zines (together with the
“Les chiens fous” collective). Among her recent projects are the
development of the language “Desesperanto”, solo and collective
music projects, sound- and radio-events.
Leila Amacker (born in Geneva 1982) undertook studies in History of cinema and French literature at the Universities of Lausanne and Geneva, with a specialty in socially and politically
committed Swiss cinema of the seventies. After this research,
which led her to think of the frontier between documentary and
fiction, she is now searching the field of art: she uses photographic series and presentation-performance to soften the separation between art and life.
Sophie Alphonso was born in Geneva in 1985. Graduated from
the Geneva University of Art and Design’s painting department
(HEAD) in 2008, she continues her artistic work in the ARG
(ateliers de recherches géniales) workshop. Since 2007, she has
participated in several exhibitions, both collective and personal,
and in diverse publications. Since 2008, she is member and
cofounder of New York, dark noise hip-hop band, with Renaud
Marchand and Viktor Konwicki. 2011 sees the birth of Sofy Maladie (Dj). In 2012, she will begin the Workmaster at the HEAD
where she has begun new projects like N.A.N.A and REPETITION
(a radiophonic project).
Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas,
Laurent Schmid
and Seda Yildiz
Ceel Mogami de Haas (nascido em Selebi Phikwe em 1982) vive
e trabalha em Genebra. Por meio de ensembles*, performances
e projetos de edição, a prática artística de Ceel Mogami de Haas
questiona a sua relação com o conhecimento e particularmente
com o enciclopedismo. Pode ser lida como um sistema de contagem poético que propõe um método de composição baseado
em edição, apropriação, sampleamento, colagem e pirateamento.
*termo oposto a instalação, usado por Bart de Baere a fim de
salientar a qualidade mutável, transformável e reticulada da
obra de arte.
Laurent Schmid estudou na Basel Art School e na Universidade
de Berna. Vive e trabalha em Berna e em Genebra. Realiza laboratórios de experimentação na zona cinza entre a ciência e a
física pseudo-científica, uma pesquisa que funciona como uma
metáfora de certos conceitos sociais. Seu trabalho oscila entre as
mídias digitais e analógicas, e ele pratica formatos tão variados
quanto o rádio, o vídeo, a instalação, o desenho ou a fotografia.
Seu trabalho foi apresentado no Shift festival em Basileia, na Maison d’ailleurs de Yverdon, no ZKM de Karlsruhe, na Kunsthalle de
Berna e em galerias particulares. Laurent Schmid ensina atualmente na escola HEAD de Genebra.
Seda Yildiz, nascida em 1989, Istambul, vive e estuda atualmente
em Genebra, mas passa a maior parte do tempo viajando por
outros países europeus. Como artista, tem trabalhado com vídeo,
conflito de ficção e não-ficção, consciência e inconsciência, mas
está, neste momento, lidando com as coisas ao seu redor, como
as questões de língua e imigração, procurando explorar/misturar
também todos os outros meios. E ela não sabe o que vem depois.
LapTopRadio no OLM space.
Foto: Renaud Loda.
Seda Yildiz, born in 1989, Istanbul, is currently living and studying in Geneva; but spends more time travelling in other European
countries. As an artist she has been working with video, fiction/
non-fiction, and consciousness/unconsciousness conflicts, but is
currently dealing with things around her, such as language and
immigration issues, trying to explore and mix every other medium
as well. And she doesn’t know what’s next.
Laurent Schmid studied at the Basel Art School and the University of Bern. He lives and works in Bern and Geneva. He sets up
laboratories to run experiments in the gray zone of science and
pseudo-scientific physics, research that works like a metaphor
for certain social concepts. His work fluctuates between digital
and analog media, and he works with formats as varied as radio,
video, installation, drawing or photography. His work was presented at Basel’s Shift festival, Yverdon’s Maison d’Ailleurs, at
Karlsruhe’s ZKM, Bern’s Kunsthalle and in private galleries. Laurent Schmid currently teaches at the Geneva University of Art and
Design (HEAD).
