Andrea Zittel - Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler
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Andrea Zittel - Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler
Austrian Frederick Kiesler Price for Architecture and the Arts Österreichischer Friedrich Kiesler-Preis für Architektur und Kunst Andrea Zittel Laureate Preisträgerin |2012 Austrian Frederick and Lillian Kiesler Private Foundation Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler-Privatstiftung Exhibition/Ausstellung Andrea Zittel_Artist-Architect/Künstlerarchitektin Curated by/Kuratiert von Monika Pessler October 8, 2012 - January 12, 2013 8. Oktober — 12. Januar 2013 Preface Vorwort By awarding the 2012 Austrian Frederick Kiesler Prize for Architecture and the Arts to Andrea Zittel we have chosen to distinguish an artist who feels more committed to the everyday matters of life than to the conventions of art markets and institutes. The American artist is interested chiefly in intersections where the practice of art and life interact and complement one and other to form a meaningful whole. With the aid of her Living Units, Advanced Technologies, Personal Panels and many other works, Andrea Zittel sets out to contribute to researching individual and thus socially relevant conditions. A task that was equally important for the reformatory intentions of the classical avant-garde as it was for Buckminster Fuller’s models of architectural and social intervention. Frederick Kiesler also used the exhibition space, his interior architecture Endless House, and other spaces of everyday re-presentation as a field of experimentation so as to determine people’s current needs and explore them in his comprehensive concepts. Experience that he had acquired in the course of his work for theatre played a special role in this regard. On the one hand because work in this field requires the use of different forms of artistic expression. On the other, as theatre, with its actionist tendencies, constitutes an equivalent to real life. Andrea Zittel goes one step further in her work by deriving her findings from the performance of her own life-practice. Consistently and very immediately, she works them into cross-media artistic expressions – ranging from design, painting and architecture to film, video and social initiatives. By awarding the prize to this artist, the international panel of judges acknowledge an oeuvre which stands “for outstanding achievements in the field of architecture and the arts that conform to Frederick Kiesler’s innovative conceptions and his theories of ‘correlated arts’”. Sincere thanks are due to the judges Hermann Czech, Bartomeu Marí Ribas, Lisa Phillips, Hani Rashid and Dietmar Steiner for their excellent work. Our special thanks go to this year’s organiser of the Kiesler prize, the City of Vienna and its representatives, and the New Museum for their co-operation and the opportunity to hold this year’s presentation in New York. Warm thanks to everyone who worked on the exhibition “Andrea Zittel_Artist-architect” at the Kiesler Foundation Vienna – first and foremost Andrea Zittel, her colleagues and galleries, our lenders and sponsors. Mit der Wahl von Andrea Zittel zur Preisträgerin des Kiesler Preises für Architektur und Kunst 2012 wird eine Position ausgezeichnet, die sich den alltäglichen Belangen des Lebens stärker verpflichtet fühlt als den Gepflogenheiten der Kunstmärkte und -institute. Im Interessensmittelpunkt der amerikanischen Künstlerin stehen Schnittstellen, an denen sich Kunst- und Lebenspraxis zu einer sinnstiftenden Einheit ergänzen. Mit ihren Living Units, Advanced Technologies, Personal Panels und vielem mehr ist Andrea Zittel bestrebt, einen Beitrag zur Erforschung individueller und damit auch gesellschaftsrelevanter Zustände zu leisten. Ein Auftrag, der für die reformatorischen Absichten der klassischen Avantgarde gleichermaßen von Bedeutung war wie für die architektonischen und sozialen Interventionsmodelle eines Buckminster Fuller. Dahingehend nutzte auch Friedrich Kiesler den Kunstraum, die Wohnraumarchitektur Endless House und andere Räume der alltäglichen Re-Präsentation als Experimentierfeld, um die aktuellen Bedürfnisse des Menschen zu eruieren und in seinen umfassenden Konzeptionen zu bearbeiten. Erfahrungen, die er im Zuge seiner Arbeiten fürs Theater erworben hatte, waren dabei von besonderer Bedeutung. Einerseits, weil dieses Metier den Umgang mit unterschiedlichen Ausdrucksformen der Kunst erfordert. Andererseits, weil das Theatralische mit seinen aktionistischen Tendenzen dem tatsächlichen Leben ein Äquivalent bietet. Andrea Zittel geht in ihrer Arbeit noch einen Schritt weiter, indem sie ihre Erkenntnisse aus der Performance der eigenen Lebenspraxis ableitet. Konsequent und sehr direkt werden diese in transmediale Kunstäußerungen eingearbeitet – die von Design, über Malerei und Architektur bis hin zu Film, Video und sozialen Initiativen reichen. Mit ihrer Wahl würdigt die internationale Jury ein Werk, das „für hervorragende Leistungen im Bereich der Architektur und der Künste, die den innovativen Auffassungen Friedrich Kieslers und seiner Theorien der ‘correlated arts’ entsprechen“ steht. An dieser Stelle sei den Juroren Hermann Czech, Bartomeu Marí Ribas, Lisa Phillips, Hani Rashid und Dietmar Steiner für ihre hervorragende Arbeit herzlichst gedankt. Unser besonderer Dank gilt dem diesjährigen Auslober des Kiesler-Preises, der Stadt Wien sowie dem New Museum für die Zusammenarbeit und die Möglichkeit, die diesjährige Verleihung in New York stattfinden zu lassen. Herzlichen Dank auch an all jene, die an der Ausstellung „Andrea Zittel_Künstlerarchitektin“ in der Kiesler Stiftung Wien mitgewirkt haben – allen voran Andrea Zittel, ihren Kolleginnen und Galerien, unseren Leihgebern und Sponsoren. Dieter Bogner Chairman of the Board Dieter Bogner Vorstandsvorsitzender Monika Pessler Director Monika Pessler Direktorin Decision of the Jury Andrea Zittel is a leading artist at mid-career, who is both influential and somewhat under-recognized. Based in Los Angeles and Joshua Tree, California, Zittel takes an expansive approach to art and space making, creating social sculptures that traverse boundaries between art, architecture, design and technology. The jury selected her primarily for her experimental and innovative work that has extended the dialogue of contemporary art and ideas. In the spirit of Frederick Kiesler, her work is both intellectual