Livro 15 anos da Bolsa Ernesto de Sousa (1992-2007)

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Ernesto de Sousa e/and Jorge Peixinho, mixed-media Luis Vaz 73
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ERNESTO
DE SOUSA
ARTE EXP
ERIMENT
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15 anos da Bolsa Ernesto de Sousa (1992-2007) 15 years of the Ernesto de Sousa Fellowship
Arte Experimental Intermedia Experimental Intermedia Art
projecto project:
Isabel Soares Alves
coordenação editorial e investigação editorial coordination and research:
Isabel Alves, Patrícia Freire
design gráfico e produção design and graphic production:
Silva! Designers
textos texts:
Rui Eduardo Paes, Luis Silva
edição de biografias e projectos editing of biographies and projects:
Inês Lamin
tradução translation:
Cláudia Pestana
© dos textos e imagens © texts and images:
os autores the authors
impressão e acabamento print and bound-in:
Textype
isbn:
978-989-20-1005-2
depósito legal:
XXXX
Bolsa Ernesto de Sousa – 15 Anos – Espaço Avenida
Instalações concertos e performances Installations concerts and performances
Lançamento do site www.ernestodesousa.com Launching of the www.ernestodesousa.com site
produção production:
Patrícia Freire e Luis Silva
cedência do espaço avenida loan of espaço avenida:
António Bolota
produção técnica technical production:
Bazar do Vídeo com a colaboração de with the collaboration of António Manuel Gonçalves
e and Sérgio Gonçalves
patrocínios sponsors:
Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento, Fundação Calouste Gulbenkian
apoio suport:
Bazar do Vídeo, Força Motriz, Bacalhôa, Vinhos de Portugal, Vera Cortês
A Bolsa Ernesto de Sousa e este Projecto nunca teriam sido possíveis sem o apoio
incontornável da Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento e da Fundação
Calouste Gulbenkian, em particular de:
The Ernesto de Sousa Fellowship and this Project would not have been possible without the
unconditional support of the Luso-American Development Foundation and the Calouste
Gulbenkian Foundation, specially from:
Mário Mesquita, Miguel Vaz, Luís Santos Ferro, Bernardino Gomes
Teresa Gouveia, Manuel Costa Cabral, Pedro Tamen
e and:
Phill Niblock, Experimental Intermedia Foundation
Gostaríamos de agradecer todos que, de formas diferentes, contribuiram para a realização
deste projecto:
we would like to thank all those who, in different ways, have contributed to making this
project happen:
Abel Ribeiro Chaves, André Quiroga, António Bolota, Cristina Sales, Emanuel Dimas
Pimenta, Galeria Lisboa 20, Isabel Corte-Real, Jorge Silva, José Berardo, Levina Valentim,
Lucília Alvoeiro, Miguel Nabinho, Robin Fior, Rui Eduardo Paes, Samuel Roda Fernandes,
Vera Cortês
E a todos os artistas que aceitaram participar neste evento and to all the artists that agreed
to take part
6 Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento
e Fundação Calouste Gulbenkian
7 Luso-American Development Foundation and Calouste
Gulbenkian Foundation
8 Ernesto de Sousa e a “música visual” Rui Eduardo Paes
10 Ernesto de Sousa and “visual music” Rui Eduardo Paes
14 Alternativa 2.0: um balanço de Bolsa Ernesto
de Sousa Luís Silva
16 Alternative 2.0: a survey of the Ernesto de Sousa
Fellowship Luís Silva
18 Cronologia Chronology
22 João Paulo Feliciano
26 Rafael Toral
32 Manuel Mota
38 Paulo Raposo
44 David Maranha
50 Adriana Sá
54 Sónia Rodrigues
58 João Castro Pinto
64 Elga Ferreira
68 Margarida Garcia
74 Ruben Verdadeiro
80 André Gonçalves
84 Yella
90 Luís Girão
94 A experiência nos Estados Unidos, a partir de excertos
de três relatórios de bolseiros
96 Experience in the United States as seen through excerpts from
three scholarship recipients’ reports
98 Génese da Bolsa Ernesto de Sousa Genesis of the Ernesto
de Sousa Fellowship
101 Luis Vaz 73
106 Revelações Portuguesas no V Festival Internacional
“Mixed-Media” de Gent Godfried-Willem Raes
107 Portuguese Revelations at the V International “Mixed-Media”
Festival in Ghent Godfried-Willem Raes
108 Bolsa Ernesto de Sousa, alguns documentos Ernesto de Sousa
Fellowship, some documents
136 Ernesto de Sousa, biografia biography
138 Biografia do júri biography of the jury
BOLSA
ERNESTO DE SOUSA
ARTE EXPERIMENTAL
INTERMEDIA
www.ernestodesousa.com
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Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento e Fundação Calouste Gulbenkian
Luso-American Development Foundation and Calouste Gulbenkian Foundation
Em 1992 a Fundação Luso-Americana acolheu a ideia apresentada por Isabel Alves de
instituir uma bolsa no âmbito da arte experimental multimédia, inspirada pelo trabalho
inovador desenvolvido por Ernesto de Sousa. Em 1996 a Fundação Calouste Gulbenkian
associou-se a esta iniciativa, reconhecendo a sua oportunidade e excepcional interesse.
A colaboração com Phill Niblock, Director da Experimental Intermedia Foundation,
constituiu um factor decisivo para a concretização e sucesso do projecto, correspondendo
à estratégia das Fundações para a internacionalização da cultura portuguesa contemporânea.
A qualidade das propostas apresentadas pelos artistas participantes, confirmada pela
continuidade da sua obra, permite avaliar com êxito a Bolsa Ernesto de Sousa, agora na sua
15ª edição, bolsa que tem constituído um incentivo ininterrupto à criação multimédia em
Portugal, estimulando o experimentalismo multidisciplinar ligado às novas tecnologias.
É neste contexto de celebração que a Fundação Luso-Americana e a Fundação Calouste
Gulbenkian felicitam os seus promotores e todos os artistas participantes.
In 1992 the Luso-American Foundation adopted an idea, suggested by Isabel Alves, to
initiate a multimedia, experimental art fellowship, honoring the pioneering legacy left by
the multi-talented Portuguese artist and critic Ernesto de Sousa. In 1996, the Calouste
Gulbenkian Foundation joined the initiative, recognizing its timeliness and singular relevance.
The collaboration with Phill Niblock, director of the Experimental Intermedia Foundation in
New York, was decisive to the success of the project and matched both Foundations’ aim to
bring contemporary Portuguese culture to a wider international audience. The quality of the
application proposals submitted by the selected artists and the outstanding work they have
gone on to do, have made the program — now in its fifteenth year — an indisputable
success. The initiative has acted as an ongoing stimulus to creative multimedia output in
Portugal, promoting multidisciplinary experimentation and the use of breakthrough technology.
Now, on the occasion of the Ernesto de Sousa Fellowship Program’s 15th anniversary, the
Luso-American and Calouste Gulbenkian Foundations extend their sincere congratulations
to the promoters and all the artists participating in this celebration.
Teresa Gouveia, Administradora da Fundação Calouste Gulbenkian
Mário Mesquita, Administrador da Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento
Teresa Gouveia, Trustee to the Board, Calouste Gulbenkian Foundation
Mário Mesquita, Member of the Executive Board, Luso-American Development Foundation
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Ernesto de Sousa e a “música visual”
Ernesto de Sousa fez a melhor das definições sobre a arte intermedia: «Sentir tudo de todas
as maneiras viver tudo de todos os lados/ser a mesma coisa de todos os modos possíveis/
ao mesmo tempo/Realizar em si toda a realidade de todos/ os momentos/ num só momento
difuso profuso completo e/ longínquo.» O poli-artista português que a Bolsa Ernesto
de Sousa vem homenageando há 15 anos realizou esta aspiração por meio do cinema,
um complexo semiótico que aspira à totalidade perceptiva, mas o desenvolvimento
da tecnologia aplicada à criação artística foi permitindo outros enfoques. Muitos dos
contemplados com a BES que iniciaram notáveis carreiras internacionais tiveram como
ponto de partida a música, disciplina que Ernesto não dominava, tanto assim que para
a versão original do seu mixed-media “Almada, Um Nome de Guerra” contou com
a colaboração do compositor Jorge Peixinho.
Não surpreende que a arte dos sons se tenha enamorado pelas artes visuais; já na
Antiguidade Grega filósofos como Aristóteles e Pitágoras dissertaram sobre as
correspondências entre as cores e os sons, o que de resto levou Kandinsky, o pintor, a
escrever o livro de poesia ilustrada “Klange” (“Sons”). Essas relações remontam ao século
XVIII e ao cravo ocular do padre jesuíta Louis Bertrand-Castel, tendo sido continuadas pelos
órgãos de cor de D. D. Jameson, Bainbridge Bishop e Wallace Rimington. Já no inícío do
século XX, Scriabin foi o grande incentivador das combinações sinestésicas tal como as
conhecemos hoje e que passaram pelos contributos históricos de Russolo, Oskar Fischinger
e Norman McLaren, este com a descoberta de que uma intervenção directa na película
produz não só imagem concreta como som. Na actualidade, criadores visuais como o
alemão Laurenz Theinert utilizam um teclado MIDI, fabricado para a produção de música,
com o fim de projectar imagens. A este novo domínio chamou-se “música visual”, existindo
mesmo um festival em Los Angeles que utiliza essa designação como nome, Visual Music.
E porque assistimos a uma cada vez maior assemblagem das artes, alguns homens do cinema
aproximaram-se da música: há um par de anos, o realizador Peter Greenaway juntou-se ao
DJ Radar e estreou-se como VJ numa discoteca de Amesterdão, munido de um aparato
técnico que lhe permitiu projectar simultaneamente em 12 telas – algo que Ernesto de
Sousa fizera em Portugal, mais modestamente e com os recursos possíveis na altura,
há quase quatro décadas (1969, para ser mais exacto). Com uma diferença apenas de
contexto, pois Greenaway levou o experimental para o espaço por excelência da cultura
popular na actualidade.
O cinema, para Ernesto de Sousa, não era, de qualquer modo, um fim, mas um princípio
ou um processo de estudo e intervenção. “Almada, Um Nome de Guerra” era para si um
“não-filme” ou mesmo um “antifilme”, obra aberta que a si mesmo sobrevive, sempre
susceptível de diversidade e renovação, servindo para congregar outros elementos à sua volta
e para procurar outros sentidos e outras leituras. Afirmava ele: “Devemos utilizar o cinema
para lá do cinema, numa acção-cinema que nos ponha de modo evidente (...) em face de
nós próprios, como actores totais, totalmente responsáveis.” Um projecto assim só pode ser
conduzido a longo termo, ainda que tal signifique ultrapassar o limite imposto pela morte.
O criador deixou-nos em 1988, mas o seu propósito continua vivo e actuante, como
podemos verificar com esta mostra.
Aliás, Ernesto estava desiludido com o cinema tradicional, pelo que as suas tentativas
de formular o espectáculo total passaram pelo teatro. Foi o que aconteceu com “O Gebo
e a Sombra”, com base no texto de Raul Brandão, também com música de Jorge Peixinho
e com cenografia do artista plástico José Rodrigues, a exemplo de Almada resistindo
contra as “classificações fechadas dos géneros e dos meios artísticos”. Aquilo que agora
designamos por “arte intermedia” concebeu-a ele pioneiramente em Portugal como uma
simultaneidade de diferentes modos de expressão, o cinema, a poesia e a música
encenados em complemento e interligados no momento do espectáculo performativo, ou
como preferia dizer, da “festa”. A tecnologia permite-nos finalmente o que no seu tempo era
impossível: a interactividade da imagem com o som e o movimento, implicando o definitivo
derrube das fronteiras que separavam a visão do ouvido. Ernesto teria gostado de assistir
ao trabalho desenvolvido pelos “seus” bolseiros, casos, entre outros, de João Paulo Feliciano,
Rafael Toral, Adriana Sá, André Gonçalves, Manuel Mota, André Maranha e Paulo Raposo.
Até porque a música foi pensada por si de maneira mais profunda do que poderíamos
imaginar. Em texto dedicado a Serres, Vesalius e Artaud, exalta a sua qualidade transcultural
e de transcomunicação, apontando-a inclusive como coisa “originária, primária, inaugural”.
O que os “músicos visuais” portugueses do presente estão a fazer, por cá e lá fora, não só
confirma essa sua perspectiva como a enobrece.
Rui Eduardo Paes, crítico de música, ensaísta, editor da revista jazz.pt
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Ernesto de Sousa and “visual music”
Ernesto de Sousa provided us with one of the best definitions of inter-media art: «To feel
everything in every possible way, to live everything from every possible angle/ to be the same
thing in all possible manners/ at the same time/ To achieve, in oneself, the reality of all/ the
moments/ in one single extended, profuse complete/ and distant moment.» The Portuguese
poli-artist celebrated for the past fifteen years by the Ernesto de Sousa Scholarship (BES
– Bolsa Ernesto de Sousa) fulfilled this aspiration through cinema, a semiotic system that
aspires towards perceptive totality. However, the development of technology applied to artistic
practice has allowed other approaches. Many of those awarded by the scholarship who have
pursued remarkable international careers, had their starting point in music, a subject Ernesto
de Sousa did not fully command, so much so that he relied on the collaboration with
composer Jorge Peixinho for the original version of his project “Almada, Um Nome de Guerra”.
It is not surprising that the art of sound has become enamoured with the visual arts; already
in Greek Antiquity philosophers like Aristotle and Pythagoras theorised on the
correspondences between colour and sound. Later, this led Kandinsky, the painter, to write
“Klange” (“Sounds”), an illustrated poetry book. These relationships date to the 18th
Century's ocular harpsichord by Louis Bertrand-Castel, a Jesuit priest, and continued by D.D.
Jameson's, Bainbridge Bishop, and Wallace Rimmington's colour organs. In the early 20th
century, Scriabin was the great instigator of synaesthetic combinations as we know them
today and which were passed down by the historical contributions of Russolo, Oskar
Fischinger and Norman McLaren. The latter discovering that a direct intervention on film
produces noFt only image but also sound. Currently, visual artists like Laurenz Theinert, from
Germany, use a MIDI keyboard, designed for the production of music, to project images. This
new field has been titled “visual music”, and a festival in Los Angeles with the same name
has been established. Given we are witnessing a greater proximity between the arts, several
cinema artists have begun to approach music: a couple of years back, director Peter
Greenaway collaborated with DJ Radar to premier as a VJ at a disco in Amsterdam.
Greenaway used a technical device to allow him to project onto 12 screens, something
Ernesto de Sousa had attempted in Portugal under more modest circumstances given the
resources available at the time, almost four decades ago (1969 to be exact). Context was the
only difference, since Greenaway brought the experimental into the realm of current popular
culture.
For Ernesto de Sousa, cinema was by no means an end. Rather it was a beginning or
a process of research and intervention. “Almada, Um Nome de Guerra” was for the artist
a “non-film” or even an “anti-film”: an open work which outlives itself, is always available for
diversity and renewal and brings together other elements around it to seek out other meanings
and readings. As Ernesto stated: “We must use cinema beyond cinema, in an action cinema
that clearly confronts us (...) with ourselves, as total actors, completely accountable.” Such
a project can only be long term, even if this implies overcoming the limit imposed by death.
The artist passed away in 1988, but his intention remains alive and active, as we can
witness with this exhibition.
In fact, Ernesto was disappointed with traditional cinema, even looking to theatre in his
attempts to formulate the total spectacle. This happened with “O Gebo e a Sombra”, based
on the text by Raul Brandão, again with music by Jorge Peixinho and with set design by
plastic artist José Rodrigues, and following the example of Almada resisted “closed
classifications of genres and artistic media”. What we now call “inter-media art” was
pioneered by Ernesto in Portugal as the simultaneity of different means of expression: cinema,
poetry and music staged as complements and intertwined in the moment of performative
spectacle, or as Ernesto preferred to say, “festa” (feast or festival). Technology finally offers
what was impossible in his time: the interaction of image with sound and movement and
implies the toppling of the barriers separating vision from hearing. Ernesto would have
enjoyed experiencing the work carried out by “his” scholarship recipients, such as, among
others, João Paulo Feliciano, Rafael Toral, Adriana Sá, André Gonçalves, Manuel Mota, André
Maranha and Paulo Raposo, particularly because he had thought of music in a more
profound way than we could have imagined. In a text dedicated to Serres, Vesalius and
Artaud, Ernesto exalts music's trans-cultural and trans-communicative qualities, highlighting
it as something “original, primary, inaugural”. The work carried out both nationally and
internationally by Portuguese visual musicians both confirms and enriches Ernesto's
perspective.
Rui Eduardo Paes, music critic, essayist, editor of jazz.pt magazine (translation REP)
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Alternative 2.0: a survey of the Ernesto de Sousa Fellowship
As nossas belas-artes foram instituídas e os seus tipos e usos fixados
numa época que se diferencia da nossa,
por homens cujo poder de acção sobre as coisas era insignificante
quando comparado com o nosso.
Mas o extraordinário crescimentoo dos nossos meios,
a capacidade de adaptação e exactidão que atingiram,
as ideias e os hábitos que introduzem
anunciam-nos mudanças próximas e muito profundas na antiga indústria do Belo.
Paul Valéry: Pièces sur l'art. Paris (1946)
A promessa utópica de uma restruturação das artes plásticas como resultado do progresso
tecnológico que Paul Valéry ingenuamente prevê pode parecer desadequada actualmente,
num mundo que recupera e se afasta dos ideiais pós-modernistas do final do século XX
e no qual a tecnologia deixou de simplesmente mediar para determinar, em grande escala
a experiência contemporânea. Contudo, a conversão da experiência contemporânea ao
digital é inegável, o carácter nomádico das (novas) tecnologias transformou-se em total
ubiquidade e tudo, actualmente, pode ser pensado em termos de zeros e uns, de informação,
na sua versão mais desencorpada e abstracta. Os artistas ,que historicamente sempre foram
pioneiros na exploração criativa dos desenvolvimentos tecnológicos (a fotografia, o cinema e,
mais recentemente, o video, por exemplo), não são alheios à alteração do papel que os novos
recursos tecnológicos têm nas sociedades contemporâneas e têm vindo, assim, a confrontarse com as infinitas possibilidades expressivas e com os nóvos códigos estéticos possibilitados
pela máquina universal em que o computador se tornou.
Artes electronicas, digitais, tecnológicas, interactivas, multimedia, intemedia, new media,
a lista de denominações que visa delimitar e apreender o campo artístico que explora
e depende das possibilidades expressivas e discursivas das tecnologias digitais é praticamente
infindável e tal facto não é mais do que o reflexo da incapacidade em resumir e confinar
a um único termo condensador todo um conjunto de práticas, discursos e linguagens
artísticas que se caracerizam, na sua grande maioria, por serem polimórficas, polissémicas
e atravessarem de forma transversal a produção cultural contemporânea.
Se, por um lado, se constata uma grande diversidade de práticas no domínio dos new media,
por outro podemos facilmente encontrar algumas características comuns a todas a estas formas
artísticas, como a interactividade, a transdisciplinaridade e a imaterialidade que são centrais
na apreensão destes novos modos de criação de subjectividades. A transdisciplinaridade,
sobretudo, reveste-se de particular relevância quando se apresenta um livro comemorativo
dos quinze anos da Bolsa Ernesto de Sousa. Quando som e imagem, música e video,
podem ser convertidos em informação, em zeros e uns, a diferença aparentemente ontológia
entre modalidades sensoriais distintas, audição e visao, é lançada por terra. Quando som
pode dar origem a imagens e quando imagens geram som, numa espiral infinita de
retroalimentação e generatividade, com o espectador colocado no centro deste dispositivo,
as próprias definições tradicionais entre disciplinas artísticas são colocadas em dúvida. Artes
Visuais ou Música? Ambas ou nenhuma? É aqui, nesta improvavel zona entre media e entre
linguagens, que a Bolsa Ernesto de Sousa tem vindo a desenvolver um trabalho de apoio
regular e sustentado à criação experimental de índole marcadamente tecnológica, levando
artistas/músicos/o que se lhes quiser chamar, a desenvolver e apresentar trabalho em Nova
Iorque e assim potenciar a internacionalização de criadores nacionais.
A relevância da Bolsa Ernesto de Sousa, cujo objectivo consiste “em estimular o surgimento
de projectos e realizações na área da arte experimental intermédia”, é tanto maior na
medida em que combate duas características locais, impeditivas de um florescimento
de uma prática artística ligada às tecnologias, tal como se observa em inúmeros pontos
do globo: o carácter periférico de Portugal (tanto geográfico como do ponto de vista
de inserção em circuitos internacionais de visibilidade, reconhecimento e consagração)
e a falta de reconhecimento e legitimação por parte das instituições artísticas nacionais,
que de forma geral tendem a considerar este tipo de trabalhos como algo de exterior a um
discurso artístico contemporâneo.
Esta última característica assume um aspecto local muito particular, na medida em que,
internacionalmente, as instituições abriram as suas portas não só para incorporar este tipo
de propostas como também para elaborar teórica e criticamente sobre as consequências
e novos desafios que são colocados com a musealização de tais trabalhos. É de se destacar,
por exemplo, o trabalho de grandes instituições como o Whitney Museum e o seu artport,
a Tate Modern com as suas encomendas de projectos de net art e publicações teóricas
sobre o campo, ou ainda a parceria do New Museum com a Rhizome, uma das plataformas
mais importantes do mundo. Localmente, o panorama é diametralmente oposto.
Assim, a Bolsa Ernesto de Sousa, ao financiar generosamente os vencedores de cada
edição, graças ao apoio monetário da Fundação Calouste Gulbenkian e da Fundação
Luso-Americana para o Desenvolvimento, e oferecendo-lhes a oportunidade de desenvolver
e mostrar trabalho na Experimental Intermedia Foundation, em Nova Iorque, um dos centros
artísticos mais dinâmicos e importantes do mundo, combate simultaneamente o sentimento
de periferia e de isolamento sentido pelos artistas, como também permite que o seu
trabalho seja reconhecido por um publico especializado e interessado, integrando-os num
discurso institucional de matriz internacional. Seria muito interessante traçar o percurso de
nomes como Rafael Toral, Adriana Sá ou André Gonçalves, por exemplo, desde o momento
em que venceram a Bolsa até à actualidade, e comparar essa informação com o percurso
anterior a terem recebido a Bolsa. As diferenças serão seguramente enormes.
Luis Silva, curador independente
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Alternativa 2.0: um balanço da Bolsa Ernesto de Sousa
Our fine arts were developed, their types and uses were established,
in times very different from the present,
by men whose power of action upon things was insignificant
in comparison with ours.
But the amazing growth of our techniques,
the adaptability and precision they have attained,
the ideas and habits they are creating,
make it a certainty that profound changes are impending in the ancient craft of the Beautiful.
Paul Valéry: Pièces sur l'art. Paris (1946) (translation Ralph Manheim)
The utopian promise of redefining visual arts through technological progress naïvely described
by Paul Valéry may seem inadequate today, in a world recovering and moving away from the
post-modernistic ideals of the late XXth century, and also in a world in which technology not
only mediates, but determines, to a large extent, contemporary experience. Even though
Valéry's predictions didn't come true, the digital conversion of our daily existence is
undeniable, the nomadic properties of (new) technologies has become total ubiquity and
everything, can now be thought of as zeros and ones, as information in its more abstract
version. Artists, who have always been pioneers in the artistic exploration of technological
developments (photography, film and more recently video, for instance), are aware of the
changes these new technological resources have caused in contemporary societies and have
been, as a consequence, confronting themselves with the infinite expressive possibilities and
the new aesthetic codes allowed by the universal machine the computer has become.
Electronic art, digital art, technological art, interactive art, multimedia art, intermedia art, new
media art, the terms used to define and understand the artistic field characterized by
exploring and depending on both the expressive and discursive possibilities of digital
technologies are almost endless and such simple fact reveals nothing but the impossibility to
resume to one simple category or concept a whole set of artistic practices and discourses that
are polymorph, polyssemic and cross transversally our contemporary cultural production.
If on one side, one is struck by the incredible diversity of practices classified under the term
new media art, we can also find some common characteristics shared by these proposals.
Interactivity, transdisciplinariety, immateriality are, just to name a few, extremely important
when thinking of these new ways of producing subjectivities. Transdisciplinarity is of
paramount importance when presenting a book and an event dedicated to celebrating the
fifteenth edition of the Ernesto de Sousa Fellowship. When sound and image, music and
video, can be converted into information, zeros and ones, the apparently ontological difference
between two separate sensory instruments, audition and vision, is completely destroyed.
