Tudo flui - Günter Braunsberg

Transcrição

Tudo f lui
Tudo f lui
2
Tudo flui
20 ANOS PONTE CULTURA
(INSCRITA NO REGISTRO DAS ASSOCIAÇÕES ALEMÃS)
4
Indice
008
Passado, Presente –
Futuro
Peter Stüve
010
Arte e Vida
064
Amor
Alícia Pardo
Fernanda Amalfi
Berit Klasing
Leila de Sarquis
072
Fonte /Infância
TEVAUHA
Diego Ponder
Pat Woolham
Claudia Vilar
Siegbert Franklin
080
Rio/Adolescência
Damara Bianconi
Margot Delgado
Bruno Weiß
Maria Villares
Marianne Stüve
Hugo Fortes
Paloma Perez
092
Agua =Vida/Seca = Morte
Sarah Wood und Benoît Flamand
Selma Daffré
Meire Guerra
Marianne Stüve
Stefani Peter
Lise Lobato
Coca Rodriguez
Helena Carvalhosa
Siegbert Franklin
TEVAUHA
Herbert Rolim
Renate Gehrcke
Berit Klasing
Monique Weissmüller
Tudo flui
Günter Braunsberg
012
Prólogo
014
Identidade Cultural e
Arte Contemporânea
Oswaldo Forty
Angelo Milani
Gabriele Olesch
022
062
Arte é Arte
Fernando Durão
Erik Koch
Newman Schutze
030
Tendências posteriores às
modali dades clássicas da Arte
032
Desenho
Cris Rocha
Arnaldo Battaglini
Edith Derdyk
Maria Villares
040
Pintura
Stefani Peter und James Kudo
Annette Rollenmiller
Renate Gehrcke
Carola Dewor
Margalho Açu
Fred Ziegler
054
Escultura, Plastica, Artes Visuais
Clemens Heinl
Izer Campos
Ana Cristina Mendes
Titelbild:
Peter Stüve,
Rio Muaná Ilha Marajó
116
Tempo
Limites da Vida / o infinito
das ideias
Patricia Furlong
Bernardo Krasniansky
Stefani Peter
Liz Miller
Gerlinde Pistner
Wilson Netto
Fernanda Amalfi
Chico Penteado
Jürgen Braun
Rita Kriege
Amarie Bergmann
Gerlinde Pistner
134
156
Poder d’Água / Poder da Vida
Maira Ortins
Sissi Fonseca
Edith Derdyk
Lisa Haselbek
Muriel Maire
Margot Delgado
Fernanda Amalfi
Nathalie Fari
Klaus Treuheit
Marianne Stüve
Andrea Altemüller
Epilogo
158
158
160
162
165
166
171
Textos de duas decadas
Inga Thieme
Melting pot das culturas,, 1991
Storias do Jaguár
Água – Fonte da Vida, 2007
Evolution und Kulturentwicklung
im Süden Frankreichs, 2007
Temos que aprender s /por experiência?, 2008
Panta rhei, 2009
172
Workshops e exposições
1989-2010
180
Novas Pontes
Fernanda Proença Susemihl
183
Ponte Cultura Artistas
188
Impresso
6
Tudo flui
20 ANOS PONTE CULTURA
8
Ponte Cultura e.V.
Passado – Presente – Futuro
Há mais de vinte anosD3RQWH&XOWXUDVHGHGLFD
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Peter Stüve, 1. Presidente
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lado oposto:
excursão Workshop
“Sambaqui”,
Mata Atlântica, Rio/
Santos, Peruíbe, 1989
10
Tudo flui
Günter Braunsberg
Prólogo
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12
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abaixo:
excursão Workshop
“Sambaqui”,
Mata Atlântica, Rio/
Santos, Peruíbe, 1989
14
Identidade
Cultural
e Arte
Contemporânea
Este questionamento ao que a Ponte Cultura se
dedicou intensamente desde o início, refere-se à
importância das proprias raízes culturais para obra
e auto compreensao de um artista.
A respeito deste questionamento foram escolhidos três
artistas especialmente exemplares:
Oswaldo Forty, Angelo Milani, Gabriele Olesch.
16
Identidade cultural e arte contemporânea
Cabeças, 1997
Oswaldo Forty
Os Olhos de Anhangá
Desde o começo da Ponte Cultura, Forty pertence
ao círculo de artistas que seguidamente participam dos workshops e exposições. As suas obras
que criou nos anos noventa e que pertencem
aos arredores de sua série “Substrato Humano”,
foram expostas em 1992 em Nuremberg e 1996
em Colônia. Em 1998, por ocasião da exposição
Arte no Depósito, em Schwabach, entrou em cena
os Olhos de Anhangá do seu Meio Ambiente,. Em
2007, a Ponte Cultura apresentou a volumosa coleção Forty de Hans Georg Geis em Nuremberg.
Nas obras de Forty aqui reproduzidas aparecem
cabeças emergindo do escuro fundo do quadro ou
do colorido da superfície artisticamente trabalhada. Olham para o observador ou para além dele
feito caveiras ou máscaras.
Observam a gente?
Alberto Beuttenmüller comentou
a respeito em 1996: “Ele tenta, sob
inclusão da sensualidade estimulante da tela, estabelecer na sua pintura
um jogo de dar e receber nascido de
emoções e simultaneamente provocando emoções. Ele desperta seres
encantados da memória, de tempos
perdidos que surgem da consciência/inconsciente no tempo virtual
em que vivemos (Alberto Beuttenmüller: Osvaldo Forty – Arte
Contemporânea do Brasil. Academia Thomas-Morus, Bensberg,
1996, p. 8).
O Meio Ambiente - os Olhos de
Anhangá de Forty consistia de um
conjunto de quadros de “Irises”, que
estavam pendurados num espaço
escuro, apenas iluminados por spots
ofuscantes.
Os visitantes caminhavam sobre
folhas que cobriam o chão, cheiravam mato e foram observados
pelos quadros em forma de pupilas, suspensos com fios delgados,
análogo ao olhar de Anhangá, entre
os indígenas brasileiros do tronco
lingüístico-cultural Tupi-Guarani,
deusa da caça e da natureza, que
despercebida perseguia todo caçador que passava pelo mato. Caso ele
matasse um animal que estava com
cria, Anhangá o enfeitiçaria e febre,
alucinações e loucura seriam as conseqüências.
O que sucede com
o homem moderno
que seguidamente
se encontra numa
relação questionável com a natureza?
Para a arte de Forty, as raízes brasileiras são tão importantes quanto
sua auto-compreensão como artista
contemporâneo
orientado internacionalmente
.Ambos os aspectos se fertilizam
mutuamente.
o olhar, 1998
18
Angelo Milani
Floresta mágica
1998 a galeria Arauco de Nuremberg em colaboração com Ponte Cultura apresentou a pintura
Floresta Tropical de Ângelo Milani: a cor verde
predomina, mas fortes cores coloridas põem
nítidos acentos. O observador sente-se transposto
à vegetação exuberante da Amazônia: folhagens,
flores, talvez também animais escondidos. Seres
fantásticos? O quadro leva a um outro mundo e
mesmo assim é muito presente como acontecimento das cores. O movimento do pincel permanece visível, experimentável: pontear, sacudir,
espalhar pasta colorida. A êxtase das cores impressiona. “Ler, pesquisar, desenhar, mesclar, recortar,
costurar, se aproximar, afastar, queimar, secar,
alterar, retomar, controlar, deixar de controlar, ser
criativo, estes são as forças motrizes mais notáveis
deste artista” (Ana Helena Curtis a respeito de
Ângelo Milani, vide Internet). Das pinturas bidimensionais da série da Floresta Tropical, Ângelo,
a partir de seus experimentos multilaterais, desenvolveu nos anos subseqüentes objetos de arte que
muitas vezes permanecem presos à parede feito relevo, mas também podem ocorrer livres no espaço
interno ou externo. 2002 a Ponte Cultura mostrou
um exemplo destes últimos no pátio interno do
antigo Monastério da Santa Catarina de Nuremberg (Journal-Café da Biblioteca Municipal). A
Floresta Lúdica convidou para entrar nela. Sobretudo como casa de brincar das crianças encontrou muitos amigos. Nisso se mostra que Ângelo
Milani não é apenas aberto às possibilidades de
desenvolvimento dentro de forma e definição do
quadro, mas que tem também uma grande tolerância em relação ao uso da obra de arte. É isto tipicamente brasileiro? O tema da floresta tropical com
seus aspectos mágicos (vide Forty) relacionase
com a pátria do artista. Representa
um exemplo de sua “identidade”.
Por outro lado, a sua arte se vale
das tendências internacionais da
pintura expressiva e do desenvolvimento da obra de arte em direção
objeto e meio ambiente. Identidade
cultural e posicionamento dentro da
arte contemporânea internacional
não precisam necessariamente ser
excludentes mutuamente.
Floresta mágica, 1997-1998
direito: o habitat do Jaguar, 2005
20
Gabriele Olesch
O que é a terra natal?
Gabriele Olesch questiona a nossa identidade, no
sentido das nossas raízes, tanto do ponto de vista
objetivo e histórico quanto do subjetivo e emocional. Parte, para tanto, da sua própria identificação
com sua cidade natal Nuremberg.
Procedeu de forma quase experimental no seu
trabalho em vídeo Reflexion IV, reisen und
entdecken [Reflexão IV, viajar e descobrir]. Partiu do centro da cidade, no Hauptmarkt [Praça
do mercado] e trilhou os doze caminhos que dali
saem em direção à cidade. Durante esta caminhada Gabriele filmou as ruas e as construções - não
diretamente, mas de forma indireta. Com ajuda
de um procedimento especial de filmagem ela
produziu doze vídeos, nos quais o mundo ao redor
aparece refletido sobre uma aparente ‘superfície
de água’ amorfa. A maior parte das construções
arquitetônicas assim retratadas são bastante despretensiosas e pertencem à época da reconstrução
da Alemanha nos anos cinquenta e sessenta. No
entanto, vez por outra, surgem entre estas construções outras que são emblemáticas na criação
da identidade da cidade: Frauenkirche [Igreja de
Nossa Senhora], Schöner Brunnen [Bela Fonte],
Sebalduskirche [Igreja de São Sebaldus].
A instalação de vídeo, parte integrante da exposição Ponte Cultuta Verflechtungen-Interdependências no castelo de Almoshof, em 2002,
permitiu que o espectador se colocasse no centro
de doze monitores ali dispostos em círculo e assim
se posicionasse no centro dos doze caminhos. A
seguir, ao seu redor, os doze vídeos começavam a
funcionar simultaneamente, exibindo os diferentes caminhos que iam
se distanciando do centro até por
fim encontrarem um obstáculo intransponível e pararem. A sequencia mais longa de vídeo terminava
após doze minutos quando então
todos os monitores recomeçavam a
jornada.
“A linguagem figurada pictórica
promove um clima meditativo
(apoiado na reprodução dos baixos
ruídos das ruas) pelo qual o espectador se sente atraído. Tanto o estrangeiro como o nativo é assim levado
por uma viagem na qual pode descobrir ou reconhecer na imagem da
cidade tanto o corriqueiro quanto
o desconhecido. Reflexões encontram assim suas trilhas”( Gabriele
Olesch, documentação para Reflexionen IV, reisen und entdecken
[Reflexões, IV, viajar e descobrir],
2003). Os reflexos na ‘superfície
aquática’ tornam-se ponto de partida para reflexões sobre pensamentos e sentimentos.
Gabriele Olesch também aproveitou o workshop art in progress
em 2002 para se debruçar sobre o
conceito de terra natal. Ali a artista
então cantou antigas canções do
acima:
Gabriele Olesch:
“Sehnsucht Heimat”,
2002 / Urbano Rocha,
Brasilien, Gitarre
repertório folclórico e artístico alemão, vestindo
um longo vermelho especialmente concebido
para esta performance. Distribuiu também textos
e partituras aos participantes, convidando-os a
cantarem. Um violonista brasileiro, Urbano Rocha, aceitou o convite e com bastante naturalidade
criou desta maneira uma ponte entre os participantes alemães e os brasileiros. É provável que
estes últimos tenham estranhado bastante a velha
cultura musical alemã. As reações mais fortes, no
entanto, vieram do círculo dos participantes alemães do workshop.
Sobretudo de uma representante da geração de
68, que não tolerou tal manifestação da cultura
nacional e pediu sua interrupção. Em função dos
eventos históricos recentes da Alemanha, a nossa
identidade cultural está rompida em vários pontos
e é marcada por recalques e tabus.
O movimento modernista internacional ofereceu
uma saída oportuna aos artistas e ao público no
pós-querra imediato para que se voltassem ainda
de forma distanciada e não esclarecida às próprias
raízes. Foi somente a partir dos anos sessenta que
o questionamento crítico dos acontecimentos
históricos passou a fazer parte das atividades de artistas alemães. Até hoje ainda alguns temas continuam sendo de difícil abordagem. A perda de uma
continuidade sem rupturas e de um enraizamento
natural também pode ser sentida no título saudade
terra natal. A procura pela ‘flor azul’ e o seu oposto
amarelo
Reflexion IV, reisen und entdecken, 2002
22
Arte é Artel
e todas as outras coisas são as outras coisas
Ad Reinhardt
A idéia de que a arte representa uma linguagem supranacional se opõe à concepção de uma identidade cultural diferenciada em cada nação:
Fernando Durão, Erik Koch, Newman Schutze.
24
Fernando Durão
Arte é forma e cor
O quadrado é com frequência o ponto de partida
nas obras de Fernando Durão. Neste formato de
quadro, a mesma importância é dada para altura e
largura. O artista, no entanto, apresenta aqui uma
composição de diferentes superfícies, que leva o
espectador a se indagar a respeito do tema realmente proposto pela obra: não seria mesmo sobre
uma forma de rombo ou sobre elementos retangulares? Por outro lado, as diferentes superfícies
são pintadas com especial atenção às nuances de
claro e escuro, criando no espectador a impressão
de estar diante de volumes cúbicos. Desta forma,
o quadro se apresenta em termos óticos como um
relevo em três dimensões, permanecendo, porém,
completamente bidimensional na sua materialidade de tela pintada.
Fernando Durão escreveu o seguinte na introdução da exposição da Ponte Cultura Fora do Plano
– Weg von der Wand em 1994: ‘Brasil – Alemanha,
dois entre os três palcos de maior importância no
cenário mundial das Artes Visuais: Brasil representado pela Bienal de São Paulo - Alemanha
representada pela Documenta de Kassel.’ (Fernando Durão, Introdução: Fora do Plano. Weg von der
Wand, SESC Pompéia, São Paulo, 1994). Temos
aí uma indicação clara de como e onde Fernando
Durão posiciona a arte brasileira em geral e a sua
própria definição enquanto artista, em particular.
Em 1951 ocorreu pela primeira vez a Bienal de São
Paulo, inaugurada por Francisco (Ciccillo) Matara-
Arte é Arte
zzo Sobrinho com o intuito de inserir o Brasil no contexto artístico das
metrópoles da Europa e da América
do Norte. Trata-se da segunda mais
antiga bienal do mundo (a tradicional bienal de Veneza remonta
ao ano de 1895). Nas suas exposições a Bienal de São Paulo sempre
articula posicionamentos artísticos
brasileiros com internacionais. Já
na primeira Bienal
Max Bill foi agraciado com o Prêmio Internacional
de Escultura pela
sua obra A unidade
tripartida.