and yet deals with real life situations and occurrences. Frederick Kiesler depicted the process of subject and object actually approaching each other in numerous diagram sketches. Drawings of people in direct contact with an object, for instance a piece of furniture, indicate the proximity of the ideas behind his art works to spheres of our everyday experience. Friedrich Kiesler hält in zahlreichen schematischen Skizzen den Vorgang der tatsächlichen Annäherung von Subjekt und Objekt fest. Zeichnungen, die den Menschen in direktem Kontakt mit einem Gegenstand, zum Beispiel einem Möbel zeigen, verweisen auf die Nähe seiner künstlerischen Werkideen zu unseren alltäglichen Erfahrungsbereichen. Frederick Kiesler, Study for human perception, New York 1937-41, Ink on paper Friedrich Kiesler, Studie zur Wahrnehmung, New York 1937-41, Tinte auf Papier Zittel‘s sculptures and spatial installations transform everything necessary for life - such as eating, sleeping, bathing, and socializing - into artful experiments and scenarios for new ways of living. Influenced by early 20th century Modernist design and architecture, Zittel has orchestrated a one woman mock organization: A-Z Administrative Services, which develops products for consumers, with a simplicity and attention to order and social needs. She concentrates mainly on handcrafted solutions that respond to the day to day rhythms of the body and the creative need of people to adapt to the changing nature of life. This ‚social architecture‘ of Zittel is very much in line with Kiesler’s obsessions and preoccupations with the blurring between theater, life, space and unexpected juxtaposition. There is a strong tension in her work between inside and outside, between order and freedom, between the need for socializing and the need for retreat as well as between the need for collaboration and solitary reflection/individualism. Zittel has worked in an interdisciplinary way designing built structures, nomadic structures, modular living units, modular transport units, uniform dressing, advertising, and sculpture for social activities. Furthermore, she started and continues to run a creative think tank for artists called „High Desert Test Sites“ where she provides resources and materials for artists to make new projects and work collaboratively in the desert outside of Los Angeles. She also continually transforms and reinvents her relationship to her own domestic and social environment, making all of her own products from clothes to rugs to plates. Andrea Zittel is a leader in this arena, encouraging participatory experiences through experimental and experiential environments that address postindustrial life in the 21st century. Begründung der Jury Andrea Zittel ist eine bedeutende aufstrebende Künstlerin, die trotz ihres erst wachsenden Bekanntheitsgrades maßgeblichen Einfluss auf die Gegenwartskunst nimmt. Zittel lebt und arbeitet heute in Los Angeles und Joshua Tree, Kalifornien, und folgt in ihrem Werk einem umfassenden künstlerischen und raumbezogenen Ansatz. Ihre Sozialen Skulpturen überschreiten Grenzen zwischen Kunst, Architektur, Design und Technologie. Die Jury zeichnet Zittel für ihre experimentellen und innovativen Arbeiten aus, die über den vorherrschenden Dialog zeitgenössischer Kunst und Ideen hinausgehen und diesen bereichern. Ganz im Sinne Friedrich Kieslers kann auch Zittels Werk als ein intellektuelles bezeichnet werden, dem dennoch die Begebenheiten und Situationen des täglichen Lebens zu Grunde liegen. Hani Rashid, Hermann Czech, Dietmar Steiner, Bartomeu Marí, Lisa Phillips (f.l.t.r.), Photo: Robert Polster Members of the Jury 2012: Hermann Czech (AT), architect; visiting professor at the Hochschule für angewandte Kunst (Vienna), Harvard University (USA) or Cambridge (USA); numerous exhibitions including solo exhibitions in London and Basel Bartomeu Marí Ribas (ESP), Director of the Museum of Contemporary Art in Barcelona (MACBA); 1996–2002 director of Witte de With, Rotterdam; Curator of numerous exhibitions and the Spanish Pavilion at the 51st Venice Biennial (2005) Lisa Phillips (US), director of the New Museum of Contemporary Art in New York, international art critic and curator of numerous exhibitions, has authored over 20 publications and written articles for several journals and magazines Hani Rashid (US), architect and co-founder of Asymptote Architecture; has received numerous awards and recognition for visionary projects, Professor of Architecture at the Angewandte University of Applied Arts in Vienna since 2011 Dietmar Steiner (AT), director of the Architekturzentrum Wien, president of ICAM, architecture consultant on a number of juries and for a number of appraisals, many published articles on the topics of architecture and urban development In ihren Skulpturen und Rauminstallationen transformiert Zittel lebensnotwenige Alltagspraktiken – wie Essen, Schlafen, Baden und das Pflegen gesellschaftlicher Kontakte – in künstlerische Experimente und Szenarios neuer Lebensweisen. Beeinflusst vom Design und der Architektur der Moderne des 20. Jahrhunderts gründet Zittel eine konzeptuelle One-Woman-Organisation: A-Z Administrative Services, die den Konsumenten einfache Produkte zu Verfügung stellen, deren Funktion vor allem auf Ordnung und die Erfüllung sozialer Bedürfnisse gerichtet ist. Die Künstlerin konzentriert sich dabei vor allem auf handgefertigte Lösungen, die ihrer Ansicht nach den fortwährenden Rhythmen des Körpers und den kreativen Bedürfnissen des Menschen, sich an die ständig wechselnden Lebensumstände anzupassen, am ehesten entsprechen. Die Sozialen Architekturen Zittels erinnern sehr an Kieslers Obsessionen, an seine Beschäftigung mit Unschärfen zwischen Theater, Leben, Raum und unerwarteten Konstellationen, Verknüpfungen. Da herrschen starke Spannungsverhältnisse in Zittels Werk zwischen dem Innen und dem Außen, zwischen Ordnung und Freiheit, zwischen der Notwendigkeit von sozialem Austausch und dem Bedürfnis nach Rückzug sowie zwischen dem Verlangen nach Kollaboration und der Reflexion in Abgeschiedenheit. Zittels entwirft – stets einem interdisziplinäreren Ansatz verpflichtet – bauliche Gestaltungen wie nomadische Wohnwelten, modulare Transport- und Lebenseinheiten, uniforme Kleidungsstücke, Werbeformate und Skulpturen für soziale Aktivitäten. Im Zuge ihres Projekts High Desert Test Sites, ein von ihr initiierter Think Tank, stellt sie Ressourcen und Material für Künstler zur Verfügung, um gemeinsam