When sound is used to generate images and those images used to generate new sound, in an
endless spiral of feedback and generativity, with the audience in the center of this process,
even the distinction between traditional artistic disciplines are put into question. Visual Art
or Music? Both or none of them? It is in this unlikely area between media, codes and
languages that the Ernesto de Sousa Fellowship has been developing a regular and sustained
support to the creation of experimental and technological artistic work, by allowing visual
artists/musicians/whatever to develop and present new work in New York and by doing so,
allowing the internationalization of national artists.
The Fellowship's relevance, whose goal consists in "stimulating the development of projects
and achievements in the field of experimental intermedia art" is even more important because
it fights two local characteristics, that prevent the flourishing of an artistic practice connected
to digital technologies, seen throughout the world: Portugal's peripheral location (both in
geographical terms and of participation in international circuits of visibility, and recognition)
and the lack of recognition and legitimation from the national artistic institutions to whom
these works are generally seen as external to the contemporary artistic discourse.
This last aspect gains a particular significance locally because, internationally, artistic
institutions have opened up their doors not only to include these works but to develop
a theoretical/critic discourse about the new media art field and its challenges to the traditional
art world. Institutions like the Whitney Museum with its art port, Tate Modern with its regular
program of commissioned net art pieces, publications and conferences on the subject, or the
partnership between the New Museum and Rhizome, one of the most important platforms
dedicated to new media art. Locally, things couldn't be more different.
The fellowship, by generously financing the winners of every edition, thanks to funding of
Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento and Fundação Calouste Gulbenkian, and
giving them the opportunity to develop new work and present it in New York City, one of the
most important artistic centers in the world, has been not only fighting the peripheral aspect
of our art scene and the isolation felt by these artists but also allowing their work to be
acknowledged by a specialized audience, including them in an international discourse. It
would very interesting to examine the professional history of names such as Rafael Toral,
Adriana Sá or André Gonçalves, for instance, from the moment of having won the Fellowship
to the present and examine it to what they had done before having won. The differences will
surely be enormous.
Luis SilvaLuis Silva, independent curator (translation LS)
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BES CRONOLOGIA BES CHRONOLOGY
1ª BES 1992 atribuída a granted to: João Paulo Feliciano
Projecto Project: Sem título / Untitled
Menções Honrosas Special Mention: João António Mota e André Gomes
Júri Jury: Phill Niblock, Paul Panhuysen, Manuel Costa Cabral, Rui Eduardo Paes, Leonel Moura
e Isabel Soares Alves
2ª BES 1994 atribuída a granted to: Rafael Toral
Projecto Project: Electrical Guitarmedia Perception
Menções Honrosas Special Mention: Daniel Blaufuks e Nuno Rebelo.
Júri Jury: Phill Niblock, Paul Panhuysen, Manuel Costa Cabral, Rui Eduardo Paes,
António Cerveira Pinto e Isabel Soares Alves
3ª BES 1995 atribuída a granted to: Manuel Mota
Projecto Project: Treated Spatial Pain Reflex
Menção Honrosa Special Mention: Luísa Cunha.
Júri Jury: Phill Niblock, Arthur Stidfole, Manuel Costa Cabral, Rui Eduardo Paes,
Emanuel Dimas Pimenta e Isabel Soares Alves
4ª BES 1996 atribuída a granted to: Paulo Raposo
Projecto Project: Rizoma
Menções Honrosas Special Mention: Daniel Blaufuks e David Maranha
Júri Jury: Phill Niblock, Moniek Darge, Manuel Costa Cabral, Rui Eduardo Paes,
5ª BES 1997 atribuída a granted to: David Maranha
Projecto Project: Ópera para quatro vozes confinada entre dois diafragmas / Opera for four
voices confined between two diaphragms
Menção Honrosa Special Mention: Helder Luís
Júri Jury: Phill Niblock, Barbara Held, Manuel Costa Cabral, Rui Eduardo Paes,
6ª BES 1999 atribuída a granted to: Adriana Sá
Projecto Project: Laboratório de Sensações 3 / Sensations Laboratory 3
Júri Jury: Phill Niblock, Rui Eduardo Paes, Emanuel Dimas Pimenta, Jens Brand, Delfim Sardo,
Isabel Soares Alves
7ª BES 2000 atribuída a granted to: Sónia Rodrigues
Projecto Project: Multiples of 1 + MOV.LTIPLES
Menções Honrosas Special Mention: Margarida Garcia e Ricardo Jacinto
Júri Jury: Phill Niblock, Keiko Sei, Manuel Costa Cabral, Rui Eduardo Paes,
8ª BES 2001 atribuída a granted to: João Castro Pinto
Projecto Project: A Sense of Flow
Menções Honrosas Special Mention: Margarida Garcia e Susanne Themlitz
Júri Jury: Phill Niblock, Maria Blondeel, Manuel Costa Cabral, Rui Eduardo Paes,
9ª BES 2002 atribuída a granted to: Elga Ferreira
Projecto Project: UnReal
Júri Jury: Phill Niblock, Reinhold Friedl, Manuel Costa Cabral, Rui Eduardo Paes,
10ª BES 2003 atribuída a granted to: Margarida Garcia
Projecto Project: And I wake to the perfect patience of mountains
Menções Honrosas Special Mention: Helder Luís e Ricardo Jacinto
Júri Jury: Phill Niblock, Katherine Liberovskaya, Manuel Costa Cabral, Rui Eduardo Paes,
Emanuel Dimas Pimenta, João Paulo Feliciano e Isabel Soares Alves
11ª BES 2004 atribuída a granted to: Ruben Verdadeiro
Projecto Project: Silêncio Azul / Blue Silence
Menções Honrosas Special Mention: Patrícia Portela e Jorge André Gonçalves
Júri Jury: Phill Niblock, Georg Dietzler, Manuel Costa Cabral, Rui Eduardo Paes,
Emanuel Dimas Pimenta, David Maranha e Isabel Soares Alves
12ª BES 2005 atribuída a granted to: André Gonçalves
Projecto Project: Resonating Objects
Menções Honrosas Special Mention: Ivan Franco e Ricardo Jacinto
Júri Jury: Phill Niblock, Ulrich Krieger, Manuel Costa Cabral, Rui Eduardo Paes,
Emanuel Dimas Pimenta, Manuel Mota e Isabel Soares Alves
13ª BES 2006 atribuída a granted to: yella (Daniela Abelaira Roxo)
Projecto Project: Body of Work
Júri Jury: Phill Niblock, Andrew Fenchel, Nuno Faria, Rui Eduardo Paes,
Emanuel Dimas Pimenta, Adriana Sá e Isabel Soares Alves
14ª BES 2007 atribuída a granted to: Luis Miguel Girão
Projecto Project: First Series of AudioVisual Studies for Body in Sensory Space
Menção Honrosa Special Mention: Filipa Guimarães
Júri Jury: Phill Niblock, Astrid S. Klein, Manuel Costa Cabral, Rui Eduardo Paes,
Emanuel Dimas Pimenta, Sónia Rodrigues, Isabel Soares Alves
15ª BES 2008 Júri Jury: Thomas Ankersmit, Manuel Costa Cabral, Rui Eduardo Paes,
Emanuel Dimas Pimenta, Margarida Garcia, Isabel Soares Alves
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92 JOÃO PAULO FELICIANO
94 RAFAEL TORAL
95 MANUEL MOTA
96 PAULO RAPOSO
97 DAVID MARANHA
99 ADRIANA SÁ
00 SÓNIA RODRIGUES
01 JOÃO CASTRO PINTO
02 ELGA FERREIRA
03 MARGARIDA GARCIA
04 RUBEN VERDADEIRO
05 ANDRÉ GONÇALVES
06 YELLA
07 LUÍS GIRÃO
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1992 JOÃO PAULO FELICIANO
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PROJECTO PROJECT
João Paulo Feliciano nasceu em Caldas da Rainha, em 1963.
Artista visual e músico, é licenciado em Línguas e Literaturas
Modernas pela Universidade de Lisboa.
O seu trabalho atravessa múltiplos campos de expressão: artes
plásticas (pintura, desenho, fotografia, vídeo, instalação, objectos);
música (rock, improvisada, experimental e electrónica); design
gráfico, multimédia e de comunicação; direcção artística,
comissariado e concepção de eventos, entre muitas outras formas
de trabalho individual e em equipa.
Expõe regularmente desde 1984. De entre as numerosas
exposições, individuais e colectivas, destacam-se as individuais
no Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Porto (2004),
"The Possibility of Everything: João Paulo Feliciano, Selected Works
1989-1994" na Culturgest (2006) e "The Blues Quartet" no
Contemporary Arts Center, Cincinnati, EUA (2007), bem como
a sua participação na XXVI Bienal de São Paulo, Brasil (2004).
Foi responsável pela direcção artística do espectáculo Acqua Matrix
(Expo’98, Lisboa).
Desde 1990, colabora com o músico Rafael Toral no projecto
"No Noise Reduction". De 1989 a 1998, integrou a banda "Tina
and the Top Ten". Colaborou ainda com os músicos Lee Ranaldo,
Phill Niblock, David Toop, Christian Fennez, entre outros.
João Paulo Feliciano was born in Caldas da Rainha, Portugal
in 1963. An artist and musician, he has a degree in Modern
Languages and Literature from the University of Lisbon.
His work touches upon multiple modes of expression: fine arts
(painting, drawing, photography, video, installation, objects); music
(rock, improvisation, experimental and electronic); graphic design,
multimedia and communication; artistic direction, curating, organizing
events; among several other forms of individual and team work.
Feliciano exhibits regularly since 1984. The show at the Museu de
Arte Contemporânea de Serralves in Porto (2004), "The Possibility
of Everything: João Paulo Feliciano, Selected Works 1989-1994" at
Culturgest (2006) and "The Blues Quartet" at the Contemporary Arts
Center, Cincinnati, USA (2007), alongside the artist’s participation
in the XXVI São Paulo Biennial in Brazil (2004), are all stand out in
a vast career of group and solo exhibitions. He was also artistic
director of the Acqua Matrix (Expo’98, Lisboa).
Since 1990, the artist has collaborated with musician Rafael Toral
on the "No Noise Reduction" project. From 1989 to 1998 he was
part of the band "Tina and the Top Ten". He has also collaborated
with the musicians Lee Ranaldo, Phill Niblock, David Toop, Christian
Fennez, among others.
Sem título
Enquanto vencedor da Bolsa Ernesto de Sousa, João Paulo Feliciano
apresentou na Experimental Intermedia Foundation, em Nova
Iorque, um projecto interactivo para guitarra, computador e vídeo.
A apresentação aconteceu em 1993 e constituía-se como um
verdadeiro work-in-progress. A ideia inicial baseava-se na
exploração do movimento, produzido na execução da guitarra, para
acções objectivas num computador, através de software e câmara
de vídeo. Feliciano levou o projecto para outros campos, usando
ainda som, imagem e movimento em diferentes interacções de
tempo real. Na apresentação da performance em Nova Iorque foi
acompanhado por David T. Dienes, Roger Kleyer e Anne Gosfield.
Durante as sua permanência nos Estados Unidos, fez também um
estágio nos IEar Studios – Rensselear Polytechnic Institute (Troy),
onde desenvolveu os seus primeiros trabalhos em áudio digital.
Untitled
While awarded the Ernesto de Sousa Scholarship, João Paulo
Feliciano presented an interactive project for guitar, computer and
video at the Experimental Intermedia Foundation in New York. This
took place in 1993 and was presented as a true work in progress.
The initial concept centred on the exploration of movement,
produced while playing the guitar, as objective actions on a computer
and achieved by using software and a video camera. During the
process of working on this project, Feliciano opened it out to other
fields, using sound, image and movement in different real-time
interactions. At the presentation of the performance in New York
he was accompanied by David T. Dienes, Roger Kleyer and Ann
Gosfield. During his stay in the United States, he also interned at
the IEar Studios – Rensselear Polytechnic Institute (Troy), where he
developed his first digital audio works.
Performance na Experimental Intermedia Foundation, Nova Iorque, 1993
Performance at the Experimental Intermedia Foundation, New York, 1993
p. 25 Blitz, 1 de Dezembro, 1992 Blitz, December 1, 1992
Expresso, 19 de Dezembro 1992 Expresso, December 19, 1992
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1994 RAFAEL TORAL
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PROJECTO PROJECT
Rafael Toral nasceu em Lisboa em 1967. Músico e artista plástico,
desenvolveu um trabalho extenso conjugando guitarra e música
electrónica. Considerado um dos guitarristas mais dotados
e inovadores dos anos 90, editou discos cuja importância reuniu
consenso a nível internacional e apresentou o seu trabalho em
concertos por todo o mundo. Em 2004 lança o "Space Program",
uma pesquisa de longo curso sobre performance, silêncio, disciplina
e estruturação do discurso musical com instrumentos electrónicos
experimentais, numa abordagem informada pelo jazz. Traçando
uma linha de trabalho sem precedentes conhecidos, estabelece a
"música electrónica pós-free jazz" como terreno. Colaborou, entre
outros, com Jim O'Rourke, David Toop, Evan Parker e Keith Rowe,
mantendo uma importante e duradoura relação de trabalho com
Sei Miguel. É membro da orquestra electrónica europeia Mimeo
desde 1998 e produziu em 2003 a primeira Antologia de Música
Electrónica Portuguesa. O seu trabalho no campo das artes
plásticas assume a forma de instalações, cujo comportamento
é imprevisível e interactivo, frequentemente recorrendo a sistemas
de feedback generativo. Obras recentes questionam as relações
entre dispositivos de geração, captação, registo, transporte
e distribuição de som.
Rafael Toral is a musician and artist formerly noted for his work
with guitar and electronics. Having been considered by the Chicago
Reader in the 1990's to be "one of the most gifted and innovative
guitarists of the decade", he has released records internationally
taken as milestones in their genre and performed concerts around
the world. In 2000 he decided that such line of work was
completed, terminating a path of worldwide recognition. In 2004
launches the "Space Program", a long term research on performance,
silence, discipline and musical discourse structuring, using
experimental electronic instruments with an approach informed by
jazz. Treading a new path without known precedents, he established
"post-free jazz electronic music" as a working ground.
Collaborated with Jim O'Rourke, David Toop, Evan Parker and
Keith Rowe, among many, and keeps an important and lasting
collaboration with Sei Miguel. He is a member of the Mimeo
European electronic orchestra since 1998 and in 2004 he produced
the first Anthology of Portuguese Electronic Music.
His installations usually display an interactive and unpredictable
behavior, often using generative feedback systems. Recent works
question relations between sound generating, capturing, recording,
distribution devices and perception.
Electrical Guitarmedia Perception
Performance intermédia que utiliza guitarra com electrónica,
osciloscópio, vídeo, células fotoeléctricas, meios de gravação
e filtros dinâmicos.
Rafael Toral propõe que as alterações tímbricas dos sons possam
ser observadas em monitores de vídeo (exibindo a leitura pelos
osciloscópios das ondas áudio) e que as variações de intensidade
da luz tenham efeito sobre o tecido sonoro (usando filtros activados
por circuitos fotossensíveis), de modo a que todos os eventos
se manifestem em simultâneo nas esferas de percepção visual
e auditiva, num ambiente imersivo. A apresentação do projecto
conta com a colaboração de Ben Manley, que efectua
processamento de sinal com dois velhos computadores Apple
modificados, por meio de linhas de programação em texto.
Naturalmente, isto não é um fim em si. O que está realmente
a ser feito é um mergulho na poesia da electricidade.
Electrical Guitarmedia Perception
Intermedia performance using guitar with electronics, oscilloscope,
videotape, photo-electric cells, recording media, dynamic filters and
one assistant.
These components are brought into play not only simultaneously,
but closely interacting with each other. The oscilloscope permits the
visual observation of the shapes of sound. The sounds produced
by both the guitar system and the videotapes cause variations in
a lighting system, while being recorded, altered and played back
by the assistant. The result of the assistant's actions is affected by
a dynamic filter, in a way determined by the intensity of the lights.
Lastly, the guitarist and the assistant are performing music in
interaction with each other and with the audio on the videotapes.
This performance has the effect of bringing up an enhanced way of
perceiving events, that may be both heard and seen. Sounds which
timbre's changes can be observed on video monitors, lights which
intensity variations have an audible effect on sound events.
Of course this is not an ending in itself. What is really being done
is a dip into the poetry of electricity.
Diagrama Técnico do Projecto
Technical Diagram of Project
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Leitura por osciloscópio de sinal áudio em vídeo
Video of oscilloscope reading from audio signal
p. 29 Noticias Toral – Público, 19 de Janeiro 1994
Village Voice, March 15, 1994
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1995 MANUEL MOTA
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PROJECTO PROJECT
Manuel Mota nasceu em Lisboa em 1970. Com formação em
Arquitectura, exerce actividade pública como guitarrista desde
1989, apresentando-se ao vivo na Europa e nos Estados Unidos.
Entre 1989 e 1997 estudou e desenvolveu experiências com
guitarra preparada, em especial com guitarra acústica. Desde então
tem-se concentrado no desenvolvimento de uma linguagem pessoal
para guitarra eléctrica fingerstyle. Trabalha regularmente desde
1997 com a contrabaixista Margarida Garcia e colaborou desde
então e até 2005 com o trompetista Sei Miguel.
Outros nomes com quem tem colaborado: Noel Akchoté,Tetuzi
Akiyama, Alexandre Bellenger, Gust Burns, Chris Corsano, Ernesto
Diaz-Infante, Toshio Kajiwara, Okkyung Lee, David Maranha,
Donald Miller, Alfredo Costa Monteiro, Phill Niblock, Gabriel Paiuk,
Gino Robair, Ernesto Rodrigues, Michael J. Schumacher, Afonso
Simões, Blaise Siwula, Michael Thieke, Rafael Toral, Dan
Warburton, Barry Weisblat.
Fundou a editora Headlights em 1998.
Manuel Mota was born in Lisbon in 1970. Having studied
Architecture, he is a guitarist with public activity since 1989.
From 1989 to 1997 Mota studies and experiments with prepared
guitar, mainly acoustic. Since then his interests shifted to the
development of a personal language for fingerstyle electric guitar
and started working in a regular basis with bassist Margarida
Garcia. Collaborated closely with Sei Miguel from 1997 to 2005.
Other artists with whom has collaborated: Noel Akchoté,Tetuzi
Akiyama, Alexandre Bellenger, Gust Burns, Chris Corsano, Ernesto
Diaz-Infante, Toshio Kajiwara, Okkyung Lee, David Maranha,
Donald Miller, Alfredo Costa Monteiro, Phill Niblock, Gabriel Paiuk,
Gino Robair, Ernesto Rodrigues, Michael J. Schumacher, Afonso
Simões, Blaise Siwula, Michael Thieke, Rafael Toral, Dan
Warburton, Barry Weisblat.
Founded the record label Headlights in 1998.
p. 33 Performance na Experimental Intermedia Foundation, Nova Iorque, 1995
Treated Spatial Pain Reflex
Numa pequena sala predeterminada: disposição aleatória no
pavimento de numerosos objectos reconhecíveis que os visitantes
possam pontapear.
Ligação ao chão de dois acelerómetros piezoeléctricos, protegidos
de contacto físico que não com o pavimento, através de duas caixas
transparentes que medem a vibração, ligados directamente a
pré-amplificadores para conversão da alta impedância da saída
dos transdutores de vibração para um sinal de menor impedância.
Cada um destes é ligado a processadores de som: a) equalizador,
b) controlador de pitch, c) reverbs, delays e distorções; dois
grupos, iguais, são dispostos na mesa onde o performer vai
trabalhar, sentado numa cadeira. O resultado acústico é difundido
na sala por duas colunas colocadas sobre a mesma mesa, depois
de amplificado e misturado.
Treated Spatial Pain Reflex
In a pre-determined small visitable room: random displacement in
the pavement of several recognizable objects that people can kick.
Attachment of two piezoelectric accelerometers on the pavement’s
surface protected by two transparent boxes; these measure
vibration and are directly connected to preamplifiers to convert the
high-impedance output of vibration transducers to a lower impedance
signal. Each one is connected to a set of sound processors:
a) equalizer, b) pitch controller, c) reverbs, delays and distortions;
the two sets are equal and displaced on a table where the artist
is working, sitting on a chair. The acoustic result is spread in
the room by two loudspeakers placed on the table, after being
amplified and mixed.
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Público, 2 de Junho, 1995
Público, June 2, 1995
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1996 PAULO RAPOSO
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PROJECTO PROJECT
Paulo Raposo nasceu em Lisboa, em 1967. Estudou Filosofia
e Cinema na Universidade Católica Portuguesa e na Escola Superior
de Teatro e Cinema. Desde o início dos anos 1990 que tem vindo
a desenvolver uma actividade constante nas áreas da sound art e dos
new media, interessando-se pelo uso das novas tecnologias e pelo
desenvolvimento de software interactivo para performances em tempo
real. A sua abordagem procura empreender a construção de espaços
sonoros e visuais orgânicos a partir de objectos, espaços
arquitectónicos e field-recordings. Desde o final da década de 90,
começa a explorar intersecções em tempo real entre som e imagem, a
solo e com Jeremy Bernstein. Esta colaboração culminou na realização
de um programa de uma hora para a Unity Gain TV, o canal local
de Nova Iorque. Mais recentemente, apresentou na Fundação de
Serralves a obra "Penumbra", a partir da obra de Paulo Nozolino
e de uma pesquisa de longo curso efectuada nos Países Bálticos.
Especialista em linguagem de programação Max/MSP, tem
realizado vários workshops e seminários sobre a concepção
e o desenvolvimento de software para fins artísticos.
Foi co-fundador e director das associações Granular e Binaural entre
2002 e 2006, e como curador foi responsável por eventos como
o “Pushing the Medium” com especial ênfase na transversalidade
dos media e na articulação entre a produção artística e o contexto
envolvente. Desde 2001, dirige a editora "Sirr" onde publicou
dezenas de artistas internacionais prestigiados e coordenou obras em
redor de Chris Marker e Maurice Blanchot. Colabora no programa
“2 ao Quadrado”, RDP/ Antena2 e é autor e realizador para a Rádio
Zero do programa Sound Of Space, tendo concebido ainda diversos
programas e peças comissionadas para o medium da rádio.
Paulo Raposo was born in Lisbon in 1967. He studied Philosophy
and Cinema at the Universidade Católica Portuguesa and at the
Escola Superior de Teatro e Cinema. Since the early 90s Raposo has
worked in the areas of sound art and new media and has been
interested in the use of new technologies and the development of
interactive software to be used in real-time performances. His
approach aims to attempt the construction of organic visual and audio
spaces from objects, architectural spaces and field-recordings. Since
the late 90s he has explored intersections between sound and image
in real-time, either solo or in collaboration with Jeremy Bernstein. This
collaboration culminated in an hour long program for Unity Gain TV, a
local New York TV station. More recently he exhibited, at the Serralves
Foundation, "Penumbra", a piece based on the work of Paulo Nozolino
and long-term research conducted in the Baltic states.
Expert in Max/Msp programming languages, Raposo has run several
workshops and seminars on the conception and development of
software for artistic uses.
He was co-founder and director of the Binaural and Granular
associations between 2002 and 2006, and curated events such
as “Pushing The Medium” with particular emphasis placed on the
transversality of media and language and the articulation between
artistic production and the surrounding context. Since 2001, he runs
the publishing label ”Sirr” featuring an acclaimed collection of
international sound artists and coordinated works based in Chris
Marker and Maurice Blanchot. Currently, works regularly in the radio
medium directing creative and commissioned works, produces the
show “Sound Of Space” for Radio Zero and collaborates with
“2 ao Quadrado” in RDP/ Antena2.
Rizoma
Paulo Raposo apresentou em Nova Iorque o projecto "Rizoma",
baseado num conceito filosófico desenvolvido por Gilles Deleuze
e Félix Guattari em "Mille Plateaux". Com ele explorou as implicações
audiovisuais e a interacção em tempo real, controlando som e imagem.