Ceel Mogami de Haas (born in Selebi Phikwe in 1982) lives and
works in Geneva. Through ensembles*, performances and editorial projects, Ceel Mogami de Haas’ artistic practice brings into
question his relation to knowledge and particularly to encyclopedism. It can be read like a poetic counter-system that proposes a
composition method based on editing, appropriation, sampling,
collage or pirating.
*term opposed to that of “installation” used by Bart de Baere,
so as to stress the changing, transforming and reticular quality of a work of art.
LapTopRadio is an experimental, nomadic and irregular broadcasting structure: a laptop with mobile Internet access allowing broadcasting while on the
move, unhindered. It is also a collaborative and self-organized project that
experiments with problems formulated by Felix Guattari in the “post-media
era”, which relies on decentralized local networks, on new technological
means of communication and on creative, subjective layouts. LapTopRadio
will be active on three levels during the Eternal Tour festival: the project Don’t
wait for things to happen tries to draw a map of spontaneous political expression by referring to the long and vast tradition of political songs in Brazil; coverage of Eternal Tour activities, discussions, workshops and conferences; these
recordings will be available in the Sala Moebius to those of the public who
would like to hear these events, once past.
LapTopRadio – Don’t wait for things to happen
51
8
Exposição “Eternal Tour histórias 2008–2012”
O grande hall de entrada do SESC Consolação, rebatizado de Sala Moebius para a ocasião, acolhe, de
28 de agosto a 6 de setembro, as diferentes atividades do festival, e constitui o ponto de concentração
geral dos festivaleiros. Após o término do festival,
até 29 de setembro, no mesmo espaço, é proposta
ao público uma exposição, onde as instalações Eternal Tour São Paulo 2012 são apresentadas, ao lado
de uma seleção de imagens, sons, filmes e vídeos
das edições passadas, especialmente montada para
a ocasião. Trata-se de dar o gosto e de traduzir as
sensações de um projeto em que o essencial é o
vivido, ou seja, lembranças imateriais e efêmeras
que tendem resolutamente a desaparecer. Eternal
Tour produz experiências e, de maneira indireta, os
próprios laboratórios que as enquadram; sem que
isso tome uma forma vindicativa, contrapõe-se ao
sistema artístico em vigor com seus objetos, seu
mercado, sua conservação por particulares ou instituições. Eternal Tour investe-se e aplica-se, assim,
em deslocar prioritariamente seres humanos, seus
afetos, sua energia e seu desejo de fazer. Essa estratégia não é, evidentemente, exclusiva, mas opta por
se interessar antes de tudo pelo processo, por seu
potencial e seu valor formador, tanto para o artista
e o intelectual como para o espectador ou o leitor.
Uma homenagem à Lina Bo Bardi
com uma cenografia inédita
Eternal Tour nasceu no seio do Instituto Suíço
de Roma, que recebe todo ano, desde o final da
Segunda Guerra Mundial, cerca de doze bolsistas
suíços, artistas e pesquisadores, em um quadro
privilegiado. O ISR se inscreve em uma constelação
de institutos culturais nacionais tão esplêndidos
quanto misteriosos para os romanos. De fato, essas
infraestruturas luxuosas acolhem uma elite cosmopolita momentaneamente expatriada que, reunida
na cidade eterna, prioriza quase exclusivamente a
exploração – e a admiração – dos vestígios do passado. Com a organização de um festival em julho de
2008, Eternal Tour questionou os mecanismos e a
legitimidade desse fenômeno, baseado na exclusividade e na valorização do patrimônio. Em 2012,
quando o projeto é convidado pelo SESC no contexto paulista, Lina Bo Bardi revela-se como uma
figura imprescindível de investigação e de inspiração. Nascida em 1914 em Roma, a jovem arquiteta
chega ao Brasil em 1946 e adota a nacionalidade
brasileira em 1951. Segundo ela, seus projetos de
joias, prédios, cenografia, museus, móveis e exposições pertencem integralmente à arquitetura. Entre
suas realizações maiores, o MASP, Museu de Arte
de São Paulo (1957/1968), manifesta seu processo
de simplificação estética, após uma longa temporada no Nordeste do Brasil. A respeito da ceno-
9
grafia desenvolvida para apresentar as obras da
coleção, uma série de painéis de vidro sustentados
por cubos de concreto, ela escreve: “Os didáticos
painéis de vidro em que as pinturas são dispostas
não agradam àqueles que estão acostumados com
o conforto de um mobiliário todo estofado e dos
controles remotos, já que para ler os dados técnicos, nomes de autores e títulos das obras é preciso
olhar atrás dos painéis”.1 Essa estrutura de vidro,
que se afirma por sua radicalidade ao desaparecer
em proveito das obras de arte mostradas, será o
ponto de partida proposto ao arquiteto Álvaro Razuk
para desenvolver a cenografia inédita da Sala Moebius. Esta última é ritmada por paredes transparentes, que servem ao mesmo tempo como separação
entre os espaços de trabalho e como suporte para
as obras que precisam ser penduradas. A referência à obra de Bo Bardi é igualmente reinvestida de
maneira muito livre no nível dos materiais e dos formatos, sendo colocada a serviço das necessidades
específicas do projeto e dos elementos de construção disponíveis em 2012.