mit diesen neue Projekte in der Wüste außerhalb Los Angeles zu realisieren. Zittel entwickelt ihr Verhältnis zu ihrer eigenen häuslichen und sozialen Umgebung stets weiter und erfindet diese dabei kontinuierlich neu. Die dafür erforderlichen Produkte stellt sie selbst her – von der Kleidung über Teppiche bis hin zu selbstgemachtem Geschirr. Andrea Zittels Schaffen, das durch experimentelle und empirisch geschaffene Lebenswelten partizipative Erfahrungen fördert, stellt eine der bedeutendsten aktuellen Positionen dar, die sich dem postindustriellen Leben des 21. Jahrhunderts widmen. Mitglieder der Jury 2012: Hermann Czech (AT), Architekt; Gastprofessuren u.a. an der Hochschule für angewandte Kunst (Wien), Harvard University (USA), in Cambridge (USA); zahlreiche Ausstellungen, darunter Einzelausstellungen in London und Basel Bartomeu Marí Ribas (ESP), Direktor des Museu d‘Art Contemporani de Barcelona (MACBA), 1996-2002 Direktor des Witte de With, Rotterdam, Kurator zahlreicher Ausstellungen, unter anderem des spanischen Pavillons auf der 51. Biennale in Venedig (2005) Lisa Phillips (US), seit 1999 Direktorin des New Museum of Contemporary Art in New York, international tätige Kuratorin und Kunstkritikerin, mehr als 20 internationale Publikationen, zahlreiche Artikel und Beiträge in Fachzeitschriften und Magazinen Hani Rashid (US), Architekt und Mitbegründer von Asymptote Architecture; zahlreiche Auszeichnungen und Preise im Bereich Architektur, seit 2011 Professur an der Universität für angewandte Kunst Wien Dietmar Steiner (AT), Direktor des Architekturzentrums Wien, Präsident von ICAM, ArchitekturConsultant für eine Vielzahl von Jurys und Gutachterverfahren, viele publizistische Arbeiten zu den Themen Architektur und Stadtentwicklung Andrea Zittel Artist-Architect Künstlerarchitektin “It is important that people understand the roles of different sorts of art spaces”1, says Andrea Zittel, winner of the Austrian Frederick Kiesler Prize for Architecture and the Arts in 2012. This succinct observation refers to the intrinsic nature of places that accommodate or exhibit art. It addresses the change in meaning of objects that may result from shifts of context. A work on sale at a gallery is subject to increasing commercial connotations. As a museum exhibit, on the other hand, the same object serves primarily to convey an idea or to form a theory. Considerations regarding the sense and purpose of presentation rooms immediately come to mind, above all with regard to those artistic expressions which become ingrained in – or are even generated from – our everyday environment. Zittel’s oeuvre naturally prompts this question as the main purpose of her works since the early 1990s has been to optimise her life-practice. Creating art for art’s sake goes against the artist’s tenets and very early on she began to harbour doubts about the established touchstones of art reception. It is not surprising, therefore, that she takes the intention of the classical avant-garde – of fusing art and life – as the yardstick for her own options of thinking and acting. Zittel’s work is not enough in itself, it is created with a view to utility and use. The parameter of demand thus becomes relevant for her production of goods. The aim is to identify the current necessities of existence so as adequately to influence the environment with the purpose of improving living conditions. Art proves helpful in this respect, being suited as it is to breaking down traditional patterns of perception and opening up new perspectives. The architect and artist Frederick Kiesler (1890–1965) always stressed the reality and utility of emotional and intellectual skills, too. To him, every kind of addition made or devised by people for people constitutes an instrument: “In this sense everything which man uses in his struggle for existence is a tool ... from shirts to shelter, from cannons to poetry, from telephones to painting.”2 Such an understanding lends art as such an operative character – and in this sense, it morphs into an instrument in the course of the creative process. As early as the end of the 1930s, Kiesler formulated the demand that increasing attention be given to the “human environment”, which includes man and all of his constantly changing needs. Only after scrutinising the current state is it possible, he maintains, to cater effectively for socio-cultural dispositions. Kiesler refers to the field of intervention designated for this purpose as the “technological environment”, which is created by man to safeguard life and to optimise living standards. Moreover, in his writings he introduced the technical term “tool”, thus coining the concept that links his theory to his practical ideas. According to Kiesler, an idea is put into practice with the aid of the instrument art or, in other words: the artistic vision assumes form, becomes manifest and usable in the range of activity of the “technological environment”.3 The common interest in our everyday reality is an obvious link between the work of Andrea Zittel and Frederick Kiesler. The attitude of these artist-architects towards the aforementioned problem of presentation rooms also suggests a congruence. For both, the appropriate place for art is the place where art can unfold its genuine effect. That is to say, the essence of the work, its nature refers to the place of its intended purpose (!). Just as Frederick Kiesler felt it important to analyse current situations, questioning conventional design in his “Laboratory for Design Correlation” at Columbia University, so too are Andrea Zittel’s critical works informed by the demands of life. Her art can thus equally be found in supposedly profane places. In fact, the artist furnishes places (for herself) that serve, as it were, as a place to live and as business premises, as a studio and as a scientific laboratory, for example A-Z Raugh Dishless Dining Table, 1999; Cover, 1994; A-Z Time Trials, Note #8 and Note #11, 2000 (Exhibition View) F. Kiesler, 1947, Correalistic instrument, Study A-Z East in Brooklyn or A-Z West on the west coast of America: “By extension I like to think that A-Z West will one day become a site of experienced-based learning: an Institute of Investigative Living.”4 All other forms of presenting her objects – in galleries, museums and the like – fulfil tasks that transcend the causal intentions of making works. The exhibition “Andrea Zittel _ Artist-architect” at the Kiesler Foundation Vienna