Geometría Sensível, 1997
Em contrapartida, Bill expôs obras de uma série de
importantes representantes do movimento construtivista brasileiro na sua grande exposição em
Zurique em 1960 Arte Concreta, arte é arte Geometria Sensível, 1997.
Waldemar Cordeiro escreveu em 1952 no manifesto Ruptura: ‘Hoje podemos diferenciar com
clareza o velho do novo; rompemos com o velho, e
por isso afirmamos: (...) novo é atribuir à arte um
lugar específico no âmbito do trabalho intelectual do presente, reconhecendo-a como um meio
derivado de um conceito, sobrepondo-a às opiniões e exigindo um conhecimento prévio para sua
avaliação.’
Fernando Durão também se alinha à tradição da
arte construtivista, definida como uma linguagem
artística ‘supranacional’. Participou do ‘workshop
inaugural’ da Ponte Cultura, sendo que, logo após
a apresentação de Inga Thieme, expôs claramente
sua posição contrária aos objetivos do projeto. Assim foi consequente em não participar da atividade ‘investigação no campo’ no areal de escavações.
Fernando Durão sempre esteve interessado em
uma linguagem artística internacional dentro de
uma rede global de arte, independente das raízes
nacionais.
Em 1955 Arnold Bode fundou a documenta para
re-introduzir a Alemanha (ocidental) no contexto
das metrópoles internacionais da arte moderna inserção que havia sido abandonada em função da
doutrina artística adotada durante
o nacional-socialismo. A idéia da
abstração como uma linguagem
artística internacional foi colocada
no centro do projeto da exposição
mundial em Kassel.
Em 1997 Catherine David clamou
pela primeira vez na sua documenta
X por uma visão globalizada, estabelecendo, a partir disto, balizas para
o surgimento da internacionalizada
documenta 11 de Okwui Enwezor.
Esta não se fez presente somente
em Kassel, mas muito antes, a partir
de seu projeto de investigação com
suas assim chamadas plataformas:
‘Democracia como processo inacabado’ (Viena, Berlim), ‘Experimentos com a verdade: sistemas
jurídicos em transformação e os
processos de encontro da verdade
e de conciliação’ (Nova-Delhi),
‘Créolitié e creoulização’ (St. Lucia),
‘Sitiadas: quatro cidades africanas:
Freetown, Johannesburgo, Kinshaa,
Lagos’(Lagos).
A questão que a Ponta Cultura se
colocava em 1990 a respeito de Arte
e Identidade desenrolava-se naturalmente num âmbito bem mais
restrito. Ainda
assim, é possível
traçar alguns paralelos com questões que foram
posteriormente
levantadas pelas
documentas e também com a visão
atualmente aceita
com naturalidade,
de que arte na contemporaneidade
não se desenvolve
mais somente nos
grandes centros
internacionais
(como Paris e Nova
York).
Ao contrário, a
arte na atualidade
recebe constantemente novas contribuições da assim
chamada ‘periferia’. A rede social
internacional e as
diferentes raízes
nacionais estão se
tornando cada vez
mais importantes.
26
Erik Koch
Arte é cor e forma
Erik Koch pertenceu ao círculo restrito dos colaboradores de Hans Hofmann nos anos cinquenta
do século XX. Desta forma, teve oportunidade
de participar de perto da entrementes tornada
lengendária primeira Escola de Nova York. Ainda
hoje nota-se esta influência nos seus trabalhos.
Os Colourpoems [poemas em cor] representam
certamente seu conjunto de obras mais importante. Eles remontam às idéias do Non-Objective
Painting, que haviam sido colocadas em discussão
desde os anos trinta em Nova York, sobretudo pela
Solomon R. Guggenheim Foundation. O Abstract
Expressionism dos anos cinquenta levou a vários
desenvolvimentos e posicionamentos. Por exemplo, a pintura de campos coloridos concentrou-se
totalmente na força individual que cada cor possui
em si mesma e ao inter-jogo ótico e psicológico
entre os diferentes campos coloridos posicionados
lado a lado e em relação um com o outro.
“Cor somente como cor me entedia - não, porém,
as possibilidades dadas por este meio. Cada cor
tem uma energia própria e, através da forma que
lhe dou, ela ainda recebe uma energia a mais, específica.” (Erik Koch, Anotações)
O tamanho de cada campo colorido individual e a
escolha e o processamento de sua cor determinam
a relação com o seu meio e com o formato quadrado do quadro. Cada Colourpoem [poema em cor]
tem um equilíbrio próprio de força. Contrastes
como grande-pequeno, claro-escuro, campo interno-formato da moldura podem levar a tensões
e confrontos internos, que, no entanto, sempre
resultam numa totalidade harmônica poética. O
tema destes quadros não é a força emergente e de
curta duração da vida cotidiana, mas o jogo das
Arte é Arte
energias que tudo envolve. A relação
entre as diferentes forças resulta em
uma estrutura universal, que deve
ser descoberta na forma e na cor. Os
Colourpoems [poemas em cor] nos
falam em uma linguagem sem palavras e nos alcançam através de sua
presença psíquica imediata. “Meus
quadros são o campo de trabalho
dos meus pensamentos para alcançar além do visível. O Colourpoem
[poema em cor] é o resultado do ser,
do amar. A poesia e o amor são valores essenciais da vida”. (Erik Koch,
Anotações)
No sul da França Erik Koch participou repetidamente dos workshops
e das exposições da Ponte Cultura.
Como grão-senhor ele enriqueceu
o círculo dos artistas participantes
com sua já clássica pintura, que fala
uma linguagem global, independente do seu lugar de origem e de sua
nacionalidade.
Colourpoem, 2001-2007
28
Newman Schutze
da ação com cores para a forma de quadro
A pintura de Newman Schutze baseia-se nos
fundamentos da abstração estabelecidos no século XX. Na primeira metade do século passado
desenvolveu-se a teoria de que a arte moderna se
caracteriza pelo gradativo afastamento da representação dos objetos em direção a uma pintura não
figurativa que se dedica totalmente às possibilidades dadas por cor e forma (completamente independente de conteúdos externos à arte). Esta doutrina defendida pelo Museu de Arte Moderna de
Nova York de forma mais duradoura e marcante,
foi sentida, a partir dos anos sessenta, como muito
limitante por alguns artistas. Estes então se voltaram para um novo tipo de figuração na pintura,
por exemplo, tomando como tema a propaganda
e a cultura cotidiana na Pop Art, ou ainda, desenvolvendo novos ‘tipos’ de arte como a ambiental, a
arte em ação e a vídeoarte. Desta forma voltaram a
penetrar o campo da crítica à sociedade e da política. É surpreendente, neste sentido, que a pintura
desenvolvida a partir das cores não tenha perdido
sua relevância e concisão até hoje. Os quadros de
Newman Schutze são um ótimo exemplo de um
caso assim.
O artista desenvolve trabalhos em grande formato
abrindo a tela, suporte da pintura, sobre o chão
para então fazer a cor trabalhar das mais diferentes maneiras. Joga pigmentos secos ou cor líquida
sobre a tela e manuseia-os com grandes pincéis
e escovas até que o quadro não somente se torne
uma superfície tingida, mas também se ofereça ao
espectador com ‘vida’ própria enquanto um corpo
pictórico. O campo pictórico pode se abrir para
um campo de luz. Traços de desenho podem reforçar os efeitos de pintura.
Arte é Arte
Pintura gestual e forma clara do
quadro levam a um acontecimento
com a pintura que inicia uma comunicação com o espectador. Esta
troca é idealmente independente da
origem e da identidade cultural do
artista e do espectador.
Serie: Wortwörtlichkeit -Literalidade, 1995
30
Desenho
Pintura
Escultura
Tendências posteriores às modalidades clássicas da
Arte
Já em 1994, no workshop da Ponte Cultura Weg von
der Wand – Fora do Plano, a seguinte questão era discutida: o uso clássico da parede como suporte para
o quadro deveria ser mantido e desenvolvido ou, ao
contrário, esta utilização deveria ser superada. O resultado natural desta discussão para os artistas da
Ponte Cultura foi darem prosseguimento as tendências posteriores às modalidades clássicas da Arte
como desenho, pintura e escultura, e também se apropriarem das ‘novas modalidades’ como objetos, performance e vídeo.
A seguinte amostra indica a abrangência destas
possibilidades:
Desenho:
Cris Rocha, Arnaldo Battaglini, Edith Derdyk,
Maria Villares
Pintura:
Stefani Peter, James Kudo, Annette Rollenmiller,
Renate Gehrcke, Carola Dewor, Margalho Açu, Fred Ziegler
Escultura, objetos, vídeo:
Clemens Heinl, Izer Campos, Ana Cristina Mendes
32
Cris Rocha
da arte gráfica em papel para o
desenho em parede
No workshop art in progress Cris Rocha escolheu
seus próprios trabalhos gráficos em papel como
ponto de partida para produzir um desenho em
grande formato sobre parede. Uma mudança nas
dimensões do trabalho leva também a uma alteração na relação do artista com a obra, e do espectador com a obra. Um trabalho gráfico pequeno
pode ser pego nas mãos e com uma mirada pode
se obter uma idéia a seu respeito. Já um desenho
grande em parede, por outro lado, convida o espectador a um distanciamento, a escolher um detalhe
e a um mergulho na obra. Formas de molduras
escuras abrem-se para vislumbres de claridade. A
ilusão de profundidade aludida contrasta com a
percepção áspera da superfície da parede. Os tons
de branco, cinza, preto e bege estabelecem um interjogo variado entre si. É justamente o abandono
das cores que aumenta a possibilidade de perceber
todas as nuances presentes na falta delas.
As zonas escuras cuidadosamente colocadas e processadas artisticamente, complementadas aqui e ali com
colagens de pedaços de papel tingido, estabelecem um
interjogo com as múltiplas e virtuosamente variadas
linhas trançadas e sobrepostas. No entanto, o desenho
em parede não fica limitado aos seus aspectos abstratos
de desenho e pintura. É possível, por exemplo, reconhecer nitidamente um barco com forma de gôndola em um
desenho gráfico feito em 2005, a partir de motivos de
desenhos em parede de Nuremberg. A alguns espectadores esta imagem remete à idéia antiga de Caronte, que
levava os mortos pelo rio Aqueronte, rio que separa nossa
vida aqui daquela do além de Hades. Também a novela de
Thomas Mann Morte em Veneza e o filme de Lucchino
Visconti utilizam a gôndola com este simbolismo.
Desenho é desenho, independente do seu tamanho,
grande ou pequeno - aqui, porém, o experimento com o
formato grande permitiu a Cris Rocha ultrapassar alguns
limites e chegar a novas margens.
Desenho – o desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte
Esquerda: desenho em parede, ainda inacabado, Nuremberg 2002
Grafik / Desenho gráfico, 2005
Großes Wandbild (Detail) / Grande Pintura Mural, 2002
34
Arnaldo Battaglini
Linhas à frente da parede criam áreas
no espaço
Arnaldo Battaglini teve a oportunidade de montar
em uma longa parede de exposição três trabalhos
lado a lado durante o workshop art in progress em
2002. Estes trabalhos estabeleciam relações entre a
parede e o espaço à sua frente, de várias formas diferentes e com ajuda de linhas e áreas. À esquerda,
uma escada montada à frente da parede com linhas
irritantemente quebradas lembrava o espaço dos
cubistas, que há cem anos expandiram a realidade
de nossas percepções em direção a novas dimensões. No trabalho do meio, uma moldura alta
retangular delimitava uma área que desta forma se
destacava do espaço e a colocava em relação com
uma área preta pintada sobre a parede. O espectador poderia pensar na moldura de uma porta, que
adentrada levaria a um espaço escuro que se abria
atrás da parede. Ou então ele poderia permanecer
preso em sua percepção objetiva de duas áreas
distintas, cuja relação mútua se altera conforme a
posição tomada pelo próprio espectador.
A imagem do artista que desenha o
formato de uma cabeça sobre papel
durante a montagem da exposição
sublinha esta relação. Arte é arte, no
entanto ela se torna viva através do
espectador, através da confrontação
com o outro ser humano! As linhas
pretas e cinzas na frente e sobre a
área branca da parede-suporte de
quadros inserem os trabalhos de
Arnaldo Battaglini na tradição do
desenho. No entanto, ele ultrapassa
os limites desta modalidade e de
quebra parece dar seu depoimento
a respeito das idéias formuladas em
Weg Von der Wand – Fora do plano
da Ponte Cultura em 1994.
Contrastando com a simplicidade deste trabalho do
meio, apresentava-se a variedade das linhas colocadas e encostadas na parede do trabalho à direita.
Aqui o espectador podia perceber as mais diferentes
superposições de linhas a partir de diversos ângulos
de visão e estabelecer para si o melhor ponto para sua
visão. O artista permanecia em pé em meio aos seus
trabalhos conforme vemos em uma das imagens
aqui escolhidas para esta documentação, indicando
assim que as grandes dimensões de seu trabalho se
relacionavam com proporções humanas.
um jogo do possível e impossível, 2002
36
Edith Derdyk
Estender linhas no espaço significa
criar volumes
Edith Derdyk pertence às artistas brasileiras que
participam desde muitos anos de workshops e
projetos de exposição da Ponte Cultura. 1995,
por exemplo, ela se engajou, por ocasião da ação
cultural Sticheleien, trabalhando conjuntamente com Marianne Stueve (Alemanha) e Brenda
Lee Baker (Estados Unidos) no espaço público
do mercado principal de Nuremberg. A partir de
largas folhas transparentes e a ajuda de fitas pretas,
formou aí objetos tridimensionais cuja suavidade
orgânico-oscilante contrastava propositalmente
com os pilares de arenito estáticos do salão nobre,
em que os trabalhos recentes foram expostos logo
no momento de terminados. Tridimensionalidade
no objeto artisticamente formado assim como na
arquitetura histórica – contraste enriquecedor.
Linhas no espaço tornaram-se nos anos seguintes
a marca registrada de Edith Derdyk.
No Museu da Caça e Pesca de Munique (1997),
numa exposição individual na Casa das Galerias de Nuremberg (1997) e durante o workshop
Crossing the Borders (1998) ela mostrou diversas
variações sobre o tema. A artista não põe ai linhas
pretas na superfície de um papel, antes estende
fios pretos no espaço. Mas ainda assim, permanece
perceptível o íntimo parentesco com o desenho. A
dimensionalidade dual deste muda para a tridimensionalidade do espaço.
Desenho – o desenvolvimento ulterior de um
gênero de arte.
Mais que na situação real da exposição, nas fotos
aqui apresentadas,
estes trabalhos
parecem hachuras
desenhadas. Ao
contrário disso, no
espaço transitável
e experimentável
ocupado pela obra
de arte, o caráter
escultural do volume é mais nítido.
Desenho, escultura, espaço unem-se
para formar uma
nova unidade. As
fronteiras entre as
espécies artísticas
se dissolvem. Na
onda o papel, que
em desenhos constitui material de
suporte e fundo de
um quadro, tornase material escultural. (v.p. 140)
Desenho no espaço, 2002
38
Maria Villares
intercambio linear entre
2° e 3a dimensao
Maria Villares desenha. Ou cria linhas de
tricô no espaço de tal modo que volumes
abertos são formados ou, partindo destes
objetos espaciais, coloca linhas sobre a área
do papel que deste modo torna-se passada
de fios tecidos e vira animada. Assim ela
concebe a primeira dimensão que é uma linha;
a segunda, uma área e a terceira dimensão,
um espaço para, com ajuda do desenho,
combiná-las a formar um cosmos novo.