1
Lina Bo Bardi, Edizioni Charta, Milano, Instituto Lina Bo
e P. M. Bardi, São Paulo, 1994, p. 100.
Introdução
Introdução
Filippa Arrias, Ramallah 3, 2007, óleo sobre tela e Capela palimpséstica de Omar Ba,
Josse Bailly, Crystel Ceresa, Hadrien Dussoix, Thierry Feuz, Tami Ichino, Emma Perrochon, Frédéric Sanchez,
Aymeric Tarrade e Eric Winarto, pintura mural, várias técnicas.
Cosmotopia, curadoria por Donatella Bernardi, Eternal Tour Genebra 2012.
Foto: Vlado Alonso.
Cavalete de vidro durante exposição no museu, MASP, 1957/1968.
Instituto Lina Bo e P. M. Bardi, São Paulo
e AE/Agência Estado.
6
Eternal Tour
Admitindo o que geralmente funda a crítica ao
turismo, ou seja, a brevidade da permanência, sua
relativa superficialidade ou o olhar sempre “estrangeiro” ao lugar, Eternal Tour aposta na força e na
dimensão concreta da viagem iniciática. Tornando-se, assim, um verdadeiro instrumento de pesquisa
e de prática em rede, o turismo é esvaziado de seu
teor globalizado e mercantil contemporâneo para
redescobrir sua dimensão de transmissão interpessoal. De fato, se nos remetermos às principais
características do Grand Tour, notaremos o interesse
pelas redes de sociabilidade na organização da viagem, para a qual os círculos familiares, culturais e
profissionais são chamados a contribuir. Sob certos
aspectos, esse método de investigação pode também assemelhar-se a um trabalho de antropologia
ou sociologia. Eternal Tour valoriza assim um conhecimento do mundo construído com base na interação e nas trocas, recorrendo aos colegas autóctones.
Aposta em uma transmissão personalizada, íntima
e oral do saber: artistas, acadêmicos, responsáveis
por instituições, curadores de exposição, arquitetos,
ativistas, educadores ou professores são solicitados
de maneira ativa. Os encontros se alinham, se superpõem e, por vezes, se contradizem, as ideias amealhadas se justapõem e se burilam.
Como habitar o mundo? Como viajar e experimentar a hospitalidade: ser recebido e saber receber?
Segundo Jacques Derrida, a hospitalidade deveria
ser infinita, mesmo que a hospitalidade incondicional seja impossível. Aporia, paradoxo e desequilíbrio caracterizam a hospitalidade e, por extensão,
o projeto Eternal Tour. Qual o estatuto do hóspede,
do turista, ou do migrante, em uma escala geopolítica, de um lado, e em uma escala do pensamento,
das técnicas e dos domínios de especialização, de
outro? Como e por que agir, no contexto da contemporaneidade?