is one example of this. Sufficient Self, a diary projected here in Power Point format, gives insights into Andrea Zittel’s life and that of her friends and colleagues. The series of photos and text passages strung together in the form of a documentation sketch out an impressive scenario of the living and working conditions, the neighbourhood, and the situations in terms of landscape and climate at A-Z West in Joshua Tree, California. The documentation reads like a report describing the main steps in developing new prototypes for living. For years, Zittel has been working on developing separate elementary functional units for the institution which, once implemented, will actually become effective there. Her “intimate universe”, as the artist calls it, comprises her private residence, a guest house, a studio/shop facility, storage units, and a shipping container compound. Despite – or perhaps precisely because of its exposed location – it is a shelter and a communication platform. Regularly updated on the Web5, the rest of the world can share in the (artistic) action taking place on site. Contrasting this report with the other exhibits, the difference between representation and authentic experience becomes apparent once again. Being familiar with the medium of digital reproduction, the viewers feel that they are actually involved in the art action. Whereas the other works, although partly hand-made, do not convey this semblance of authenticity. The objects Raugh Dishless Dining Table and A-Z Personal Panels turn out here to be “depictors” of an idea, fitting in as if seamlessly with the Foundation’s small museum setting. Each of these objects is seen as a reference to an underlying, indeed overlying, concept of art and life that has already been realised and has taken place elsewhere. Although detached from their original functional context, Raugh Dishless Dining Table and A-Z Personal Panels can clearly be verified as items of practical use. A fact that vastly enhances the narrative quality of the exhibits, as the pure representation of their use becomes an integral part of their perception. The Raugh Dishless Dining Table installation, with indentations instead of plates for meals, tempts the viewer to imagine how it might actually be used. As a result, while contemplating the art, not only do we consider the aesthetic components of the design, but also the advantages and disadvantages of using it. The same goes for the two pinafores in A-Z Personal Panels, both of the same cut, but made of different fabrics. The reduction of form – a homage to classical modernist constructivists – not only testifies to Zittel’s endeavours to focus A-Z Clocks, 1994 (Exhibition View) design on essential aspects. On a close parallel to this, using these objects also promises to make the daily search for suitable clothes easier. Andrea Zittel already began to adapt her immediate environment to her personal preferences and circumstances in the 1990s. Multifunctional furniture creations (A-Z Pit Beds) and condensed dwellings (A-Z Living Units) allow the inhabitants to go about their daily doings in a very small space. For Zittel, explicitly functional three-dimensional designs constitute a kind of liberation from traditional notions of art and academic codes. Kiesler also tested his visions in the form of model-like sculptures: in the 1940s, he used exhibition displays to verify his theories about perception; furniture such as the Correalistic Instrument, Rocker and Party Lounge allowed a host of possible uses; in the 1950s and 1960s, walk-in objects morphed into “Sculptures Meant To Be Lived In”6, culminating in the architectural designs for an Endless House. Kiesler documented these conceptions in countless drawings, thus progressing them and himself. Comparably, Andrea Zittel’s gouaches are inscribed as an accompanying subtext in her work.7 The works often feature personal comments which, as in Sufficient Self, are reminiscent of diary entries that make us witness to artistic selfreflection. Counteracting this, the picture which the artist draws of herself seems impersonal. With her stylised appearance, the woman depicted is more like something out of an advert. The exciting alternation of intimacy and aloofness is typical of this oeuvre and underlies most of Zittel’s works. The striking formulations of her messages reveal that it is not about proclaiming ultimate truths or results, but rather offering solutions that can be seen as interim results of a work in progress. The focus of the analyses remains chiefly on the structural conditions which condition and order our lives. “If physical structures are an identifiable form of social control, then the less visible invention of time is an even more penetrating one”, she claims8, taking the customary division of the day into twenty-four hours as the basis for determining her own, new division of time. In 1994, she tested a daily schedule closely connected with certain activities based on five different clocks. Each of these timepieces is assigned a special function. The two- and four-hour clocks are used to plan tasks. The eighthour clock displays those time slots earmarked for work (production), leisure (reproduction) and rests. The twenty-four-hour clock provides a reference to the usual measurement of time, and the one-week clock (168 hours) indicates tasks that need to be performed less often (going to the post office or official errands, refuse disposal, etc.). Subsequently, the artist attempted to do completely without any hourly division – see A-Z Time Trials Note #8 and Note #9. She lived for one week without a clock and without natural light in order to find out her own personal sense of time. The aim of the experiment was to discover whether it is possible to achieve greater freedom by sticking to one’s own inner rhythm for a prolonged period.9 To what extent content and form influence each other also becomes the research subject in the physical meeting of two seemingly abstract works from 2011. Single Strand Forward Motion covers the wall work Tellus Interdum like a projection. The latter consists of wallpapered newspapers whose content was replaced and thus effaced by filler text (lorem ipsum). As a result of this manipulation (used chiefly by graphic designers to check layout), the reporting format becomes the sole information-carrier. As Andrea Zittel says: “Information in the media is likewise packaged into consumable blocks of