Serie: Nexus, 2008
40
Stefani Peter / James Kudo
‘pintura clássica’ como ponte entre dois continentes
Foi graças a Ponte Cultura que Stefani Peter e James Kudo vieram a se conhecer. Ambos notaram
que compartilhavam o mesmo gosto pela pintura
clássica na tradição da pintura acadêmica da ‘velha’
arte (além de várias outras atividades artísticas) e,
também, que tinham uma maneira de pintar bastante semelhante. Resolveram então desenvolver
um conceito de trabalho conjunto intercontinental. Iniciaram uma troca pela internet de imagens
que julgavam interessantes como modelos para
pintura. Juntos escolhiam a partir destas imagens
uma série de motivos que, a seguir, eram trabalhados por cada um deles de forma independente, em
um formato de quadro antes combinado. Somente
na montagem da exposição entre hemisférios,
em 2002, os quadros foram reunidos para serem
apresentados em pares. Da dualidade surgiu então
uma nova unidade.
os artistas, bem como à criação do
projeto Aktion -Reaktion / Ação –
reação.
Neste projeto idéias e matérias
eram trocadas pelo correio entre
os artistas durante anos, sempre
visando novos desenvolvimentos.
Neste contexto os artistas Fernanda
Amalfi, James Kudo, Selma Daffré,
Liz Miller, Coca Rodriguez, Leila de
Sarquis e Maria Villares vieram a se
definir como grupo central da Ponte
Cultura pelo lado brasileiro.
Stefanie e James são somente um exemplo, entre
muitos outros, de pontes construídas entre artistas pela Ponte Cultura. O workshop Fragmente –
Fragmentos, que ocorreu em 1996 em Nuremberg,
foi intenso e marcante neste sentido, levando ao
desenvolvimento de amizades duradouras entre
Pintura – o desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte
Serie: Zwischen den Hemisphären /entre hemisférios, 2002
42
Annette Rollenmiller
Pintura enquanto ação em cores e
domesticação
No workshop da Ponta Cultura, no sul da França
em 2004, Annette Rollenmiller aproveitou a oportunidade para dar completa vazão a sua criatividade. Escolheu uma tela gigante e preencheu-a com
áreas coloridas, elementos de desenho e citações
gráficas. Embora tivesse um efeito conturbador
para o espectador, no todo ela se apresentava como
uma estrutura imagética expressiva!
A grande tela foi pendurada horizontalmente entre
as janelas do andar térreo e do primeiro andar na
fachada da construção que abrigava o workshop.
Ali batia ao vento parecendo incorporar a leveza
do ser, aqui no Mediterrâneo. Já em outra ocasião,
em Nuremberg, a artista prendeu sua tela ‘transbordante’ em uma forma definida, ou seja, forrou
um grande cubo com este ‘material de pintura’ e
inseriu desta forma seu trabalho em uma longa
série de cubos, com os quais se ocupava há muitos
anos.
Esta série de cubos (resp. quadrados, nos seus
trabalhos bidimensionais) são recortes do
mundo que nos rodeia – e que frequentemente nos
parece desordenado e saturado. Annette Rollenmiller pinça dele elementos individuais (de forma
alguma somente elementos de pinturas próprias,
mas com frequência também reproduções que encontra) e os ordena nestas precisas formas geométricas de quadrados e cubos. Na Galeria Vicente
Leite, em Fortaleza, os pequenos quadrados foram
colocados na parede e os cubos foram esparrama-
Lado oposto
Workshop St. Dézéry,
Sul da França, 2004
dos pelo chão, e do teto pendiam
qual correntes tiras com restos de
recortes, que haviam sobrado da
feitura dos cubos.
Nada se perde, tudo é guardado,
valorizado e utilizado – mas tudo
sempre é novamente embaralhado
e encontra uma nova forma de estar
relacionado entre si.
Pintura – o desenvolvimento de
uma modalidade clássica de arte
Pintura – o desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte
Vagarosidade, 2004
44
Renate Gehrcke
Dança se torna desenho, cor se torna pintura
‘No meu trabalho decomponho os movimentos em
muitas fases, que se sobrepõem, se complementam
e têm continuidade – como em uma filmagem em
câmara lenta’ (Renate Gehrcke em entrevista com
Inga Thieme, 2008)
so de criação faz parte da atividade.
É necessário pintar sempre novas
camadas ou reiniciar – até que finalmente se instale a certeza: ‘Agora o
quadro esta pronto!’
Renate Gehrcke gosta de trabalhar com modelos em movimento. Captura e fixa os traços de
movimento e energia nos seus esboços. Força e
delicadeza, impulso e retenção fluem nas linhas
pulsantes, que a artista coloca no papel. Estes
esboços feitos à frente do modelo em movimento
parecem verdadeiros instantâneos, caracterizados
por espontaneidade e precisão.
Não é somente através de ação e
dinâmica que o quadro é finalmente encontrado - mas também pela
meditação! Em uma série de árvores
de grande formato Renate Gehrcke
se orienta pelo modelo japonês de
pintura em tecido. Cada pincelada
deve ser feita somente após uma
fase de meditação. Caso não tenha
adquirido precisão suficiente, é necessário recomeçar, até que a árvore
ou o grupo de árvores se destaque
como um poderoso sinal marrom
diante do fundo de tela claro.
Por outro lado, estes esboços também fornecem
idéias para desenhos futuros, que serão então
apresentados como obras autônomas e fechadas
em si. Para tanto Renate Gehrcke recorre então
aos seus próprios estudos e deixa os estímulos
provenientes deles desaguarem no seu processo
de desenhar e pintar. Afasta-se assim paulatinamente do que era o seu ponto de partida e, ao final
do processo de criação, coloca frente aos olhos do
espectador o quadro concluído.
Quando a artista trabalha sem um modelo e somente a partir de cores, ativa e dinamiza então as
forças que o vermelho, o amarelo, o azul, etc. possuem, e junta-as em um todo no seu quadro. A ação
expressiva de aplicar a cor no quadro é então seu
ponto de partida, na tradição do ‘action painting’.
Neste momento o experimento é afirmado. Correr
o risco de precisar destruir tudo durante o proces-
Desenho e pintura – o desenvolvimento de modalidades clássicas de arte
Abaixo:
Renate Gehrcke no seu
ateliê no workshop em
St. Dézéry, 2004
Patrizia, 2004
46
Desenho e pintura – o desenvolvimento de modalidades clássicas de arte
Floresta, 2005
Vogelbaum, 2005
48
Carola Dewor
Pigmento de cor como material
Pensar em pintura nos remete imediatamente aos
quadros clássicos da história da arte, cujo políptico
é feito com ajuda de cor para, a seguir, ser pendurado na parede. Em oposição a isto, Carola Dewor
seguiu firmemente o convite da Ponte Cultura em
1994, Weg von der Wand – Fora do plano, e colocou
seus pigmentos de cor diretamente no espaço da
sala de exposição.
Em Travessia – Übergänge ela aproveitou a grande
área de exposição à sua disposição para demarcar
um campo estreito em azul sobre o solo. Usou
também um carrinho de mão, que emprestou da
feira que acontecia no burburinho do lado de fora
na cidade, e colocou-o sobre o campo colorido,
definindo assim este campo como um caminho.
O jogo de cores provindo do carrinho de mão,
sobretudo de uma grande área destacada em azul,
desta forma se colocava em relação com o azul do
caminho. Isto, por sua vez, nos lembra Yves Klein,
que fez da cor azul a ‘sua’ cor, depois de ter absorvido em si de maneira bem consciente a cor azul do
céu. Travessia – Übergänge talvez
possa ser interpretada aqui também
em um sentido de transcendência.
A mudança de lugar, da feira para o
museu, transforma algo cotidiano e
mundano em um veículo celestial. A
própria artista vê no carrinho, que
permanece no caminho sem deixar
pistas, um sinal de um estado de
espera, de esperança e de anseios.
Na exposição Weg von der Wand Fora do Plano a cor foi ainda mais
insistentemente interrogada e
definida pela artista. Aqui a cor se
apresenta como uma cor-material,
como uma montanha de pigmentos
de cor. Carola Dewor já havia investigado diferentes manuseios com a
cor enquanto material em quadros
com títulos como “Schiebend” [Empurrando] ou “Rüttelnd” [Chacoa-
Pintura – O desenvolvimento posterior de uma modalidade clássica da Arte
O carrinho de mão da feira, 1994
lhando]. Nos seus montes de areia cobertos com
pigmentos de cor ela avançou mais um passo à
frente e ressaltou principalmente a dimensão tátil
quase escultural da cor. Visto de hoje, o trabalho se
parece com uma formação prévia das montanhas
terrestres, que nos últimos anos Katharina Grosse
integrou com cores nas suas salas de exposição.
Para Carola Dewor, no entanto, a montanha de cor
na sala de exposição se resumia a um experimento
sem longa duração.
tanto, as cenas de rua e os momentos casuais capturados surgem a
partir do seguinte conceito: observar por webcams pela internet, por
exemplo, o movimento cotidiano
e acidental na esquina da Christopher Street com a 5th Avenue e, a
seguir, transformá-lo pela pintura
em algo universalmente válido.
Suas pinturas atuais (conf. sua apresentação pela
internet) correspondem, à primeira vista, novamente a um esquema clássico de pintura. No en-
Quadro de pigmento, 1994
50
Margalho Açu
o quadro se constitui a partir da pintura
e do material
Na exposição Água, Banco do Norte, em Belém,
2009, o espectador se via frente a um quadro de
Margalho Açu, que, por um lado, expressava uma
intensidade provinda da sua cor azul e, por outro,
exibia também uma multiplicidade graças à variedade de materiais utilizados. Estes materiais podiam
ser atribuídos tanto ao mundo da natureza, quanto
à vida cotidiana das pessoas do Amazonas. Redes,
cordas, arte plástica remetiam a pesca, trabalho
e, também, lazer. Traços da natureza e da vida dos
homens que habitam as margens do rio estão conec-
tados e condensados no quadro. Não
encontramos no quadro um ‘dedo em
riste’ que aponta para correntezas de
lixo e destruição do meio-ambiente,
mas antes um conjunto harmônico
de todos os elementos do mundo
à beira do rio sugerido a partir do
efeito estético geral do todo da obra.
Homem e natureza não precisam se
excluir mutuamente – mas podem se
incluir mutuamente!
Pintura – O desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte
Mar-Galho, 2009
Fred Ziegler
o quadro se constitui a partir da pintura
e do material
Pintura é uma área colorida. Geralmente é apresentada em paredes para exposição: bem fixada, de
forma duradoura e estática.
O trabalho sobre o solo de Fred Ziegler, Schweres
Wasser [Água pesada], ainda que não esteja preso
na parede, insere-se totalmente na tradição da pintura. Diferentes áreas amarelas estão colocadas em
mútua relação entre si. A combinação destas áreas
coloridas, diferentemente alinhadas, constitui o
todo do trabalho. Somente ao olhar
uma segunda vez, reconhece-se que
a área do meio (que, de certa forma,
se torna uma ‘dobradiça’ entre as
duas grandes placas de pintura ) de
fato é um tanque raso de água, cujo
conteúdo foi tingido de amarelo.
Venenoso? Empesteado? O título
remete à radioatividade, à catástrofe
de Tschernobil.
Schweres Wasser/Agua pesada, 1986/2008
52
Fred Ziegler
Áreas coloridas encontram – se com a
dinâmica d’água
O trabalho aleatorische Kompositionen [Composições aleatórias] também apresentado pela Ponte
Cultura alinha-se à tradição dos princípios trazidos à arte contemporânea pelo surrealismo (por
exemplo nos Cadavre exquis) e pela arte concreta
(por exemplo em chance and order de Kenneth
Martin). O artista estabelece as regras do jogo a
partir das quais a obra se desenvolve. Estabelecese então uma relação entre estes princípios préestabelecidos para a produção da arte e o livre agir
do acaso.
Fred Ziegler parte da apresentação de áreas
amarelas que confia à água. O movimento da água
altera a posição destas áreas coloridas entre si. O
quadro não é estático, e muito menos está preso à
parede. Ao contrário, é extremamente temporal.
Logo a correnteza da água veio ameaçar a obra a se
desfazer rapidamente. Meninos pularam espontaneamente na água impedindo que os elementos
amarelos do quadro fossem todos levados pela
correnteza. Desta forma, a apresentação do quadro
acabou se estendendo a uma ação com inclusão do
público. Não foi uma apresentação artística em um
museu. Aqui arte e natureza formaram uma nova
unidade mutuamente transformadora – e também
um episódio bastante natural do dia-a-dia. O que
permanece desta atividade artística é a documentação em fotos e vídeo. Arte não precisa ser ‘eterna’. Tudo passa! Tudo flui!
Pintura – O desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte
Aleatorische Kompositionen / Composições aleatórias, 2009
54
Clemens Heinl
Nasce uma escultura a partir da
debitágem do material usado
2002 por ocasião do workshop art in progress, Clemens Heinl se inspirou em um motivo do artista
brasileiro Siegbert Franklin. Em um dos catálogos deste, Clemens Heinl havia descoberto uma
colagem na qual uma fotografia de um índio estava
aplicada. A aparência clássico-antiga que o índio de
pé ostentava, desafiou Clemens Heinl para desenvolve-la mais e fazer desta imagem uma grande
escultura. No espaço público do workshop esculpiu um tronco de árvore com uma serra circular,
anexou os braços confeccionados separadamente e
com um cinzel uniformou o constructo inteiro. Foi
acrescida a cor e a figura ficou depois exposta no
pátio interno do antigo monastério de Santa Katharina (Café do Jornal da Biblioteca Municipal).
A sua nudez teve efeito não tanto como símbolo
de identificação de um herói antigo, antes como
forma de aparência natural do representante de um
povo natural. Estava contrastando com o homem
normal da Europa Central em roupa comum sem
graça, com o qual aÍ estava colocado.
Clemens Heinl é escultor. Não
trabalha apenas em madeira que
freqüentemente colore, mas também usa bronze para rosto e mãos
e, para os olhos, vidro. Trata-se para
ele sempre de esculpir uma figura
da matéria de tal forma que por um
lado o material mesmo com todas
suas variações específicas e traços
de tratamento se torne obra de arte
e por outro, uma vivificação aconteça que coloque uma pessoa em
nossa frente que nos convida a nos
comunicar (sem palavras) com ela.
Escultura e arte plástica como ponto de partida – o desenvolvimento de uma modalidade clássica de arte
Indio, 2002
Indio / cidadão, 2002/2005
56
Izer Campos
uma arte plástica é construída de material
A história da arte diferencia a escultura, que é
feita do bloco de pedra ou da tora de madeira (ver
Clemens Heinl), da arte plástica, esta feita a partir
de diferentes materiais. Izer Campos trabalha com
argila, ela é artista plástica. Em um trabalho em
vídeo ela nos faz um relato impressionante de sua
saída em barcos com ajudantes para buscar argila.