Se o universalismo e os outros mecanismos
ocidentais estão fortemente desacreditados, o que
preservar dessa herança para a construção de um
futuro já presente? Uma experimentação de fundo
e forma impõe-se então, acompanhada por um
movimento perpétuo de crioulização, que escapa da
armadilha de uma definição do ser ou da origem. Se
podemos antecipar os resultados de uma mestiçagem pela síntese, não podemos estimar os produtos
da crioulização, que só se deixa abordar pelo imaginário (Édouard Glissant), em uma dinâmica aventurosa, especulativa e, assim, matizada por um gosto
pronunciado pelo risco.
Por um turismo iniciático
Da hospitalidade à crioulização
Mais do que dados: obtidos
Uma programação performativa
Fundado em 2007 em Genebra por uma dezena de
artistas e pesquisadores, Eternal Tour desenvolve,
uma vez por ano, um festival inédito e transdisciplinar. O projeto associa e renova regularmente uma
rede de personalidades que manejam unicamente
valores simbólicos: saberes, imagens e sons. Suas
diferentes etapas – Roma 2008, Neuchâtel 2009,
Jerusalém/Ramallah 2010, de Nova York a Las
Vegas 2011, Genebra e São Paulo em 2012, são ocasiões de se expor à alteridade em um jogo inspirado
pelo Grand Tour. As viagens das elites do norte da
Europa para o sul entre os séculos XVII e XIX propiciam o surgimento de uma cultura neoclássica
homogeneizante. Retomando essa estratégia de
deslocamento e suas consequências identitárias,
Eternal Tour dota a prática turística de um conteúdo
político por meio de um investimento intenso dos
territórios físicos e imateriais. O empreendimento é
de envergadura: ele revela de maneira evidente que
não existem dados, mas unicamente obtidos (Pascal
Amphoux).
O resultado é uma programação em que artistas e cientistas suíços e de outras nacionalidades colaboram de maneira intensiva, por certo
tempo, no âmbito de uma estrutura que favorece
os workshops, as conferências e as discussões em
torno de propostas de formatos múltiplos. O festival
é igualmente retransmitido pela internet e por meio
de publicações absolutamente singulares em razão
de sua forma editorial e de seus colaboradores.
Ao longo dos anos, a complexidade e o caráter irredutível de certas manifestações humanas,
ou ainda o perigo do relativismo cultural se tornaram cada vez mais evidentes. Mais que sobre uma
tábula rasa, Eternal Tour escreve em um suporte
palimpséstico; mais que uma sedimentação mineral
ou arquitetônica, um desejo de aclimatação é sem
cessar renovado, sonhado e concretizado, graças à
epifania do momento presente.
Cosmopaulo
A cidade de São Paulo se apresenta como o lugar
ideal para acolher um projeto artístico e científico
itinerante que se indaga sobre o movimento, tanto
no sentido próprio como no figurado, o turismo, a
migração dos corpos e das ideias. Por muitos aspectos, a maior cidade da América Latina poderia até
mesmo se apresentar como o arquétipo do cosmopolitismo explorado e tanto afagado por Eternal
Tour. De fato, após ter sido, sucessivamente, uma
aglomeração urbana incipiente que usava mão-de-obra escrava indígena e negra, um polo para a
imigração europeia, japonesa e libanesa nos séculos
XIX e XX e um eldorado para milhões de brasileiros do Nordeste, São Paulo viu sua imigração fazer
praticamente desaparecer a fronteira entre identidade e alteridade. Nessa mesma ordem de ideias,
o cosmopolitismo paulista se encontra encarnado
no sincretismo ambiente, que, transpondo a esfera
exclusivamente religiosa, impregna e caracteriza
o conjunto das manifestações, hábitos e códigos
sociais. Longe de se confinar em uma interpretação unilateralmente positiva desse cosmopolitismo,
Eternal Tour explora suas mais diversas manifestações, examinando, simultaneamente, seus pontos
de ruptura. Gilberto Freyre, no primeiro capítulo de
Casa-grande e senzala, em que examina a “hibridização” da sociedade brasileira, ressalta o aspecto
negativo desse processo quando cita o seguinte
provérbio, que caracteriza o papel das mulheres
segundo sua cor: “Para se casar, a brana; para f…,
a mulata; para trabalhar, a negra”1.