content, which like time, can be turned into a loose grid of interchangeable components.”10 The modular division of this installation inimitably combines with the crocheted black strip of wool Single Strand Forward Motion that extends across Tellus Interdum. By strictly following the manufacturing principle of crocheting, the unchanging intertwining of horizontal and vertical threads, Zittel explores the potential of the given canon of rules, drawing our attention once again to the power of structural conditions. As with Kiesler, Zittel’s work is also based on the realisation of the “interrelation of form and function with structure”11. In this way she succeeds not only in emphasising and making us aware of what lies behind the world that is perceptible by the senses. Andrea Zittel’s special achievement lies in her ability to portray individual conditions credibly and comprehensibly without ever being dogmatic. Moreover, she combines her personal experience with social issues in such a way that you can hardly avoid recognising the universal validity of the questions she raises. Monika Pessler Tellus Interdum, 2011 and Single Strand Forward Motion, 2011; A-Z Personal Panels 1995-1998 (Exhibition View) Notes: Andrea Zittel, in: Lay of My Land, Magasin 3, Stockholm Konsthall, Munich 2011, p. 17. 2 Frederick Kiesler, On Correalism and Biotechnique. A Definition and Test of a New Approach to Building Design, in: Architectural Record, 86/3, September 1939, p. 63. 3 Cf.: Siehe dazu: Monika Pessler, Le modèle de « l’espace artistique » – les révisions spatiales de Frederick Kiesler. Ligeia, Dossier: Art et Espace, XX° Anée, N° 73-74-75-76 Janvier-Juin 2007. 4 Andrea Zittel, in: Lay of My Land, Magasin 3, Stockholm Konsthall, Munich 2011, p. 21. 5 Cf: www.zittel.org6 Meant To Be Lived In, in: LIFE Magazine, May 1952. 7 Cf.: Theodora Vischer, Andrea Zittel. Gouachen und Illustrationen, Steidl, 2008. 8 Ibid. 9 Cf.: Rainald Schumacher, How do I get inside a Trojan Horse? A-Z Administrative Services – An Institute of Investigative Living, Ed. Ingvild Goetz, Rainald Schumacher/Collection Goetz, Kunstverlag Ingvild Goetz G.m.b.H., 2003, S. 63 ff. 10 Andrea Zittel, in: exhibition press release, Pattern of Habit, Sprüth Magers Berlin, 2011. 11 Frederick Kiesler, On Correalism and Biotechnique, 1939, p. 66. 1 A-Z Fiber Form Grid, 2011 © Sprüth Magers Berlin London, Foto: Jens Ziehe „Es ist wichtig, die unterschiedlichen Funktionen diverser Kunsträume zu verstehen“1, meint Andrea Zittel, Preisträgerin des Österreichischen Friedrich KieslerPreises für Architektur und Kunst 2012. Mit dieser lapidaren Feststellung bezieht sie sich auf die inhaltliche Bestimmung von Orten, die Kunst bergen oder diese ausstellen. Damit ist der Bedeutungswandel von Objekten angesprochen, der sich durch kontextuelle Verschiebungen ergeben kann. Ein Werk, das in einer Galerie zum Verkauf steht, unterliegt verstärkt kommerziellen Konnotationen, derselbe Gegenstand als Museumsstück dient hingegen vorwiegend der Vermittlung einer Idee oder der Theoriebildung. Überlegungen zu Sinn und Zweck von Präsentationsräumen drängen sich vor allem im Hinblick auf jene künstlerischen Äußerungen auf, die sich in unser alltägliches Umfeld einschreiben oder sich gar aus diesem generieren. Zittels Werk provoziert diese Fragestellung geradezu, da ihre Arbeiten seit den frühen 1990er Jahren vor allem der Optimierung ihrer Lebenspraxis geschuldet sind. Ars gratia artis herzustellen, widerstrebt der Künstlerin und nährt in ihr schon früh Zweifel an den etablierten Maßstäben der Kunstrezeption. Daher ist es nicht verwunderlich, dass sie die Intention der klassischen Avantgarde – Kunst und Leben in eins zu setzen – als Maßstab für die eigenen Denk- und Handlungsoptionen heranzieht. Zittels Werk genügt sich nicht selbst, sondern entsteht im Hinblick auf Nutzen und Gebrauch. Für ihre Güterproduktion gewinnt daher der Parameter Bedarf an Relevanz. Es gilt, die aktuellen Notwendigkeiten des Daseins zu eruieren, um auf die Umwelt adäquat und im Sinne einer Verbesserung der Lebensumstände Einfluss zu nehmen. Kunst erweist sich dabei als hilfreich, da sie geeignet ist, tradierte Wahrnehmungsmuster aufzubrechen und neue Perspektiven zu eröffnen. Auch der Architekt und Künstler Friedrich Kiesler (1890-1965) betonte stets den Realitäts- und Werkzeugcharakter emotionaler und intellektueller Fähigkeiten. Für ihn stellte jede Art der Ergänzung, die von Menschen für Menschen gemacht oder erdacht ist, ein Instrument dar: „In this sense everything which man uses in his struggle for existence is a tool ... from shirts to shelter, from cannons to poetry, from telephones to painting.“2 Eine solche Auffassung verleiht der Kunst an sich operativen Charakter – so verstanden, mutiert sie im Zuge des kreativen Prozesses zum Instrument. Schon Ende der 1930er Jahre formulierte Kiesler die Forderung, dass dem „human environment“, welches den Menschen mit all seinen sich ständig ändernden Bedürfnissen erfasst, verstärkt Beachtung zu schenken sei. Erst nach einer eingehenden Begutachtung des Ist-Zustands sei es möglich, auf sozio-kulturelle Befindlichkeiten effektiv einzugehen. Das dafür vorgesehene Interventionsfeld bezeichnete Kiesler als „technological environment“, welches vom Menschen geschaffen wurde, um Leben zu sichern und Lebensstandards zu optimieren. In seinen Schriften führte er zudem den Terminus technicus „Tool“ ein und kreierte damit jenes begriffliche Bindeglied, das seine Theorie mit seinen praktischen Vorstellungen verknüpft. Laut Kiesler erfolgt der Vollzug einer Idee durch das Instrument Kunst, oder mit anderen Worten: Im Tätigkeitsradius des „technological environment“ nimmt künstlerische Vision Gestalt an, wird manifest und brauchbar.3 Das geteilte Interesse an unserer Alltagsrealität stellt eine evidente Verbindung zwischen dem Werk von Andrea Zittel und Friedrich Kiesler her. Ebenso lässt die Haltung dieser Künstlerarchitekten eine Übereinstimmung hinsichtlich der eingangs erwähnten Problematik der Präsentationsorte vermuten. Für beide ist der für Kunst geeignete Ort jener, an dem die Kunst ihre genuine Wirkung entfalten kann. Das heißt das Wesen des Werkes, seine Natur verweist auf den Ort seiner Bestimmung (!). So wie Friedrich Kiesler auf die Analyse aktueller Situationen Wert legte und in seinem „Laboratory for Design Correlation“ an der Columbia University herkömmliches Design in Frage stellte, so sind auch Andrea Zittels kritische Arbeiten von den Anforderungen des Lebens geprägt. Daher ist die Wirkungsstätte ihrer Kunst auch an vermeintlich profanen Orten zu suchen. Tatsächlich richtet (sich) die Künstlerin Orte ein, die wie das A-Z East in Brooklyn oder das A-Z West an der Westküste Amerikas gleichermaßen als Wohnort wie auch als Geschäftsstelle, als Atelier und als wissenschaftliches Labor fungieren: „By extension I like to think that A-Z West will one day become a site of experienced-based learning: an Institute of Investigative Living.