A ligação entre a terra e a água se torna evidente. A
experiência direta da artista com os dois elementos terra e água contém em si uma força elementar. As formas que a artista cria se orientam pelos
estímulos vindos da natureza. Com freqüência nos
ocorre estarmos então diante de grandes frutos
ou nozes. Porém, as formas plásticas abauladas e
estendidas também permanecem sendo um tema
em si. Com freqüência Izer Campos devolve os
objetos prontos de volta ao contexto da natureza,
colocando-os no ambiente de seu
atelier – mas eles também podem
ser apresentados sobre tripés em
salas de exposição.
A argila é um material de tradição
milenar na história da arte. Foi
recorrentemente utilizada tanto
para produção de vasilhames como
também para produções artísticas.
Nesse sentido, é ainda mais surpreendente que Izer Campos é capaz de
apresentar sempre novos repertórios de forma e expressão.
Sementes, 2000-2004 (Foto: Martin Hinder)
58
Ana Cristina Mendes
a artista em ação torna-se uma obra
de arte “escultural”
O workshop da Ponte Cultura no sul da França em
2007 trabalhou com o tema Wasser-Água. Entre
outras atividades, Birke Grießhammer deu uma
palestra sobre rituais celtas que se referiam a nascentes ao pé da nascente seca de Bornègre, perto
de Uzès: contou ali que antigamente as mulheres
costumavam limpá-las na primavera e ofereciam
sacrifícios ao seu guardião - um sapo. Também
oravam pedindo água e fertilidade. Os rituais eram
compostos por percussão com tambores, cantos
e danças. Os participantes do workshop dispuseram-se a vivenciar então, posteriormente, o que
poderiam ter sido estes antigos rituais. A partir
desta ação conjunta Ana Cristina Mendes espontaneamente desenvolveu sua performance individual. Para tanto utilizou um dos panos de limpeza
com os quais os participantes estavam limpando as
paredes das rochas em torno da fonte e continuou
esta limpeza, não mais somente nestas rochas, mas
agora sobretudo em si mesma. Coincidentemente
ela vestia durante esta dança na fonte um vestido
de um tom vermelho profundo, o que veio a impri-
mir a esta ação de limpeza pessoal
um efeito de ritual de sangue.
De volta ao Brasil, ela se dirigiu a
uma região de mangue em Fortaleza
e adentrou-a. No início mergulhou
cautelosamente em sua lama - uma
sensação predominante desagradável para uma pessoa urbana
civilizada. Paulatinamente ela foi se
acostumando ao material e passou
então a não mais sentir aversão à cor
marrom e aos odores do mangue.
Até os pequenos seres vivos, como
os caranguejos do rio, que andavam
sobre seu corpo puderam então ser
observados carinhosamente e sua
presença ser aceita ali. Uma experiência inacreditável, no dizer atual da
própria artista, na qual uma ligação
nova e intensa se estabeleceu entre
ela e a natureza.
links:
Ana Cristina Mendes
bei ihrem spontanen
Reinigungstanz an
der Quelle Bornègre,
2007
(conf. p. 60 ‘Während es dort fließt / Enquanto por
ali discorria’)
Escultura e arte plástica como ponto de partida – o
desenvolvimento de um tipo de arte clássica
À esquerda: Ana Cristina Mendes na sua dança
espontânea de limpeza na nascente de Bornègre,
2007
A partir dos documentários filmados destas
ações, Ana Cristina Mendes elaborou seu trabalho em vídeo Während alles fließt / Enquanto por
ali discorria, que se compõe de três complexos
temáticos: carência de água e ritual de limpeza na
nascente seca, abundância de água e experiência direta com a natureza no mangue composto
de água doce e salgada e, por último, a terceira
parte, o mergulho no mar da artista em ação. A
imagem, o som e o movimento possibilitam ao
espectador desta vídeo-instalação participar da
ação. Enquanto na escultura e nas artes plásticas
a obra de arte é o objeto produto do trabalho do
artista (o artista é, sobretudo, aquele
que fabrica o objeto), nota-se aqui,
ao contrário, uma modificação
do papel do artista, resultante da
história do surgimento de ação, foto
e vídeo de arte (podemos lembrar
Bruce Nauman em Selbstbildnis als
Springbrunnen, 1967 [Auto-retrato
como chafariz]). A artista em ação,
Ana Cristina Mendes, torna-se peça
indispensável da obra de arte e da
sua manifestação. Ela é a obra de
arte.
Apresentação do trabalho em vídeo
pela Ponte Cultura: Wasser - Água,
Nurernberg 2008;
Água, MACCDragão do Mar, Fortaleza, 2009;
ortart, Nuremberg 2010;
Olho n‘Água, Memorial da América
Latina, São Paulo, 2012
Manguezais, 2008
60
Enquanto por ali discorria...,
de Ana Cristina Mendes
No tempo enquanto
Estar à espera de
Um novo tato contato contágio
Outros espaços tatuados na pele corpo
A procura que se configura com um novo tempo inaugural
Ciclos, tempo circular, nascimentos e mortes em vida
Ritual de passagem
para Ana ou quem mais vier
Espaço primitivo tempo mangue
A discorrer sua fala: alma lama
Que chama e persegue um novo caminhar
Caminho abrigo abraço líquido
Envolto em tecido seda com renda francesa
Expondo a brancura da ânsia
Que se disfarça em espera calma
Em movimentos internos imprecisos
Nosso histórico tempo dividido
Inscreve a história de cada um, sua escrita e sua fala
Sua coreografia
Grafa, entre fonte e mar,
Contínuo passar
Escreve cada história entre galhos suspensos em território
movediço
Terreno baldio
Submerso na própria superfície a discorrer
A história de cada um
Enquanto
Mangue lama caranguejo
Caracol caramujo
Movimentos novos
Raízes
Por entre
A pele antiga transposta para a pele nova
Inaugura movimentos e gestos
Novo ambiente
Caminhantes pés
Mangue desloca o olhar
Fala seu tempo silêncio
Cuidadoso caminhar
Nesgos de raízes, teia de aranha
Espelho da imensidão azul que se abre
Entre o verde, folhas que balançam ao vento
Corpo intercambiante ambiente
Trilha manguezal
Com cores furtivas à espreita
Os pés, as mãos reconhecem o terreno
O corpo entregue se amolda na argila
como se necessário outro nascimento
Os pés arrastam, afundam
Impulso movediço
Respira encolhimento
Enquanto por ali discorre
uma mensagem bailarina.
62
Arte e Vida
A relação muito particular que a Ponte Cultura estabelece entre arte e vida é uma de suas características
marcantes. É neste sentido que se insere a idéia de
trabalhar com o formato de ‘workshop’, cujo objetivo principal é estabelecer pontes de comunicação
e troca entre os artistas participantes, e que pode
certamente também incluir projetos de exposições.
O conteúdo a ser trabalhado no workshop é previamente elaborado pelos organizadores e serve de
estímulo e de ponto de partida para o livre desenvolvimento pelos artistas no seu trabalho posterior.
Os aspectos eminentemente pessoais da vida e da
obra individual de cada artista sempre podem ser incluídos e podem se fazer valer. A título de exemplo
vamos acompanhar, a seguir, o rio da vida: partindo
do amor (do qual pode brotar a vida) passando pela
infância até alcançar o indivíduo adulto, entre o seu
isolamento e a sua capacidade de comunicação – o caminho da juventude em direção ao envelhecimento e
finalmente à morte. Existe vida após a morte?
Amor:
Alícia Pardo, Fernanda Amalfi, Berit Klasing,
Leila de Sarquis
Nascente / Infância:
TEVAUHA, Diego Ponder, Pat Woolham, Claudia Vilar,
Siegbert Franklin
Rio/diventando adulto:
Damara Bianconi, Margot Delgado, Bruno Weiß,
Maria Villares, Marianne Stüve, Hugo Fortes,
Paloma Perez, Werne Souza
Água = Vida / Seca = Morte:
Sarah Wood, Benoît Flamand, Selma Daffré,
Meire Guerra, Marianne Stüve, Stefani Peter, Lise Lobato,
Coca Rodriguez, Helena Carvalhosa, Herbert Rolim,
Siegbert Franklin, TEVAUHA, Renate Gehrcke,
Berit Klasing, Monique Weissmüller
64
Alícia Pardo
a fonte da felicidade amorosa
Em todos os e.mails que Alícia envia a seus amigos e conhecidos, acrescenta os dizeres “Love &
Light”. Esta artista argentina ficou conhecida na
Ponte Cultura como a “Lady of the Roses” [‘a dama
das rosas’] em honra ao seu tema predileto. Ela desenvolveu uma grande encenação sobre suas ideias
sobre amor e felicidade durante o workshop da
Ponte Cultura Workshop art in progress em 2002.
Na entrada do prédio do workshop e da exposição
começava um caminho feito de pétalas de rosas espalhadas sobre o chão. Ele seguia por corredores e
escadas até chegar a uma cabine em forma de cubo
toda forrada de veludo vermelho. Fechada por
todos os lados, a própria artista tomava conta para
que somente uma única pessoa por vez entrasse na
sua cabine ‘mais sagrada’ . Este espectador, então,
à meia-luz e envolto em tecido vermelho e perfume de rosas podia se entregar à contemplação do
pequeno quadro de uma rosa que se encontrava no
seu interior. Remonta a milênios a existência de
uma conexão entre rosas e feminilidade na arte e
na história da arte. Maria, mãe de Deus, por exemplo, encontra-se às vezes sentada em um banco
em um pequeno jardim fechado,
que remete à sua virgindade. As
flores que a cercam são plenas de
significados simbólicos, sendo a
rosa branca indicativa de pureza, e
a vermelha, do sacrifício de sangue
vindouro do seu filho Jesus, que
então se encontra sentado no seu
colo, ainda criança. Será seu destino
superar o pecado original pela sua
morte na cruz. Tudo indica que também a ‘árvore do conhecimento’ de
alguma forma se refere ao tabu da
sexualidade, que em organizações
patriarcais como o judaísmo, o cristianismo e o islamismo se constitui
em um fenômeno central, que tem
como função assegurar da melhor
maneira possível o herdeiro masculino. Este problema certamente
não era conhecido nas sociedades
matriarcais, onde era possível uma
sexualidade feminina marcada pelos sentimentos, mas que, por outro
lado, foram extensamente dizimadas
pelos guerreiros do
patriarcado. Será que
hoje aquilo que resta
disto tudo é somente uma visão e um
sonho?
Acima: Rose,2002
Caminho feito de pétalas de rosas, 2002
Fernanda Amalfi
la vie en rose
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La vie en rose, 2007
66
Berit Klasing
sobre o final do idílio amoroso
‘Estou na chuva e penso em você’, são as palavras
que nos anos 30 Zarah Leander cantava sob uma
chuva torrencial. Apesar dos trabalhos forçados,
aos quais ela se submeteu pelo seu amado durante
anos, o seu estilo típico cinematográfico permaneceu intacto. Encarnava assim, com ajuda de perfeita encenação e iluminação, a diva e o ícone do ideal
indestrutível de beleza e força feminina.
Aqui Berit Klasing apresenta um tipo de mulher
bem diferente e muito mais contemporânea. No
seu trabalho de 2009, Ser largada na chuva, Berit,
assim como Zarah, está ‘com os dois pés no mundo’. Mas não existe chão embaixo dos seus pés,
ou melhor, das suas botas de borracha, antes um
azul da cor do céu sobre o qual ela paira. Sua capa
de chuva pouco caprichada protege-a da chuva,
enquanto puxa o capuz para cima do seu rosto. Sua
postura levemente inclinada impede que a chuva
lhe molhe o rosto, no entanto, indica também que
existe aí uma pessoa na iminência de se recolher
em si mesma. Acima se encontra um quadro azul
com uma pinha da qual escorre uma gota de resina
(tal qual uma lágrima). Já embaixo o olhar do
espectador recai sobre um quadro azul de um poço
Arte e Vida: Amor
que apresenta o efeito de nos puxar
para dentro e para o fundo dele. ‘Entrar na água’ era no passado o último
caminho de fuga para meninas que
haviam ‘caído na vida’. Atualmente é
comum as mulheres assumirem sozinhas a tarefa de criação dos filhos,
aparentando força e desprendimento. Mas as gotas de resina e o fundo
do poço indicam uma visão mais
aprofundada da situação real.
O conteúdo dos quadros é apresentado e encenado em uma sala de
exposição (por exemplo, em
Água, Banco do Norte, Belém,
2009), impresso sobre azulejos, que
teoricamente podem ser reproduzidos infinitamente e podem preencher as paredes. Certo charme que
remete a banheiros indica objetividade e higiene, e produz assim um
efeito absolutamente antirromântico!
ficar esquecido na chuva, 2009
68
Arte e Vida: Amor
Tempo em Suspensão, 2005
Leila de Sarquis
Amor onipresente e abrigo pré-natal
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próxima página: Nadandos, 2008
70
Kunst und Leben - Liebe
72
TEVAUHA
performance na fonte
Uma fonte dá início ao percurso de um rio, tal
qual o nascimento dá início à vida. Uma fonte
pode secar e morrer, uma vida pode acabar antes
mesmo de ter começado (certamente existia uma
consciência muito maior do perigo de morte no
nascimento e na infância em gerações anteriores a
nossa).
Ao pé da fonte seca de Bornègre, no sul da França,
Birke Grießhammer contou aos artistas da Ponte
Cultura sobre o ritual celta da fonte, que ligava o
desejo por água com o desejo de fertilidade em homens, animais e no mundo vegetal (ver p. 58, Ana
Cristina Mendes).
O artista TEVAUHA contrapôs a esta idéia de esperança por água a ameaça de destruição de fontes
limpas, de rios naturais e de paisagens aprazíveis.
Na sua performance na fonte, o artista se vestiu
de conquistador que constrói diques, modifica
a paisagem e destrói a natureza. No entanto, as
sereias fluviais (no caso, as filhas do artista) traziam continuamente água para aliviar um pouco
as feridas da terra e assim consertar tudo novamente. Finalmente, elas enfrentam o conquistador
atirando água nele e o espetando com uma enorme
agulha. O homem-conquistador altera então sua
postura e tenta colocar tudo em ordem novamente
costurando as feridas da terra.
Na exposição L’eau, Mairie de Blauzac, 2007,
apontou para as idéias da performance na fonte
com uma ferida costurada da terra.
Vida e arte: fonte/infância
Die große Nähnadel, 2007
Die Wunde, 2007
74
Diego Ponder
a infância é um pirulito
Pirulitos encarnam a doçura e o espírito brincalhão dos nossos dias de infância, despertando
assim magicamente um sorriso em nosso rosto.
Com ajuda destes pirulitos, Diego Ponder faz florir
um campo de relva ‘jovem’ e verde à nossa frente.
Por outro lado, o pirulito abandonado na praia
inspira-nos um sopro de melancolia e sentimento
de transitoriedade.
Lollipop, 2005
Pat Woolham
o aparente idílio da infância
Uma mãe com uma criança, um pai com uma
criança, uma criança só – uma infância é dissecada.
Pat Woolham corta em tiras as velhas fotografias
dos seus dias de criança e as junta novamente de
forma que os doces idílios se transformam em
ameaças carregadas de medo. Uma retrospectiva
sem saudade, que parece incorporar, na melhor
das hipóteses, o suspiro aliviado de uma mulher há
muito adulta, quando ainda lhe surgem as imagens
de lembranças de uma infância finalmente perdida.