RIZOMA é um termo botânico. É o nome dado a um caule alongado
subterrâneo, que se expande por um lado crescendo ramos,
e escamas, enquanto por outro se destrói. "Um rizoma não começa
e não acaba, está sempre no meio, entre as coisas, inter-ser,
intermezzo. (...) o rizoma é unicamente uma aliança”. Uma das
características mais importantes do rizoma é ter sempre entradas
múltiplas. Diferentemente de uma estrutura arborescente, o rizoma
conecta um ponto com outro ponto qualquer, e cada um dos seus
traços coloca em jogo regimes de signos muito diferentes. Neste
sentido, diferentes materiais sonoros manifestam-se num fluxo
autónomo, em perpétuo movimento e transformação. E este
permanente estado de estratificação onde os segmentos evoluem
revelam o sentido antigenealógico do rizoma. Procede-se por variação
e expansão. Anti-memória. O fluxo audiovisual procura e engendra
conectividades e rupturas a-significantes onde cada identidade
se multiplica e destrói em múltiplos heterogéneos. Os sons são
transformados em tempo real, interactivamente, controlando
o "compositor" a trama de intensidades e densidades. Além da criação
sonora, "Rizoma" envolve a projecção vídeo de imagens transformadas
em tempo real e geradas a partir dos controladores sonoros. As
imagens são manipuladas via MIDI através de processos algorítmicos
especialmente concebidos em Linguagem Max e as acções sonoras
reflectem-se no modo como o sintetizador de cor actua, modulando
por sua vez a(s) imagens bem como a percepção sonora no espaço.
Rizoma
Paulo Raposo presented the Rizoma project in New York based
on a philosophical concept developed by Gilles Deleuze and Félix
Guattari in "Mille Plateaux". Through it, Raposo explores the
musical/visual implications and real-time interaction between the
performer and the computer controlling sound and image in terms
of processing and response.
RHIZOME is a botanical term. It is the name given to an elongated
subterranean stem which expands and grows branches, leaves, and
scales on one end and on the other it destroys itself. "A rhizome does
not begin nor end, it is always in the middle, in between things,
inter-being, intermezzo. (...) the rhizome is a link, solely a link”.
One of the rhizome's most important traits is that it always has
multiple entries. Unlike the arborescent structure, the rhizome
connects any point with any other point and each of its lines does not
necessarily refer to lines of the same nature which brings into play
very different systems of signs. In this sense, different sound materials
manifest themselves in an autonomous flux continuously in movement
and transformation. This permanent state of multiple stratification
where the segments evolve, reveals the anti-genealogical meaning
of the rhizome. One proceeds by variation, expansion, capture.
Anti-memory. The sounds are created/processed interactively in real
time and the "composer” controls the plot of intensities and densities.
Besides the creation of sound, "Rizoma" includes the video projection
of images manipulated via MIDI through algorithmic processes
especially conceived in Max Language and the sound actions are
reflected in the way the colour synthesizer acts, modulating the
images as well as the acoustic perception of the space.
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Público, 31 de Julho 1996 Público, July 31, 1996
Acta de 1996: a Fundação Calouste Gulbenkian associa-se
à Fundação Luso-Americana (FLAD) como patrocinadora da BES,
tendo como representante Manuel Costa Cabral
Minute of 1996: The Calouste Gulbenkian Foundation joins FLAD as sponsor
of the BES, and is represented by Manuel Costa Cabral on the jury
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1997 DAVID MARANHA
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PROJECTO PROJECT
David Maranha nasceu em 1969 iniciando o seu trabalho na área
da música em 1986. Em 1989 cria o grupo Osso Exótico do qual
é fundador e com o qual tem vindo a desenvolver trabalho em
parceria com o seu irmão André Maranha e a sua mulher Patrícia
Machás desde então. Tem colaborado com diversos músicos como
Manuel Mota, Z’EV, Francesco Dillon, Emmanuel Holterbach, Minit,
Arnold Dreyblatt, Chris Cutler, Robert Rutman, etc.
Apresenta-se ao vivo e lança registos discográficos com regularidade
na Europa e nos EUA. As suas obras mais recentes, que recorrem
a instrumentos tradicionais e clássicos por vezes modificados,
foca-se em pequenas variações de harmonia e /overtones,
/numa perspectiva mais ritualista que científica.
David Maranha desenvolve igualmente projectos na área da
arquitectura desde 1993.
David Maranha was born in 1969 starting his work in music in 1986.
In 1989 forms the group Osso Exótico from whom is founder,
developing work with his brother André Maranha and his wife
Patricia Machás since then.
Has collaborated with many musicians like Manuel Mota, Z’EV,
Francesco Dillon, Emmanuel Holterbach, Minit, Arnold Dreyblatt,
Chris Cutler, Robert Rutman, etc.
Plays and releases his music on a regular basis in Europe and in the
USA. His late works, using traditional or classical instruments
sometimes modified, focuses on small variations of harmonics and
overtones, on the opposite of scientific, more in a ritualistic approach.
He also develops his own projects as architect since 1993.
DISCOGRAFIA DISCOGRAPHY
LP “Osso Exótico I” , 1990 ed. Multinational MN1 (Portugal)
LP “Osso Exótico II”, 1991 ed. Carbo Records CR002 (Portugal)
CD “Osso Exótico III”, 1992 ed. Carbo Records CR003 (Portugal)
CD “Osso Exótico VI Música # 1”, 1993 ed. Staalplaat/Soleimoon
KIP 004 (Netherland, EUA)
CD ) gárgula (gargalo )CD, 1994 ed. Carbo Records CR004 (Portugal)
CD “Osso Exótico V”, 1997 ed. Ananana III001 (Portugal)
CD “piano suspenso”, 1998 ed. Sonoris SON21 CD (France)
CD “Osso Exótico VI (church organ works)”, 1998 ed. Sonoris
SON-03 (France)
7” “Osso Exótico 7’’, 1998 ed. Drone Records DR-37(Germany)
CD “Piano Suspenso” (ao vivo no RPI, New York), 1998 ed. Sonoris
SON21 CD (France)
Osso Exótico VIII imaginação morta CD, 1999 ed. To be released
CD “circunscrita”, 1999 ed. Namskeio Records (Switzerland)
CD “noe’s lullaby” david maranha, 2002 ed. Rossbin RS004 (Italy)
CD “folk cycles” Osso Exótico & Verres Enharmoniques, 2006 ed.
Phonomena PAAM-030CD (J/USA)
CD “piano suspenso”, reissue with a new cover 2007 ed. Sonoris
SON21 CD (France)
CD and LP “organ eye” Organ Eye, 2007 ed. Staubgold (USA)
CD “marches of the new world”, 2007 ed. Grain of Sound gos21
(Portugal)
CD “Bowline” Bowline, 2007 ed. Sonoris sns-04 (France)
CD “Curia I” Curia, 2007 ed. Fire Museum FM-15 (USA)
CD “s/t” Osso Exótico + Z’EV, 2007 ed. Crouton NO.39 (USA)
Ópera para quatro vozes confinada entre dois diafragmas
No chão de uma sala, uma secção de um tronco de mogno, com
um metro de diâmetro.
A secção tem quarto perfurações perpendiculares às faces do corte:
Quatro câmaras confinadas entre um diafragma em vibração
(woofer) e um diafragma em látex. A superfície superior terá uma
topografia que será preenchida por uma fina lâmina de água.
A cada som emitido pelo woofer, e como reacção às ondas de
compressão provocadas por este, corresponderá um movimento
ondulatório no leito de água A cada câmara será destinada uma
das quatro vozes gravadas.
Cada voz emitirá uma nota sussurrada (em volume muito baixo),
que se repetirá ciclicamente. O intervalo entre duas notas tem de
ter duração suficiente para que se restabeleça, na ausência de
vibração, o repouso na superfície da água. A iluminação será feita
por um projector situado no tecto, e orientado para o leito de água.
Através da sua reflexão, ficará visível numa parede branca a esteira
provocada na superfície da água pela vibração do diafragma.
Opera for four voices confined between two diaphragms
Lying on a room’s floor, a cross section of a sapely tree one meter in
diameter. The section has four perpendicular perforations: four
chambers confined between a vibratile diaphragm (woofer) and a
latex diaphragm. The top surface of the wood will have a topography
that will be filled with a thin blade of water. To each sound released
by the woofer, and in reaction to the compression waves originated
by it, will correspond a wave like motion on the bed of water. To
each chamber it will be intended one of the four voices recorded.
Each voice will give out a whispered voice (in a very low volume),
to be repeated in a cyclic way. The interval between two notes must
have length enough, so that, in the absence of vibration, the rest
of the water surface may be re-established. A performer has then to
control them through the mixer. A spot light projector on the ceiling
will be oriented towards the surface of water. Through it’s reflexion,
the wave provoked on the water surface by the vibration of the
diaphragm, will be visible in a white wall.
Desenho do Projecto
Draw of the Project
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Desenho do Projecto Draw of the Project
Performance de David Maranha na Experimental Intermedia Foundation, Nova Iorque, 1997
Performance by David Maranha at the Experimental Intermedia Foundation, New York, 1997
p. 47 e 49
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Partitura do projecto
Score of the Project
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1999 ADRIANA SÁ
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PROJECTO PROJECT
Adriana Sá nasceu em Lisboa, em 1972. Artista transdisciplinar
com o princípio poético-filosófico de uma plasticidade musical
associada à luz, à arquitectura, ao movimento, à meteorologia ou
à pintura 3D, encontra expressividade mediante instrumentação
digital e analógica, que com frequência aufere de escala
arquitectónica.
O seu trabalho relaciona-se com contextos específicos. As suas
partituras gráficas coreografam textura, densidade, dominância
e sequenciação, mais do que tempos-relógio ou arranjos de notas.
Trabalhando o som de modo provocatório, Adriana Sá propõe
situações imersivas e joga com as transições entre estados
psicofísicos. Seguindo o desafio da acumulação de variáveis
múltiplas e da precisão dos tempos orgânicos, interessa-se
especialmente pelo efeito subjectivo de estímulos simultâneos
e contrastantes.
Adriana Sá tem vindo a desenvolver e apresentar trabalho pela
Europa, EUA e Japão. As suas residências, instalações e
performances realizam-se com frequência em contextos pouco
convencionais, bem como em festivais internacionais, teatros,
galerias e museus. Ao longo da última década, Sá desenvolveu
projectos no âmbito de ‘séries’ consagradas a determinadas
investigações artísticas: "Laboratórios de Sensações", "Interchange
Formats", "This Is Just To Do", "Parallax", "Metaparallax",
"Portablellax", "Momento em Movimento" e "Limiares". Prossegue
actualmente nova linha de trabalho com ‘audiographic’,
um software audio/3D em desenvolvimento.
Laboratório de Sensações 3
“Laboratório de Sensações 3” é um espectáculo imersivo em que
a variedade de dinâmicas simultâneas origina uma densa massa
sonora. A performer encontra-se dentro de um cubo de tecido preto
no meio da sala e do público. No espaço totalmente escuro a sua
silhueta surge ocasionalmente iluminada por flashes
estroboscópicos. Juntamente com uma lâmpada neon, estes flashes
modelam o som proveniente de um laptop e de um gerador áudio
através de sensores de luz. A profusão de estímulos sensoriais
'compete' com a linearidade de um discurso oral que próprio
transfigurado musicalmente; o espectador torna-se eventualmente
consciente da sua subjectividade na organização dos estímulos.
Sensations Laboratory 3
“Sensations Laboratory 3” is an immersive show; the variety
of simultaneous dynamics generates a dense sound mass. The
performer is inside a cube of black fabric placed in the middle
of the room and the audience. In total darkness her outline appears
occasionally lightened by strobe flashes. Both these flashes and
a neon lamp shape the audio from a laptop and an audio generator
through light sensors. The profusion of sensorial stimuli ‘competes’
with the linearity of a spoken speech, which is musically transfigured.
The audience becomes eventually aware of their subjectivity
regarding stimuli organization.
Adriana Sá was born in Lisbon in 1972. She is a transdisciplinary
artist whose poetical-philosophical principle of a musical plasticity
connected with light, movement, architecture, weather or 3D
painting finds expression both through digital and analogue, and
often architecturally-scaled instrumentation.
Her work relates to specific contexts. Her graphical scores
choreograph texture, density, dominance and sequence variations
rather than clock-time or note arrangements. Working with sound
provocatively, Sá proposes immersive situations and plays with the
transitions between different psychic-physic states. Challenged by
the accumulation of multiple variables and the precision of organic
timings, Sá is specially interested in the subjective effect provoked
by simultaneous and contrasting stimuli.
Adriana Sá has been developing and presenting her work around
Europe, USA and Japan. Her residencies, installations and
performances frequently unfold in non-conventional contexts,
as well as in international festivals or also theatres, galleries and
museums.
In the last decade, Sá has consistently developed project-series
dedicated to certain artistic investigations: "Sensations
Laboratories", "Interchange Formats", "This Is Just To Do", "Parallax",
"Metaparallax", "Portablellax", "Moment In Movement" and
"Thresholds". She presently pursues a new line of work upon the
in-development audio/3D software ‘audiographic’.
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Experimental Intermedia
The Twenty-fifth Anniversary of EI performances at 224 Centre Street, the Thirtieth Anniversary of the Founding of Experimental Intermedia, the Thirtieth
Anniversary of the 224 Centre Street loft, and, not least,
The Ninth Annual Festival with no fancy name, Part Two
March 1999
David First
Wednesday 17
"A Bet on Transcendence Favors the House pt.2" for 13 drone paths, electric guitar/synth controller, and tonal fool
Robert Poss
Thursday 18
"Distortion Is Truth," neo- and non-traditional electronic music for guitar, analog synthesizer, and electronics
Paul Demarinis
Friday 19
"The lecture of Comrade Stalin at the extraordinary 8th Plenary Congress about the draft concept of the Constitution of the Soviet Union on November 25, 1936"
Dean Roberts
Sunday 21
A solo performance featuring electro-acoustic music, sampling electronics and electric guitar, using systems of improvisation, chance and laminations with live
and prepared material; "expositional process," aspiring to be a self-reflexive documentary, where the artist constructs a sound environment with familiar materials,
while never being quite aware of, or in control of, the directions or relationships that the various sounds will have with each other
hans w koch and Andreas Wagner
Tuesday 23
A space with all its peculiarities is treated as a musical instrument, whose technique and sounding are still to be explored; different readings of it lead to different
soundscapes, all centered around the physical space; the whole expedition will be accompanied by such well-known instruments as tenor saxophone and some
electronic chameleons
Bolsa Ernesto de Sousa, a memorial fellowship named for the Portuguese Intermedia Artist, sponsored by the Luso-Americana Foundation and the Fundacao
Calouste Gulbenkian, in Lisbon, coordinated by Isabel Alves, presents an intermedia performance:
Adriana Sa
Wednesday 24
"Sensations Laboratory 3," in which there is an immersion room, Adriana speaks about art and she distorts her voice, mixing those sounds with a prerecorded
sound track and controlling the rhythm of light flashing on and off
Ron Kuivila
Sunday 28
With a microscope, a biologist is capable of moving a pipette by hand with otherwise inconceivable precision; "Electric Wind" attempts to use electronics as
a kind of auditory microscope for Barbara Held's flute playing
Lois V Vierk
Monday 29
With tap choreographer Anita Feldman; fifteen years after the east coast premiere of "Go Guitars" for 5 electric guitars at Experimental Intermedia, Vierk presents
this seminal work plus recent chamber music and tap dance; Guy Klucevsek (accordion), the Maya Beiser/Steven Schick Project (cello and percussion), Seth
Josel (guitar), Anita Feldman Tap (Feldman and Rhonda Price, choreographers/tap dancers, and Michael Lipsey, percussion) Zbigniew Karkowski,
Atau Tanaka, Edwin van der Heide
Wednesday 31
Three composers working in the sensorinstrument ensemble, Sensorband, will present solo pieces on their instruments: infrared percussion structure, EMG
biosignal instrument, ultrasound MIDIconductor; the evening will open with the three in collaboration on analog low frequency oscillators that create acoustical
coupling with the concert space
‹‹Adriana Sá's work occupies unique and fertile territory in the realm of experimental music and sound installation. By carefully considering the
parameters of architecture, sonority, and material, Sá's site-specific installations combine commonplace physical materials with software and digital
sound samples, yet she never falls victim to the obfuscation of gadgetry, nor merely to the display of technological virtuosity.
It is her profound belief in, and insistence upon, our physical presence in a specific atmosphere, that places her work organically and concretely
in the here and now. Her goals and strategies focus on the materialization of a tangible aural presence through the synthesis of many sources – physical,
digital, and inter-personal – through an intense concentration on the moment and situation of the performance or installation context.
Within each of her pieces, Sá invites us to pursue several simultaneous paths of significance. By the complex layering and blending of the
distinct elements and meanings, she plays with a multitude of dynamic perceptions – often paradoxical, sometimes in conflict with each other;
knowing full well that we can never follow all of them simultaneously, she plays with the individual "information filters" we have all acquired
through living within our stimuli-overloaded culture.››
John Klima
Diário de Notícias, 21 de Janeiro 1999 Diário de Notícias, January 21, 1999
p. 53 Programa da Experimental Intermedia Foundation, de Março de 1999, anunciando a performance de Adriana Sá
Experimental Intermedia Foundation Program of March 1999 announcing the performance of Adriana Sá
Our programs are supported by the New York State Council on the Arts, and the Phaedrus Foundation
224 Centre Street at Grand, Third Floor, N Y 10013;
9pm $4.99
212 431 5127, 431 6430, fax 212 431 4486
EIF homepage | About EIF | Artists at EIF | About EIF Gent | About XI Compact Disks
prepared by Henry Lowengard
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2000 SÓNIA RODRIGUES
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PROJECTO PROJECT
Sónia Rodrigues nasceu no Porto em 1973 e vive em Londres
desde 1994. Recebeu formação em Dança até aos 21 anos, idade
com que se mudou para Londres. Licenciou-se em Escultura
e Multimédia no Chelsea College of Arts em 1999.
Sónia Rodrigues tem vindo a explorar o cruzamento entre
disciplinas e a relação entre artes visuais e vídeo. Durante um
período de três anos, trabalhou em instalações de vídeo-dança
como performer e video artist. Esteve igualmente envolvida em
diversos projectos educacionais, colaborando regularmente com
escolas de dança como coreógrafa e através da criação de trabalhos
em vídeo. Dirigiu também espectáculos de dança, para os quais
criou vídeos que agissem em interacção com a coreografia. Tem
trabalhado em colaboração com bailarinos, corégrafos, artistas
visuais, actores e músicos.
Em 2004, completou com distinção o mestrado em "Dance on
Screen" na LCDS – London Contemporary Dance School, sob
a orientação de David Hinton e Lucy Baldwin.
Em 2004 foi co-fundadora da +logo, grupo de performance
multimédia em Londres.
Sónia Rodrigues trabalha actualmente como video artist em regime
de free-lance.
Sónia Rodrigues is a Portuguese London based artist, born in Oporto
in 1973. She received dance training in Portugal up to the age of
21. Then, moved to London and graduated in 1999 from Chelsea
College of Arts, where she completed a Fine Arts (sculpture and
multimedia) Degree. She is interested in crossing disciplines and in
the relationship between fine arts and video. During three years, she
worked on dance-video installations as an artist: performing, editing
and creating (conception).
She has also been involved in several educational projects, working
regularly with dance schools as a choreographer and video artist.
She has directed dance shows, where she created video pieces to
interact live with dance choreography. She has worked collaboratively
with dancers, choreographers, artists, actors and musicians.
Sónia Rodrigues completed a Masters in Dance on Screen at
LCDS – London Contemporary Dance School in 2004 with
distinction, supervised by David Hinton and Lucy Baldwin.
In 2004 she co-founded +logo, a multimedia performance
partnership based in London.
Currently she works freelance as a video artist.
Multiples of 1 + MOV.LTIPLES
A instalação de vídeo "Multiples of 1 + MOV.LTIPLES" acontece
simultaneamente, uma em frente da outra com o público no meio,
no mesmo espaço. Os 5 monitores do Multiples of 1 encontravam-se
em linha no chão e o MOV.LTIPLES em projecções de vídeo numa
linha na parede em frente. A vídeo coreografia decorre em silêncio.
Duração: 30 + 25 min
Performer, Edição e Coreografia: Sónia Rodrigues 1999/2000
“JACKET”: styled e gravado por Hugo Rocha
O trabalho “Multiples of 1” é em si mesmo uma coreografia. Cada
imagem, de cada um dos televisores, foi gravada separadamente
e criado um banco de imagens em vídeo. Um circuito fechado
(câmara, vídeo e televisor) foi montado de forma a que pudesse
introduzir no televisor em questão a coreografia em tempo real.
Existe uma única intérprete (eu). Utilizei diversas formas de
multiplicação. Considero cada um dos ecrãs de televisão um espaço
de palco e o espaço entre eles um vazio no qual não aparece
imagem onde o espectador poderá adivinhar o trajecto do corpo
que está fragmentado durante todo o trabalho.
“MOV.TIPLES” é constituído por 5 projecções. Cada projecção
é constituída por duas camadas de vídeo.
A primeira camada intitula-se «Jacket» criada em Londres e
projectada no chão enquanto eu interagi com as imagens de vídeo.
Essa performance foi gravada por 3 câmaras e criei a coreografia
posteriormente em Final Cut Pro.
Utilizo vídeo como processo de multiplicação, coreografando
o espaço sobrepondo imagens de vídeo em vez de bailarinos.
MOV.LTIPLES foi criado na Universidade de Iowa, com a assistência
de Mark McCusker.
Multiples of 1 + MOV.LTIPLES
The video installation "Multiples of 1 + MOV.LTIPLES" happens at the
same time, one in front of the other, with the audience in the middle
within the same space. The 5 monitors of "Multiples of 1" were
aligned on the floor, and the video projections for "MOV.LTIPLES"
were in line on the opposite wall. The choreograph is silent.
Duration: 30 + 25 min
Performed, edited and choreographed by Sónia Rodrigues 1999/2000
“JACKET”: styled and shot by Hugo Rocha
“Multiples of 1” is in itself a choreograph. Each image in every
monitor was recorded separately and a video image database was
created. I fixed a closed circuit constituted by video camera, monitor
and video player to introduce movements directly onto the monitor in
real time. There is only one performer (myself). I have used several
ways of multiplication. I consider each of the monitors to be a stage
space and the void between the monitors is a space with no image,
in which the spectator can guess the body’s course since it is always
fragmented through the whole piece.
The piece “MOV.LTIPLES” is a video choreograph for 5 video
projections. Two layers of video constitute it. The first layer,
“JACKET”, was shot and edited in London and was then projected
on the floor while I performed and interacted with the video images.
Three different cameras recorded the performance and I created the
choreography with Final Cut Pro.
I am using video to multiply myself, choreographing space by
layering video images instead of dancers.
“MOV.LTIPLES” was produced at University of Iowa with Mark
McCusker’s assistance.
Vídeo stills da performance na Experimental Intermedia Foundation, 2000
Video stills of the performance at the Experimental Intermedia Foundation, 2000
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2001 JOÃO CASTRO PINTO
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PROJECTO PROJECT
João Castro Pinto nasceu em Lisboa em 1977. Iniciou a sua
actividade criativa como media artist na segunda metade dos anos
1990. O resultado do seu trabalho artístico compreende os
domínios da arte sonora, da música experimental
electrónica/electroacústica e da pesquisa intermédia, numa
perspectiva transdisciplinar de confrontação dos new media. O seu
objectivo prende-se com a exploração e a recriação de elementos
sonoros e visuais de origem natural, abduzidos do seu contexto
original através de tecnologias digitais de gravação, e recriados num
outro contexto/espaço-tempo que se pretende interior. O objectivo
das suas performances focaliza, como denominador comum,
a intenção de criar uma intensa experiência piscoacústica que
suscite na audiência um vislumbre existencial relativo à imperativa
necessidade da procura do caminho que possibilite o acesso a esse
mesmo espaço. O espaço referido é por excelência interior e,
consequentemente, da ordem da intimidade, embora seja,
concomitantemente, de cariz transpessoal.
João Castro Pinto was born in Lisbon in 1977. He started his
creative activity has a sound and intermedia artist in the 1990's. The
main output of his artistic production comprehends the domains
of sound art, experimental electronic/electroacoustic music and of
intermedia research, in a trans-disciplinary perspective of
confrontation concerning the new digital media.
His fundamental artistic intent resides on the exploration and
recreation of natural sound and visual elements that are abducted
from their original context through digital recording technologies,
and then recreated in another context and time-space that intends
to create a deep inner experience.
The common denominator of the artistic goals of the
intermedia/sound pieces that he has presented so far, focus on
the intention of creating an intense psychoacoustic experience that
provokes in the audience something similar to an existential glimpse
that portrays the imperative need of the searching for a way
to access that ultimate inner-space, which is both intimate and
trans-personal.