“ Alle weiteren Formen der Präsentation ihrer Objekte – in Galerien, Museen und dergleichen – erfüllen Aufgaben, die über die ursächlichen Absichten der Werkproduktion hinausgehen. Dies belegt unter anderem auch die Ausstellung „Andrea Zittel _ Künstlerarchitektin“ in der Kiesler Stiftung Wien. Sufficient Self, ein hier im Power Point-Format ausgestrahltes Tagebuch, eröffnet Einblicke in Andrea Zittels Leben und das ihrer Freunde und Kollegen. Die dokumentarisch aneinander gereihten Foto- und Textpassagen entwerfen ein eindrückliches Szenario von den Wohn- und Arbeitsverhältnissen, von der Nachbarschaft sowie der landschaftlichen und klimatischen Situation des A-Z West in Joshua Tree, Kalifornien. Die Dokumentation liest sich wie ein Erfahrungsbericht, der die wesentlichen Entwicklungsschritte neuer Prototypes for living protokolliert. Seit Jahren arbeitet Zittel an der Entwicklung einzelner elementarer Funktionseinheiten der Institution, die einmal implementiert dort auch zur Wirkung gelangen. Ihr „intimes Universum“, wie die Künstlerin es nennt, umfasst ihren persönlichen Wohn- sitz, ein Gästehaus, Werk- und Geschäftsanlagen sowie Lager- und Versandstätten. Es ist trotz – oder vielleicht gerade aufgrund seiner exponierten Lage – Anlaufstelle und Kommunikationsplattform. Kontinuierliche Updates via Web5 lassen auch den Rest der Welt am (Kunst-)Geschehen vor Ort teilhaben. Stellt man diesen Bericht den anderen Exponaten gegenüber, wird der Unterschied zwischen Repräsentation und authentischem Erleben noch einmal augenscheinlich. Da uns die mediale Aufbereitung der digitalen Wiedergabe vertraut ist, wird den Betrachterinnen und Betrachtern suggeriert, am Kunstgeschehen beteiligt zu sein. Wohingegen die anderen Arbeiten, wenngleich sie teilweise von Hand gefertigt sind, einen derartigen Anschein von Authentizität nicht vermitteln. Die Objekte Raugh Dishless Dining Table und A-Z Personal Panels erweisen sich hier als die „Abbilder“ einer Idee und fügen sich dahingehend wie selbstverständlich in das kleine museale Ambiente der Stiftung. Jeder dieser Gegenstände wird als Referenz auf ein dahinterliegendes, ja übergeordnetes Kunst- und Lebenskonzept aufgefasst, welches andernorts längst verwirklicht wurde und stattgefunden hat. Sufficient Self, 2004 (Videostill) Friedrich Kiesler, auf Correalismus Chart, 1937, Foto: Ben Schnall Obwohl ihrem ursprünglichen Funktionszusammenhang enthoben, können Raugh Dishless Dining Table und A-Z Personal Panels eindeutig als Gebrauchsgegenstände verifiziert werden. Ein Umstand, der die narrative Qualität der Ausstellungsstücke enorm steigert, da die reine Vorstellung ihrer Verwendung zum integralen Bestandteil ihrer Wahrnehmung wird. Die Installation des Raugh Dishless Dining Table, dessen Platte anstatt mit Geschirr mit Mulden für Essen versehen ist, verführt die Betrachterinnen und Betrachter geradezu, seine praktische Anwendung mitzudenken. So werden im Laufe der Kunstrezeption nicht nur die ästhetischen Komponenten des Designs thematisiert, sondern auch die Vor- und Nachteile seiner Nutzung. Entsprechendes gilt für die zwei Kleiderschürzen der A-Z Personal Panels, die vom selben Schnitt sind, jedoch aus unterschiedlichen Stoffen hergestellt. Die Reduktion des Formenvokabulars – eine Hommage an konstruktivistische Vorbilder der klassischen Moderne – zeugt nicht nur von Zittels Bestreben sich in der Gestaltung auf Wesentliches zu konzentrieren. In enger Parallelführung dazu, verspricht auch der Gebrauch dieser Stücke Erleichterung im Hinblick auf die tägliche Suche nach dem passenden Gewand. Schon in den 1990er Jahren beginnt Andrea Zittel, ihr unmittelbares Lebensumfeld den persönlichen Vorlieben und Lebensumständen anzupassen. Kreationen von multifunktionalem Mobiliar (A-Z Pit Beds) und komprimierten Wohneinheiten (A-Z Living Units) ermöglichen es, auf engstem Raum alltäglichen Verrichtungen nachzugehen. Plastische Gestaltungen, die durch Zweckmäßigkeit bestechen, stellen für Zittel eine Art der Befreiung von tradierten Kunstvorstellungen und akademischen Codierungen dar. Auch Kiesler erprobte seine Visionen an modellhaften Skulpturen: In den 1940ern dienten Ausstellungsdisplays der Überprüfung seiner Wahrnehmungstheorien, Möbel wie das Correalistische Instrument, Rocker und Party Lounge boten eine Vielzahl von Verwendungsmöglichkeiten, in den 1950er und 1960er Jahren mutierten begehbare Objekte zu „Sculptures Meant To Be Lived In“6 und gipfelten schlussendlich in den architektonischen Entwürfen eines Endless House. Kiesler dokumentiert diese Konzeptionen in zahllosen Zeichnungen und treibt diese sowie sich selbst damit voran. Damit vergleichbar sind Andrea Zittels Gouachen ihrem Werk wie ein begleitender Subtext eingeschrieben.7 Die Tafeln sind häufig mit persönlichen Kommentaren versehen, die wie bei Sufficient Self an Tagebucheintragungen erinnern und uns zu Zeugen der künstlerischen Selbstreflexion werden lassen. Konterkarierend A-Z Raugh Dishless Dining Table, 1999 (Ausstellungsansicht) Tellus Interdum, 2011 und Single Strand Forward Motion, 2011; A-Z Personal Panels 1995-1998 (Ausstellungsansicht) dazu erscheint das Bild, das die Künstlerin von sich zeichnet, unpersönlich. Die dargestellte Frau ähnelt in ihrer stilisierten Erscheinung eher einem Werbesujet. Der spannungsvoll inszenierte Wechsel zwischen Intimität und Distanz ist typisch für dieses Werk und liegt den meisten Arbeiten Zittels zugrunde. Die plakativen Formulierungen ihrer Botschaften geben zu erkennen, dass es nicht darum geht, ultimative Wahrheiten und Ergebnisse zu verkünden, sondern Lösungen zu offerieren, die als Zwischenergebnisse eines Work-in-Progress aufzufassen sind. Der Fokus der Auseinandersetzungen bleibt dabei vorwiegend auf die strukturellen Verhältnisse gerichtet, die unser Leben bedingen und ordnen. „Wenn physische Strukturen eine identifizierbare Form sozialer Kontrolle sind, dann ist die weniger sichtbare Erfindung der Zeit eine noch durchdringendere“, meint sie8 und nimmt die herkömmliche Einteilung des Tages in vierundzwanzig Stunden zum Anlass, eine neue, eigene Zeitgliederung zu ermitteln. 