7
As regras do elenco
Os artistas e pensadores convidados foram escolhidos em função de sua curiosidade e de seu potencial interesse em integrar um projeto resolutamente
experimental, pois o resultado final da operação não
é de todo previsível. Partindo desse postulado, os
Eternal Tourists São Paulo 2012 foram vivamente
encorajados a se arriscar com relação à sua prática
corrente e a comprometer-se a assistir ao festival
em sua íntegra. Este último ganha, assim, o estatuto de um workshop global que se dirige tanto aos
participantes como ao público. Provoca, voluntariamente, a recepção das obras e intenta implicar uma
audiência cujo limite entre profissionais e amadores, especialistas e generalistas, práticos e teóricos,
é incessantemente transposto, sem outro complexo
nem expectativa além do dinamismo e da tomada
da palavra.
Donatella Bernardi
Curadora Eternal Tour São Paulo 2012
Introdução
Introdução
Claire Fontaine, Palestina ocupada,
Eternal Tour 2009 Neuchâtel, curadoria Donatella Bernardi.
Cortesia dos artistas e da Dvir gallery, Tel Aviv.
Foto: Sully Balmassière.
Paisagem, escravatura, antropofagia
e beleza
Seguindo uma metodologia adotada nas edições
precedentes, Eternal Tour redige um convite composto de quatro eixos, construído simultaneamente
a partir dos campos de interesse do coletivo, mas
também adaptado ao lugar deste festival, São Paulo,
e ao contexto brasileiro. Em suas grandes linhas: 1)
paisagem tropical e urbana, fauna e flora, selvagem e domesticada; 2) a escravatura e o escravagismo; 3) a antropofagia, seja ela tratada de maneira
histórica (Hans Staden), modernista (Oswald de
Andrade) ou abordada, hoje, de maneira filosófica
no contexto do capitalismo avançado (Suely Rolnik); 4) uma relação complexa com a beleza, com
o corpo, veículo de valores e de códigos sociais.
Longe de funcionar como temáticas a ilustrar, essas
quatro propostas são concebidas como pistas que
cada participante se vê livre para modificar, desenvolver e, mesmo, refutar.
1
Provérbio registrado por H. Hendelmann em sua História
do Brasil, 1931; citado por Gilberto Freyre no capítulo 1 de Casagrande e senzala (1933), que tem como título “Características
gerais da colonização portuguesa no Brasil: formação de uma
sociedade agrária, escravocrata e híbrida”.
ADMINISTRAÇÃO REGIONAL
NO ESTADO DE SÃO PAULO
ETERNAL TOUR 2012 – SÃO PAULO
COORDENAÇÃO SESC Tiago de Souza, Ana Luisa
Sirota e Tatiana Zacariotti de Freitas COORDENADORES DE AREA Tiago de Souza (programação),
Antonio Zacarias de Carvalho (infraestrutura),
Elaine de Sousa (comunicação), Fernanda Mendes
Conejero (alimentação), Marco Antonio da Silva
(administrativo)
Eternal Tour: da nossa infinita capacidade de viajar
5
Introdução
CURATOR Donatella Bernardi GENERAL COORDINATION Fabiana de Barros ASSISTANTS Giorgio
Pinheiro and Catalina Ravessoud EXECUTIVE
PRODUCER Prata Produções – Valeria Prata PRODUCTION COORDINATION Marcos Farinha PRODUCTION TEAM Anderson Araújo, Julia Portella
and Roberta Prata SET DESIGN Alvaro Razuk, Isa
Gebara, Marcella Verardo and Ricardo Amado SCENOGRAPHIC TECHNOLOGY Apóstrofe Cenografia