Family stories, 2005
76
Siegbert Franklin
Claudia Vilar
Sonhos de crianças e perigos de vida
Em 2007 Siegbert Franklin teve a oportunidade de
expor seu trabalho Sonhos de crianças na Igreja
Sebaldus, uma igreja com características medievais em Nuremberg. O andaime instalado no seu
interior na época, em função de uma reforma que
estava sendo levada a cabo, foi aproveitado por ele
para pendurar uma grande foto em preto e branco. Ela retratava um menino que havia feito uma
pipa com o desenho de uma caveira, usada como
símbolo de proteção pelos chefes da sua favela.
Brincadeira ingênua e perigo onipresente! Foram
juntadas a esta grande foto várias ‘bonequinhas’
produzidas por crianças brasileiras com papéis
multicoloridos num projeto da artista Claudia
Vilar. Será possível que os sonhos de crianças
possam superar os perigos de vida? De qualquer
forma crianças significam esperança e futuro em
qualquer lugar do mundo!
Crianças, 2005
Sonhos de crianças, 2005
78
Siegbert Franklin
saudade de família
Na obra de Siegbert Franklin surgem repetidamente temas que remetem à infância, o que está
diretamente relacionado à biografia do artista.
Sem pai, ele foi criado pelos avós, o que fez com
que seu avô se tornasse um substituto paterno para
ele. Além de sua mãe, também as irmãs da mãe
tiveram uma grande importância na sua infância.
Ainda que o artista soubesse quem era seu pai,
ele não teve nenhum contato com o mesmo, com
exceção de um encontro casual já na idade adulta,
ocorrido em uma grande praça (quando os dois
homens chegaram até a ter uma conversa).
Nas suas colagens com imagens o artista sobrepõe
frequentemente ao retrato do avô=pai substituto
uma figura nua masculina, que é repetidamente
inserida na sua obra como uma imagem paterna
fictícia. Já suas tias são frequentemente combinadas com citações da história da arte, por exemplo,
com Frauenbad [Banho de mulher]) ou Adam und
Eva [Adão e Eva] de Albrecht Dürer. Desta forma,
Siegbert Franklin transfere sua saudade por uma
família para o seu mundo de arte e cria a partir
disto uma variedade de idéias imagéticas.
Storias de familia, 2002 - 2005
80
Damara Bianconi
Autoconhecimento e Auto-reflexão
Com treze anos de idade comecei a freqüentar ateliers de artistas, estudei teatro, fiz cursos de artes
plásticas, participei de saraus literários e poéticos,
enfim, conheci muitas pessoas que produzem diferentes manifestações artísticas. Mas num determinado momento desse meu caminho, reprimida
pela opressão cultural da ditadura militar, resolvi
estudar sociologia e ciências políticas para lutar
por um mundo melhor, mais justo, mais igual. O
mundo das idéias me fascinou durante anos e me
afastou do fazer artístico por quase uma década.
Queria fazer a revolução, mas “meus heróis morreram de overdose, e meus inimigos estão no
poder” (Cazuza). Quando saí desta fase, mergulhei
novamente na arte, onde estou até hoje e não mais
pretendo me afastar.
Estou atenta para artistas contemporâneos brasileiros e internacionais, pois acredito que arte é
aprendizado eterno, uma contínua alfabetização
do olhar. A arte está o tempo todo em meu caminho, quando não estou no atelier trabalhando,
estou comercializando obras minhas e de outros
artistas que represento em meu Escritório de Arte.
Meu objetivo na arte sempre foi o diálogo entre
as pessoas e o conhecimento das várias formas
de fazer artístico. Tudo me interessa. Sou curiosa
compulsiva.
Meu trabalho tem uma conversa com a ecologia na
medida em que quase sempre me utilizei de matérias abandonadas pelo homem, transformando-as
em um produto da “ARTE”. Há vários anos me
ocupo com o tema água.
Arte e vida: rio/ sobre o tornar-se adulto
A oxidação de materiais ferrosos
sobre a tela é apenas um dos efeitos
da ação da água no passar do tempo.
E no passar do tempo a água potável
está se extinguindo em várias fontes
de sua obtenção. Portanto ao realçar
a ação do tempo e da água sobre elementos terrenos, procuro chamar a
atenção para o tempo da água e da
necessidade da preservação de suas
fontes elementares.
(Damara Bianconi em entrevista
com Inga Thieme)
Observando os trabalhos de Damara Bianconi, percebem-se antes
de tudo as silhuetas de figuras
caminhantes ou sentadas no chão
sempre iguais. Aparecem sem
referência ao seu meio, absortas
em seu pensamento e relacionadas
a si mesmas como o protótipo do
individuo isolado.
Mas numa segunda mirada, estas
figuras humanas são inseridas no
meio circundante de formas, cores
e materiais artisticamente configurado. (Título do quadro: A pele da
pintura) Homem e Meio se juntam.
A isolação está sendo rompida mas
não abolida. Especialmente, no
agrupamento de vários motivos isolados a séries pictóricas, tableaus ou
instalações volumosas, a referência
a si mesma de cada
figura é dominante. Resignação
sempre reaparecendo? Busca
interminável do
autoconhecimento? Mas sempre
também a beleza
que pode surgir em
cada momento da
vida.
A pele da pintura, 2005
82
Margot Delgado
O circuito da água
Nuvens no céu da tarde. Preparam-se para chover.
São cheias de água. As nuvens quase parecem rochas.
Rochas das quais corre água. (Margot Delgado,
Entrevista Inga Thieme) A evaporação e formação
de nuvens assinalam igualmente o início e o fim do
circuito da água. O caminho do rio termina na desembocadura. Toda água corre para o mar. Lá chegou
ao seu fim. Mas, pode evaporar – modificar seu estado
de agregado. Não mais ser água, mas nuvem - pairar
no ar - ser dissipada pelo vento – “viajar” ao redor do
mundo – em forma de chuva, tornar-se água novamente - baixar às profundezas da terra – renascer de
novo como fonte. Nos trabalhos de Margot Delgado,
nuvens tornam-se “rochas das quais corre água”.
Nada se perde neste sistema fechado em si . Tudo que
é, permanece? O estado agregado pode cambiar. Um
objeto ou um ser vivo podem dissolver-se em elementos isolados que, por sua vez, tornar-se-ão alicerce
para que algo de novo possa surgir.
unten: Margot Delgado (links) beim
Ausstellungsaufbau, Galerie der Banco do
Nordeste, Fortaleza, 2006
transformar, transformar ..., 2004-2005
Bruno Weiß
encontrar – se e autorreflexão
Damara Bianconi e Margor Delgado tematizaram
o encontrar-se e a autorreflexão como um importante processo de desenvolvimento do homem
(nos seus anos de juventude), indo ainda além ao
indicar sobretudo o perigo de um autoisolamento.
Já Bruno Weiß isola cada pessoa dando-lhe, porém, um sentido positivo de uma postura meditativa sobre si mesmo.
No workshop da Ponte Cultura art in progress, em
2002, Bruno Weiß fotografou os artistas participantes, de olhos bem abertos e de olhos fechados,
criando desta forma uma situação na qual eles
olhavam tanto para fora como para
dentro. No entanto, apesar de cada
pessoa isolada estar voltada para
si mesma nestas fotografias, no
momento do agrupamento de todas
as fotos na parede o espectador
ficava com a impressão de um todo
intimamente relacionado entre si. A
unidade nesta encenação também
era acentuada pela estética do branco e preto.
À procura de si mesmo, Galeria do Banco do Nordeste, Fortaleza, 2006.
84
Bruno Weiß
comunicação
Um especial rigor caracteriza também esta instalação de Bruno Weiß na exposição Wasser Água. Um conjunto de garrafas d’água foi pendurado em forma de círculo na sala, sendo que todas
as garrafas estavam interligadas por meio de mangueiras com uma pequena pia no centro. Graças a
instrumentos da medicina, a água das garrafas era
Arte e vida: rio/ sobre o tornar-se adulto
transportada gota a gota para o recipiente
no centro, que desta forma recolhia toda a
água.
Bruno Weiß havia pedido aos seus amigos e colegas artistas que lhe trouxessem
amostras de água da sua pátria ou de suas
viagens.
Desta forma, água das mais diversas fontes do
mundo confluía e formava uma nova mistura,
formando uma nova unidade. Esta confluência de
água poderia ser comparada à reunião das várias
pessoas que participaram desta ação de trazer
água. Elas se encontraram na exposição de Nuremberg, puderam trocar idéias e encontrar coisas
em comum entre si e também diferenças.
Mas naturalmente a instalação das águas
que confluíam remetia a significados muito
mais amplos, a uma possibilidade de comunicação de extensão mundial.
Água nova de todo o mundo, 2008
86
Maria Villares
confluir e misturar
‘A chuva deformou a cor das horas’ são palavras do
poeta brasileiro Manuel de Barros que Maria Villares
inseriu em um dos seus trabalhos fotográficos. Este
apresenta um detalhe marcante observado pela artista na confluência dos rios Negro e Solimões. Estas
duas massas de água com suas cores tão extraordinariamente diferentes entre si fluem em paralelo, lado
a lado, dividindo o mesmo leito fluvial, mas sem se
misturar, durante um longo trecho de alguns quilômetros. Movimentos em espiral da água (que nos reme-
Arte e vida – o rio/ Sobre o tornar-se adulto
tem imediatamente ao símbolo chinês
yin-yang) podem ter como resultado
que estas áreas tão contrastantes de
água se interpenetrem, se confundam
e se misturem para ao final surgir uma
nova unidade - o rio Amazonas. Mas,
para que isto aconteça, muito tempo é
preciso!
Movimentos da água no Amazonas /Encontro das águas amazônicas, 2008
Marianne Stüve
confluir e permanecer separado
Em busca de equilíbrio foi o nome dado por
Marianne Stüve a um trabalho em vídeo, de
2007, que também remete a esta experiência
direta com a confluência dos rios Negro e
Solimões. Após ter tido esta forte vivência
com a natureza, a artista passou a fazer experimentos com a mistura de líquidos diferentes: óleo não se mistura com água! É por isso
que neste caso não se forma uma unidade,
como aquela observada nas misturas de
água+água de Bruno Weiss, na qual as águas
oriundas das mais diferentes fontes tornamse uma unidade=água. Ou ainda, como no
rio Amazonas, resultado da confluência do
rio Negro com o rio Solimões, que ao final
reúne em si todos os elementos. Aqui no
trabalho de Marianne, os líquidos iniciais
permanecem separados, ainda que alterem
seu posicionamento mútuo. É provável
que procurem um equilíbrio. De qualquer
maneira, constituem formas em movimento, cujo efeito estético é captado pela artista
neste trabalho em vídeo e enriquecido pela
contribuição sonora de Klaus Treuheit. Até
que ponto é rea lmente necessário que tudo
se misture com tudo? Isto é algo sempre
almejável? Ou pode ser também importante permanecer fiel às próprias raízes, resp.
às próprias fontes, principalmente em se
tratando, por exemplo, de pessoas e de suas
diferentes origens? Unidade e diversidade
não deveriam ser excludentes. O diferente
sempre traz em si a oportunidade de se tornar um enriquecimento.
Em busca de equilíbrio, 2007
88
Hugo Fortes
o rio domado
Encontrar-se represado e não poder fluir são
temas apresentados por Hugo Fortes no seu
trabalho Leito – Flussbett. Neste trabalho ele
justapõe cubos de vidro cheios de água, parecidos
com aquários, obtendo uma série que remete ao
movimento de uma corrente de água. No entanto, a água não pode fluir. Está represada, fadada à
imobilidade, presa. Os desenhos que podem ser
vislumbrados no fundo dos vasilhames referem-se
à arquitetura moderna e à construção das nossas
cidades, que em geral domam os rios, forçando-os
Arte e vida: rio/sobre tornar-se adulto
a um leito artificial ou fazendo-os
desaparecer completamente. O
‘mundo externo’ breca e pára o rio
livre. Tomando o rio como metáfora
para o homem, podemos então pensar nas imposições ‘externas’ sociais
e da comunidade, que podem vir
a impedir e destruir o desenvolvimento de muitas pessoas.
Leito, 2008
Paloma Perez
Medos do futuro
Os trabalhos fotográficos de Paloma Perez têm
também a destruição como tema – no primeiro
plano aparecem idílios harmônicos e preservados
da natureza, ao passo que no segundo plano (nos reflexos sobre a superfície de água) surgem os abismos
da destruição da natureza pelas povoações humanas.
No futuro a natureza poderá ser desalojada pela civilização (no seu sentido negativo) também ali onde
ela agora ainda se encontra intacta. O olhar sobre,
resp. sob a superfície de água tem o efeito de um
olhar na bola de cristal, aquela que indica o futuro.
Ao invés de nuvens, a superfície reflete arranhacéus.
A natureza é desalojada pela civilização. Ainda é possível impedir este
perigo? Ainda somos capazes de
fazer do nosso espaço vital Terra algo
possível e digno para viver?
‘Através deste trabalho procuro
traçar um paralelo entre o processo de
urbanização e as suas conseqüências.
Somos vítimas do nosso crescimento
desenfreado’ (Paloma Perez em entrevista a Inga Thieme, 2008)
Transitory Landscapes, 2008
90
Werne Souza
sobre tornar-se adulto/livre
Hugo Fortes espreme seu rio por aquários imóveis
para aludir ao fato de que a arquitetura humana
impede os rios de fluírem livremente. Paloma
Perez mostra que nós humanos cada vez mais nos
tornamos presas de nosso ‘livre’ crescimento econômico e da nossa ilimitada e destrutiva urbanização. Werne Souza, no entanto, dirige seu foco para
o indivíduo isolado, cujo sonho de liberdade ele
incorpora no símbolo da ave.
Deixar para trás o peso da terra, alçar vôo como
uma ave – para nós humanos isto incorpora desde
a antiguidade o desejo de se desenvolver a partir do
corpóreo em direção à alma. Porém, os pássaros
de Werne Souza não são livres! Estão presos em
gaiolas apertadas – simbolizando desta forma a
limitação de nossas possibilidades, que muitas vezes dependem de coerções externas. Ainda assim
cada um de nós é chamado a procurar o caminho
para fora desta prisão e a tomar a própria vida em
suas mãos.
Também Dédalo, o famoso inventor, construtor e artista, não se conformou com o seu
Arte e vida: rio/sobre tornar-se adulto
aprisionamento no labirinto cretano. Aproveitou-se do caminho de
fuga aparentemente impossível, em
direção ao alto, construindo asas
para si e para seu filho Ícaro.
Apesar das advertências de seu
pai, no vôo de fuga conjunto, Ícaro se aproximou demais do Sol. A
cera que fixava as penas de sua asa
derreteu. Ícaro sofreu uma queda
e morreu. Seu vôo nas alturas, sua
liberdade lhe subiu à cabeça. Perdeu
o chão sob seus pés. Um exemplo
para as chances e perigos da arte –
mas também do tornar-se adulto,
que traz consigo não somente a
liberdade, mas também precisa ser
acompanhado da consciência dos
limites desta.