1994 wird der eng mit bestimmten Handlungen verwobene Ablauf eines Tages anhand fünf verschiedener Uhren getestet. Jedem dieser Messgeräte wird eine spezielle Funktion zugeordnet. Die Zwei- und die Vier-Stunden-Uhren werden zur Planung von Aufgaben herangezogen. Die Acht-Stunden-Uhr zeigt jene Zeitfenster an, die für Arbeit (Produktion), Freizeit (Reproduktion) und Ruhephasen vorgesehen sind. Die 24-Stunden-Uhr stellt den Bezug zur üblichen Zeitmessung her, und die Ein-Wochen-Uhr (168 Stunden), kennzeichnet Aufgabenbereiche, die seltener zu erledigen sind (Post- und Amtswege, Müllentsorgung u. dgl.). In weiterer Folge unternimmt die Künstlerin den Versuch, sich einer konkreten Stundeneinteilung gänzlich zu entziehen – siehe A-Z Time Trials Note #8 und Note #9. Sie verlebt eine Woche ohne Uhr und ohne natürliches Licht, um dem persönlichen Zeitempfinden nachzuspüren. Das Experiment soll klären, ob sich größere Freiheit durch ein längerfristiges Beibehalten des eigenen, inneren Rhythmus erzielen lässt.9 Inwiefern Inhalt und Form einander beeinflussen, wird auch in der räumlichen Übereinkunft zweier abstrakt anmutender Werke von 2011 zum Forschungsgegenstand erhoben. Single Strand Forward Motion legt sich wie eine Projektion über die Wandarbeit Tellus Interdum. Letztere besteht aus tapezierten Zeitungen, deren Inhalte durch einen Blindtext (Lorem Ipsum) ersetzt und damit ausgelöscht wurden. Durch diesen Eingriff (der vornehmlich von Grafikern durchgeführt wird, um das Layout zu prüfen) avanciert das Format der Berichterstattung zum alleinigen Informationsträger. Andrea Zittel dazu: „Auch die Informationen in den Medien sind Andrea Zittel_Künstlerarchitektin (Ausstellungsansicht) zu konsumierbaren Blöcken voller Inhalt geformt, die wie Zeit in ein loses Raster mit austauschbaren Komponenten verwandelt werden können.“10 Die modulare Gliederung dieser Installation verbindet sich auf unnachahmliche Weise mit dem gehäkelten schwarzen Band Single Strand Forward Motion, das sich über Tellus Interdum erstreckt. Indem Zittel strikt dem Herstellungsprinzip des Häkelns folgt, der immer gleichen Verschränkung von horizontalen und vertikalen Fäden, lotet sie das Potential des vorgegebenen Regelkanons aus und lenkt unsere Aufmerksamkeit noch einmal auf die Wirkungsmacht struktureller Verhältnisse. Wie bei Kiesler basiert auch Zittels Arbeit auf der Erkenntnis der „inter-relation of form and function with structure“12. Dadurch gelingt es ihr nicht nur, das hinter der sinnlich erfahrbaren Welt Liegende hervorzuheben und in unser Bewusstsein zu rufen. Andrea Zittels besondere Leistung liegt in ihrem Vermögen, individuelle Zustände glaubhaft und nachvollziehbar zu schildern, ohne dabei jemals dogmatisch zu sein. Darüber hinaus verknüpft sie ihr persönliches Erleben mit gesellschaftsrelevanten Anliegen und zwar derart, dass man kaum umhin kommt, die Allgemeingültigkeit ihrer Fragestellungen anzuerkennen. Monika Pessler A-Z Time Trials, Note #8, 2000 © Sammlung Goetz, Foto: Wilfried Petzi Biography Anmerkungen: It is important that people understand the roles of different sorts of art spaces, Andrea Zittel, in: Lay of My Land, Magasin 3, Stockholm Konsthall, Prestel Verlag, München 2011, S. 17. (Ausst. Kat.) 2 Friedrich Kiesler, On Correalism and Biotechnique. A Definition and Test of a New Approach to Building Design, in: Architectural Record, 86/3, September 1939, S. 63. 3 Siehe dazu: Monika Pessler, Le modèle de « l’espace artistique » – les révisions spatiales de Frederick Kiesler. Ligeia, Dossier: Art et Espace, XX° Anée, N° 73-74-75-76 Janvier-Juin 2007. 4 Andrea Zittel, in: Lay of My Land, Magasin 3, Stockholm Konsthall, Prestel Verlag, München 2011, S. 21. (Ausst. Kat.) 5 Siehe dazu: www.zittel.org 6 Meant To Be Lived In, in: LIFE Magazine, Mai 1952. 7 Siehe dazu: Theodora Vischer, Andrea Zittel. Gouachen und Illustrationen, Steidl, 2008. 8 Ebenda. 9 Siehe dazu: Rainald Schumacher, Wie gelange ich ins Innere eines trojanischen Pferdes? A-Z Administrative Services – An Institute of Investigative Living, Hg. Ingvild Goetz, Rainald Schumacher/ Sammlung Goetz, Kunstverlag Ingvild Goetz G.m.b.H., 2003, S. 15 ff. 10 Andrea Zittel, in: Pressemitteilung zur Ausstellung, Pattern of Habit, Sprüth Magers Berlin, 8. Juni – 10. September 2011. 11 Friedrich Kiesler, On Correalism and Biotechnique, 1939, S.66. F Andrea Zittel was born in Escondido, California, in 1965. She graduated from San Diego State University in 1988, obtaining a BFA in “Painting and Sculpture” and an MFA in “Sculpture” from Rhode Island School of Design in 1990. After studying, Andrea Zittel moved to New York, where she decided to redefine the role of the contemporary artist. She refers to her work as “non-creative”: instead of creating what are to her useless objects, she repairs things that she finds on the street, she also rears bantams, house-flies and quails. Zittel founded her artistic company A-Z (later A-Z East), which serves as both a showroom and laboratory, in a small terraced house in Brooklyn. In order to combat isolation in the midst of the city, she began to integrate artists and neighbours into the company as of 1996. Andrea Zittel decided to divest herself of the fashionable constraints of existence and designed A-Z Personal Uniforms. Since then, she designed one uniform for the cold season and one for the warm season every year. Following the Russian constructivists, she later began to reduce the clothes to a combination of rectangular strips of fabric, calling them A-Z Personal Panels. A to Z Ottoman Furniture: Set II, 1994 © Andrea Zittel A-Z Time Trials, Note #11, 2000 © Sammlung Goetz, Foto: Wilfried Petzi Biografie Andrea Zittel wird 1965 in Escondido, Kalifornien, geboren. 