e Montagens LIGHTING Ricardo Heder VISUAL
COMMUNICATION BVY Arquitetos associados
CATALOGUE DESIGN Rollergirl TRANSLATION
Izabel Burbridge, Márcia Valéria Martinez de Aguiar,
Patrick Morency and Ana Aguiar Cotrim TEXT REVISION Daniel Fonseca and Guilherme Miranda
Eternal Tour 2012 – São Paulo
PRESIDENT OF THE REGIONAL COUNCIL
Abram Szajman
COORDINATION SESC Tiago de Souza , Ana
Luisa Sirota and Tatiana Zacariotti de Freitas
DEPARTMENT COORDINATORS Tiago de Souza
(programming), Antonio Zacarias de Carvalho
(infrastructure), Elaine de Sousa (communication),
Fernanda Mendes Conejero (refreshments), Marco
Antonio da Silva (administration)
DIRECTOR OF THE REGIONAL DEPARTMENT
4
PRESIDENTE DO CONSELHO
Abram Szajman
DIRETOR DO DEPARTAMENTO REGIONAL
SUPERINTENDENTES/TÉCNICO SOCIAL Joel
Naimayer Padula ADMINISTRATIVO Luiz Deoclécio
Massaro Galina COMUNICAÇÃO SOCIAL Ivan Giannini GERENTES AÇÃO CULTURAL Rosana Paulo
da Cunha ADJUNTA Flávia Carvalho ASSISTENTES
Juliana Braga, Nilva Luz e Salete dos Anjos ARTES
GRÁFICAS Hélcio Magalhães ADJUNTA Karina
Musumeci ESTUDOS E DESENVOLVIMENTO Marta
Colabone ADJUNTA Andréa de Araújo Nogueira
SESC CONSOLAÇÃO Felipe Mancebo ADJUNTA
Simone Engbruch Avancini Silva
CURADORIA Donatella Bernardi COORDENAÇÃO
GERAL Fabiana de Barros ASSISTENTES Giorgio
Pinheiro e Catalina Ravessoud PRODUÇÃO EXECUTIVA Prata Produções – Valeria Prata COORDENAÇÃO DE PRODUÇÃO Marcos Farinha EQUIPE
DE PRODUÇÃO Anderson Araújo, Julia Portella
e Roberta Prata CENOGRAFIA Alvaro Razuk, Isa
Gebara, Marcella Verardo and Ricardo Amado
CENOTECNIA Apóstrofe Cenografia e Montagens
ILUMINAÇÃO Ricardo Heder COMUNICAÇÃO
VISUAL EXPOSIÇÃO BVY Arquitetos associados
PROJETO GRÁFICO Rollergirl TRADUÇÃO Izabel
Burbridge, Márcia Valéria Martinez de Aguiar,
Patrick Morency e Ana Aguiar Cotrim REVISÃO DE
TEXTOS Daniel Fonseca e Guilherme Miranda
Realização
Apoio
Lucius und Annemarie
Burckhardt Stiftung Basel Suíça
SUPERINTENDENTS/TECHNICAL SOCIAL Joel
Naimayer Padula ADMINISTRATION Luiz Deoclécio
Massaro Galina SOCIAL COMMUNICATION Ivan
Giannini CULTURAL ACTION MANAGEMENT
Rosana Paulo da Cunha DEPUTY MANAGER Flávia
Carvalho ASSISTANTS Juliana Braga, Nilva Luz
and Salete dos Anjos DESIGN MANAGER Hélcio
Magalhães DEPUTY MANAGER Karina Musumeci
RESERCH AND DEVELOPMENT Marta Colabone
DEPUTY MANAGER Andréa de Araújo Nogueira
SESC CONSOLAÇÃO Felipe Mancebo DEPUTY
MANAGER Simone Engbruch Avancini Silva
ADMINISTRATION IN SÃO PAULO STATE
Technical sheet – Ficha técnica
É fato que a valorização das artes e das ações culturais
está no cerne de nossos propósitos. Elas revestem de
cores a nossa jornada, por vezes ordinária, reordenando
e oferecendo novos sentidos às nossas experiências.
No entanto, não são registros de nossos valores e criações simbólicas que habitam apenas o imaginário. Sim,
porque queremos lembrar que, para além destes aspectos muitas vezes conectados às subjetividades individuais que colorem de liberdade essas iniciativas, reside aí
um caráter de entendimento coletivo, capaz de elaborar
e conceber realidades.