Passaros, 2005
92
Sarah Wood und
Benoît Flamand
água fresca – seca extenuante
Arte e vida - Água = Vida / Seca = Morte
paisagem aquática 2008
Uma superfície luminosa de água clara movimenta-se, precipita-se e espirra gotas de água - essa
imagem de Sarah Wood se torna uma grande e
viva peça de pintura ao ser observada no quadro
conjunto com Benoît Flamand. Reflexos de luz
imprimem uma claridade luminosa ao quadro. A
frescura e a força da água, elixir da vida, fazem-se
sentir diretamente.
Em contraste com isto, o esqueleto de nervuras do
resto de uma folha seca incorpora a transitoriedade e a ameaça de morte, resultantes de aridez e
secura que estão se tornando um problema cada
vez maior em muitas regiões do mundo. Para nós
humanos água limpa significa vida – poluição das
águas e carência de água significa morte.
folha, 2007
94
Selma Daffré
as cores do sertão
Visto da Europa, o Brasil é sempre associado a
ideias sobre florestas, Amazonas e abundância de
água. Mas o Brasil é bem mais do que isto! Neste país de proporções imensas existem também
extensas áreas sujeitas à falta de água. É o que se
encontra sobretudo no sertão, uma área no interior de país com baixa densidade populacional o planalto no interior do Nordeste que se estende desde o norte de Minas Gerais até o Ceará e o
Piauí, abrangendo um total de oito Estados brasileiros. O sertão se situa principalmente na região
em torno do rio São Francisco, palco do grande
romance Grande Sertão, obra literária máxima de
Guimarães Rosa, publicada em 1956.
‘A partir do seu conhecimento sobre o sertão e seus
habitantes, os sertanejos, Rosa cria uma linguagem
literária, que se confunde, na sua própria estrutura
e diversidade expressiva, com o mundo de ideias de
seus personagens. Sertão e linguagem sertaneja sua cultura transmitida por via oral e que esteve por
séculos separada das cidades costeiras brasileiras
influenciadas pela cultura europeia - apresentam-se
como uma unidade. Rosa vai em busca da origem
da palavra e traz à tona aquilo que está subjacente e
que se perdeu na fala cotidiana. A linguagem aqui é
compreendida como um meio de processar linguística
– e tematicamente as particularidades de uma região
e de seus habitantes, aumentando assim a rica capacidade expressiva brasileira’. (Carlos Schünemann,
palestra na exposição individual de Selma Daffré,
Biblioteca Pública de Nuremberg, 1995).
Há decênios Selma Daffrè faz referências à prosa
Arte e vida - Água = Vida / Seca = Morte
e à lírica brasileiras nas suas produções gráficas. Ela considera o
Grande Sertão ‘uma obra feita antes
para um esclarecimento interior
a respeito de nós mesmos, do que
para explicar qualquer coisa’. É
principalmente na escolha de cores
que a artista tenta captar a característica do sertão, quando produz cópias separadas de cores diferentes a
partir de cada matriz de impressão.
No final, a artista integra a própria
matriz, como um alto relevo pintado, a cada grupo de obras. A seguir,
estas obras reunidas em uma caixa
são apresentadas em exposições
como trabalhos de papel e madeira
também perceptíveis oticamente.
Os conjuntos de obras que fazem
referência ao Grande Sertão prendem a atenção do espectador na
medida em que capturam, através
da escolha de cores, nuances de
imagens do seco sertão. À direita
apresentamos uma imagem pertencente ao grupo ‘Articulações’.
A artista compõe partes desarticuláveis do corpo como um joelho, por
exemplo, de tal forma que nos faz
pensar em uma formação rochosa,
estabelecendo assim uma ponte
entre o corpo humano e a paisagem.
Articulacoes, 1997
96
Meire Guerra
os pertences dos retirantes
Os retirantes são o tema de Meire Guerra, quando
ela preenche aqui uma pequena mala modelar com
peças de recordação. Esta maleta poderia pertencer a uma das muitas pessoas que são obrigadas a
deixar sua terra natal para tentar um novo começo
em algum outro lugar. Especialmente no Brasil
cada vez mais pessoas deixam o campo e procuram
a cidade na esperança de uma vida melhor. Estas
diferentes cidades tornam-se então megacentros
que consomem a paisagem e a natureza ao seu redor. Os recém-chegados, por outro lado, começam
sua busca pela nova sorte geralmente em favelas
pobres, carregando consigo todos os seus sonhos
Arte e vida – Água=Vida/Seca = Morte
em maletas como estas. Não empreenderam esta viagem por livre
escolha, mas a seca expulsou-os da
sua terra natal. Ainda assim a frase
de João Guimarães Rosa do Grande
Sertão pode valer também para eles:
‘o verdadeiro não acontece na partida,
nem na chegada: vem ao nosso encontro no meio da viagem’. (João Guimarães Rosa: Grande Sertão, citado de
acordo com o Catálogo - 10 anos de
Ponte Cultura).
Maleta dos Retirantes, 2008
Marianne Stüve
boat people
O tema da fuga é abordado de forma totalmente
diferente por Marianne Stüve. Seu trabalho em
vídeo boat people refere-se, de acordo com o
título, em primeira linha aos fugitivos africanos
que deixam sua terra natal por razões políticas ou
humanitárias em busca de uma nova chance na
Europa. Partem com freqüência clandestinamente
em barcos pequenos demais e superlotados para
alcançarem por via marítima a ‘Fortaleza Europa’,
que lhes é legalmente inacessível de outra forma.
Reiteradamente a mídia nos informa a respeito
de catástrofes: naufrágios, afogamentos: morte ao
invés de vida.
No trabalho em vídeo, extraordinariamente
simples, surge da escuridão um grupo de vultos
apoiando-se mutuamente, e desaparece novamente. Quem está na sombra não consegue ser visto!
Raramente os holofotes da imprensa mundial
iluminam estas pessoas. Geralmente são esquecidas. O problema é recalcado. No entanto, somos
todos passageiros da mesma nave espacial chamada Terra!
boat people, 2008
98
Stefani Peter
Água é salvação
A água é uma ameaça para os boat people, pois
podem se afogar caso seu barco naufrague. Por
outro lado, se houver seca ou fogo, a água pode ser
uma benção.
Na América do Norte justamente, onde a artista
alemã Stefani Peter vive há muitos anos, durante
centenas de anos as pessoas tinham grande medo
das queimadas, que repetidamente destruíam suas
casas muitas vezes construídas com madeira.
A salvação dependia de conseguir apagar o fogo a
tempo utilizando a água.
É por esta razão que um cidadão dos
EUA ou do Canadá ainda hoje é bem
mais consciente do que um europeu
da importância para salvar a vida
que os hidrantes à beira das ruas
frequentemente têm. Porém, como
bem demonstra o trabalho da artista, também é possível manusear este
‘pequeno ajudante’ de forma criativa
e amorosa.
little man on duty, 2008
100
Água de Arari, 2009
Lise Lobato
o espaço vital água
Lise Lobato viveu sua infância no delta do Amazonas. Quando ela se recorda do seu tempo de vida
na ilha do Marajó, a maior ilha fluvial do mundo,
vêm-lhe à mente muitas lembranças afetivas,
repletas de alegrias e também de perdas. A partir
da sua relação extraordinariamente íntima com a
paisagem aquática da sua infância, a artista desenvolve trabalhos como este, Água do Arari. Aqui
ela apresenta três quadros que têm cada um deles
um peixe como motivo, e os ordena verticalmente.
Combina-os, então, com uma cascata de tiras de
tecidos que caem sobre os dois quadros inferiores,
ora encobrindo, ora revelando os peixes ao olhar
do espectador. Desta forma, cria um efeito similar
àquele obtido ao se olhar uma superfície de água
em movimento, sob a qual é possível vislumbrar
a vida na água. Este quadro-objeto
composto de vários elementos se
projeta a partir da superfície da
parede em direção ao espaço à sua
frente. Ele invade assim o espaço
do espectador e o aproxima, desta
forma, ao tema da água como um
espaço vital e um elixir da vida. Sem
água não haveria vida, pois toda a
vida vem da água e contém água em
si.
102
Coca Rodriguez
Água – horizontes
Ao contrário da cascata que se precipita verticalmente de Lisa Lobato, Coca Rodriguez mostra a área aquática horizontal de um grande rio de
fluxo lento ou de um lago calmamente espraiado
– comparável ao contraste entre a impaciência irrequieta da juventude e a tranqüilidade pensativa de fases da vida mais maduras. Nas anotações do diário de Coca Rodriguez encontra-se
uma passagem interessante de recordações à Marajó: “A travessia deste rio de dimensões
oceânicas com a balsa levava três horas. Marajó
é única, forte e selvagem com características muito
próprias. As casas, as fazendas, as cercas, o cheiro
é diferente, uma mistura de fruta tropical como
abacaxi já semi- apodrecido,suor, peixe e água dos
manguezais. A vida sucede em cima da água. A
chuva cai repentinamente e inunda tudo. O calor
é forte. Montamos o acampamento sob chuva.
Tudo é úmido, mas isto faz parte no reino das
águas. Para conhecer bem Marajó, deve-se conhecer os homens, este tipo de humanos áspero, que
confere nomes humanos a ventos
fortes, rios e enxurradas. Que pede
salvação aos santos bem como aos
espíritos e que se benze com as
águas”. Também para Coca Rodriguez a
água é sobretudo um lugar da vida.
Em extensos trabalhos volta-se
sempre de novo ao motivo dos
peixes. Explora sistematicamente a
riqueza e diversidade das espécies, formas e tamanhos. Todavia,
a medusa tornou-se o seu tema
especial, na língua brasileira águas
vivas.
Paisagen amazônica, 2008
Helena Carvalhosa
horizontal - vertical
A água significa vida, também para as plantas.
É somente com a ajuda da água que elas podem
crescer e desabrochar. E é às árvores dos parques
de sua pátria que Helena Carvalhosa dedica uma
série inteira de gravuras. Mostra-nos a exuberância e a diversidade destas diferentes árvores – ou
ainda, como no exemplo aqui escolhido, concentra-se no contraste existente entre a verticalidade
do crescimento ao alto da vegetação e a horizontalidade da depositada superfície terrestre.
Novamente aqui o traço de Helena Carvalhosa
torna-se um transporte virtuoso e delicado da sua
expressão gráfica.
No passado, em grupos de trabalho,
a artista costumava transformar elementos recolhidos ao léu em objetos
plásticos com feições humanas. Já
nos seus desenhos sobressaiu-se
como retratista capaz de retratar os
traços característicos da pessoa, realçando neles seu aspecto simpático.
Talvez isto tenha a ver com um amor
especial que ela nutre pelos seus
semelhantes e que a faz engajarse reiteradamente em relações de
troca com pessoas das mais variadas
camadas sociais.
Um amor que ela
também transfere
para todos os seres
vivos e plantas do
nosso planeta – e
do qual, através de
sua arte, ela convida o espectador a
compartilhar.
Arvores e o tempo, 2005
104
Coca Rodriguez
Águas Vivas
O tema da série de trabalhos Águas Vivas remonta
a uma experiência desagradável extraordinária que
Coca Rodriguez teve de fazer ao nadar no mar. Ela
fora enrolada por uma medusa perigosa. Apenas
graças ao agenciamento rápido de um helicóptero
de salvamento, que a levou a uma clínica especializada, a vida de Coca pôde ser salva. Mas até
hoje, grandes cicatrizes na sua pele recordam esta
ameaça existencial. Apesar disso, a artista ficou
fascinada por estas criaturas, cujo corpo “aberto”,
suavemente flutuante representa o contrário dos
compactos volumes esculturais fechados . Nos
seus objetos Águas Vivas, a artista experimentou
com materiais suaves, transparentes e alcançou
desta forma soluções artísticas inovadoras, muito próprias que parecem contradizer as formas
clássicas da escultura. Suavidade e transparência,
abertura formal e balanço estético entre beleza
atrativa e sentimento de repugnância caracterizam
cada um destes objetos-medusa
com intensidade variada.
À parte destes objetos-medusa,
interessava a ela também o tema
pele, que ela trabalhou mediante
uma fila inteira de peles estendidas.
Com isto afastou-se mais e mais do
seu ponto de partida que era a pintura, para experimentar com novos
materiais (látex) e objetos e carregar sua obra de arte com imediata
vivacidade .
Àguas Vivas, 1999 - 2001
Marianne Stüve
Medusas Flutuantes
Marianne Stueve se valeu em sua serie de trabalhos sobre medusas da idéia das águas vivas de
Coca Rodriguez para formar de tranças de nylon
objetos esculturais flutuantes no espaço. Os fios
de nylon tornam-se ai linhas espaciais que separam o espaço interno do objeto do espaço esterno
circundante e desta forma, apesar de toda transparência, criam volume. Por outro lado, formas de
olhos como também cabelo e extensões tais como
tentáculos causam a impressão no observador que
poder-se-ia tratar de seres vivos. Em exposições, a
artista monta instalações espaciais de cardumes de
medusas que podem ser alargadas por projeções
de luz e elementos acústicos. Em seu atual projeto
de vídeo, Marianne Stueve retoma o seu tema das
medusas. Agora fascina-a sobretudo o aspecto de
que medusas não representam apenas um perigo
mortal mas também são símbolos da renovação
da vida. Medusas podem reproduzir partes do
corpo perdidas e desta forma transformar-se de
um aleijado/torso em ser de formas perfeitas. Por
outro lado, podem cair durante longo tempo em
um estado cataléptico quando as condições de vida
do meio se tornarem demasiadamente desfavoráveis para a sua sobrevivência – para depois, quando
a catástrofe tiver passado, despertar-se para uma
nova vida e em beleza intocada flutuar por seu
espaço vital a água.
Meduse, 2000
106
Herbert Rolim
Plantas aquáticas? Fluidos corporais?
O trabalho apresentado por Herbert Rolim, em
2008, na exposição Wasser – Água parece à primeira vista estar mostrando ao espectador plantas
aquáticas sob uma superfície brilhante. Porém,
após uma observação mais detalhada, fica claro
que os elementos de desenho de fato representam
vísceras. Plantas aquáticas e fluidos corporais simbolizam a força vital na natureza e no homem, cuja
base sempre é constituída pela água.
‘Partindo do princípio de que meu trabalho apresenta
certo simbolismo, ocupo-me de formas orgânicas. O
aparelho ‘corpo humano’ se mescla assim com elementos da natureza: animal e vegetal. Um ‘multi’- corpo,
algo ‘trans’- disciplinar surge. Penso que está tudo
interconectado: o homem, a arte, a natureza, o cosmos.
Dentro deste universo a água significa vida!‘
(Herbert Rolim em entrevista a Inga Thieme)
Hybride, 2008
108
Siegbert Franklin
a beleza sedutora das drogas
O corpo humano compõe-se em sua maior parte
de água. Os fluidos corporais são responsáveis,
de diferentes maneiras, por importantes funções
vitais, podemos nos lembrar aqui do sangue e da
urina. São eles parte integrante do conjunto de
processos bioquímicos, que formam o fundamento de todas as diversas capacidades humanas que
se estendem até a alma e o sentimento. No trabalho apresentado por Siegbert Franklin em 2009
em Fortaleza, dangerous liquids, o espectador se vê
frente a uma onda sedutoramente bela. Somente
ao lançar-lhe um segundo olhar mais detalhado ele
reconhece tratar-se, de fato, de frascos pequenos
que contém droga – fluidos que seduzem com sonhos e felicidade, mas que trazem consigo o perigo
de destruição do corpo, da mente e da vida.
dangerous liquids, 2009
TEVAUHA
Coleção de gotas de suor
O suor também faz parte dos fluidos corporais.