A Sense of Flow
Projecto que parte do conceito de "paisagem sonora" como uma
realidade objectiva e permanente no âmbito da existência material,
que tem a particularidade de influenciar física e psicologicamente o
homem; para desenvolver um "mapa" acústico e, simultaneamente,
visual do rio Tejo, levando a cabo uma investigação sobre a sua
riqueza e diversidade em termos audiovisuais. Esta investigação
/composição é constituída, primeiramente, pela captação de
sons/imagens, retirados da paisagem do Tejo, e por posterior
processamento electrónico em tempo real (via computador),
privilegiando um tratamento poético/imaginário do espaço. O som
e a imagem vão, por um lado, reflectir os locais da captação, mas
não representam figurativa e necessariamente esses mesmos
lugares. Não se trata de produzir uma documentação acústica/visual
ou de organizar um "tour(ismo)" histórico, simbólico ou cultural pela
total extensão do rio. Trata-se, sim, de partir do real (natural) para
recriar e reconstruir experiências acústicas e visuais apelativas,
por meio da experimentação criativa via média digitais. Dois
computadores preconizam o processamento audiovisual em tempo
real (o resultado da trama sonora afecta os parâmetros da imagem
projectada), procurando-se demonstrar um confronto/ encontro
latente entre o natural e o sintético, entre o acústico e o
electroacústico, entre as imagens sonoras e as imagens sintéticas.
Uma performance que apela à criação intermédia de índole
experimental e espontânea.
A Sense of Flow
"A Sense of Flow" is a project that has its start by considering the
concept of soundscape (aural complex of a certain space) as an
objective and permanent reality of the material existence that has
the particularity of having a major influence in human psychological
and physical dispositions; to develop an acoustic and
simultaneously visual "map" of the Tejo river (Tagus), performing an
investigation about its richness and diversity in audiovisual terms.
This investigation/composition is, firstly, constituted by the capture
of sounds and images (field recordings) from the natural landscape
of the river and by posterior real time electronic processing
(computer), favoring a poetic/imaginary treatment of the space.
Sound and image will reflect, in a certain sense, the places of the
captures, but they will not figuratively and necessarily represent
those same locations. It's not a goal of this project to produce an
acoustic/visual documentation, or to organize a historic, symbolic or
cultural "tour(ism)", by the total territorial extension of the river. The
goal of this project is to start with the reality (natural-references) to
recreate appellative acoustic and visual experiences, using digital
mediums. Two computers co-create live intermedia audiovisual
processing (the sound plot affects the projected image parameters).
"A Sense of Flow" tries to demonstrate the latent confront/
encounter between natural and synthetic planes, between
the acoustic and the electroacoustic sound, between the sound
images and the synthetic images. A performance that plunges for
a spontaneous and experimental intermedia act of creation.
Projecto de João Castro Pinto
Project by João Castro Pinto
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Público, August 3, 2000
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2002 ELGA FERREIRA
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PROJECTO PROJECT
Elga Ferreira nasceu em Lisboa, em 1974. Desde 2000, lecciona
nos cursos de Design e Artes Plásticas da ESAD – Escola Superior
de Arte e Design de Caldas da Rainha. Actualmente, desenvolve
doutoramento na área de Creative Technologies no London College
of Music and Media, em Londres. Elga concluiu dois mestrados,
o primeiro em Artes Digitais (2002) na Universidade Católica do
Porto, o segundo em Creative Technologies (2006) no London
College of Music and Media, tendo-se licenciado em Design Visual
(1998) no IADE – Instituto de Artes Visuais, Design e Marketing,
Lisboa. Foi designer de comunicação em regime de freelancer entre
1996 e 2001. A partir de 2001, foca o seu trabalho na vertente
artística, tendo desenvolvido projectos na área da instalação
interactiva. É editora correspondente do jornal on-line internacional
Leonardo Electronic Almanac (no domínio da aplicação da Ciência
e da Tecnologia às Artes Contemporâneas e à Música), editado pela
MIT Press, desde 2003. Foi seleccionada para a mostra nacional
dos Jovens Criadores na área do Vídeo, em 1999. Em 2006, foi
premiada com a SPEED Scholarship, atribuída pelo Higher
Education Funding Council England. O seu projecto
“NearInteraction” foi galardoado pelo fundo europeu NEOTEC.
Elga Ferreira was born in Lisbon, in 1974. Since 2000, she teaches
the Design and Fine Arts courses in ESAD – Escola Sup. de Arte e
Design in Caldas da Rainha. Nowadays, she is developing a PhD
in Creative Technologies in London College of Music and Media,
London. Elga concluded two master degrees, the first of Digital Arts
(2002) in UCP – Univ. Católica do Porto, the second of Creative
Technologies (2006) in the London College of Music and Media, and
in 1998 graduated in Graphic Design in IADE – Instituto de Artes
Visuais, Design e Marketing, Lisbon. Between 1996 and 2001 she
worked as a freelance graphic designer. Afterwards, she focused her
creative work mainly on the development of interactive installations.
Since 2003, she has been a correspondent editor of the international
on-line journal Leonardo Electronic Almanac (in the domain of the
application of Science and Technology to Contemporary Arts and
Music), edited by MIT Press. In 1999, she was selected for the
"Jovens Criadores" national exhibition in the video area. She was
awarded with SPEED Scholarship (2006) by Higher Education
Funding Council England. Recently, she has been awarded with
the European funding NEOTEC for the “NearInteraction” project.
UnReal
“UnReal” é uma instalação interactiva em que o visitante interage
com um ambiente virtual 3D. Esta instalação é espaço híbrido,
onde existe um movimento contínuo de passagem entre dois
espaços, físico e digital. No espaço digital existe um ambiente
virtual 3D constituído pelos elementos água e fogo, que à medida
que o visitante interage (deslocação) com o espaço físico da sala
se vai metamorfoseando em tempo real.
O visitante é colocado em reflexão, no momento das suas
interacções com o ambiente da obra, sobre os limites do seu corpo.
Através desta instalação ele vai percepcionar um lugar nunca antes
experimentado, onde físico/digital, natural/artificial,
orgânico/inorgânico, massa/energia se fundem, permitindo pensar
numa existência vivida por um corpo tecnológico. O corpo assume
uma dimensão pós-biológica. A sua ideia de corpo e as suas acções
são ampliadas. As capacidades deste corpo tecnológico permitem
conviver com uma nova natureza, ampliada a mundos digitais
inteligentes produzidos por computador.
O ambiente virtual 3D imersivo de “UnReal” é constituído pelos
elementos primordiais da água e do fogo, que co-habitam no
mesmo ambiente com as suas características comportamentais
(físicas) reais alteradas. O participante é chamado a interagir com
um mundo novo que o coloca num retorno ao primordial; um novo
nascimento, para uma nova condição humana – pós-biológica.
UnReal
“UnReal” is an interactive installation where the visitor interacts with
a virtual 3D environment. This installation is a hybrid space where
a continual movement between the space of the physical and the
digital exists. In the digital space there is a virtual 3D environment
consisting of the elements of fire and water. This environment is
transformed in real-time as the visitor, moving through the
installation, interacts with the physical space.
“UnReal” places the visitor in a situation where he can reflect on the
limits of the body when he interacts with the environment of the
work. Through this installation he will perceive a place he has never
experienced before, one where the physical/digital, natural/artificial,
organic/inorganic, mass/energy all fuse together allowing for an
existence lived by a technological body to be pondered. The body
takes on a post-biological dimension. Its notion of body and its
actions are amplified. The abilities of this technological body allow
one to live with a new sense of nature, one extended to intelligent
digital worlds produced by the computer.
The “UnReal” immersive virtual 3D environment is composed of the
primordial elements of water and fire that by inhabiting the same
environment with their physical characteristics altered, draws the
visitor into interacting with a new world that places him in a return
to the primeval, a rebirth into a new post-biological human
condition.
Esquema de instalação do Projecto de Elga Ferreira, 2002
Project installation scheme by Elga Ferreira, 2002
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Ambiente virtual do Projecto
Virtual environment of the Project
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2003 MARGARIDA GARCIA
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PROJECTO PROJECT
Margarida Garcia nasceu em Lisboa, em 1977. Contrabaixista
e artista, trabalha em instalação, video, desenho e música.
Algumas colaborações musicais em gravações ou ao vivo incluem
Manuel Mota, Nöel Akchoté, Barry Weisblat, Otomo Yoshihide,
Toshio Kajiwara, Oren Ambarchi, Ferran Fages, Alfredo C. Monteiro,
Ruth Barberán, John Tilbury, Sean Meehan, Eddie Prevost, Rhodri
Davies, Matt Valentine, Erica Elder, David Keenan, Alex Neilson
e Mattin.
Selecção de exposições: "Sleeps Bright Land", sideshow gallery,
Nova Iorque (2007), Magyar Muhely Galéria, Budapeste (2007),
Nitrianska Galéria, Eslováquia, (2006), Tart Gallery, São Francisco
(2006), Peer Gallery, Nova Iorque, (2006); " Mary", sideshow
gallery, Nova Iorque (2007); "Sunnet", Neutral Ground, Regina
(2007), Experimental Intermedia Foundation, Nova Iorque (2006),
(Inserido na mostra "3 hours:3 minutes"), Elizabethan Foundation
for the Arts, Nova Iorque (2006); "and I wake up to the perfect
patience of mountains" (tributo a e. e. cummings), Experimental
Intermedia Foundation, Nova Iorque (2003), Intermedia
Department of the Iowa University, Iowa, 2003; "Sky lavender, the
moon rattles like a fragment of angry candy", Metronòm – Fundació
Rafael Tous dArt Contemporaní, Barcelona (2002); "Untitled",
Sonicscope Festival, Palácio Marim-Olhão, Lisboa (2001).
Margarida Garcia was born in Lisbon, 1977. Musician (bassist)
and artist, she works on installation, video, drawing and music.
Selected music collaborations in live/recording settings include
Manuel Mota, Nöel Akchoté, Barry Weisblat, Otomo Yoshihide,
Toshio Kajiwara, Oren Ambarchi, Ferran Fages, Alfredo C. Monteiro,
Ruth Barberán, John Tilbury, Sean Meehan, Eddie Prevost, Rhodri
Davies, Matt Valentine, Erica Elder, David Keenan, Alex Neilson and
Mattin.
Selected exhibitions: "Sleeps Bright Land", sideshow gallery, New
York (2007), Magyar Muhely Galéria, Budapest (2007), Nitrianska
Galéria, Slovakia, (2006), Tart Gallery, San Francisco (2006), Peer
Gallery, New York, (2006); " Mary", sideshow gallery, New York
(2007); "Sunnet", Neutral Ground, Regina (2007), Experimental
Intermedia Foundation, New York (2006), (whitin the exhibition
"3 hours:3 minutes"), Elizabethan Foundation for the Arts, New York
(2006); "and I wake up to the perfect patience of mountains" (tribute
to e. e. cummings), Experimental Intermedia Foundation, New York
(2003), Intermedia Department of the Iowa University, Iowa, 2003;
"Sky lavender, the moon rattles like a fragment of angry candy",
Metronòm – Fundació Rafael Tous dArt Contemporaní, Barcelona
(2002); "Untitled", Sonicscope Festival, Palácio Marim-Olhão, Lisbon
(2001).
p. 69-73 Desenhos do Projecto
Drawings of Project
And I wake to the perfect patience of mountains
Performance/instalação em que, através de sons gravados em
multipistas e difundidos por vários altifalantes, é gerado movimento
em modelos tridimensionais virtuais, criando uma composição
manipulada em tempo real que envolve a espacialização do som
e desenho 3D. A fonte sonora são captações efectuadas com
microfones de contacto sobre diferentes materiais e superfícies.
And I wake up to the perfect patience of mountains
Performance/installation that uses sounds recorded in multi-track,
and played through several loudspeakers, generating a movement
in three dimension virtual models, creating a real time manipulated
composition that gathers sound and space.
The sound source is based on captures of contact microphones over
several materials and several surfaces.
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2004 RUBEN VERDADEIRO
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PROJECTO PROJECT
Ruben Verdadeiro nasceu em Ponta Delgada em 1974. Vive
e trabalha no Porto.
Estudou Design de Comunicação na Universidade do Porto
e tem vindo, desde então, a desenvolver projectos experimentais
procurando a simplicidade, a fusão orgânica de múltiplos
elementos, a cumplicidade que possibilita ao espectador a sua
própria busca interior. Experimenta em tempo real viagens no
universo da dromologia; no princípio antrópico, variações de
estados, algures entre a vida, a arte e a ciência.
Participou no "Prémio EDP Novos Artistas 2003", Fundação
de Serralves com as obras “Ser” e “Silêncio Azul”.
De entre as exposições individuais e performances realizadas
destacam-se “Silêncio Azul” – XII Bienal Internacional de Arte de
Vila Nova de Cerveira, Portugal (2003) e “Continuum” – Plumba
Contemporary Art, Porto, Portugal (2007).
Participou nas exposições colectivas "Prémio EDP Novos Artistas
2003", Fundação de Serralves, Porto (2004), “.......eu.......” – Ciclo
"in Loco II", Design de Comunicação Contemporâneo, Silo Espaço
Cultural pela Fundação de Serralves e Fundação Belmiro de
Azevedo, Porto (2004-2005), "Foro Sur" – Feira Ibero Americana
de Arte Contemporânea, Cáceres, Galeria Fonseca Macedo, Espanha
(2006), "Arte Lisboa – Feira de Arte Contemporânea", Galeria
Fonseca Macedo, Lisboa (2006), "Arco'06 – Feira Internacional de
Arte Contemporânea", Madrid, Galeria Fonseca Macedo (2006),
"25 Frames Por Segundo: Vídeos da Colecção da Fundação PLMJ",
Cinema S. Jorge, Lisboa (2007) e "Arte Lisboa – Feira de Arte
Contemporânea", Galeria Fonseca Macedo, Lisboa (2007).
Silêncio Azul
Projecto apresentado: performance/instalação que passa por uma
fusão orgânica de múltiplos elementos, baseada em fórmulas
simples e em matérias vivas, explorando velocidades, paragens
e tempos negativos no campo da Dromologia. Na sua ideia está
a criação de “condições que possibilitem ao público escolher
direcções, lugares do seu ser mais íntimo, da sua própria busca
interior”, sem esquecer o “princípio antrópico”, isto é, a poesia.
Blue Silence
Project presented: Performance/Installation consisting of an organic
fusion of multiple elements based on simple formulas and living
materials that explore the speeds, stops and negative times in the
field of Dromology. The concept hinges on the creation of the
“conditions that enable the audience to choose the directions, the
places of their most intimate being, of their own inner quest” without
neglecting the “antropic principle”: poetry.
Ruben Verdadeiro was born in Ponta Delgada in 1974. He lives and
works in Porto.
Having studied Design and Communication at the University of
Porto, he has since then developed experimental projects searching
for simplicity, the organic fusion of multiple elements, the complicity
that allows the spectator his own inner search. He experiments in
real time journeys in the universe of dromology; in the principle of
variations of states, somewhere between life, art, and science.
He participated in the "EDP New Artists Award" at the Fundação
Serralves in 2003 with the works “Ser” and “Silêncio Azul”.
From solo exhibitions and performances the following stand out:
“Silêncio Azul” – XII Vila Nova de Cerveira International Art Biennial,
Portugal (2003) and “Continuum” – Plumba Contemporary Art,
Porto, Portugal (2007).
He has participated in the following group shows: "EDP New Artists
Award 2003", Fundação de Serralves, Porto (2004), “.......eu.......”
– "Ciclo in Loco II", Design de Comunicação Contemporâneo, Silo
Espaço Cultural by Fundação de Serralves and Fundação Belmiro de
Azevedo, Porto (2004-2005), "Foro Sur", Cáceres, Galeria Fonseca
Macedo, Spain (2006), Arte Lisboa, Galeria Fonseca Macedo, Lisbon
(2006), "Arco'06", Madrid, Galeria Fonseca Macedo (2006), "25
Frames per Second: Video works from the PLMJ Foundation
Collection", Cinema S.Jorge, Lisbon (2007) e "Arte Lisboa – Feira
de Arte Contemporânea", Galeria Fonseca Macedo, Lisbon (2007).
Imagens do Projecto de Ruben Verdadeiro na Experimental Intermedia Foundation, Nova Iorque, 2004
Images of the performance by Ruben Verdadeiro at the Experimental Intermedia Foundation, New York, 2004
p. 12, 13
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Sobre “Silêncio Azul”
“A obra de Ruben Verdadeiro constrói cosmogonias íntimas que exploram a percepção como fenómeno de
redescoberta dos estados das coisas. Estes são alterados por acontecimentos cujo registo e representação
modificam as condições de percepção do observador. O artista utiliza a instalação como um desafio sensorial á
descoberta dos espaços e dos incidentes que neles ocorrem. Cada obra propõe assim uma experiência perceptiva
que desafia o espectador á redescoberta partilhada e cúmplice de processos e de eventos cuja natureza é
modificada pela alteração da escala em que se manifestam.
(...)
Em Silêncio Azul (2003), uma performance concebida para o espaço de um auditório, Ruben Verdadeiro
apresenta uma extensão de alguns dos princípios estruturantes da sua poética artística, construindo um discurso
polifónico onde a relação entre o evento e a percepção manifesta igualmente a exploração de uma dialética entre
o microacontecimento e o seu macroreconhecimento. A sinestesia sugerida pelo título de performance torna-se
omnipresente numa série de quatro momentos onde coincidem diferentes suportes como o vídeo, o som e a
performance. Os quatro momentos da performance encadeiam-se como movimentos de uma composição
audiovisual, descritos entre a literalidade e a metáfora como "Tempestade, Mergulho, Imersão, Evaporação".
Em todos eles o artista protagoniza um pequeno acontecimento filmado e transmitido em tempo real através de
uma projecção de vídeo que lhe aumenta consideralvelmente a escala da percepção. O espectador vê-se
confrontado com uma "viagem" espáciotemporal, onde a associação entre som e a imagem, entre o sucedido e o
reconhecido é a origem de uma permanente surpresa. Os quatro elementos, fogo, ar, água e terra, são convocados
numa demiurgia que suscita a irrupção e a decadência de uma cosmogonia, como a permanente crise e sucessivo
renascimento de um universo. A entropia manifesta-se novamente na evolução dos estados das coisas operada
por pequenos acontecimentos como o mergulho de um microfone numa tina de água até à manifestação de um
feedback sonoro, ou como a erosão de pequenos edifícios construídos em argila decorrente da sua imersão num
estado líquido.
Silêncio Azul é uma experiência de fusão que condensa a gramática criativa de Ruben Verdadeiro, abrindo
perspectivas para a continuidade de uma obra que resgata a utopia da partilha e da cumunhão entre artista e
espectador na manifestação e reconhecimento do processo artístico como uma transformação poética da
realidade, potenciada pela associação de sensações e de conceitos nos quais ambos coincidam na exploração dos
frágeis limites entre a arte e a vida.”
About “Silêncio Azul”
“Ruben Verdadeiro’s work builds intimate cosmogonies that explore perception as a rediscovery of the states
of things. These states are changed by events whose register and representation modify the spectator’s
conditions of perception. The artist uses the installation as a sensorial enticement to discover spaces and the
events taking place in them. Accordingly, each piece proposes a perceptive experience that challenges the
viewer to rediscover processes and events whose nature is modified by a change in their scale.
(...)
In Silêncio Azul (2003), a performance conceived for an auditorium, Ruben Verdadeiro extends some
of the principles that scaffold his artistic poetics, creating a polyphonic discourse where the relationship
between event and perception also features the exploration of a dialectic between micro-event and its
macro-recognition. The synaesthesia suggested in the performance’s title (Blue Silence, in English) becomes
a constant presence in a series of four moments that combine different media, like video, sound and
performance art. The four moments of the performance follow each other as movements from an audio-visual
composition, described in a tone between literalness and metaphor as “Tempest; Plunge; Immersion;
Evaporation”. In all of them, the artist is the main character in an event that is filmed and transmitted in real
time, through a video projection that increases considerably its scale of perception. The spectator is
confronted with a “journey” in space and time, where the association of sound and image, known and
unknown, is a source of permanent surprise. The four elements, fire, air, water and earth, are invoked in the
demiurgic apparition and decadence of a cosmogony, as the permanent crisis and successive rebirth of a
universe. Entropy manifests itself again in the evolution of the states of things through small events, like
dipping a microphone in a tub of water, the manifestation of sound feedback, or the erosion of small clay
buildings due to the immersion in a liquid state.
Silêncio Azul is an experiment in fusion that condenses Ruben Verdadeiro’s creative language, furthering the
progress of a work that recovers the utopia of sharing and communion between artist and spectator via the
manifestation and acknowledgement of the artistic process as a poetical transformation of reality, strengthened
by the association of sensations and concepts common to both, as they explore the fragile boundaries between
art and life.”
Video stills de “Silêncio Azul”
Video stills from “Blue Silence”
Extracto de texto de João Fernandes publicado em: Fernandes, João. (2003). “À Redescoberta das Coisas e dos Seus
Estados...”. In: PRÉMIO EDP NOVOS ARTISTAS. Fundação de Serralves e EDP – Electricidade Portugal, 2003, pp.74-5.
Extract from text of João Fernandes published in: Fernandes, João. (2003). “À Redescoberta das Coisas e dos Seus Estados...”.
In: PRÉMIO EDP NOVOS ARTISTAS. Fundação de Serralves e EDP – Electricidade Portugal, 2003, pp.74-5.
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Video stills de “Silêncio Azul” Video stills from “Blue Silence”
p. 79 Performance na Experimental Intermedia Foundation, Nova Iorque, 2004
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2005 ANDRÉ GONÇALVES
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PROJECTO PROJECT
André Gonçalves (n. 1979) é designer de formação e programador
por empatia, e tem vindo a desenvolver, desde 1998, diversos
projectos em diversas áreas artísticas, nomeadamente nas artes
plásticas, música, vídeo, instalação e performance tendo
apresentado o seu trabalho em vários locais e festivais como o
FILE, São Paulo; Experimental Intermedia Foundation, New York
Digital Salon, School of Visual Arts, Nova Iorque; Arnolfini, Offload
Festival, Bristol; Steim, Amsterdam; Untitled Artspace, Oklahoma
City; La Casa Encendida, Media Lab and Festival Sonikas, Madrid;
Centro Zittelli, Veneza; IFI, Pontevedra; Museu Vostell Malpartida,
Festival Maquinarte, Cáceres; Fábrica Features, Festival Temps
D'Images, Luzboa, Lisboa; EME, Palmela; Manobras A8, Torres
Vedras; Pushing the Medium, Nodar.
O seu trabalho musical, a solo ou em colectivos, está documentado
em mais de 15 edições em diversas editoras nacionais e
internacionais sob os nomes: Ok.suitcase, In Her Space, Stapletape,
Iodo, ltthwhasp, Sound Asleep, Variable Geometry Orchestra...
Mais recentemente trabalha a solo no projecto Feltro e integra
os projectos: Safe and Sound, Gigantiq e EA.
André Gonçalves (b. 1979) graduated in graphic design and
empathy programmer, have been developing several projects in
different artistic areas as music, video, installation and performance.
Recent projects have been presented in several venues and festivals
as FILE, Sao Paulo; Experimental Intermedia Foundation, New York
Digital Salon, School of Visual Arts, New York; Arnolfini, Offload
Festival, Bristol; Steim, Amsterdam; Untitled Artspace, Oklahoma
City; La Casa Encendida, Media Lab and Sonikas Festival, Madrid;
Centro Zittelli, Veneza; IFI, Pontevedra; Museu Vostell Malpartida,
Maquinarte Festival, Cáceres; Fábrica Features, Festival Temps
D'Images, Luzboa, Lisbon; EME, Palmela; Manobras A8, Torres
Vedras; Pushing the Medium, Nodar.
His music work, solo or in collective projects, include more than
15 editions in several recording labels under the names: Ok.suitcase,
In Her Space, Stapletape, Iodo, ltthwhasp, Sound Asleep, Safe and
Sound, Variable Geometry Orchestra...
Recently he has been working on his new solo project Feltro and
in the collectives Safe and Sound, Gigantiq and EA.
Resonating Objects
Neste projecto o som é usado como meio para excitar o espaço a
ser escutado, som gerando mais som através do espaço. O som que
acabamos por ouvir está intrinsecamente ligado às características
espaciais de um objecto, à sua forma, dimensões e material.
Seis globos de vidro de diferentes tamanhos foram suspensos
a diferentes alturas, cada um composto pelo globo de vidro, um
microfone, um altifalante e uma lâmpada de 40w. Cada altifalante
estava ligado a um amplificador, que por sua vez estava ligado à
placa de som de um computador que enviava seis frequências, uma
para cada um dos globos. Estas frequências foram afinadas pelas
frequências naturais de cada objecto, forçando-os a ressoar.