1988 schließt sie ihr Studium an der San Diego State University mit einem BFA in „Painting and Sculpture“ ab, 1990 erlangt sie einen MFA in „Sculpture“ an der Rhode Island School of Design. Nach dem Studium zieht es Andrea Zittel nach New York, wo sie sich entschließt, die Rolle des Gegenwartskünstlers neu zu definieren. Ihre Arbeit bezeichnet sie als „non-creative“: Statt in ihren Augen unnütze Dinge zu erschaffen, repariert sie Fundstücke von der Straße und übt sich in der Aufzucht von Zwerghühnern, Stubenfliegen und Wachteln. In einem kleinen Reihenhaus in Brooklyn gründet Zittel ihr künstlerisches Unternehmen A-Z (später A-Z East), welches als Showroom und zugleich als Labor dient. Um der Vereinsamung inmitten der Großstadt entgegenzuwirken, werden ab 1996 Künstler und Nachbarn in das Unternehmen integriert. Andrea Zittel beschließt, sich der modischen Zwänge des Daseins zu entkleiden, und entwirft A-Z Personal Uniforms. Fortan gestaltet sie jährlich jeweils eine Uniform für die kalte und eine für die warme Jahreszeit. In Anlehnung an die russischen Konstruktivisten werden die Kleidungsstücke später auf eine Kombination von rechteckig zugeschnittenen Stoffbahnen reduziert und als A-Z Personal Panels bezeichnet. Die zweite Hälfte der 1990er Jahre verbringt die Künstlerin vermehrt auf Reisen A-Z West Dining Room, 2010, Photo: Giovanni The artist spent more and more time travelling around America and to Europe during the latter half of the 1990s. The question as to the significance of contemporary art production began to play an increasingly important role. Andrea Zittel’s move to the Californian desert nearby Los Angeles in 2000 ushered in a new stage in her life. She purchased a piece of land in Joshua Tree with a deserted homestead cabin and founded A-Z West. Zittel’s main endeavour was to develop a new building technology in order to adjust better to the desert climate. She pulped waste paper, using it to cast decorative wall panels, seeing this form of artistic action as a kind of (land) cultivation. A-Z West still is Andrea Zittel’s home, studio and inspiration. She also reflected on the “living” experiment in such works as Indy Island, which was commissioned by the Indianapolis Museum of Art in 2010. For the “100 Acres” Art and Nature Park, Zittel created a little floating island that can be individually adapted by its temporary inhabitants. The temporary hosts make the artwork accessible to the public and record their experiences in blogs. A-Z Homestead Unit II, Regen Projects, 2004, Foto: Jessica Eckert Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler-Privatstiftung Austrian Frederick and Lillian Kiesler Private Foundation Loans Leihgaben Private Collection/Privatsammlung: Filling – System – Joshua Tree, 2004 (Gouache on paper/Gouache auf Papier) A-Z Fiber Form Grid, 2011 (Hand felted black wool /Handgefilzte schwarze Wolle) A-Z Cover, 1994 (Velvet, loden, cotton/Samt, Loden, Baumwolle) Sprüth Magers Berlin London: Single Strand Forward Motion, 2011 (Wool, mohair/Wolle, Mohair) Tellus Interdum, 2011 (Newsprint printed at High Desert Star in Yucca Valley/Zeitungspapier, gedruckt bei High Desert Star in Yucca Valley) Collection Goetz/Sammlung Goetz A-Z Clocks, 1994 (Wall installation/Wandinstallation) A-Z Time Trials, Note #8 and/und Note #11, 2000 (Gouache/plywood/Gouache/Sperrholz) A-Z Personal Panel (Light Blue), 1995-1998 A-Z Personal Panel (Grey Taffeta with Black Velvet Ribbon), 1995-1998 A-Z Raugh Dishless Dining Table, 1999 A-Z West Indy Island, Indianapolis, 2009 © Andrea Zittel durch Amerika und nach Europa. Die Frage nach der Bedeutung zeitgenössischer Kunstproduktion gewinnt dabei zunehmend an Bedeutung. Andrea Zittels Umzug in die kalifornische Wüste bei Los Angeles im Jahr 2000 leitet einen neuen Abschnitt in ihrem Leben ein. Sie erwirbt ein Stück Land in Joshua Tree mit einer verlassenen Unterkunft, einer so genannten „Homestead Cabin“, und gründet dort A-Z West. Zittels erstes Bestreben gilt der Entwicklung einer neuen Gebäudetechnologie, um sich dem Wüstenklima besser anpassen zu können. Sie verarbeitet Papierabfall zu einem Brei, aus dem sie dekorative Wandpanele gießt, und versteht diese Form künstlerischen Handelns als eine Art der (Land-) Bewirtschaftung. A-Z West dient Andrea Zittel bis heute als Wohnsitz, Studio und Inspiration. Das Experiment „Wohnen“ wird auch in Arbeiten wie Indy Island, welches vom Indianapolis Museum of Art 2010 beauftragt wurde, reflektiert. Für den “100 Acres“ Art and Nature Park kreiert Zittel eine kleine schwimmende Insel, die von zeitweilig dort lebenden Bewohnern individuell adaptiert werden kann. Die temporären Gastgeber machen das Kunstwerk der Öffentlichkeit zugänglich und halten ihre Erfahrungen in Blogs fest. Provided by/zur Verfügung gestellt von der Andrea Rosen Gallery, New York: Sufficient Self, 2004 (Power Point-technical support/technische Bearbeitung: h.a.s.i.-films international) Thanks to Dank an Andrea Zittel, Tatiana Vahan, Anja Trudel, Monika Spruth, Stephanie Simmons, Dietmar Steiner, Andreas Stadler, Samantha Sheiness, Rainald Schumacher, Jennie Sears, Andrea Rosen, Hani Rashid, Lisa Phillips, Marianne Parsch, Patricia Pallauf, Jason McCoy, Bartomeu Marí Ribas, Philomene Magers, Andreas Mailath-Pokorny, Catherine Lucchesi, Heather Harmon, Teneille Haggard, Ingvild Goetz, Stefan Flunger, Marius Ertelt, Jessica Eckert, Yasaman Djunic, Massimo De Carlo, Pauline Daly, Hermann Czech, Laurel Bybee, Birgit Brodner, Gertraud und Dieter Bogner, Daniel Becker, Oda Albera Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler-Privatstiftung Austrian Frederick and Lillian Kiesler Private Foundation Founders and Donors Stifter und Förderer Bundesministerium für Unterricht, Kunst und Kultur Bundesministerium für Wissenschaft und Forschung Kunstsektion/Bundesministerium für Unterricht, Kunst und Kultur Kulturabteilung der Stadt Wien Oesterreichische Nationalbank UniCredit Bank Austria AG BAWAG PSK Gruppe Österreichische Lotterien Wittmann Möbelwerkstätten Wiener Städtische Versicherung AG Hannes Pflaum John Sailer Gertraud Bogner Dieter Bogner Board of Directors Vorstand Dieter Bogner (Head of the Board/Vorsitzender) Birgit Brodner Thomas Drozda Andrea Ecker Sylvia Eisenburger Michael P. Franz Monika Hutter Barbara Weitgruber Director Direktorin Monika Pessler Archive/curatorial assistance Archiv/Kuratorische Assistenz Gerd Zillner Jill Meißner Administration Christine Pollaschek Imprint/Impressum ISBN 978-3-9503308-3-0 Proprietor/Medieninhaber Austrian Frederick and Lillian Kiesler Private Foundation Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler-Privatstiftung [email protected] Editor and responsible for content/Herausgeber und für den Inhalt verantwortlich Monika Pessler, Kiesler Foundation Vienna/Kiesler Stiftung Wien Texts/Texte: by the authors/bei den Autoren Unless otherwise indicated, images are/Bildnachweis falls nicht anders angegeben © Daniel Hafer Graphic adaption/grafische Bearbeitung: Katrin Suppick Translation/Übersetzung Richard Watts Production/Herstellung Schreier & Braune G.m.b.H.