O artista suou muito no Brasil. Não teve, porém,
um sentimento de repugnância em relação ao
suor, mas tomou o fato naturalmente como uma
parte integrante da sua auto-percepção e da sua
percepção do mundo. A simpatia que sentimos
por alguém também está relacionada ao gostar ou
não do seu cheiro, e não deixa de ser um aspecto
importante para uma amizade ou um relacionamento amoroso. Quando se constitui o suor?
Quando está quente demais, ou também quando
estamos sentindo calor por estarmos trabalhando
ou nos movimentando, ou ainda, porque suamos
em gotas por medo.
O artista coleciona o suor resultante, por exemplo,
de uma corrida ou de uma sauna, mas também
após um ballett masculino em um
baile de carnaval; junta, a seguir,
suas amostras de suor gota a gota
em tubos de ensaio e vidrinhos de
remédio, fechando-os com rolhas
de cortiça e lacre, apresentando seus
tesouros em uma mala pendurada
no espaço (MACC do Dragão do
Mar, Fortaleza, 2009), ou em uma
vitrine com prateleiras (Wasser Água, Nuremberg, 2008). Um DVD
de trinta minutos também documenta o processo de obtenção das
gotas de suor.
Gotas de suor, 2008, 2009
110
Herbert Rolim
morte e vida após a morte
‘Desde o início a minha criação artística foi engajada,
pois eu vivia e trabalhava nos anos oitenta no Brasil,
sob os efeitos de uma ditadura militar. Acompanhei
uma tendência na arte chamada de ’utilúdica’, ou
seja, um manifesto sobre a possibilidade de transformar o mundo através da arte. A seguir, nos anos
noventa, meus trabalhos se tornaram mais estáveis
e auto-referentes, passando a ter como tema o corpo
e a memória. Hoje procuro criar uma relação entre o
homem e a natureza que seja contemplativa e poética,
sem contudo pretender uma transformação do mundo
por meio disto. Quero sentir e interrogar o mundo
assim como ele é’ (H. Rolim em entrevista com Inga
Thieme, 2008).
É possível abraçar o seu amigo depois que ele
morreu? O fim da existência corpórea do amigo
torna impossível um abraço corporal. No entanto, o sentimento não
morre com o corpo. No trabalho de
Herbert Rolim não existem corpos
- somente camisas, tiradas do corpo
encontram nos encostos de cadeiras
novo apoio – camisas cujas mangas
extra-longas se unem. É possível
sentir uma vagarosa separação, um
retraimento. Mas a relação intensa
permanece. Ainda que o corpo morra, um núcleo imaterial se conserva.
A morte interrompe a vida, que é
temporal. No entanto, o que fica
não é nada.
sem título, 2006
Renate Gehrcke
Delírios de heróis e de morte
Herbert Rolim enfatiza uma visão muito pessoal e
humana da morte, do luto e da lembrança. Em Helden
[Heróis], no entanto, os heroís de Renate Gehrcke,
por outro lado, lança um olhar de volta à morte ‘heróica’, motivada politicamente, e que atualmente nos
parece tão desumana, distante e incompreensível. No
entanto, nos anos trinta e quarenta do século passado, justamente na Alemanha, ela era extremamente
idealizada - até que a Segunda Guerra Mundial trouxe
uma visão mais sóbria, não mais possível de ser nega-
da, sobre os terrores de guerra e morte
(mais uma vez). Um trauma, cujos efeitos ainda ecoaram por várias décadas
e que influenciou, sobretudo de forma
decisiva, a geração pós-guerra. O que
permanece dos heróis que deixaram
sua vida no ‘campo da honra’? Somente invólucros corpóreos vazios, enterrados sob montes de terra, em vitrines
de vidro, como objetos advindos de es-
cavações da história
passada e recente,
que nos falam de
lutas, que há muito
perderam o sentido
que tinham naquela
época. Metáforas
para a morte sem
sentido!
Heroís, 1993, Kunsthaus Nürnberg, 1993; Fora do Plano, SESC Pompeia, São Paulo, 1994
112
Berit Klasing
Juventude versus transitoriedade
o partir para sua viagem ao Amazonas com a Ponte
Cultura, em 2009, Berit Klasing leu em um folheto
de viagem o seguinte:
‘Brasil, fonte da juventude!’. Uma promessa e tanto:
transformar em novo o que está velho, tal qual um
produto de limpeza qualquer que limpa algo sujo
– ou uma água mágica que lava a idade e a transitoriedade, descartando-as como se fossem uma
pele indesejável da qual nos podemos livrar. Não é
verdade que no nosso interior ainda nos sentimos
tão jovens quanto antes?
Primeiramente, a artista colocou em sua mala de
viagem uma grande foto em forma de papel de
parede, que ainda não havia sido utilizado, cujo
motivo era a “Lüneburger Heide”, a charneca
de Lüneburg, a paisagem de sua
juventude no norte da Alemanha,
intocada e mágica na foto. Chegando ao Brasil, chamou-lhe a atenção
a pintura verde de muitas casas (um
tom de verde que ela só conhecia
do comercial ‘Meister Propper’).
Escolheu esta cor para pintar seus
regadores, que deveriam se encher
com a ‘água da juventude eterna’.
Para completar este mundo de
conto de fadas só faltava o ‘Espelho,
espelho meu’ da Branca de Neve,
ou o sapatinho de princesa da Gata
Borralheira e o cordão de ouro, que
fonte da Juventude, 2009
nos lembra de que muito, mas nem tudo, pode ser
comprado com dinheiro (ainda que a indústria
cosmética nos ofereça muitas águas da juventude).
O efeito, no Brasil, desta paisagem (charneca) foi
tão extraordinário e exótico, quanto também foi o
próprio tipo físico da artista, uma mulher loira, do
norte da Europa. Ela aparenta jovialidade e vivacidade e se mostra cheia de planos de futuro na arte
e na vida. Mas ela também se encontra numa fase
da vida, na qual, pela primeira vez, lança o olhar ao
passado e reflete. Até quando as coisas vão continuar sendo dessa maneira? Nada pode ser retido!
Para onde será que me leva o meu caminho? O estereótipo do Brasil como uma terra da juventude e
da alegria de viver foi rapidamente revisto tão logo
a artista chegou ao país, ao ver o seu lado oposto
em todos os lugares à sua volta: pobreza, velhice,
transitoriedade.
A percepção da transitoriedade entre o nascimento e a morte também foi um tema no trabalho
de Berit Klasing na exposição da Ponte Cultura
Wasser - Água. A antiga lavanderia da AEG foi
transformada: de um lado, sobre os compridos
tanques foram pendurados objetos-útero que na
parte superior se transformavam em cactus. Manchados de vermelho, como se estivessem manchados de sangue. Dor de parto. No lado oposto,
bonequinhos de lã boiavam dentro de pequenos
recipientes de madeira. Como se fossem pequenos
caixões-boiantes – Charus manda lembranças!
(conf. Chris Rocha). O espectador que entrava na
performance, que se dava na lavanderia, via-se em
pé no meio destes dois lados. Sob seus pés havia
areia granulada. Seu andar tornava-se inseguro e
cambaleante. Podia se movimentar somente com
cuidado. Enxergava-se nos espelhos que estavam
pendurados na parede de ambos os lados, tanto
naquele do nascimento quanto no da morte. A
transitoriedade se fazia presente!
a leveza da água e o peso da vida, 2008
114
Monique Weissmüller
Juventude versus transitoriedade
Monique Weissmüller faz uma citação dos vultos
femininos joviais da Primavera de Sandro Boticelli em seu quadro. Aqui, porém, estes vultos não
se encontram mais andando por entre árvores
iluminadas, mas pairam sobre o oceano (o lugar do
Nascimento de Vênus). Uma encarnação da leveza
da juventude! A pureza iluminada e a elegância
do quadro contrastam com as torneiras salientes
e os tanques corroídos nesta exposição da Ponte
Cultura, Wasser-Água, no antigo galpão de fábrica
da AEG. Água enquanto imagem onírica pintada,
de um amplo e distante horizonte evanescente
no mar e de luz solar, por um lado, e, em contraste, uma fonte de água bem próxima para lavar
as mãos, utilizada na vida cotidiana dos antigos
trabalhadores da fábrica. Complementando o
quadro, o chão na frente do quadro-objeto. pendurado na parede, encontrava-se coberto de folhagem seca ali esparramada. A primavera do quadro
contrastava, desta forma, com o outono presente
no material da natureza. Vida e vigor da juventude
como pólo oposto ao velho e transitório. Juventude eterna e noção de morte.
Printemps après Botticelli, 2008
Tempo
116
Finitude da vida
Infinitude das
ideias
Nas discussões apresentadas anteriormente, a respeito de quanto a arte e a vida se encontram entrelaçadas,
já se notava com freqüência cruzamentos e sobreposições de diferentes camadas do tempo.
A vida inicia-se com o nascimento e finda com a morte. Existem, no entanto, caminhos que levam para
além destes limites e da transitoriedade, pois as ideias
do presente se desenvolveram a partir do passado e
prosseguirão assim no futuro. Por mais que cada indivíduo único seja fechado em si mesmo, ainda assim
ele está no mundo, que se conecta com ele das mais
variadas maneiras possíveis.
A Ponte Cultura ocupou-se durante muitos anos com
o fenômeno do tempo. Neste sentido, ‘A busca pela
vagarosidade’ foi um ponto de partida para workshops
e exposições. Os artistas, porém, repetidamente rompiam os limites colocados pelos questionamentos
iniciais, trazendo para a discussão os mais diferentes
aspectos relacionados ao tempo.
Artistas escolhidos:
Patricia Furlong, Bernardo Krasniansky, Stefani Peter,
Liz Miller, Gerlinde Pistner, Wilson Netto, Fernanda Amalfi,
Chico Penteado, Jürgen Braun, Rita Kriege,
Amarie Bergmann, Renate Gehrcke, Carola Dewor,
Margalho Açu, Fred Ziegler
118
Patricia Furlong
esconder e revelar
No workshop da Ponte Cultura art in progress em
2002, Patricia Furlong fez uma enquete entre os
participantes para encontrar aqueles conceitos
e ideias, que fossem especialmente importantes
para eles e que lhes ocorressem espontaneamente. Com moldes de letras escreveu então estas
palavras na parede da exposição – e cobriu-as
uniformemente com uma camada de tinta preta.
O processo especial utilizado para tanto permitia
raspar, a seguir, a parede com um objeto duro e,
desta forma, revelar novamente as palavras escondidas por trás da tinta preta. A artista convidava os
participantes para esta atividade.
O conceito de esconder e revelar apontava indicava para além do trabalho artístico propriamente
dito. Iluminava o fato de que para nós humanos
é possível, graças à escrita, reter pensamentos,
‘congelá-los’ e, em algum momento, voltar a revelálos.
Podemos lembrar aqui também do procedimento
de arqueólogos, que às vezes descobrem arquivos e
bibliotecas com mais de mil anos, que por sua vez
revelam escritos perdidos e que são então decifrados. Muitas peças de argila com letras cuneiformes
ou papiros com hieróglifos assim encontrados
contém somente conteúdos referentes à contabilidade ou textos sobre cruzadas de guerra. Mas, reiteradamente, mundos e sistemas de pensamentos
de pessoas já mortas abrem-se para nós, quando
estão em jogo questões como visão de mundo ou
religião. Este fato deixa claro, então, que a escrita é
capaz de superar a transitoriedade.
Uma ponte de comunicação se estabelece do agora
em direção a um passado profundamente remoto – e certas questões existenciais, bem como as
ideias sobre amor, felicidade e esperança certa vez
podem ter sido as mesmas que aquelas atualmente
escritas na parede de textos de Patricia Furlong.
Tempo Finitude da vida/ Infinitude das ideias
Parede com palavras escondidas, 2002
120
Bernardo Krasniansky
Dar nova vida para o redescoberto
Bernardo Krasniansky sentiu-se tocado por um
velho álbum de poesias encontrado em um antiquário brasileiro. Apropriou-se do caderninho,
preservando-o de ser descartado e de ter seu
conteúdo esquecido. O artista não era capaz de
entender as palavras ali escritas em alemão. Ainda
assim, ou talvez por isso mesmo, encantou-se com
a aura do objeto-livro. Cobriu página por página
com suas pinturas. Desta forma, trouxe o passado
esquecido do pequeno livro para o seu próprio
presente.
Na exposição da Ponte Cultura Zeitlupe - Camera lenta em Nuremberg existia para o visitante
alemão um aspecto de interesse bastante específico com relação ao tempo neste trabalho de Krasniansky.
Ao lermos “Dein Vetter Erich” [‘seu primo Erich’] seguido da data “1922”, logo pensamos que
Friedchen Eiergrün, a proprietária original do
álbum de poesias, muito provavelmente não emigrou voluntariamente da Alemanha para a América do Sul. Certamente carregava na sua bagagem
estes pequenos textos, redigidos carinhosamente
pelo seu primo e por outros parentes no seu álbum
uma ou duas décadas antes de sua partida, quando teve que deixar a Europa por causa do regime
nazista. Para ela o álbum de poesia estabelecia uma
ponte entre a nova pátria e a antiga. Guardava nele
todo o amor e dedicação, que lhe couberam na
sua antiga vida, agora perdida. Estes sentimentos
aconchegantes, ainda que ‘congelados’, ainda podem ser reavivados. Combinam-se com a presença
direta da pintura, cuja cor dominante azul nos faz
pensar no mundo de sentimentos e na aura da ‘flor
azul’ do romantismo alemão.
Diario, 2005
122
Stefani Peter
diários
Stefani Peter não escreve seus diários, mas os desenha. Durante muitos anos a artista levou adiante
seu projeto de produzir diariamente um trabalho
dobrável, na forma de um Leporrello. Alguns colecionadores adquiriram peças individuais, que nas
respectivas coleções são então geralmente apresentadas individualmente em cima de um pedestal
ou de uma peça do mobiliário, expressando ali sua
aura. A artista, no entanto, apresentou várias vezes
um conjunto de trabalhos (ou seja, relativo a um
intervalo de tempo) em exposições. Nestas exposições os desenhos então encontravam-se dobrados,
amarrados e arquivados, não permitindo assim
uma visão imediata do seu interior. Um depósito
de lembranças e ideias. Dias ‘retidos’ que se trans-
formam em tempo ‘congelado’. Mas
a qualquer momento é possível
pinçar um dia qualquer do passado
e retirá-lo, desdobrá-lo, abri-lo e
contemplá-lo. Revela-se então uma
obra de arte enquanto um indivíduo
que também incorpora o tempo do
seu surgimento! Quando mais tarde
ela é novamente dobrada e guardada – então também desaparece retomando o seu lugar de pertinência
no passado.
Diários dos anos 90
Diários dos anos 90
Liz Miller
excesso de informação
Já no início da Ponte Cultura a artista brasileira
Liz Miller expôs um tipo muito especial de arquivo na exposição Travessia / Übergänge, no MAC
do Ibirapuera em São Paulo em 1994. Posicionou
então, em cima de pequenas colunas, caixinhas de
estantes abarrotadas de papel. Cada caixa parecia
um módulo, retirado de uma quantidade muito
maior de informações imagináveis. O conteúdo dos papéis permanecia oculto ao espectador.