De maneira afirmativa, podemos dizer que essas
manifestações transformam-se em mensagens, e configuram-se como um forte vínculo cognitivo entre pessoas, tempos e espaços. Essa propriedade mágica do
registro – seja ele material ou imaterial – é o que confere essa propriedade de “viajar” em amplo espectro às
artes e à ação cultural.
No processo da viagem, nos tornamos curiosos ou
arredios, buscamos nos aproximar e contemplar, ou nos
afastar e contestar; em suma, trata-se de um encontro
desencadeador, no qual podemos sentir identidade ou
estranhamento.
No ímpeto de propiciar um desses encontros desencadeadores, o SESC recebe a sexta edição do festival
nômade Eternal Tour, cujas criações transdisciplinares
são inspiradas no cosmopolitismo do século 21. Na edição paulista, temas como natureza, antropofagia, modernismo, escravagismo, racismo e beleza serão partilhados
em experiências de prática e reflexão. Ser parte desta e
outras tantas viagens, rumo ao território que melhor ocasiona a construção de metáforas sobre as tensões humanas e sociais, é oferecer caminhos e pontes, desenhando
de forma sutil o entrecruzar de desejos e visões de mundo.
Diretor Regional do Sesc São Paulo
57
Eternal Tour
Pre-festival
6 de agosto a 11 de agosto
Produção de biquínis para
homenagem à Meret Oppenheim
Presença de Sandra Belucci, Eliane Maria Guimarães, da estilista
de moda Silvia Lucchi e das artistas Fabiana de Barros
e Donatella Bernardi
Confecção do figurino para a performance, envolvendo o processo
de criação em artes plásticas, desenho de moda, pintura e crochê,
além de uma apresentação sobre a obra de uma das mais importantes artistas surrealistas, Meret Oppenheim (1913–1985).
ABERTURA
28 de agosto
2012 São30Paulo
de agosto
às 14h
Presença do artista no lançamento do projeto
3 de setembre
Caminhadas urbanas:
por que São Paulo é bela?
de Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel
e David Zumstein
Convidados: José Bueno, Luiz de Campos Jr, Iniciativa Rios & Ruas
e Instituto Harmonia – Sustentabilidade
Cirurgia poética
ATIVIDADES DIARIAS
de Yusuf Etiman
Somos todos felizes
de Beat Lippert
das 14h às 16h
às 19h
Zumbi e Princesa Isabel:
um espelho invertido para repensar
São Paulo
e a agência de turismo de conhecimento
de William Davis
Conferência por Denise Ferreira da Silva
das 14h às 16h
Apresentação de uma publicação por Anna Kindgren
e Carina Gunnars, em colaboração com Ivaneti de Araújo, Sheila
Souza, André Kobashi, Eduardo Costa e Renato Cymbalista.
às 20h 4 de setembre
às 14h
Caminhadas urbanas:
Bioperversidade
de Stéphane Malysse
31 de agosto
e David Zumstein
Convidados: Juliana Gatti e Yusuf Etiman
LapTopRadio –
Não espere as coisas acontecerem
de Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud
Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid e Seda Yildiz
www.eternaltour.org
Blog
de Daniela Capelato e Boris Meister
Itinerários: SESC Consolação – Parque do Ibirapuera
às 9h
e David Zumstein
Convidada: Morena Nascimento
das 16h às 18h
Grand Tour
5 de setembre
às 16h
A arte e o território
por Cecilie Hundevad Meng Sørensen
e Merzedes Sturm-Lie
Visitação
até 29 de setembro
Bate-papo com Simon Lamunière
Itinerários: Estação Luz – Estação Santana
6 de setembre
das 10h às 21h30
das 10h às 21h30
Mandacarus
Local:
Sala Moebius
(ESPAÇO CONVIVÊNCIA)
de Dominique Fleury e Ana Teixeira
às 18h*
Discussão e reflexão sobre as
Caminhadas urbanas
de Cris Faria
Após a ação dos artistas, um registro integrará
a exposição até 29/9.