A amplitude sonora da ressonância de cada objecto era captada
pelo microfone correspondente e através de um sistema de seis
envelope followers (sistema que converte amplitude sonora para
voltagem e posteriormente para mensagens midi), essas amplitudes
chegavam independentemente ao computador, que as interpretava
e através de seis dimmers controlava a intensidade da luz de cada
lâmpada e consequentemente de cada objecto.
Não havia amplificação para o som proveniente dos objectos.
O resultado áudio da performance foi posteriormente editado
em CD pela Sirr Records.
Apresentações: Março de 2005, Experimental Intermedia Foundation,
Nova Iorque, performance com Kenneth Kirschner; Junho of 2005,
Goethe Institut Lisbon, performance com Pedro Lourenço; Agosto
2006, FILE Festival, São Paulo, instalação; Setembro 2006, Luzboa,
Lisboa, instalação; Junho 2007, Offload Festival, Bristol, instalação;
Janeiro de 2008, Galeria 0047, Oslo, instalação.
Resonating Objects
For this project I was thinking of bringing together sound and space
through sympathetic vibrations, in which sound is used as a medium
to excite space to be heard, in order to render audible it's natural
resonances – sound multiplying in and by space. The sound coming
from the objects was strictly related to each object's spatial
characteristics, it's shape, dimensions and material.
Six objects suspended from the ceiling at different heights, each one
made with a white glass globe with one microphone, one speaker
and one electrical lamp inside. Each speaker was individually
connected to a computer that triggered six different frequencies,
one for each of the speakers. This frequencies were tuned to be the
natural frequencies of the objects pushing them to resonate.
This resonances were captured by the object's microphones and
redirected to a six envelope follower system (that converted the
amplitude of each audio signal to midi messages). These midi
messages were then sent to the computer, which formatted the
incoming midi values and sent them to six dimmers controlling the
light intensity of each object in a way that each object light intensity
was directly related to it's own sound amplitude.
There was no amplification for the sound coming from the objects.
The performance audio result was released, unedited, by the Sirr
records label.
Presentations: March of 2005, Experimental Intermedia Foundation,
New York, Live Performance with Kenneth Kirschner; June of 2005,
Goethe Institut Lisbon, Live Performance with Pedro Lourenço;
August 2006, FILE Festival, São Paulo, Installation; September
2006, Luzboa, Lisbon, Installation; June 2007, Offload Festival,
Bristol, Installation; January 2008, 0047 Gallery, Oslo, Installation.
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"… liberated beauty in the form of shimmering quivers of
microtonal shifts …"
Ed Benndorf , DE:BUG – Magazin für elektronische
Lebensaspekte, 03/07/2006
The principles and the necessary setup for this piece were
conceived and designed to create "a soundscape of resonance
frequencies triggered by sinewaves moving in tidal motion".
André Gonçalves and Kenneth Kirschner recorded this fabulous
thing at Phill Niblock's Experimental Intermedia Foundation in
March 2005 and, quite sincerely, no words of mine can describe
the pure intensity and the breathtaking tension that these slow
oscillations are able to originate, a perceptible aura which is
only broken by the presence – inevitable, one would think – of
some idiot coughing loud between minutes 35 and 38 of the
flow (I can't help but hate these acoustic polluters). But the
sheer magic of these sounds speaks for itself: we're in front
of a two-headed creature with Alvin Lucier's brain and Eliane
Radigue's beatitude, gently raising its eyes to allure us in
a false sense of security only to start stinging our membranes
with the sweetest frequency torture, as the waves remember
their place in the room like if they had always lived there. For
the lucky ones who participated, a beautiful reminder; for all
the rest, a must.
Massimo Ricci, Touching Extremes, 31/12/2006
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2006 YELLA
PROJECTO PROJECT
Yella (Daniela Abelaira Roxo) nasceu em Lisboa em 1977.
Realizou trabalhos em diversas áreas, tendo começado pela pintura,
participou em diversas exposições colectivas. Trabalhou também
como figurinista para teatro e dança, área em que se formou.
A pintura e o desenho levaram Yella para a ilustração, tendo sido
ilustradora do jornal "Diário de Noticias", na coluna diária de
opinião política, entre 1997 até 2005. Após um curso de produção
musical, em 2002, mudou-se para Berlim. De volta a Lisboa em
2003, nasceu o projecto "Ye77a" (leia-se Yella) e através do seu
próprio website expõe pela primeira vez trabalhos que envolvem
todas as suas diferentes áreas de intervenção, música, fotografia,
desenho e roupa, num só projecto. Em 2005, Yella inicia a trilogia
audiovisual "The Brain Soundtrack", conceptual e experimental, que
ainda se encontra em desenvolvimento.
Yella( Daniela Abelaira Roxo) was born in Lisbon in 1977. Has
developed work in different media, having started out in painting
and showing in several group exhibitions. Yella has also worked
as a theatre and dance costume designer, the subject she obtained
her degree in. Painting and drawing have led Yella into illustration,
having been the Diário de Noticias’s daily political opinion column
illustrator from 1997 to 2005. Following a course in musical
production in 2002, she moves to Berlin. Upon her return to Lisbon
in 2003 the project "Ye77a" is born with the establishment of a
website which exhibits for the first time her different areas of pursuit
as one single project: music, photography, drawing, and clothing.
In 2005, Yella begins the conceptual and experimental audio visual
trilogy "The Brain Soundtrack", which is still under development.
Body of Work
O projecto parte da construção de um instrumento que se aplica
no figurino e que, quando vestido, transforma o performer num
instrumento musical à escala de uma harpa, onde fios de látex
e cordas de violino e de guitarra são esticados por puxadores (as
cordas de guitarra e os puxadores são os mesmo de uma guitarra
portuguesa, representando a alma do instrumento). Ao ser
amplificado, o instrumento-corpo produz sonoridades intrigantes,
complementadas com a voz do performer. Na performance
apresentada, o instrumento-corpo foi explorado em três partes:
1 – "Hair Beat", amplificação do cabelo quando se abana a cabeça,
num ritmo simbiótico ao bater do coração.
2 – "Violine Guitar", arco de violino que toca nas cordas de guitarra
portuguesa aplicadas em puxadores situados do punho esquerdo
até à cintura.
3 – "Latex Harp", cordas de látex com duas densidades diferentes
que, quando puxadas, alcançam uma escala musical; cordas
situadas do punho direito até ao tornozelo direito.
"Body of Work" é parte integrante do projecto audiovisual “Back
and Forward”, no qual em sete etapas se explora conceptualmente
os músculos. "Body of Work" é a sétima e última etapa do projecto.
Body of Work
The project consists of building an instrument which is applied to a
costume that will transform the performer into a musical instrument
similar to a harp, where latex, violin and guitar strings are stretched
by frets applied to the costume (the guitar strings and frets are
identical to those on a Portuguese guitar and represent the soul of
the instrument). The body-instrument produces intriguing sounds
complemented by the voice of the performer.
At the performance the body-instrument was explored in three ways:
1 – "Hair Beat", amplification of the sound of the hair upon moving
the head to a rhythm in symbiosis to heart beats.
2 – "Violin and Guitar", the violin bow touches the Portuguese guitar
strings applied to frets situated from the left wrist to the waist.
3 – "Latex Harp", latex strings of two different densities to allow
a musical scale when pulled, strings situated from the right wrist
to the right ankle.
"Body of Work" is an integral part of the audiovisual project "Back
and Forward" where the movement of the muscles is conceptually
explored in seven phases. "Body of Work" is the 7th and final phase
of the project.
p. 85, 88
Projecto de Yella, 2006 Project by Yella, 2006
Produção, 2007 Production, 2007
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2007 LUÍS GIRÃO
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PROJECTO PROJECT
Luis Miguel Girão é um artista transdisciplinar e investigador
na aplicação de novas tecnologias enquanto ferramentas para
expressão artística. Nasceu em 1976, no Porto e colaborou com
vários artistas tendo apresentado trabalho nos EUA, na Dinamarca,
na Alemanha e em Portugal.
Na Casa da Música, Porto, Portugal, com quem colabora
regularmente, desenvolveu e apresentou um conjunto de trabalhos
no âmbito arte pública e dos espectáculos multidisciplinares.
Da sua estreita colaboração com Rolf Gehlhaar resultaram trabalhos
como “Multiverse”. Juntamente com Gehlhaar e Paulo Maria
Rodrigues formou o ensemble UnoDuoTrio e desenvolveu o projecto
CyberLieder.
Fundou a Artshare, uma empresa dedicada a investigação
tecnológica aplicada às artes. Colabora regularmente com
a Companhia de Música Teatral.
De entre outros trabalhos, coordenou a série de workshops de Arte
Digital & Design, para a Academia das Artes Digitais do Programa
Aveiro Digital, financiado pela UE, e foi assistente de curadoria
e director técnico do Laboratório de Artes Digitais da Bienal
Internacional de V.N. De Cerveira, em Portugal.
Recentemente, concluiu o Mestrado em Design e Digital Media,
pela Coventry School of Art & Design, da Coventry University, no
Reino Unido, tendo como seu objecto de estudo o desenvolvimento
de ferramentas para expressão audiovisual.
Actualmente, frequenta o programa doutoral do Planetary
Collegium, dirigido por Roy Ascott.
Luis Miguel Girão is a transdisciplinary artist and researcher in the
application of technology as a tool for artistic expression. Born in
1976, Porto, Portugal, he collaborated with several artists and his
works have been presented in countries such as: USA, Canada,
Denmark, Germany and Portugal. His close collaboration with Rolf
Gehlhaar origin to projects like “Multiverse”.
At Casa da Música, Porto, Portugal, where he works regularly, he has
developed and presented a number of public art installations and
educational multidisciplinary shows.
Along with Gehlhaar and Paulo Maria Rodrigues he formed the
UnoDuoTrio ensemble and developed the CyberLieder project. He
founded Artshare, an artech research company and collaborates with
the Companhia de Música Teatral.
Among other works, he coordinated a series of workshops on Digital
Art & Design for the Academia das Artes Digitais of the Aveiro Digital
Program, funded by the EEU and he was assistant curator and
technical director of the Electronics Art Lab at the Biennial of Vila
Nova de Cerveira, Portugal.
He is Master of Arts in Design and Digital Media, from the Coventry
School of Art and Design, Coventry University, UK. His main
research subject matter is the development of new interfaces
for audiovisual expression.
He recently joined the Planetary Collegium, directed by Roy Ascott,
as a PhD Candidate.
First Series of AudioVisual Studies for Body in Sensory Space
consiste numa série de experiências resultantes do trabalho
desenvolvido por Luis Miguel Girão na Experimental Intermedia
Foundation, na cidade de Nova Iorque, nos EUA. Os resultados
destas experiências foram apresentadas na própria fundação,
no dia 22 de Março de 2007. No dia 28 dos mesmos mês e ano,
na HarvestWorks, também em Nova Iorque, o autor deu uma
conferência acerca dos princípios teóricos envolvidos na criação
deste trabalho.
O objectivo principal deste projecto de pesquisa foi explorar
representações audiovisuais do movimento do corpo: o corpo
enquanto interface para uma experiência audiovisual.
Duas áreas de interesse principais foram abordadas neste projecto.
Por um lado, o desenvolvimento de novo software no âmbito da
computer vision, utilizando câmaras de vídeo enquanto sensores,
e por outro, a utilização do som e da imagem enquanto uma só
linguagem.
As experiências apresentadas foram organizadas de forma a que os
espectadores percebessem o funcionamento do sistema utilizado.
A performance iniciou revelando que a posição do corpo do
performer no espaço gerava e controlava os conteúdos audiovisuais
e terminou com uma metáfora segundo a qual os caminhos que
percorremos têm repercussões na nossa envolvente.
"First Series of Audiovisual Studies for Body in Sensory Space"
mostrou três diferentes abordagens ao mapeamento audiovisual da
posição de um corpo no espaço. O sistema utilizado era composto
por uma câmara no tecto que filmava o palco, enquanto imagens
de vídeo eram projectadas na parede de fundo de palco. O som
produzido foi difundido pelo sistema residente na sala.
First Series of AudioVisual Studies for Body in Sensory Space
is a set of experiments that were presented on March 22nd of 2007
at the Experimental Intermedia Foundation as result of the exploratory
research developed by Luis Miguel Girão during his artist in residence
fellowship. On the 28th of the same month and year a conference
about the theoretical principles involved in the performance was
presented by the author at HarvestWorks, also in NYC.
The main objective of this experimental research project was to
explore audiovisual representations of the movement of a body: the
body as an interface for an audiovisual experience. There were two
main areas of interest in this project. One was to continue
developing new software in the area of computer vision employing
camera based sensory systems, and the other was to explore aspects
related to the simultaneous perception of sound and light.
The experiments presented were organized in such a way that the
audience would understand how the system functions. The
performance slowly progressed from the idea that the movement
of my body was generating and controlling the audiovisual output to
the final metaphor that each path we take has repercussions in our
surroundings.
“First Series of Audiovisual Studies for Body in Sensory Space” was
composed of three different approaches to mapping the position of
a body in space. There, an over-head camera was looking at the
stage and the generated video output was projected on the back wall
of the stage. The sound output was connected to the stereo sound
system of the venue.
ÁudioVisual Study for Bodies in Sensory Space III, 2007
p. 92 Diário de Notícias, 18 de Novembro 2006 Diário de Notícias, November 18, 2006
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A experiência nos Estados Unidos, a partir de excertos de três relatórios de bolseiros:
Rafael Toral, 1994
Ruben Verdadeiro, 2004
(...)
4 ORIENTAÇÃO
A BES não teria decerto um impacto e um interesse tão profundos se não fosse orientada por Phill
Niblock. Continuamente se empenhou em pôr-me em contacto com pessoas, instituições
ou acontecimentos que me interessavam. Tem um dom natural para juntar pessoas que se interessam
mutuamente. Compreendeu inteiramente as minhas necessidades e geriu o orçamento de um modo
inteligente e flexível. Dificilmente se conseguiria uma maior optimização do mesmo. A sua experiência
e o seu profundo conhecimento dos recursos e possibilidades de Nova Iorque dá um valor inestimável
aos seus conselhos e orientação.
(...)
Depois da apresentação estava pronto para mergulhar na cidade, as pessoas, os lugares, foram tantas
as experiências que é difícil eleger situações... E porque não começar com Phill Niblock, que colocou
um pára-quedas na minha mochila, e só mais tarde percebi como pousei suavemente na excelente
companhia de um homem de extrema beleza. Não quero tornar este discurso poético, mas há coisas
que não se separam, e designadamente as pessoas dos lugares.
A Experimental Intermedia é um dos, ou mesmo o último, espaços que criaram entre as suas paredes
momentos importantes desde os finais dos anos 1960 até hoje, agora parte do nosso património
cultural global. Espaço com magia, o seu cheiro, a sua luz, as suas madeiras contêm sinais de trocas
e de silêncios que expandem energia.
Foi um privilégio estar na Experimental Intermedia, em cumplicidade, por três meses, e encontrar
artistas de varias áreas e diferentes cantos do planeta, assistir a muitos espectáculos, performances
e exposições, além de conhecer novas tecnologias e ferramentas.
Sob a orientação de Niblock, fiz aquisições de equipamento fundamentais para o crescimento, a prática
e a aceleração dos trabalhos que estou a desenvolver. As novas tecnologias permitem executar novas
experiências, encontrar novos desafios e prosseguir na pesquisa de vocabulários plásticos emergentes.
Na Experimental Intermedia e com novas ferramentas, assisti com Phil Niblock à composição de novas
peças, ao desenho electrónico composto por cores, à representação de tons nos diferentes
instrumentos, às cores de microtons que se transformam em ondas de som, numa mancha cromática
que percorre o estúdio, os objectos, as pessoas, os livros, os CDs, os velhos vinis, as fotografias...
O som passa por nós e multiplica-se numa riqueza infinita...
Introduzi-me aos poucos no universo da acústica, um dos pontos fundamentais para a elaboração
de intervenções intermedia, área em que sentia alguma carência, agora ultrapassada, sendo este um
dos objectivos atingidos. Encontrei a história em fusão com experiências actuais, tanto nos processos
de racionalização como de experimentação.
Nova Iorque reúne as condições que nos permitem conhecer pessoas a trabalhar em diversas direcções
com diferentes instrumentos e equipamentos.
A Bolsa Ernesto de Sousa é uma grande experiência, pois cataliza, enriquece e expande-se em mim
explodindo num mar de estímulos.
5 CONTACTOS
Estabeleci vários contactos importantes na cena nova-iorquina, como John Zorn, Elliott Sharp, David
Behrman, Christian Marclay e Petr Kotik. Conheci artistas de vários pontos do Globo
(Los Angeles, Utrecht, Berlim, Toronto, Roma, Buffalo, Copenhaga, São Francisco, Budapeste). Tive
também a grata oportunidade de me deslocar à Wesleyan University em Middletown, Connecticut, onde
assisti a um seminário de composição de Alvin Lucier, com quem jantei e conversei amigavelmente
durante algumas horas. Pude também apresentar-lhe alguns trabalhos meus. As suas atenção
e generosidade foram impressionantes e convidou-me a estar presente num festival de música sua
em Outubro próximo.
6 AS DIMENSÕES DA BES E O FUTURO
Descobri que o estabelecimento e o aprofundamento de relações entre artistas portugueses e a
realidade nova-iorquina que a BES promove funcionam de modo cumulativo. As duas primeiras edições
da bolsa não foram de modo nenhum duas experiências separadas, antes se verificou que eu retomei
e aprofundei contactos feitos por Paulo Feliciano no ano anterior. A maior parte dessas relações
ultrapassou a simples partilha de interesses comuns, tornando-se de verdadeira amizade.
Por outro lado, os benefícios que a BES proporciona também não se esgotam no tempo, na
apresentação de um projecto e permanência em Nova Iorque por um período finito. Ao contrário
de outras bolsas, tem um carácter extremamente aberto e projectado no futuro. Por exemplo, Paulo
Feliciano continua hoje a explorar caminhos abertos graças à BES: recentemente deslocou-se a Berlim
em participação num festival de música, e uma imagem de sua autoria será usada na capa do novo
disco do grupo nova-iorquino Sonic Youth (que tem hoje reconhecimento mundial). Quanto às
perspectivas que se abrem para mim (com a ajuda de Phill Niblock), estão previstos concertos
em Dortmund (Alemanha), na Logos Foundation, Gand (Bélgica) e na Het Appolohuis, Eindhoven
(Holanda), todos em Setembro e também com igual participação de Paulo Feliciano. Está também
previsto o meu regresso a Nova Iorque em Outubro próximo, onde apresentarei um espectáculo na CB's
313 Gallery. Num futuro mais distante, uma colaboração com a violinista Jane Henry.
7 CONCLUSÃO
Se é objectivo da BES a aproximação de artistas portugueses ao ambiente de Nova lorque (ou seja,
não apenas artistas nova-iorquinos mas de todo o mundo), este está a ser conseguido do modo mais
completo e gratificante que é possível imaginar. Encorajo vivamente a sua continuação e desejo
a toda a equipa que faz funcionar a Bolsa Ernesto de Sousa os maiores sucessos. Assim seja possível
conseguir no próximo ano uma escolha tão feliz como, permito-me dizer, o foi no ano corrente.
Luís Girão, 2007
(…)
Foi um periodo da minha vida em que me pude concentrar totalmente nos resultados da minha prática
enquanto artista e investigador, e reflectir acerca dos seus propósitos. Este periodo foi determinante para
o desenvolvimento do meu trabalho actual, assim como para o meus planos de futuro.
Por exemplo, os contactos que estabeleci durante a minha estadia em Nova Iorque conduziram-me a
frequentar o programa de doutoramento do Planetary Collegium. Phill Niblock pôs-me a par do trabalho
de Roy Ascott, sobre qual nada sabia, na altura. Uns meses mais tarde, Emanuel Dima de Melo Pimenta
apresentou-me ao Professor Roy e foi aí que tive a oportunidade de lhe falar, pela primeira vez, do trabalho
que desenvolvi e apresentei na E.I.F.. Depois de ler a minha dissertação de Mestrado, que incluí descrições
de “First Series of Audivisual Studies for Body in Sensory Space”, o Professor Roy Ascott considerou que
eu estaria preparado para o nível seguinte de pesquisa, quer em termos teóricos, quer em termos práticos.
Numa época em que a tecnologia é considerada ser a peça fundamental para o desenvolvimento da nossa
sociedade nacional, é importante não esquecer que Ernesto de Sousa foi um pioneiro não só ao nível
conceptual, mas também no desenvolvimento de aplicações tecnológicas enquanto ferramentas para a
expressão artística. A função social do artísta transformou-se. Os artistas estão cada vez mais próximos
dos cientistas, porque a investigação assumiu um papel muito importante para uma prática artística
informada e fundamentada. Sendo uma bolsa de investigação, a Bolsa Ernesto de Sousa contribui para
o desenvolvimento deste novo tipo de artístas.
A Bolsa Ernesto de Sousa é única na geração de contemporaneidade em Portugal.
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Experience in the United States as seen through excerpts from three scholarship recipients’ reports:
Rafael Toral Report, 1994
(...)
4 GUIDANCE
BES would surely not have such a deep interest and impact without the guidance of Phill Niblock.
He constantly insured I was in contact with people, institutions or events that were of interest to me.
Endowed with the gift of bringing people with mutual interests together, he understood my needs
completely and managed the budget in an intelligent and flexible manner. Improving on this optimization
would be difficult to achieve. Phil Niblock’s experience and his deep knowledge of the resources and
opportunities available in New York confer a priceless value to his advice and guidance.
5 CONTACTS
Several important contacts were established in the New York scene, such as John Zorn, Elliott Sharp,
David Behrman, Christian Marclay and Petr Kotik, as well as meeting artists from various other parts of
the world (Los Angeles, Utrecht, Berlin, Toronto, Rome, Buffalo, Copenhagen, San Francisco, Budapest).
I also had the much appreciated opportunity to visit Wesleyan University in Middletown, Connecticut,
to attend a composition seminar with Alvin Lucier, with whom I dined and amicably chatted for a few
hours. At this meeting I was also able to show him some of my work. His attention and generosity were
impressive and he later invited me to participate in one of his music festivals the following October.
6 THE DIMENSIONS OF THE BES AND THE FUTURE
I have discovered that the establishment and straightening of relationships between Portuguese artists
and the New York reality promoted by BES operates cumulatively. The first two editions of the Fellowship
were not two separate experiences, rather it became apparent that I had taken up and developed the
contacts established by Paulo Feliciano the year before. Most of those relationships extended beyond
merely sharing common interests and went on to become true friendship.
On the other hand, the benefits offered by the BES are not reduced to something that is exhausted over
time such as specific presentation of a project or a stay in New York for a finite period of time. Unlike
other Fellowships, it has an extremely open character and is geared to the future. Feliciano, for example,
continues to explore paths that presented themselves through BES: recently he participated in a music
festival in Berlin, and one of his images will be used as the cover for a new album by world renowned
New York group Sonic Youth. The following possibilities have been opened to me (with Phil Niblock’s
help): concerts in Dortmund (Germany), at the Logos Foundation, Ghent (Belgium) and at the Het
Appolohuis, in Eindhoven (Netherlands), are predicted for September, with Feliciano’s participation also
expected. A return to New York is also expected, where I would present a show at CB's 313 Gallery.
In the more distant future, a collaboration with violinist Jane Henry is being prepared.
7 CONCLUSION
If the goal for the BES is to bring Portuguese artists closer to the New York environment (not just artists
from New York but from the entire world) then this is being achieved in more complete and gratifying
ways than can be imagined. I strongly endorse its continuation and wish the entire team that makes the
Ernesto de Sousa Fellowship work the greatest of successes. May next year’s choice be as fortunate as,
if I may say so myself, as the present one’s.
Ruben Verdadeiro Report, 2004
(...)
After my presentation I was ready to dive into the city, the people, the places. There were so many
experiences that selecting a situation is difficult...And why not begin with Phil Niblock, who placed
a parachute in my backpack so that only much later did I realize how I had landed so smoothly in the
excellent company of a man of extreme beauty. I do not wish to make this account poetic, but some
things are inseparable, namely people and places.
Experimental Intermedia is one, if not the last, of the spaces that have created within their walls, from the
late 60s to the present, part of our global cultural heritage. A space filled with magic, its smell, light, and
the wood, all carry the signs of exchanges and silences that expand energy.
Being at Experimental Intermedia, in complicity, for three months, and meeting artists from different
backgrounds and parts of the world, attending numerous shows, performances and exhibitions was
a privilege, beyond also learning about new technologies and tools.
Under Niblock’s guidance I acquired equipment crucial to the growth, practice and acceleration of the
work I had been developing. The new technology allows me to execute new experiences, find new
challenges and progress with my research into emerging plastic vocabularies.
At Experimental Intermedia and with new tools, I witnessed with Phil Niblock, new pieces being composed,
electronic drawing made of colours, the representation of tones on different instruments, the colours of
microtins being transformed into sound waves, a wave of colour that moves through the studio, objects
people, books, CDs, old LPs, photographs...Sound passes through us and multiplies into an infinite wealth...
I slowly acquainted myself with the universe of acoustics, one of the fundamental points in the
development of intermedia interventions. This was an area I felt I was particularly lacking and I now feel
I have overcome this lack and is a goal achieved. I found history in fusion with current experiments as
much in the processes of rationalization as in the experimentation.
New York offers all the conditions needed to meet people working in diverse directions with different
instruments and equipment.
Being awarded the Ernesto de Sousa Fellowship is a great experience because it works as a catalyst;
it is enriched and expands within me to explode in a sea of stimuli.
Luís Girão Report, 2007
(...)
It was a time of my life when I was able to totally focus on my practice as an artist and researcher, and
to reflect about its purposes and outcomes. This period was instrumental in my present work and my
plans for the future.
For instance, it was due to the network of contacts I established during my stay in New York that I
became a PhD candidate at the Planetary Collegium. Phill Niblock referred the work of Roy Ascott to me.
I was not aware of it. Some months after, Emanuel Dimas Pimenta introduced us and I had the
opportunity to explain to him the works I had developed at the EIF. After reading my MA thesis, which
included descriptions of the “First Series of Audivisual Studies for Body in Sensory Space”, Professor Roy
Ascott considered that I was ready for the next level of both theoretical and practical inquiry.
In a time when technology is considered to be the key for the development of our national society,
it is important to remember that Ernesto de Sousa was not only a pioneer in terms of the concepts that
he introduced. He was a pioneer in the application of technology in the creation of artwork.
The function of the artist in society has changed. Artists are more like scientists, because research
has assumed a very important role in informed artistic practice. Being a research grant, Bolsa Ernesto
de Sousa contributes to the development of this new type of artists.
Bolsa Ernesto de Sousa is a unique opportunity for the breeding of contemporaneity in Portugal.
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GÉNESE
DA BOLSA
ERNESTO
DE SOUSA
GENESIS OF
THE ERNESTO
DE SOUSA
FELLOWSHIP
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Génese de um projecto
Em 1975 no V Festival Internacional de Mixed Media que teve lugar em Gent, foi apresentado o
mixed-media Luiz Vaz 73, com imagens de Ernesto de Sousa e música de Jorge Peixinho, tocada pelo
Grupo de Música Contemporânea de Lisboa sobre gravação elecrónica. Na sequência deste encontro,
o director do Festival de Gent e do Logos Duo, Godfried-Willem Raes, pôs em contacto Ernesto de
Sousa com Phill Niblock, quando este apresentou em Lisboa uma performance na Fundação Calouste
Gulbenkian, em finais da década de 70.
Em 1983, Phill Niblock convidou Ernesto de Sousa para apresentar o mixed-media “Ultimatum”
na Experimental Intermedia Foundation, em Nova Iorque. A amizade que desde logo os ligou, esteve
na origem, em 1992, da Bolsa Ernesto de Sousa, quando Phill Niblock se ofereceu para orientar
a Bolsa em Nova Iorque, e Rui Eduardo Paes se juntou a Isabel Alves, Leonel Moura e à Fundação
Luso-Americana para o Desenvolvimento, na criação desta Bolsa Experimental Intermedia.
Posteriormente, no quarto ano da BES, a Fundação Calouste Gulbenkian associou-se à iniciativa,
conferindo assim uma visibilidade acrescida de um projecto de apoio único em Portugal.
Genesis of a project
In 1975, Luiz Vaz 73, a mixed media project with images by Ernesto de Sousa and music by Jorge
Peixinho, performed by the Lisbon Contemporary Music Group on electronic recording, was shown at the
5th International Mixed Media Festival held in Ghent. As a result of this encounter, the director of the
Festival in Ghent and of Logos Duo, Godfried-Willem Raes, introduced Ernesto de Sousa to Phill Niblock,
when the latter held a performance in Lisbon at the Calouste Gulbenkian Foundation in the late 70s.
In 1983, Phill Niblock invited Ernesto de Sousa to present his mixed media piece “Ultimatum” at the
Experimental Intermedia Foundation, in New York. It was this friendship they shared from the start that
originated, in 1992, the Ernesto de Sousa Scholarship, when Phil Niblock offered to oversea the
Scholarship in New York and Rui Eduardo Paes joined Isabel Alves, Leonel Moura and the Luso-American
Development Foundation, in establishing this Experimental Intermedia Scholarship. Later on, on the BES's
fourth year, the Calouste Gulbenkian Foundation joined this initiative, and added a greater visibility to this
project that plays a unique role of supporting artists in Portugal.
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Envolvimento visual de Luiz Vaz 73
Visual involvement of Luiz Vaz 73
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Revelações Portuguesas no V Festival Internacional “Mixed-Media” de Gent
Portuguese revelations at the V International Mixed-Media Festival in Ghent
(...)
O festival, que durou três dias, foi aberto por Ben Vautier, frequentador destas manifestações através
do movimento «Fluxus». (…)
A primeira tarde do festival acabava com uma criação portuguesa: Ernesto de Sousa e Jorge Peixinho
numa produção intitulada Luís Vaz 73. Esta obra utiliza como material de base os Lusíadas do poeta
português Luís Vaz de Camões. Uma decomposição/recomposição segundo o esquema de colagem
transforma o poema da renascença numa obra contemporânea de «mixed-media» (a saber: música
electrónica + multi-projecções) :
A música de Jorge Peixinho apoia-se sobre uma série de estruturas elaboradas de antemão que ele
põe em relação com os momentos típicos do poema (não se trata aqui de modo nenhum de folclorismo
mas de uma escolha em função da dialéctica histórica da cultura descrita por Camões). A ideologia
musico-política que se poderia associar a este processo é, num sentido puramente formal, mais ou
menos análoga à dos ingleses Cornelius Cardew e John Tilbury: apenas a oposição de teses (musicais)
contraditórias pode mostrar e ensinar alguma coisa de verdadeiro ao espectador. É a confrontação
permanente do espectador posto em causa: ele deve escolher, fazer uma escolha ideológica e por
consequência, política. (…)
A maior parte do que foi dito a propósito da música electrónica de Peixinho é aplicável à fotografia de
Ernesto Sousa. Mas o material de base de Ernesto Sousa é ainda mais claro. É antes de mais o poema,
que não está presente na obra total, depois a música de Peixinho com a qual as relações
diapositivos/música são evidenciadas na obra pois são perceptíveis no próprio momento da execução.
Mas independentemente, as séries de diapositivos também formam, elas próprias, estruturas
inteligíveis, possuem uma estrutura própria, uma coerência interna, pois que embora presentes na obra,
elas funcionam ao mesmo tempo como auto-criação de Ernesto de Sousa. (...) O conteúdo ideológico
do médium/diapositivo (e isto é devido às possibilidades particulares dos meios de comunicação
visuais) é mais evidente que o conteúdo ideológico da música: perspectivas das ruas de Lisboa
com cartazes políticos colados um pouco por toda a parte, testemunham a escolha do autor.
É necessário agora acrescentar algumas considerações a propósito da totalidade «mixed-media»
de Luís Vaz 73. Esta totalidade funciona como um ambiente: o público faz parte do espectáculo,
rodeado como está de imagens visuais e de música (distribuída em quadrifonia), o projecto é a cada
instante de uma complexidade tal que o espectador é obrigado a participar, a escolher os seus «pontos
de vista», a reconstituir para ele mesmo as inter-relações no perceptível, etc… e é justamente o que
torna Luís Vaz 73 tão atraente e interessante. Não se pode senão aconselhar aos autores a continuar
os seus esforços, as suas pesquisas em «mixed-media» e a sua frutuosa colaboração. Portugal, depois
de um longo silêncio cultural, tem necessidade de criadores que se comprometam a estabelecer uma
cultura verdadeiramente progressista, evitando as armadilhas de uma pseudo cultura de consumo
e alienação ou de uma pseudo cultura retrospectiva, implantada nos «valores eternos».
(...)
(...)
The festival, lasting three days was opened by Ben Vautier, who participated in these initiatives through
the Fluxus movement. (…)
The first afternoon ended with a Portuguese creation: Ernesto de Sousa and Jorge Peixinho presented
a production titled Luís Vaz 73. This work uses as its core material the Portuguese Poet's Luis Vaz
de Camões's Lusiadas.
A decomposition/re-composition within a collage framework transforms the renaissance poem into
a contemporary mixed media work (namely: electronic music+multiple projections):
Jorge Peixinho's music hinges on a series of previously developed structures that he relates to the poem's
typical moments (in no way is this a case of folklore but rather a choice made in function with the
historical dialectics of culture described by Camões). The musical political ideology one might associate
to this process is in a sense, purely formal, somewhat analogous to that of the English Cornelius Cardew
and John Tilbury: the spectator can only be shown and taught something truthful by the opposition of
(musical) theses. The spectator is put in question by permanent confrontation: he has to chose, make
an ideological choice and consequently a political one... (…)
Most of what has been said of Peixinho's electronic music applies to Ernesto Sousa's photography.
However, Ernesto Sousa's core material is even clearer. It is foremost the poem, which is not present in
the whole work, then Peixinho's music with which the relationships of the slides/music are evidenced in
the work given that they are perceivable in the actual moment of execution. Yet, independently, the series
of slides themselves also constitute intelligible structures, they posses their own structure, an internal
coherence. Therefore, although present in the work, they function simultaneously as Ernesto de Sousa's
self-creation (...). The ideological content of the medium/slide (and this is due to the particular
possibilities of audio-visual communication) is more evident than the ideological content of the music:
shots of Lisbon streets with political posters scattered everywhere are witness to the author's choice.
It is now necessary to add some thoughts concerning the mixed media totality of Luís Vaz 73. This
totality functions as an environment: the audience is part of the show by being surrounded by visual
images and music (distributed quadrophonically), at each moment the project achieves a level of
complexity that requires the spectator's participation, requires him to choose his own «points of view»,
reconstructing for himself the interconnections in the perceptible, etc. ... this is precisely what makes
Luís Vaz 73 so attractive and interesting. The authors must be encouraged to continue their efforts, their
research into mixed media and their fruitful collaboration. Portugal, after a long cultural silence, needs
artists that are committed to establishing a truly progressive culture, and avoiding the traps of a pseudo
culture of consumerism and alienation or a pseudo retrospective culture implanted in «eternal values».
(...)
Godfried-Willem Raes (director do Festival, a propósito da apresentação do mixed-media Luiz Vaz 73)
in “Colóquio Artes” 22, Abril 1975.
Godfried-Willem Raes (Festival Director, on the presentation of the mixed media piece Luiz Vaz 73)
in “Colóquio Artes” 22, April 1975
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5/06/91 – Carta-proposta para a criação da Bolsa Ernesto de Sousa, dirigida à Fundação Luso Americana para o Desenvolvimento (FLAD)
Proposal letter for the creation of the Ernesto de Sousa Fellowship, submitted to the Luso-American Development Foundation (FLAD)
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Apresentação da Experimental Intermedia Foundation enviada à FLAD
Presentation of the Experimental Intermedia Foundation sent to the FLAD
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30/08/91 – EIF é receptiva à sugestão de acolher os bolseiros e sugere uma residência na Rensselaer Polytechnic Institute
EIF is receptive to the suggestion that it should look after the fellows and suggests a residency at Rensselaer Polytechnic Institute
17/10/91 – EIF propõe integrar o júri da Bolsa Ernesto de Sousa
EIF proposes that it takes part in the jury of the Ernesto de Sousa Fellowship
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8/04/92 – EIF concorda com o projecto FLAD e propõe um segundo membro internacional para o júri
EIF agrees with the FLAD project and proposes a second member for the jury
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11/06/92 – Parecer de Manuel Castro Caldas, consultor da FLAD
Opinion by Manuel Castro Caldas, consultant to the FLAD
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p. 118-121 Lançamento da 1ª BES no “Martinho da Arcada”, Dossier de Imprensa
Press launch of the First Ernesto de Sousa Fellowship at “Martinho da Arcada”, Press Kit
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Factura do “Martinho da Arcada” referente à primeira conferência de imprensa a anunciar a primeira edição da Bolsa Ernesto de Sousa
Invoice from “Martinho da Arcada” referring to the first edition of the Ernesto de Sousa Fellowship
p. 123, 124 Documentos da 1ª reunião do júri: o pedido de auditório e de material
Documents from the first meeting of the jury: request for the auditorium and for material
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Acta do 1º júri
Minute of the first jury
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Programa da EIF (March 1993) anunciando a performance do primeiro Bolseiro João Paulo Feliciano
EIF Program (March 1993) announcing the performance by the first Fellow, João Paulo Feliciano
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17/05/93 – Relatório da EIF sobre a estadia de João Paulo Feliciano dirigida à FLAD
Report from the EIF about the stay of João Paulo Feliciano, addressed to the FLAD
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p. 131 18/1/94 – Artigo de Jorge Lima Barreto, “Musica Multimedia em Portugal”,
por ocasião da vinda a Portugal de Phill Niblock para participar na reunião do júri da segunda edição, 1994
Article by Jorge Lima Barreto “Multimedia Music in Portugal”,
on the occasion of the arrival in Portugal of Phill Niblock to take part in the jury of the second edition, 1994
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Programa da EIF (December 1996) anunciando a performance do 4º Bolseiro, em que, pela primeira vez, a Fundação Calouste Gulbenkian se associa à FLAD
EIF program (December 1996) announcing the performance of the fourth Fellow, at which for the first time the Calouste Gulbenkian Foundation joined the FLAD
p. 133 Programa da EIF (March 2007), anunciando o bolseiro Luis Girão
EIF program (March 2007), for 2007, announcing the Fellow Luís Girão
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Programa da Experimental Intermedia Foundation (EIF), Nova Iorque, Junho de 1983, anunciando o intermedia event de Ernesto de Sousa
Program of Experimental Intermedia Foundation (EIF), New York, June 1983, with announcement of Ernesto de Sousa intermedia event
Miguel Wandschneider, João Paulo Feliciano, Rafael Toral e Graça Fonseca, ca. 1994
Reunião de Júri, 1996: Emnuel Dimas Pimenta, Luís Santos Ferro, Moniek Darge,
Godfried-Willem Raes, Phill Niblock, Rui Eduardo Paes Jury meeting, 1996
Reunião de Júri, 2000: Phill Niblock, Keiko Sei, Mnuel Costa Cabral, Rui Eduardo Paes, Isabel Alves
Jury meeting, 2000
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Ernesto de Sousa
Ernesto de Sousa
Lisboa, 1921-88
Lisbon, Portugal, 1921-88
Com uma formação universitária no campo das ciências, dedica-se desde muito jovem à fotografia,
actividade que o acompanhará sempre, e de que decorrerá, mais tarde, não só o interesse pelo cinema,
televisão e vídeo, mas ainda a arte de abordar a escultura, a partir da estética do fragmento. Participa
em diversas colectivas, expõe individualmente, sendo um defensor da nova fotografia. Escreveu vários
livros e textos dispersos em jornais e revistas, interessando-se particularmente pelo mixed-media e pela
arte vídeo experimental.
Nos anos quarenta, desenvolve uma intensa actividade cineclubística. Funda o Círculo de Cinema, o
primeiro cineclube português. De 1949 a 53 vive em Paris onde estuda cinema, e entrevista Man Ray.
Inicia a actividade de realizador com o documentário 0 Natal na Arte Portuguesa em 1954 (Prémio
Aurélio Paz dos Reis), e realiza em 1962 Dom Roberto (Prémio da Jovem Crítica em Cannes). Muito
viajado e com sólidos contactos nos meios culturais europeus, a forte personalidade de Ernesto de
Sousa revelou-se nas mais diversas actividades criativas e críticas, dominando perfeitamente, e como
pioneiro no seu país, as técnicas da comunicação visual. Em meados dos anos 60 entrou em contacto
com o movimento Fluxus, entrevistou Ben Vaultier e foi amigo de Wolf Vostell e de Robert Filliou, tendo
organizado a festa comemorativa do 1.000.011º Aniversário da Arte, a partir de uma ideia deste
artista, no Circulo de Artes Plásticas de Coimbra.
Em 1972 visitou a Dokumenta 5, entrevistou Joseph Beuys, e outros artistas e teóricos com quem
participou nos congressos do Internationales Künstler Gremium, associação para a qual foi eleito
em 1979.
No final da década de 60, o mixed-media Nós não estamos algures, merece especial destaque.
Organizou, em 1977, a exposição Alternativa Zero, que integrou os mais importantes artistas
portugueses e ainda o Living Theatre.
O carácter fundador e transdisciplinar das acções desenvolvidas por Ernesto de Sousa fica a seguir
brevemente anotado na seguinte escolha biográfica: Principais obras mixed-media: 1969 Nós não
estamos algures, exercício de comunicação poética, com música de Jorge Peixinho, cartaz de Fernando
Calhau, filmes experimentais em Sup8 Havia um homem que corria e Happy People, com a
colaboração de Carlos Gentil; 1969-1983 Almada, Um nome de Guerra, música de Jorge Peixinho,
Fund. Juan March, Madrid, Fund. Mirò, Barcelona, CAM-Fund.Calouste Gulbenkian.; 1975 Luiz Vaz
75, com música de Jorge Peixinho, Gent, Bruxelas, Lisboa; 1979/80 Requiem para Vilarinho das
Furnas - The Promised Land (video-escultura e performance), SNBA, Lisboa, 1983 Lyon; 1983
Ultimatum, Experimental Intermedia Foundation, Nova Iorque. Organiza e participa em exposições:
1972 Do vazio à pro-vocação, Expo AICA, Lisboa; 1974 Projectos-Ideias, Expo AICA, Lisboa, 1977
Alternativa Zero, Lisboa. Comissário das Bienais de Veneza 1980 (onde apresenta um vídeo), 1982
e 1984. Exposições /Instalações/Acções/ (selecção): 1969 Encontro do Guincho, acção meeting as art;
1973 Anti-conferência Da vanguarda artística em Portugal e do mercado comum (...), Galeria
Dinastia, Lisboa; 1978 Revolution My Body, SACOM I, MVM, Malpartida de Cáceres; 1978 Tradição
como Aventura, Galeria Quadrum, Lisboa; 1980 Olympia Galeria Ars Viva!, Berlim; 1981 Pre Texto II,
CAPC, Coimbra; 1986 Esse Ouro Dantes, Galeria Quadrum, Lisboa; 1979 Identificación com tu
Cuerpo, SACOM II, MVM..
Em 1987 a SEC organizou a exposição retrospectiva Itinerários, por iniciativa da então Secretária de
Estado da Cultura, Teresa Gouveia. Em 1998, a Fundação Calouste Gulbenkian-Centro de Arte Moderna
dedicou-lhe a exposição Revolution my Body, comissariada por Helena de Freitas e Miguel
Wandschneider.
Having studied science, early on he dedicated himself to photography, a pursuit that would accompany
him always and would later inform not only his interest in cinema, television and video, but also the art
of engaging with sculpture through the aesthetics of the fragment and the comparison of details and
different scales. A supporter of new photography he was part of various collectives and held solo
exhibitions. Having written several books, magazine and newspaper articles he became particularly
interested in mixed-media and experimental video art.
In the 40s he intensely pursued cinema club activity, founding the Círculo de Cinema, the first
Portuguese cine-club. From 1949 to 1953 he lived in Paris where he studied cinema and interviewed
Man Ray. He initiated his practice as a director with the documentary 0 Natal na Arte Portuguesa in
1954 (awarded the Aurélio Paz dos Reis Prize), and directed, in 1962, Dom Roberto (awarded the Young
Critics Prize in Cannes). Well traveled and with strong contacts within the European cultural scenes,
Ernesto de Sousa’s strong personality shone through in the most diverse creative and critical pursuits.
He also had complete command and was a pioneer in his own country of the techniques of visual
communication. In the mid 60s he came into contact with the Fluxus movement. Having interviewed
Ben Vautier and befriended Wolf Vostell and Robert Filliou, he organized a celebration of the 1.000.011º
Anniversary of Art, an idea originated by Filliou, at the Circulo de Artes Plásticas in Coimbra.
In 1972, he visited Documenta 5 where he interviewed Joseph Beuys and other artists and theoreticians
with whom he participated in the congresses of the Internationales Künstler Gremium, an association
into which he was elected in 1979. Galeria Also in the late 70s he befriends Phil Niblock.
At the end of the 60s, the mixed-media piece Nós não estamos algures is noteworthy. In 1977 he
organized Alternativa Zero, an exhibition featuring the most important Portuguese artists of the time
as well as the Living Theatre.
The founding and interdisciplinary character of the actions undertaken by Ernesto de Sousa emerges
in the following brief biographical selection: Selection of mixed-media works: 1969 Nós não estamos
algures, an exercise in poetic communication with music by Jorge Peixinho, and poster by Fernando
Calhau; experimental films in Sup8 Havia um homem que corria and Happy People, with the
collaboration of Carlos Gentil; 1969-1983 Almada, Um nome de Guerra, Fund. Juan March, Madrid,
Fund. Mirò, Barcelona, CAM-Gulbenkian Found.; 1975 Luiz Vaz 75, with music by Jorge Peixinho,
Ghent, Brussels, Lisbon; 1979/80 Requiem para Vilarinho das Furnas, The Promised Land
(video-sculpture), 1983 Ultimatum, Experimental Intermedia Foundation, Nova Iorque. Organizing
and participating in exhibitions: 1972 Do vazio à pro-vocação, (From Void to Pro-Vocation) Expo AICA,
Lisbon; 1974 Projectos-Ideias, Expo AICA, Lisbon, 1977 Alternativa Zero, Lisbon. Curator of the
Portuguese representations at the Venice Biennials of 1980, 1982 and 1984. Exhibitions
/Installations/Actions/ (selection): 1969 Encontro do Guincho, action meeting as art; 1973
anti-conference Da vanguarda artística em Portugal e do mercado comum (...), Dinastia Gallery, Lisbon.
1978 Revolution My Body, SACOM I, MVM, Malpartida de Cáceres, Spain; 1978 A Tradição como
Aventura, (Tradition as Adventure) Quadrum Gallery, Lisbon; 1980 – Olympia, Ars Viva! Gallery, Berlin;
1981 Pre Texto II, CAPC, Coimbra; 1986 Esse Ouro Dantes, Quadrum Gallery, Lisbon; 1979
Identificación con tu Cuerpo, SACOM II, MVM., Malpartida de Cáceres, Spain.
In 1987 the SEC, the Portuguese Secretary of State for Culture, under the initiative of Teresa Gouveia
the appointed Secretary of State for Culture at the time, organized retrospective exhibition of Ernesto
de Sousa’s work titled Itinerários. In 1998, the Calouste Gulbenkian Foundation Modern Art Centre also
dedicated the exhibition Revolution my Body, curated by Helena de Freitas and Miguel Wandschneider,
to the artist.
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JÚRI JURY
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Andrew Fenchel
Astrid S. Klein
Chicago, EUA Chicago, USA 1967
Stuttgart, Alemanha Germany 1964
Andrew Fenchel é fundador e director de LAMPO, uma organização sem fins
lucrativos, sediada em Chicago, que apresenta música experimental, arte
sonora e projectos intermedia. Além do seu trabalho com a LAMPO,
participou em mesas-redondas e júris, nacional e internacionalmente
– incluindo Safe as Milk Festival, Noruega; National Conference for
Professionals in the Culture Sector; Third Coast International Audio Festival,
National Public Radio; Chicago Department of Cultural Affairs; e Illinois Arts
Council. Trabalhou, também, como consultor para a Mattress Factory, em
Pittsburgh, e para o Museu Solomon R. Guggenheim, em Nova Iorque.
É artista intermedia e curadora. Nas suas obras reflecte criticamente sobre
a transformação da estandardização nos media e na linguagem. Ao utilizar
disciplinas sobrepostas de videofilme, texto, performance, fotografia e som,
os seus projectos são muitas vezes pesquisas processuais que decorrem no
tempo. O seu trabalho tem sido mostrado internacionalmente e tem recebido
numerosas bolsas na Alemanha. “...crítico, espirituoso e por vezes poético,
acho o seu trabalho sempre inovador em relação às práticas contemporâneas.