Cirurgia poética
Sonhos ansiosos em um só olho
Abertura do blog
às 19h Bate-papo com Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel
e David Zumstein
de Pazé
às 20h*
Eternal Tour:
algumas visões conclusivas
às 20h*
Lixo eletrônico:
as coisas após sua vida útil
Bate-papo com Pablo Leon de la Barra
Bate-papo com Gabriele Oropallo
1 de setembre
das 10h às 18h30
Cirurgia poética
Cidade gato quente
às 9h
Tripartite reunited
de Roberto Shwafaty
às 15h
Longe e Faça-me bela
de Boutheyna Bouslama
Itinerários: Estação Santana – Estação Tucuruvi
às 16h
às 18h*
às 20h
de Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane
Maria Guimarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo, Enrico Natale
e oito performers
Homenagem à Lina Bo Bardi
São Paulo
e a agência de turismo de conhecimento
Caminhadas urbanas:
de William Davis
LapTopRadio –
Não espere as coisas acontecerem
de Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud
Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid e Seda Yildiz
Cirurgia poética
de Yusuf Etiman
Somos todos felizes
às 18h de Beat Lippert
www.eternaltour.org
de Daniela Capelato e Boris Meister
29 de agosto
às 9h
Caminhadas urbanas:
e David Zumstein
Convidados: Letícia Ramos e Guilherme Wisnik
Itinerários: Estação Sacomã – Estação Luz
às 19h
de Fabiana de Barros e Michel Favre
às 15h
Nossa última sonata
às 20h*
Haiti e Brasil: mesmas raízes
Concerto por Anne-Laure Kénol em colaboração com Ted Beaubrun
e Valérie Girault
de Donatella Bernardi e Rudy Decelière
às 16h*
Caminhando pela fita de Moebius com
Lygia, uns índios e alguns franceses
* Vagas limitadas.
Retirada de ingressos com 1h de antecedência no local.
(Durante o horário das conferências e concerto, a exposição na
Sala Moebius permanecerá fechada para visitação).
Idéias querendo conversar por Suely Rolnik
workshop
intervenção urbana
performance
coreografia
cenografia
pintura
fotografia
vídeo
conferência
música
dança
novas mídias
arte relacional
arte contextual
publicação
O Programa
Festival
28 de agosto
–
6 de setembro
Visitação até 29 de setembro
Segunda a sexta das 10h às 21h30
Sábado das 10h às 18h30
SESC Consolação
R. Dr. Vila Nova, 245
Vila Buarque
São Paulo
Eternal Tour: da nossa infinita capacidade de viajar
de Danilo Santos de Miranda Introdução Eternal Tour
de Donatella Bernardi Introdução Cosmopaulo
de Donatella Bernardi Exposição “Eternal Tour histórias 2008–2012”
de Donatella Bernardi Homenagem à Lina Bo Bardi com uma cenografia inédita
de Donatella Bernardi LapTopRadio – Não espere as coisas acontecerem
de Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas , Laurent Schmid e Seda Yildiz
de Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane Maria Guimarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo,
5
6
7
8
9
11
13
Enrico Natale e oito performers Cidade gato quente
de Fabiana de Barros e Michel Favre Nossa última sonata
de Donatella Bernardi e Rudy Decelière Longe e Faça-me bela
de Boutheyna Bouslama Camenzind goes to… São Paulo e a agência de turismo de conhecimento
de William Davis Percatempo – base comunitária móvel
de Yusuf Etiman Sonhos ansiosos em um só olho
de Cris Faria Caminhadas urbanas: por que São Paulo é bela?
de Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel e David Zumstein Cirurgia poética
de Dominique Fleury e Ana Teixeira Haiti e Brasil: mesmas raízes
de Anne-Laure Kénol em colaboração com Ted Beaubrun e Valérie Girault agorafobi/agorafobia/agoraphobia
de Anna Kindgren e Carina Gunnars Somos todos felizes
de Beat Lippert Bioperversidade
de Stéphane Malysse Mandacarus
de Pazé Tripartite reunited
de Roberto Shwafaty Grand Tour
de Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie Lixo eletrônico: as coisas após sua vida útil
de Gabriele Oropallo A arte e o território
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