As suas performances vídeo, ccomo por exemplo 'Individuality is a Monster',
são baseadas em sofisticadas referências à história do filme e da performance
contemporânea” (Joan Jonas). Astrid S. Klein é convidada frequentemente
para colaborar com artistas, por exemplo com a série de projectos
internacionais “Couture Commune“ (2006) em Estugarda, “Tambola na
mokili“ (2005) em Kinshasa, RDC, ou “World Watchers“ (2003) em Berlim.
É membro activo de instituições de arte experimental e desde 2002 pertence
à direcção artística da Kuenstlerhaus Stuttgart, convidando artistas e
organizando eventos, como a conferência “Les Histoires Communes“ (2006).
Andrew Fenchel is founder and director of Lampo, a nonprofit organization in
Chicago that presents experimental music, sound art and intermedia projects.
In addition to his work with Lampo, he has served on numerous review panels
and juries locally, nationally and internationally-including Safe as Milk Festival,
Norway; National Conference for Professionals in the Culture Sector; Third
Coast International Audio Festival, National Public Radio; Chicago Department
of Cultural Affairs; and the Illinois Arts Council. He also has worked as
programming consultant to the Mattress Factory in Pittsburgh and the Solomon
R. Guggenheim Museum in New York.
António Cerveira Pinto
Macau Macao 1952
Artista, crítico, pedagogo e produtor. Expõe e publica desde 1979. Fundador
e director da Aula do Risco (desde 1994). Director da Quadrum Galeria
de Arte (desde 1999). Editor do domínio www.risco.pt. Editor dos blogs
O António Maria, O Grande Estuário, Contemplatio.
Artist, critic, teacher and producer. He shows his artworks and publish his
writings since 1979. Founder and director of Aula do Risco (since 1994).
Director of the Quadrum Art Gallery (since 1999). Publisher and editor of the
website www.risco.pt. Publisher and editor of blogs like O António Maria,
O Grande Estuário, Contemplatio.
Arthur Stidfole
Astrid S. Klein is a German intermedia artist and curator. In her work she
critically reflects on the possible dissolution and transformation of
standardization in contemporary medias and language. In using overlapping
disciplines of videofilm, text, performance, photography and sound, her projects
are often longtime processual artistical researches. In Germany she has held
numerous grants and her work is shown internationally. “...critical, witty and
sometimes poetical, I found her work always conceptionally innovative in
relation to contemporary practices. Her video performances, as for example
'Individuality is a Monster', are based on sophisticated references to film history
and contemporary performance” (Joan Jonas). Astrid S. Klein often works
processually and is invited by artists to collaborate, as for example to the
international group projects “Couture Commune“ (2006) in Stuttgart, “Tambola
na mokili“ (2005) in Kinshasa, RDC, or “World Watchers“ (2003) in Berlin.
She is active as member of selforganized experimental artist institutions and
since 2002 on the artistic board of Kuenstlerhaus Stuttgart, inviting artists
or organizing events like the conference “Les Histoires Communes“ (2006).
Barbara Held
Vermillion, South Dakota, EUA USA 1951
Cortland, NY, EUA USA 1950
Durante 20 anos esteve envolvido em todos os aspectos das artes: como
executante de fagote em mais de 3000 concertos, compositor de música para
palco, dança, cinema e teatro; produtor de concertos, CD’s, programas de
rádios; director de organizaçoes culturais e angariador de fundos. Actuou
e/ ou colaborou, entre outros, com Phill Niblock, David Behrman, Blue Gene
Tyranny, Peter Gordon, Laurie Anderson, Pauline Oliveros, Tom Johnson and
David Gibson.
Foi Director Administrativo da Experimental Intermedia Foundation e actualmente
faz parte do Conselho Directivo. No final de anos 80 foi Director Executivo da
Good Sound Foundation, organização não-lucrativa dedicada à pesquisa de
tecnologias electrónicas para realçar o ambiente acústico na actuação ao vivo.
Aquela experiência levou-o a interessar-se pela neuro-ciência e regressou aos
estudos para se formar como Enfermeiro de Cuidados Intensivos Neurológicos.
Trabalha agora no Hospital Universitário da Novo México, em Albuquerque.
Continua a procurar formas de utilizar técnicas sonoras para aliviar os efeitos
das lesões do cérebro.
Arthur Stidfole spent 20 years in the arts, involving himself in every aspect: from
performing in over 3000 concerts as a bassoonist; to composing music for stage,
dance, film and theater; to producing concerts, radio programs, and CDs; to
managing arts organizations; to fund raising. He has performed and/or collaborated
with, among others. For many years he was Administrative Director of Experimental
Intermedia Foundation and now serves on the Board of Directors. In the late 1980s,
he was Executive Director of Good Sound Foundation, a non-profit organization
devoted to researching electronic technologies to enhance the acoustic environment
for live performance. That experience led to an intense interest in neuroscience and
he returned to school to become a Neurological Intensive Care Nurse. He is now
employed at University of New Mexico University Hospital in Albuquerque. He
continues to seek ways to use sonic techniques to sooth the injured brain.
Flautista norte-americana residente em Barcelona. O seu trabalho excede
o enquadramento da música de concerto, combinando som e imagem em
instalações que habitualmente incluem performance ao vivo. Colaborou com
diversos artistas visuais, cineastas e compositores, entre os quais constam
Y. Tone, J. Hi Kim, R. Kuivila, R. Ashley, P. Niblock, L. Sonami, E. Hovda, N.
Vigeland, C. Santos, D. Behrman e A. Lucier. Em 1999, foi-lhe atribuído um
primeiro prémio para arte multimédia no Concurso de Creacion Audiovisual,
Navarra, pelo CD-ROM “Paraparèmies; Desplaçaments; Cosificacions”, realizado
com a colaboração de A. Alcañiz, E. Xargay e C. Hac Mor. O CD-ROM “The
Well”, de Held e Alcañiz para flauta e vídeo ao vivo, recebeu uma menção
no Concours International de Musique et d'Art Sonore Electroacoustique
de Bourges 2000.
O seu projecto sobre o misticismo e a música, baseado na obra do
musicólogo M.Schneider, “Singing Stones”, apresentada em Girona, foi
a primeira de uma série de obras que exploram a relação entre luz e som
svar/svara. Na sua recente instalação de som/luz apresentada na galeria
ColdCreation em Barcelona e no festival Observatori, em Valência, utiliza
animações interactivas por J. Vico e um projecto de pesquisa em
desenvolvimento por María Paz García.
Held pertenceu ao grupo de artistas que trabalharam a imagética do
microscópio electrónico em MICROCÒSMICS, comissariado por J. Fontcuberta
na Metronom, e foi uma das 17 artistas que participaram na instalação de R.
Kuivila “Rock's Role (After Ryoanji)” na Galeria Art in General en Nova Iorque.
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Barbara Held is a flutist whose work is moving out of the time frame of concert
music, combining sound and image in installations that usually include live
performance. She has collaborated with several visual artists, film and video artists;
composers Y. Tone, J. Hi Kim, R. Kuivila, R. Ashley, P. Niblock, L. Sonami,
E. Hovda, N. Vigeland, C. Santos, D. Behrman and A. Lucier. A CD-ROM made
in collaboration with video artist A.Alcañiz and writers E. Xargay and C. Hac Mor,
“Paraparèmies; Desplaçaments; Cosificacions”, was given the first prize for
multimedia art by the 1999 Concurso de Creacion Audiovisual, Navarra, Spain,
and the CD-ROM version of “The Well”, a piece by Barbara Held and Alcañiz for
flute and live video was awarded a mention at the Concours International de
Musique et d'Art Sonore Electroacoustique de Bourges 2000.
An installation version of a project about mysticism and music based on the
work of musicologist M. Schneider, “Singing Stones”, presented in Girona,
Spain in collaboration with musicians M. Davis, A. Pereira and A. Wellmer,
visual artist P. Noguera, writer P. Parcerisas, and video artist A. Alcañiz, was
the first in a series of pieces exploring the relationship between light and
sound, svar/svara. The almost identical Sanskrit words for light and sound,
a play on words in the tradition of sound relationships in the ancient tradition
of India, refers to ways in which the two kinds of fundamentally creative
energies are linked in ways beyond language. Her recent sound/light
installation presented at ColdCreation Gallery in Barcelona and the Observatori
festival in Valencia uses interactive animations by Jelena Vico and meteor
tracking data from an ongoing research project by María Paz García.
Held was one of a group of artists working with access to electron microscope
imagery in MICROCÒSMICS, a project curated by Joan Fontcuberta at Metronom,
and she was one of 17 sound artists to participate in Ron Kuivila's installation
“Rock's Role (After Ryoanji)” at Art in General gallery in NYC. Her CD of new music
for solo flute “Upper Air Observation” was released by Lovely Music, Ltd., NYC.
Delfim Sardo
Aveiro, Portugal 1962
Delfim Sardo nasceu em Aveiro em 1962. É curador, docente universitário
e ensaísta. É actualmente o Coordenador Executivo da Comissão Instaladora
do Colégio das Artes da Universidade de Coimbra. Desde 1990 que se dedica
à curadoria de arte contemporânea, bem como à ensaística sobre arte. Entre
de 2003 e 2005 foi Director do Centro de Exposições do Centro Cultural de
Belém, Lisboa. Foi fundador e director da revista Pangloss. Entre 1997 e 2003
foi Consultor do Serviço de Belas-Artes da Fundação Calouste Gulbenkian.
Em 1999 foi o Comissário da Representação Portuguesa à 48ª Bienal
de Veneza. É Professor de História de Arte Moderna e Contemporânea na
Faculdade de Letras da Universidade de Coimbra, leccionando também na
Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa. É também docente
em programas de Mestrado na Universidade Lusófona e na Faculdade
de Arquitectura da Universidade Técnica de Lisboa.
No campo das publicações destacam-se os volumes “Julião Sarmento, Catalogue
Raisonée, Edições Numeradas, Vol. I” (MEIAC, 2007), “Luxury Bound”, (Electa,
Milão, 1999), “Jorge Molder” (Caminho, Lisboa, 2005), “Helena Almeida, Pés
no Chão, Cabeça no Céu”, (Bial, 2004) e “Pintura Redux” (Fundação de
Serralves/Público, 2006). Colabora regularmente como ensaísta parapublicações
sobre arte e arquitectura, em Portugal e no estrangeiro.
Delfim Sardo was born in Aveiro in 1962. He is a curator, university lecturer
and writer. Currently he is an Executive Coordinator for the University of
Coimbra’s Arts College. Since 1999 he has dedicated himself to curating and
writing about art. From 2003 to 2005 he was the director of the Centro
Cultural de Belém Exhibition Centre in Lisbon. From 1997 to 2003 he was
a consultant for the Calouste Gulbenkian Foundation’s Fine Arts Department.
In 1999 he curated the Portuguese Representation at the 48th Venice Biennial.
He is a professor of Modern and Contemporary Art History at the Faculdade
de Letras, University of Coimbra, and also lectures at the Faculdade de Belas
Artes, University of Lisbon. He is also a lecturer on the Master’s programmes
of the Lusófona University and the Faculdade de Arquitectura, Universidade
Técnica de Lisboa.
He has published several books, including Julião Sarmento, Catalogue
Raisonée, Edições Numeradas, Vol. I (MEIAC, 2007), Luxury Bound, (Electa,
Milão, 1999), Jorge Molder (Caminho, Lisboa, 2005), Helena Almeida, Pés
no Chão, Cabeça no Céu, (Bial, 2004) and Pintura Redux (Fundação
de Serralves/Público, 2006). He regularly contributes to art and architecture
publications in Portugal and abroad.
Emanuel Dimas de Melo Pimenta
São Paulo, Brasil Brazil 1957
Arquitecto, compositor e fotógrafo. Os seus trabalhos estão incluídos em
algumas das mais expressivas colecções de arte e instituições reconhecidas
internacionalmente, como o Whitney Museum de Nova Iorque, o Museu de
Arte Contemporânea ARS AEVI, a Bienal de Veneza, o Computer Art Museum
de Seattle, o Kunsthaus de Zurique, a Colecção Durini de Arte Contemporânea,
a Biblioteque Nationale de Paris e o MART – Museu de Arte Contemporânea
de Rovereto e Trento, na Itália, entre outros. Os seus trabalhos estão incluídos
na Enciclopédia Universalis (Britannica) desde 1991, no Sloninsky Baker's
Music Dictionary (Berkeley), no Charles Hall's Chronology of the Western
Classical Music, assim como no All Music Guide – The Expert's Guide to the
Best CDs, entre outros. Músicos lendários como John Cage, David Tudor,
Takehisa Kosugi, John Tilbury, Christian Wolff, Martha Mooke, John DS
Adams, Maurizio Barbetti, Michael Pugliese, Umberto Petrin, Susie Georgetis,
Sandor Kiss e o Manhattan Quartet, entre outros, têm executado as suas
composições. No início dos anos 1980, Emanuel Pimenta cunhou o conceito
“arquitectura virtual”, mais tarde utilizado como disciplina específica em
universidades de todo o mundo. Desde o fim dos anos 1970 vem
desenvolvendo notação musical dentro de ambientes virtuais. Recebeu
o Prémio Destaque de Marketing, em 1977, pela Associação Brasileira de
Marketing; o Prémio APCA em 1986 pela Associação de Críticos de Arte
de São Paulo; e o Prémio Lago Maggiore em 1994, pelo Governo Regional
da Lombardia, a Associação Internacional de Críticos de Arte, a UNESCO
e o Conselho de Europa, em Locarno, Suíça. Em 1993, foi distinguido pela
UNESCO, em Paris, como um dos mais representativos investigadores
intermedia do mundo. O seu site está em http://www.emanuelpimenta.net
Emanuel Dimas de Melo Pimenta is architect, composer and photographer. His
works are included in some of the most expressive art collections and world-wide
recognized institutions, like the Whitney Museum of New York, the ARS AEVI
Contemporary Art Museum, the Biennal of Venice, the Computer Art Museum
of Seattle, the Kunsthaus of Zurich, the Durini Contemporary Art Collection, the
Bibliotèque Nationale of Paris and the MART – Modern Art Museum of Rovereto
and Trento, among others. His works are included in the Universalis
Encyclopaedia (Britannica) since 1991, in the Sloninsky Baker's Music Dictionary
(Berkeley), the Charles Hall's Chronology of the Western Classical Music, as well
as in the All Music Guide – The Expert's Guide to the Best CDs. Legendary
musicians like John Cage, David Tudor, Takehisa Kosugi, John Tilbury, Christian
Wolff, Martha Mooke, John DS Adams, Maurizio Barbetti, Michael Pugliese,
Umberto Petrin, Susie Georgetis and the Manhattan Quartet, among others,
have performed his compositions. In the early 1980s Emanuel Pimenta coined
the concept “virtual architecture”, later largely used as specific discipline in
universities all over the world. Since the end of the 1970s he has developed
graphical musical notations inside virtual environments. He won the National
Marketing Prize in 1977 by the Brazilian Association of Marketing; the APCA
Prize in 1986 by the Art Critics Association of São Paulo; and the Lac Maggiore
Prize in 1994 by the Lombardia Regional Government, the International
Association of Art Critics, the Unesco and the Council of Europe, in Locarno,
Switzerland. In 1993 he was distinguished by the Unesco, in Paris, as one
of the most representative intermedia researchers of the world.
Georg Dietzler
Burgbrohl, Alemanha Germany 1958
Georg Dietzler é um artista alemão cujo trabalho como escultor explora
as propriedades generativas do fascínio pelo mundo natural. Nos últimos
anos criou instalações experimentais usando cogumelos especiais para
bio-remediação de solos contaminados com PCB's (policlorinato bifenil).
Estes tóxicos poluentes industriais são efectivamente neutralizados através
do cultivo de cogumelos epicuristas nas terras contaminadas. Estes projectos
envolveram paisagens escultóricas, tais como pesquisa e análise de solos.
Fotografias electromicroscópicas dos solos contaminados e tratados tornaram-se
a fonte de inspiração de desenhos e outros materiais, os quais ajudaram
a chamar a atenção para a promessa de beleza da bio-remediação. “Em
retrospectiva, o meu trabalho é também uma exploração das relações arte
& natureza e da ecologia. Os meus trabalhos estão relacionados com a
arquitectura e o 'site specific' exterior, consistindo em peças conceptuais e
ambientais, ambientes biotecnológicos interdisciplinares e esculturas interactivas."
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JÚRI JURY
Georg Dietzler is an artist from Germany whose sculptural work explores the
fascinating generative properties of the natural world. In recent years he has
created experimental installations using Oyster mushrooms for bioremediation
of soil contaminated with PCB's (polychlorinated biphenyls). These highly toxic
industrial pollutants are effectively neutralized through the cultivation of
gourmet mushrooms on contaminated land. These projects involve sculptural
landscaping as well as cutting edge research and soil analysis. Electro-microscopic
photographs of the contaminated and treated soil become the inspiration for
drawings and other documentary materials which help call attention to the
promise and beauty of bioremediation. "In retrospect my work is still a kind
of exploration of art & nature and ecology. Developed from sculptural works,
interior related to architecture and site specific exterior, from environmental to
conceptual pieces and current interdisciplinary biotechnological environments
and interactive sculptures."
Isabel Soares Alves
Lisboa, Portugal 1944
Isabel Soares Alves, co-fundadora da BES e membro do juri desde a primeira
edição. A sua actividade principal centra-se na produção de exposições e de
espectáculos intermédia, desde 1969. Começou em 1999 a desenvolver
o projecto de implementação em Lisboa de um Centro Experimental
Mixed-Media – CEMES. É autora e gestora de conteúdos do site
www.ernestodesousa.com. Entre 1969 e 1988 colaborou com Ernesto
de Sousa na realização e produção de filmes, exposições e espectáculos
mixed-media. Colaborou com José Miranda Justo, na publicação do livro
Ser Moderno em Portugal, uma colectânia de textos de Ernesto de Sousa.
Nos anos 90, produziu várias exposições: em 1997-98 integrou a equipa
do Festival dos 100 Dias na Expo’98, sendo co-responsável pela produção
da exposição Viagem ao Século XX, e fez parte da equipa que produziu a
ópera o Corvo Branco de Robert Wilson e Philip Glass; em 1996 comissariou
e produziu a exposição “Abril-Mulher” para o Museu da República
e Resistência; em 1995, comissariou a participação dos artistas com
intervenções nas estações do Metropolitano de Lisboa, integrada na exposição
“Waves of Influence – 500 anos do Azulejo Português”, na Rhode Island
School of Design, EUA e realizou a coordenação editorial do respectivo
catálogo. Em 1994 produziu e apresentou no CAM – Fundação Calouste
Gulbenkian, o mixed-media Almada, um Nome de Guerra, da autoria de
Ernesto de Sousa. Desde 2000 é Coordenadora da Colecção Berardo.
Isabel Soares Alves, created in 1992 and implemented the Ernesto de Sousa
Fellowship. Producer of exhibitions and intermedia events. In Progress:
CEMES a new innovative Experimental Intermedia Center in Lisbon. She
runs the site www.ernestodesousa.com , and edits the content. 1999
– she curated and produced the exhibition April-Woman, in Lisbon, to
commemorate the 25th anniversary of the Portuguese Revolution, for the
Republic and Resistance Museum. 1997-1998 – EXPO’98: Production Team
of the 100 Days Festival; Co-responsible for the production for two projects
relevant to cultural programming: the exhibition, A Walk through the Century,
including catalogue, and part of the production team of the opera The White
Raven by Robert Wilson and Philip Glass. 1998 – Collaboration with José
Miranda Justo for Ser Moderno em Portugal, a collection of texts by Ernesto
de Sousa. 1995 – Curator of exhibition featuring tile murals for Lisbon
Subway Stations as part of the exhibition Waves of Influence – 500 years of
the Portuguese Tiles, exhibited at the Rhode Island School of Design, USA.
1994 – Production and presentation of the intermedia Almada, um Nome de
Guerra, by Ernesto de Sousa at CAM – Gulbenkian Foundation. Coordinator
of the Berardo Collection since 2000.
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Leonel Moura
Maria Blondeel
Halle, Bélgica Belgium 1963
Artista intermédia e cineasta nascida no Canadá e residente em Montreal, e em
Nova Iorque.Desde os finais dos anos oitenta trabalha, principalmente, com vídeo
experimental e multimédia, e produziu inúmeras instalações. Os seus trabalhos
foram apresentados em diversos eventos internacionais. Nos últimos anos
apresentou instalações vídeo e performances em colaboração com compositores
new music nomeadamente Phill Niblock, Al Margolis/If,Bwana, Hitoshi Kojo,
Zanana, e David Watson. Desde 2003 utiliza vídeo ao vivo e explora a
improvisação com numerosos artistas new music/áudio, entre eles, Margarida
Garcia, Barry Weisblat, o.blaat, murmer, André Gonçalves, Monique Buzzarté,
Anthony Coleman, Giuseppe Ielasi, Renato Rinaldi, Alessandro Bosetti, Audrey
Chen, Marina Rosenfeld, Anne Wellmer. Para além da sua prática artística,
Liberovskaya dedica-se à programação e organização de diversos festivais,
nomeadamente no Studio XX, criado em 1995, do qual foi coordenadora de
programação 1996-1998, presidente 2001-2003), Espace Vidéographe, Montreal
e na Experimental Intermedia, (Screen Compositions 2005, 2006, 2007) assim
como as series OptoSonic Tea com Ursula Scherrer no Diapason, Nova Iorque.
Co-fundador da BES, é um artista cuja arte abrange as áreas da arquitectura,
da filosofia e da ciência. Expôe nacional e internacionalmente e, em 1995,
o Nouveau Musée/Institut, Villeurbanne organizou a sua primeira retrospectiva.
Publicou diversos livros em Portugal, França e Espanha e fez conferências em
vários países. Em 1995 criou e dirigiu a Bienal da Utopia, em Cascais, um
acontecimento internacional dedicado a aproximar a arte e a ciência.
Tem-se destacado nestes últimos anos com o seu trabalho com robótica e
inteligência artificial. Em 2003 criou a primeira geração de robôs pintores capazes
de produzir, de forma autónoma e baseados no comportamento emergente, obras
de arte originais. Em 2006 surge RAP (Robotic Action Painter), que passou a
figurar na colecção permanente do Museu de História Natural de Nova Iorque e
que, para além da produção de pinturas, decide por si próprio o momento em que
estas estão terminadas e assina. Também em 2006 segue-se ISU (Robô Poeta),
que constrói composições pictóricas, com letras, palavras e manchas de cor, muito
ao estilo da Poesia Concreta e do Letrismo, sendo o seu nome uma homenagem
a Isidore Isou, criador deste movimento. Em 2007 é inaugurado o Robotarium
de Alverca, primeiro equipamento do género em todo o mundo e que se configura
como um pequeno jardim zoológico dedicado à vida artificial. Também em 2007
abre em Lisboa o LEONEL MOURA ARTe, espaço dedicado à apresentação da
sua Arte Robótica. Leonel Moura dedica-se igualmente à arquitectura, através do
Leonel Moura Atelier, onde trabalha com arquitectos e uma equipa multidisciplinar
e tem produzido uma continuada reflexão sobre as cidades e sua evolução,
na linha do conceito de Cidades Criativas.
Co-fundadora com Phill Niblock da Experimental Intermedia Foundation em
Gand, Bélgica, onde reside. Produziu várias exposições intermedia entre 1993
e 2003. A prática artística de Blondeel pode ser situada no campo da arte
sonora. Realiza instalações de luz e som e obras site-specific para veículos,
telefone e rádio. Participou em concertos e performances em colaboração com
músicos e produziu obras para CD e vídeo. As criações de Maria Blondeel
foram apresentadas em galerias, museus e festivais em países como Bélgica,
Holanda, Alemanha, Áustria, Espanha, França, EUA, Canadá, Indonésia,
Singapura e Japão.
Katherine Liberovskaya is a video and media artist based in Montreal, Canada, and
New York City. She has been working predominantly in experimental video since
the late eighties. Over the years, she has produced many single-channel videos,
video installation works and video performances which have been presented at a
wide variety of artistic venues and events around the world. As of recent years her
work - in single-channel and installation video as well as performance – mainly
revolves around collaborations with new music composers/sound artists, notably
Phill Niblock, Al Margolis/If,Bwana, Hitoshi Kojo, Zanana, and David Watson. Since
2003 she is active in live video mixing exploring improvisation with numerous live
new music/audio artists including: Margarida Garcia, Barry Weisblat, o.blaat,
murmer, André Gonçalves, Monique Buzzarté, Anthony Coleman, Giuseppe Ielasi,
Renato Rinaldi, Alessandro Bosetti, Audrey Chen, Marina Rosenfeld, Anne Wellmer,
among others. In addition to her art practice she has concurrently been involved in
the programming and organization of diverse media art events, notably with Studio
XX in Montreal (programming coordinator 1996-1998, president 2001-2003),
Espace Vidéographe, Montreal and Experimental Intermedia, NY (Screen
Compositions 2005, 2006, 2007) as well as the OptoSonic Tea series with
Ursula Scherrer at Diapason in NYC.
Leonel Moura is an European artist co-founder of BES, whose art merges with
architecture, philosophy and science. He did many exhibitions all over the world
and in 1995 the Nouveau Musée/Institut, Villeurbanne has organized his first
retrospective. He published several books in Portugal, France and Spain and gave
many lectures in various countries. In 1995 he created and directed the Utopia
Biennal, Cascais, an international event dedicated to bring together art and
science. Since 2000 he is working on a new kind of art: a non-human one.
He works with AI and robotics and created in 2003 his first swarm of 'Painting
Robots', able to produce original artworks based on emergent behaviour. In this
context he has produced several artbots, each time more autonomous and
sophisticated. RAP (Robotic Action Painter), 2006, created for a permanent
exhibition at the American Museum of Natural History in New York, is able to
generate highly creative and original art works, to decide when the work is ready
and to sign it, which it does with a distinctive signature. ISU (The Poet Robot),
2006, generates random poems, very much in the style of the Lettrist Movement
and of Concrete Poetry. In 2007, the Robotarium, the first zoo dedicated to robots
and artificial life, opened in Alverca. Also in 2007, he inaugurates in Lisbon an
Art Space [LEONEL MOURA ARTe] to show the works done by his robot artists.
Keiko Sei
Artista intermedia, compositora, violinista e dirigente da Fundação Logos em
Gand, Bélgica, juntamente com Godfried-Willem Raes. Nasceu em Bruges,
1952, onde estudou música no Conservatório local, pintura e História de
Arte, Filosofia e Antropologia na Universidade de Gand.
Desde 1970 apresenta “soundscapes” e “live-art performances” nas quais
combina aspectos visuais e musicais. Em 1994 fundou o Logos Women,
colectivo que executa improvisações intermedia para flauta, vozes, violino
e expressão corporal. Realiza esculturas de som e luz, instalações
e instrumentos musicais, e durante muitos anos fez séries de caixas musicais
alternativas. É editora da Logos-Blad, revista mensal da Logos Foundation,
que se publica já há muitos anos. Em 1986, o 3º Programa da Rádio
Nacional Belga difundiu os seus concertos e performances em Nova Iorque
e também as suas experiências músicais no Quénia e no Ruanda. Ela própria
realizou programas de rádio acerca de mulheres artistas à volta do mundo.
Moniek Darge publicou vários ensaios literários e jornalísticos, entre os quais
"Inter Media Myths, Auto-Author" (1986, Toronto, Art Metropole) e "Lijf tegen
Lijf" (“Body Against Body”, Kritak, Leuven, 1982). É assistente de História
de Arte do Século XX na Academia de Belas Artes de Gand e professora
convidada de Etnomusicologia no Conservatório Real de Gand. Em 1997
recebeu o título de Embaixador Cultural da Flandres para o Logos Duo.
Manuel da Costa Cabral
Jens Brand studied visual arts in Münster, Germany. He lives and works as
a composer, musician, visual & audio-visual artist and organizer in Dortmund,
Germany. His pieces can appear as concerts, performances or installations.
Recent works have ended up being mixtures of these genres, developed as
logical and absurd games between the audience and the artist.
Katherine Liberovskaya
Montreal, Canadá Canada 1961
Japão Japan
Estudou artes visuais em Münster, Alemanha. Vive e trabalha como
compositor, músico, artista visual e audiovisual e organizador de eventos em
Dortmund. As suas obras podem ter a forma de concertos, performances ou
instalações. Trabalhos recentes são misturas destes géneros, desenvolvidos
como jogos lógicos e absurdos, entre a audiência e o artista.
Keiko Sei desenvolve trabalho teórico sobre os novos media. Foi curadora
de vídeo e no início dos anos 1980 dirigiu uma organização de video-arte
e vídeo independente. Mudou-se para a República Checa para investigar
a utilização dos media independentes. Foi consultora de projectos pioneiros
como Orbis Fictus – New Media in Contemporary Arts, Soros Center for
Contemporary Arts, exposição anual de Praga, República Checa, e também
colaborou na fundação de espaços educacionais para vídeo e media art em
diferentes institutições, entre estas a Academia de Belas Artes de Praga.
A partir de 1998 dirigiu o atelier de vídeo na Faculdade de Belas Artes,
Universidade Técnica de Brno, República Checa. Escreve para publicações
internacionais, nomeadamente Art+Text, Impulse, Image Forum, Artist.
Licenciou-se em Pintura em 1963 na Escola Superior de Belas Artes de Lisboa
(ESBAL). Depois de três anos de serviço militar obrigatório trabalhou como designer
de exposições e professor de arte. Envolveu-se em inúmeras actividades de
animação cultural nos últimos sete anos da ditadura e nos primeiros sete anos
de democracia. Em 1973, foi co-fundador da Escola Ar.Co – Centro de Arte e
Comunicação Visual, em Lisboa. Durante os 21 anos em que foi director executivo
do Ar.Co, este tornou-se um dos centros de arte alternativos mais importantes em
Portugal. Em 1995 recebeu o título de Honorary Fellow do Royal College of Art, em
Londres. Desde 1974, é o director do Serviço de Belas-Artes da Fundação Calouste
Gulbenkian. Retomou a actividade de pintor em 1982 e expõe desde 1989.
Keiko Sei is a writer and a curator on/of media art for the last 20 years. After
working as a video curator since the early 80's, running an organization for videoart
and independent video, she has moved to Eastern Europe in 1988 to investigate
the independent use of media. She has also worked as a consultant for pioneering
projects such as Orbis Fictus – New Media in Contemporary Arts, Soros Center
for Contemporary Arts, Praha Annual Exhibition, Prague, Czech Republic, and
has collaborated in the founding of educational spaces for video and media art in
different institutes, such as Academy of Fine Art Prague. Since 1998 she has run the
atelier of video at the Faculty of Arts, Technical University Brno, Czech Republic. She
writes for publications world wide, including Art+Text, Impulse, Image Forum, Artist.
Manuel Costa Cabral graduated in painting in 1963 from Escola Superior de
Belas Artes, Lisbon. After three years of obligatory military service he worked
as an exhibition designer and art teacher. Meanwhile, he increasingly draw
himself into activity in the socio-cultural field in the last seven years of the
dictatorship, and the first seven years of democracy in Portugal. In between, in
1973, he co-founded Ar.Co as an independent Art School and Centre. During
his work as executive Director, for 21 years, Ar.Co became one of the most
important private art institutions in Portugal. Since 1994 he joined the
Calouste Gulbenkian Foundation full-time as Director of the Fine Arts
Department. Having resumed painting in 1982, he has exhibited since 1989.
In 1993 Cabral was elected Honorary Fellow of the Royal College of Art, London.
Jens Brand
Dortmund, Alemanha Germany 1968
141
Maria Blondeel is based in Gand. She was born in 1963, Halle, Belgium. She
co-founded with Phill Niblock the Experimental Intermedia v.z.w. in Gand and
produced several intermedia exhibitions from 1993 until 2003.
Blondeel’s artistic practice can be situated in the field of sound art. She made
sonic light installations, and site-specific works for vehicles, telephone and
radio, participated in concerts and performances in collaboration with
musicians, and produced works for CD and video. Her work has been
presented in Belgium, The Netherlands, Germany, Austria, spain, France,
USA, Canada, Indonesia, Singupure and Japan.
Moniek Darge
Bruges, Bélgica Belgium 1952
Intermedia artist, composer, violinist, performer and co-director, with
Godfried-Willem Raes, of the Logos Foundation, Ghent. Born in Bruges, 1952,
studied music theory and violin at the Music Conservatory of Bruges, and
painting, art history, philosophy and anthropology at the University of Ghent.
Since 1970 she has specialised in interactional improvisation on violin and
in 1994 she founded the Logos Women. She has built light-and-sound
sculptures, installations and musical instruments and for many years she has
constructed a series of alternative music boxes. In 1986 the Third Program
of the National Belgian Radio broadcasted a series of programs about her
concerts and performances in New York City and also about her music
experiences in Kenya and Rwanda. Moniek Darge published several journalistic
and literary essays, amongst which "Inter Media Myths, Auto-Author" (1986),
an art edition, combining poetry, drawings, scores and pictures (Toronto, Art
Metropole – catalogue no.12) and the book "Lijf tegen Lijf" (“Body Against
Body”, Kritak, Leuven, 1982). She is general editor of the “Logos-Blad”. The
artist is assistant professor in 20th Century Art History at the Royal Academy
of Fine Arts in Ghent and guest professor of Ethnomusicology at the Gand Royal
Conservatory. Both are now departments of Hogeschool Gand. In 1997 she was
awarded the title of Cultural Ambassador of Flanders for the Logos Duo.
BES livro
27/12/07
20:08
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JÚRI JURY
142
Nuno Faria
Phill Niblock
Anderson, Indiana, EUA USA 1933
É curador independente. Formou-se em História da Arte pela Universidade
Livre de Bruxelas. Foi subdirector do Instituto de Arte Contemporânea do
Ministério da Cultura. É, actualmente, consultor do Serviço de Belas-Artes
da Fundação Calouste Gulbenkian. É professor
Co-fundador da BES, a cujo júri preside. Vive em Nova Iorque, onde dirige
a Experimental Intermedia Foundation. Niblock é um artista intermedia
cujas obras incluem, simultaneamente, música, filme, fotografia, vídeo
e computadores. A sua obra tem sido apresentada internacionalmente,
incluindo Museum of Modern Art e The Kitchen em Nova Iorque, Whitney
Museum, Paris Autumn Festival, Akademie der Kunste (Berlim), e em
Portugal, na Fundação Calouste Gulbenkian e na Casa de Serralves,
e na rádio dos EU, Alemanha, França, Holanda, Suíça, Austria e Bélgica.
Recebeu prémios de várias instituições, nomeadamente de Guggenheim
Foundation, New York State Council on the Arts, National Endowment for
the Arts, Creative Artists Public Service Program, City University of New York
Research Foundation e Foundation for the Contemporary Performance Arts.
Desde 1973 produziu mais de 1000 performances de música e intermedia
na Experimental Intermedia Foundation, em Nova Iorque.
Nuno Faria works as an independent curator. Studies in History of Art in
Brussels, Belgium (Free University of Brussels).
Was the deputy director of the Contemporary Art Institute (IAC), Lisbon.
Consultant at the Fine Arts Departement of Calouste Gulbenkian Foundation,
in Lisbon. Teaches Photography Advanced Studies in Ar.Co, an independent art
school in Lisbon.
Paul Panhuysen
Borgharen, Holanda The Netherlands 1934
Artista intermédia, compositor, músico, curador, sociólogo e teórico de arte.
Desde 1964 foi, sucessivamente, director da Academia de Belas Artes de
Leeuwarden, e director dos Serviços Educativos e Relações Públicas dos
Museus Municipal de Haia e Van Abbemuseum de Eindhoven. Em 1964,
fundou o grupo Bende van de Blauwe (O Gangue da Luva Azul). Este grupo
fortemente ligado ao movimento Fluxus apresentou exposições, environments
e happenings em museus e galerias. A partir de 1965 apresentou ‘situasies’,
destinadas a estimular a criatividade de pessoas e grupos. Em 1968 fundou
o Quarteto Maciunas, ainda activo hoje como Maciunas Ensemble. Nessa
altura desenvolveu esquemas sistemáticos e séries matemáticas, que continuou
a usar nas suas obras como artista. Música e som passaram a ter uma
importância crescente na sua obra que apresenta sempre elementos visuais
fortes. Em 1990, Panhuysen fundou Het Apollohuis, em Eindhoven, e desde
então e até 2001 foi director deste centro onde artistas internacionais
de diferentes disciplinas apresentaram as suas obras.
Desde 1982, Panhuysen desenvolve as suas instalações ‘long string’ que
utilizam as propriedades site-specific e a arquitectura do local. As instalações
‘long string’ são tocadas em concertos, pessoalmente pelo artista e, em
exposições, com ajuda de mecanismos automatizados.
Paul Panhuysen (1934) intermedia artist, musician, curator, art sociologist and
art theoretician. Since 1964 he was successively the director of the Fine Arts
Academy in Leeuwarden, and a curator and head of education and public
relations for the Municipal Museum in The Hague and for the Van
Abbemuseum in Eindhoven. In 1964 he founded the artist group the Bende
van de Blauwe Hand (the Gang of the Blue Hand).This group, which was
closely related to Fluxus, presented exhibitions, environments and happenings
in museums and galleries.
Starting in 1965 he presented ‘situasies’ meant to involve all kind of
individuals and groups and to stimulate their creativity. In 1968 he founded
the Maciunas Quartet, who is still making experimental music as the Maciunas
Ensemble. During those years he developed systematic ordering systems and
mathematical series that he has continued to use in his work as an artist.
Music and sound become increasingly important in his work which has always
strong visual elements. In 1980 Panhuysen founded Het Apollohuis and since
then until 2001 he has been the director of this internationally oriented podium
where artists from divergent disciplines did present their work.
Since 1982 Panhuysen developed his “Long String Installations”. They utilize
the site specific properties and architectural prospects of the location. The long
string installations are played in concerts personally and in exhibitions as
automats.
Co-founder of BES and President of its Jury, he is based in New York City
where he directs the Experimental Intermedia Foundation. Niblock is an
intermedia artist, his multi-layered installations and performances present
simultaneous events in film and music, slides, video and computers.
His work has been shown worldwide including The Museum of Modern
Art, The Kitchen, (New York), Paris Autumn Festival, Palais des Beaux Arts
(Brussels), Institute of Contemporary Art (London), Akademie der Kunste
(Berlin), and in Portugal, at the Calouste Gulbenkian Foundation and Casa
de Serralves, and on radio in the US, Germany, France, Holland, Switzerland,
Austria, and Belgium.
He has received awards from the Guggenheim Foundation, New York State
Council on the Arts, National Endowment for the Arts, Creative Artists Public
Service Program, City University of New York Research Foundation, Foundation
for the Contemporary Performance Arts. Since 1973, he has produced more
than 1000 performances of music and intermedia art at Experimental
Intermedia Foundation.
Reinhold Friedl
Baden-Baden, Alemanha Germany 1964
Reinhold Friedl vive em Berlim desde 1987. Estudou piano e matemática
em Stuttgart e Berlim. Como performer, interprete e compositor, recebeu
várias bolsas, nomeadamente de eurocreation Paris, de Roma (Villa
Serpentara) da Academia de Artes de Berlim, e várias encomendas de
instituições como o Departamento da Cultura do Senado de Berlim.
Friedl publicou artigos em jornais e revistas profissionais e dirigiu um
seminário sobre “Música e Matemática” no Departamento de Matemática
na Universidade Livre de Berlim juntamente com o Prof. Behrends. Fundou e
dirige os ensembles Piano-Inside-Out e Zeitkratzer. Zeitkratzer, em particular,
tem muita notoriedade desde a sua formação em 1997 com várias gravações
de CD e numerosos concertos e performances.
Friedl também trabalha regularmente como curador para Podewil em Berlin
e dirigiu Off-ICMC (Conferência International de Música de Computador) em
Berlim em 2000.
Foi escolhido para participar no Júri de Ars Electronica, Linz em 2001. Como
pianista e compositor, trabalhou com músicos e compositores como Lee
Ranaldo (Sonic Youth), Phill Niblock, Helmut Oehring, Nicolas Collins, Lou
Reed, MERZBOW a.k.a., Masami Akita, Radu Malfatti, Bernhard Guenter,
Mario Bertoncini (nuova consonanza) e fez inúmeras gravações de rádio e CD.
Actualmente, Friedl assegura a direcção do projecto “Welsh for Zen” com
John Cale para o Hebbel-Theater de Berlim.
143
Reinhold Friedl was born in 1964 and has lived in Berlin since 1987. He
studied piano mathematics in Stuttgart and Berlin. As performer, interpreter
and composer, he has received various fellowships, among others, from
eurocreation Paris, the Rome Fellowship (Villa Serpentara) of the Berlin
Academy of Arts, as well as various commissions from such institutions as the
Berlin Senate’s Department of Cultural Affairs. Reinhold Friedl has published
articles in newpapers and professional journals and conducted a seminar on
“Music and Mathematics” in the Department of Mathematics at the Berlin Free
University together with Prof. Behrends. He founded and directs the ensembles
Piano-Inside-Out and Zeitkratzer. Zeitkratzer, in particular, has caused a
sensation since its formation in 1997 with several CD recordings and
numerous concerts and performances.
Friedl also works regularly as curator for the Podewil in Berlin and directed
the Off-ICMC (International Computer Music Conference) in Berlin in 2000.
He has been chosen to take part in the Jury of the Ars Electronica, Linz in
2001. As pianist and composer, he has worked with musicians and composers
such as Lee Ranaldo (Sonic Youth), Phill Niblock, Helmut Oehring, Nicolas
Collins, Lou Reed, MERZBOW a.k.a., Masami Akita, Radu Malfatti, Bernhard
Guenter, Mario Bertoncini (nuova consonanza) and has made countless radio
and CD recordings. At the moment, Friedl works as a theater-director on the
project “Welsh for Zen” with John Cale for the Hebbel-Theater Berlin.
Rui Eduardo Paes
Ilha de Moçambique Mozambique Island 1961
Autor de vários livros sobre músicas experimentais e improvisadas, sempre
em relação com as demais artes e com temas da filosofia, da sociologia
e da antropologia, Rui Eduardo Paes é o editor da revista jazz.pt e escreve
para diversas publicações europeias, a exemplo da Oro Molido (Espanha)
e da Revue & Corrigée (França), mantendo ainda um website pessoal com
entrevistas, artigos e críticas de discos em Português, Inglês e Francês
(http://rep.no.sapo.pt). Foi um dos fundadores da Bolsa Ernesto de Sousa,
a cujo júri pertence como representante da Fundação Luso-Americana para
o Desenvolvimento, e integrou a Comissão de Apreciação dos Apoios
Sustentados de 2005-2008 para a região de Lisboa e Vale do Tejo do
Instituto das Artes – Ministério da Cultura português, como especialista
na área da música. Pertence à direcção da Granular (http://www.granular.pt),
associação cultural sem fins lucrativos que tem como propósito promover
o experimentalismo nas artes sonora e audiovisual portuguesas. Dele disse
o crítico musical e músico britânico Dan Warburton (The Wire, Paris
Transatlantic, Signal to Noise): “Paes é um exemplo de algo raro: um
jornalista cujo trabalho é tão essencial e informativo quanto bem investigado
e apaixonado.”
Author of several books about experimental and improvised music, always
in relation to the other arts and to subjects from the domains of Philosophy,
Sociology and Anthropology, Rui Eduardo Paes is the editor of the magazine
jazz.pt and he writes for some European publications, like Oro Molido in Spain
and Revue & Corrigée in France, also maintaining a personal website with
interviews, articles and record reviews in Portuguese, English and French
(http://rep.no.sapo.pt). He was one of the founders of the Ernesto de Sousa
Fellowship, in whose jury he is the representative of the Luso-American
Development Foundation, and he was a member of the Lisbon and Tagus
Valley Appreciation Commitee for the 2005-2008 Sustained Support of the
Portuguese Art Institute – Ministry of Culture, as a music specialist. He
integrates the board of directors of Granular (http://www.granular.pt), a cultural
association formed to promote experimentalism in the Portuguese sound and
audiovisual arts. As the British music critic and musician Dan Warburton
(The Wire, Paris Transatlantic, Signal to Noise) wrote about him: “Paes is
a rare example of something rare: a journalist whose work is as essential
and informative as it is well-researched and passionate.”
Thomas Ankersmit
Leiderdorp, Holanda The Netherlands 1979
Vive em Berlim e Amsterdão. Toca saxofone, compõe música electrónica
e cria instalações com som, infrasom e modificações às características
acústicas dos espaços. Apresentou-se na Europa, na América do Norte e na
Ásia, a solo e com artistas como Phill Niblock, Kevin Drumm, Jim O'Rourke,
Axel Dorner, Keith Rowe, Thomas Lehn, Voice Crack, Gert-Jan Prins,
Borbetomagus e Alvin Lucier. Mais influenciado por práticas experimentais
e electroacústicas do que pelo (free) jazz, Ankersmit foca-se na exploração
dos extremos tímbricos do saxofone. As suas obras têm sido apresentadas
em PS1/MoMA (Nova Iorque), Appel e Paradiso (Amsterdão), Kunstwerke,
Podewil, Tesla e Club Transmediale (Berlim), Kunsthalle de Basileia, The
Museum of Contemporary Art (Chicago), e em Colónia, Los Angeles, Tóquio,
Estocolmo, Oslo, Paris, Bolonha e Viena, entre outros locais.
Thomas Ankersmit born in 1979 and based in Berlin and Amsterdam, he plays
saxophone, makes electronic music and creates installation pieces with sound,
infrasound and modifications to the acoustic characters of spaces. He has
performed throughout Europe, North America and Asia, both solo as well as
with artists such as Phill Niblock, Kevin Drumm, Jim O'Rourke, Axel Dorner,
Keith Rowe, Thomas Lehn, Voice Crack, Gert-Jan Prins, Borbetomagus and
Alvin Lucier. Influenced more by experimental and electroacoustic practices
than (free) jazz, Ankersmit focuses on exploring the timbral extremes
of the saxophone. His electronic music is constructed out of swarms
of electro-mechanical micro-events with an acute sense for detail and intensity,
combining the delicate instability of analogue synthesizers with the precision
of computer editing and multitracking. His work has been presented at
PS1/MoMA (New York), de Appel and Paradiso (Amsterdam), Kunstwerke,
Podewil, Tesla and Club Transmediale (Berlin), The Kunsthalle Basel, The
Museum of Contemporary Art (Chicago), in Cologne, Los Angeles, Tokyo,
Stockholm, Oslo, Paris, Bologna, Vienna and elsewhere.
Ulrich Krieger
Freiburg, Alemanha Germany 1962
Vive em Berlim, com residências ocasionais nos EUA e em Itália entre 1991-97.
No início foi membro de vários grupos de rock e jazz e subsequentemente
concentrou-se na composição e na livre-improvisação. Estudou na Manhattan
School of Music (NYC), na Hochschule der Kunste e na Freie Universitat
Berlin. Fez também estudos independentes e pesquisa sobre didjeridoo
e música e cultura aborígenes australianas.
Trabalhou com Joseph Celli, Phill Niblock, David First, Borah Bergman,
Witold Szalonek, Miriam Marbe, Joshua Pierce, Reinhold Friedl e muitos
outros, em concertos na Europa, noa EUA, no Canadá, na Coreia e na
Austrália. Recebeu uma bolsa do programa alemão DAAD para estagiar em
Nova Iorque, participou nos Darmstadter Summer Courses for New Music
e foi Composer-In-Residence em Villa Aurora (Los Angeles), Villa Serpentara
(Roma), German Research Centre Venice (Italy), University of East Anglia
(Grã-Bretanha), e em Bolonha, Itália.
Ulrich Krieger lives in Berlin since 1983. He studied classical/contemporary
saxophone, composition, and electronic music at the Hochschule der Kunste
Berlin and at the Manhattan School of Music (New York). From 1988 on he
began independent didjeridoo studies and research in Australian Aboriginal
music and culture. Since 1990 he works freelance as interpreter, improviser,
composer, and rock musician.
He has worked with Elliott Sharp, Joseph Celli, Phill Niblock, David First,
Borah Bergman, Witold Szalonek, Miriam Marbe, La Monte Young, David First,
Lee Ranaldo, Joshua Pierce, Reinhold Friedl and many others with concerts in
Europe, USA, Canada, Korea and Australia. He received a New York grant from
the German DAAD program, attended the Darmstadter Summer Courses for
New Music and was a Composer-In-Residence at Villa Aurora (Los Angeles),
Villa Serpentara (Rome), German Research Centre Venice (Italy), University
of East Anglia (England), and with the City of Bologna, Italy.
BES livro
27/12/07
20:08
Page 144

Livro 15 anos da Bolsa Ernesto de Sousa (1992-2007)

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