Esta encenação cerimoniosa nos levava a crer
que se tratava de algo muito importante e valioso.
Colecionar informações, que ninguém pode ou
quer ver, já é algo em si absurdo. Corresponde, no
entanto, em grande medida aos procedimentos
adotados em bibliotecas ou arquivos, que têm
como objetivo armazenar de tudo
para o futuro. Este material, porém,
só terá algum sentido quando um
dia for selecionado por alguém,
aberto e analisado a partir de
questões específicas, processado e
desenvolvido. É justamente na era
do computador que estamos nos
tornando cada vez mais conscientes
de que a quantidade de informação
disponível é grande demais para ser
absorvida por uma só pessoa. Quase
que afogamos no oceano informático virtual e ansiamos por módulos
que podemos abarcar com informa-
ções concretamente palpáveis, como
estes módulos
quase nostalgicamente encenados
por Liz Miller.
Excesso de informação, 1994
124
Gerlinde Pistner
sra. Sacola Milagrosa olha para trás
Nostalgia – somos alcançados por um sopro
repleto de idílios do passado quando assistimos
ao vídeo schau, schau [olhe,olhe] de Gerlinde
Pistner, que é acompanhado da música Zillertaler
Harfenländler tocada por Lilo Kraus. Gerlinde se
apresenta com um vestido, cujo modelo nos faz
lembrar os ‘bons e velhos tempos do estilo pequeno burguês Biedermeier’, e ainda, o ponto no i, ela
segura um pequeno e gracioso guarda-chuva sobre
a cabeça. Somente olhando mais atentamente observamos que o vestido que nos inspira todo este
romantismo de fato não é feito de tecido, mas sim
de sacos de plástico colados um no outro. Um material descartável e símbolo de consumo da atualidade estabelece aqui uma ponte do presente com o
passado. Ambas as camadas temporais interligamse assim. A vida e a idéia, a realidade e o sonho
formam uma nova unidade. Ao invés de prosseguir, o tempo parece parar e se voltar para trás
por um curto instante. O vídeo schau, schau foi
produzido como uma colaboração para o projeto
da Ponte-Cultura Zeitlupe – câmera lenta. Ele não
foi filmado, mas montado a partir de uma coleção
de fotos individuais, de modo a surtir um efeito de
estiramento temporal totalmente intencional. O
fluxo do tempo é cortado em imagens individuais,
que ainda assim se juntam intencionalmente formando uma nova sequência. A continuidade dada
pela música é importante para esta nova unidade
assim estabelecida. A auto-definição da artista
como sra. Sacola Milagrosa dá ao todo um toque
irônico-humorístico.
schau, schau, 2007
Wilson Neto
tempo presente e tempo de Goethe
Se o passado estiver claro e aberto
Hoje você é fortemente livre
E ainda pode ter esperança
que amanhã você não será menos feliz
da ao tempo atual para fazer uma ponte entre
Brasil e Alemanha? Quando as nossas seleções
nacionais disputarão novamente o título de
campeão mundial?
Passado-presente-futuro foram reunidos nesta
poesia por Johann Wolfgang von Goethe, poesia
que o artista brasileiro Wilson Netto incluiu em
alemão em uma de suas colagens da série Goethe
– vida. Wilson Netto escreveu, a seguir, em vermelho, e em português, na parede da exposição: ‘Não
sei nada sobre ele’.
O que eu conheço? O que isto significa para
mim? O que ainda é relevante para mim no aqui
e agora? Talvez a ‘Wanderers Nachtlied (ein
Gleiches)’ [Canção noturna do caminhante,
(uma igual)], que também foi incluída na colagem – e que permanece válida para sempre:
Referir-se a Goethe e seu tempo é também no
Brasil algo que tem um sentido. A Alemanha, país
de poetas e pensadores, é um mito. Sua importância nacional já se tornou um patrimônio cultural
mundial. Mas quem (na Europa ou na América do
Sul) de fato ainda lê Goethe hoje em dia? Uma bola
de futebol, como aquela que foi colada sobre a mão
de Goethe pelo artista, não seria bem mais adequa-
Sossego descansa
Sobre todos cumes
Não se nota
Em todos os topos
Sopro algum;
Os passarinhos silenciam na floresta.
Aguarde,
Logo, logo
Também você descansará sossegado
sem título, 2006
126
Fernanda Amalfi
mulher-lua e tempo místico
Fernanda Amalfi recua ainda um pouco mais na
história da humanidade do que o fizeram Gerlinde
Pistner e Wilson Netto.
Ainda que o sol e a lua não tenham gênero sexual, nas línguas romanas, em muitos povos nãoeuropeus e em muitas culturas pré-históricas a lua
é feminina (e o sol masculino). Luna, ‘a lua’, ou a
mulher-lua, ainda hoje tem um papel importante
nas representações esotéricas atuais (aqui se sugere uma busca destes nomes no Google). Na nossa
sociedade, há milênios dominada pelo patriarcalismo (e que somente há poucos decênios começou
a questionar de forma crítica seus próprios fundamentos baseados na divisão de gênero), parece
bastante natural que artistas como Fernanda
Amalfi retomem representações há muito ‘enterradas’ e que estabelecem uma ligação entre o cosmos
e o homem (resp. entre a lua e a mulher) incluindoas nas suas reflexões artísticas. A relação das fases
da lua com a menstruação mensal é certamente o
que mais chama a atenção aqui, e é através dessa
que o ritmo de vida feminino era relacionado ao
cosmos nas representações de velhas culturas
impregnadas pelo matriarcalismo – algo parecido
também se dava com relação às marés marítimas.
Em oposição a isto, as mulheres atualmente são
educadas a enxergar sua menstruação mensal
somente como um fardo incomodo, que deve ser
preferencialmente negado.
tornaram tabu no nosso presente.
Na série Mulher-lua, nos seus trabalhos em papel, ela se refere a ídolos
de fertilidade da idade da pedra (por
exemplo, a Venus von Laussels de
25.000 anos), nos quadros se refere a
discos lunares com sinais mágicos, e
nos objetos esculturais, a corpetes e
couraças corporais algo fetichistas.
Símbolos da sexualidade feminina
individual e da fertilidade são novamente relacionados com dimensões
cósmicas. Ressurgem tempos místicos, há muito tidos como perdidos.
O passado alcança o presente.
Fernanda Amalfi não está preocupada com pesquisa científica ou histórico-cultural de antigas
ordens sociais matriarcais, mas, ao contrário,
tenciona captar aspectos da feminilidade que se
Torso I, 2005
Torso II, 2005 - 2006
128
Chico Penteado
Jürgen Braun
mensageiros de tempos primordiais
Gerlinde Pistner e Wilson Netto estabelecem
uma ponte entre diferentes tempos históricos
que abrangem os últimos dois séculos. Fernanda
Amalfi recupera idéias de tempos pré-históricos.
Chico Penteado e Jürgen Braun, porém, nos fazem
pensar em idades da Terra que se passaram há
milhões de anos.
Chico Penteado moldou em látex seres que só
chegamos a conhecer em sua forma fossilizada e
preencheu com eles as paredes e janelas da escadaria que levava à entrada da exposição Zeitlupe - câmera lenta. Em uma sala muito próxima,
a Sociedade de História Natural
havia exposto um grande fóssil com
pegadas de um animal pré-histórico
de 190 milhões de anos, exposição
que ainda não havia sido totalmente
desmontada e retirada. Desta forma
estabeleceu-se ali uma relação
direta entre uma apresentação de
ciências e uma apresentação artística. O artista não documentava somente um animal pré-histórico dos
tempos primordiais, mas também
reproduziu várias vezes a sua forma
original em material da atualidade,
criando assim
um conjunto de
animais estranhamente graciosos,
que, provindos de
tempos há muito
passados, retornaram ao nosso
presente.
Trilobites, 2005
Seres que de fato não existem mais, que estão
extintos, cuja transitoriedade em última análise
remete à finitude de todas as formas vivas que a
evolução fez surgir em milhões de anos. Durante
quanto tempo ainda existirão seres humanos?
Milhões de anos? Centenas de anos? Decênios?
‘Meus animaizinhos de silicone retornam à trilha
do tempo agora, e no futuro permanecerão como
lembranças da era do plástico’.
Em vários conjuntos de sua obra Jürgen Braun
também forma objetos de três dimensões, que
remetem à fossilização de ossos de dinossauros,
de caramujos gigantes ou de ouriços marítimos.
No entanto, o que está colocado em
primeiro plano para ele é a seguinte
questão artística: escultura ou pintura? Ele trabalha em lona montada
em chassis, que a seguir é pintada,
ou seja, com pintura! Porém, em
termos da sua relação com volume e
espaço seus trabalhos se alinham à
tradição da escultura e são também
percebidos pelo observador primeiramente como um trabalho de
escultura.
Animal encouraçado
animal com casca, 2005
130
Rita Kriege
Jürgen Braun
em linha reta ou por desvios
Rita Kriege apresentou na Bienal de Jaboticabal,
em 2003, um labirinto luminoso que tinha um
diâmetro de um metro e meio e era feito por uma
Slimline amarela (um cabo plástico eletrificado
e iluminado). Retomou ali um tipo de labirinto,
o ‘labirinto de Creta’, que chegou até nós através
das antigas moedas minóicas de três mil anos, e
que também foi encontrado nos petroglifos em
Val Camunica no sul dos Alpes, ou ainda com os
índios da América do Norte. Não se trata aqui de
um labirinto com muitos caminhos que se bifurcam e no qual existe o perigo de se perder, mas, ao
contrário, apresenta-se como um sistema no qual
não existe a possibilidade de errar o caminho. A
entrada e o centro, o início e o destino, no entanto, somente são alcançados através de um longo e
tortuoso caminho, que se desloca da esquerda para
a direita, circundando o centro sete vezes. Poderia
ser um símbolo para o caminho da
vida, que não vai em linha reta do
nascimento até a morte? Ou um
caminho do conhecimento, que
somente alcança seu destino graças
aos seus desvios e às mudanças de
rumo? Um convite para se tomar o
tempo e refletir? Uma peregrinação?
O caminho é o destino? Chegando
ao destino, ao centro, resta somente
a volta, o retorno para o ponto de
partida da jornada. Uma interpretação possível seria a auto-renovação
‘Entrar no labirinto significa a morte, sair dele o renascimento.’ (Rita
Krieger, Conceito para um labirinto, 2003).
Jürgen Braun desenhou um labirinto no chão do Centro Dragão
do Mar em Fortaleza, em 2006. Era
um labirinto com muitos caminhos
principais e alternativos, que se
separavam e se reuniam novamente,
lembrando rios. Várias entradas e
saídas davam ao sistema todo uma
abertura e uma sensação positiva,
contrastando desta forma com o
labirinto conhecido através do mito,
escuro e ameaçador, no qual o Minotauro devora sua vítima.
Uma ponte sobre o tempo, 2003
Labyrinth, 2006
132
Amarie Bergmann
do mito ao tempo cósmico
de Naxos. Totalmente abandonada
e dormindo na praia foi encontrada
pelo deus do vinho, Dionísio, que
de pronto se apaixonou por ela e a
fez sua noiva. A sua coroa, que havia
ganho de Theseus, foi atirada aos
céus por Dionísio, transformandose na referida constelação.
O nome da constelação ‘Coroa do Norte’ (“Corona Borealis”), que pertence às 48 constelações da
astronomia da antiguidade, também está relacionado ao mito do Minotauro. Ariadne, filha dos
reis cretenses Minos e Pasifaé, deu ao filho do
rei de Ática, Theseus, uma espada sagrada com
a qual ele haveria de matar o meio-irmão dela, o
Minotauro, que devorava virgens e jovens. Após o
feito, e graças ao fio vermelho de Ariadne, Theseus
achou novamente a saída do labirinto habitado
pelo Mintotauro. Na fuga em conjunto em direção
a Atenas, Theseu deixou Ariadne para trás na ilha
Amarie Bergmann não está muito
interessada no sentido mitológico
da constelação, mas, ao contrário,
investiga a transformação real ou
aparente da ‘Coroa do Norte’ ao
longo do fluxo do tempo - trabalho
que realiza como parte da exposição
Zeitlupe - Câmera lenta da Ponte
Cultura, em 2005. Ao observar
uma constelação de estrelas ‘real’
no mesmo horário, em duas noites
diferentes com um intervalo de
tempo de somente alguns dias ou
semanas, as observação das constelações parecem idênticas entre si.
Repetindo esta observação com um
intervalo de tempo de seis meses,
por outro lado, nota-se que houve
um movimento de rotação de 180
graus na observação da constelação.
Após um ano, porém, a constelação
parece retornar ao seu ponto inicial
– como se não houvesse passado
tempo algum.
A constelação se modificou? Ou foi
somente a nossa
posição que se
alterou ao longo do
ano em função da
diferente localização da Terra no
universo? O ser se
define pelo devir e
pelo transitório, ou
seja, pela transformação, conforme
pensava Heráclito?
Ou toda transformação é somente
uma aparência
superficial, que
nada pode transformar no ser
estático e que
permanece sempre
igual, conforme
postulava Parmênides?
Corona Borealis, 2005
Gerlinde Pistner
o Sol não possui caixa de correio
Mitologia, Astronomia e Astrologia, reflexões obstinadas sobre o ser e o devir – nada disso precisa
ser levado tão a sério! ‘o Sol não possui caixa de
correio’ e outras verdades absurdas foram escritas
por Gerlinde Pistner nos seus desenhos. Aceitar
o ser tal qual ele é. Interromper as interrogações
ali, onde alcançamos o nosso limite.
Ainda assim, superar nossos limites
com o devido humor. Desta forma podemos nos livrar das nossas
reflexões obstinadas, e dar lugar a
um sorriso, tal qual ele nos acomete
reiteradamente
quando estamos
diante dos trabalhos de Gerlinde
Pistner.
o sol não tem caixa postal, 2005, 2006
134
Força da água e
força da vida
Após um predomínio inicial de reflexões sobre identidade cultural e conceitos de arte, nos últimos anos
a Ponte Cultura intensificou a discussão do problema
do tempo – parar ou continuar, ‘fluir’ rapidamente ou
vagarosamente. A partir disso paulatinamente a temática central foi se deslocando em direção ao foco
atual água, que será mais uma vez ressaltado de forma especial no encerramento da presente amostra de
obras.
Exemplos:
Maira Ortins, Sissi Fonseca, Edith Derdyk, Lisa Haselbek,
Muriel Maire, Margot Delgado, Fernanda Amalfi,
Natalie Fari, Klaus Treuheit, Marianne Stüve,
Andrea Altemüller
136
Maira Ortins
A finitude do mar
Estruturação na natureza de cima para baixo:
Céu, água, praia – mas no quadro: céu, praia, água.
Mesmo assim, o quadro funciona como quadro,
pois a estrutura integra a delimitação horizontal
superior e inferior do formato do quadro. Conhecemos este procedimento de numerosos artistas
da arte moderna e contemporânea, como por
exemplo de Marc Rothko. No entanto, Maira Ortins altera o formato do quadro tradicional quadrado, na medida em que altera perspectivamente o
ângulo das quinas dos dois lados para, desta forma,
ressaltar o tema horizonte. Todavia, no horizonte
não colidem mais céu e água. A superfície normal-
força da água e força da vida
mente parecendo infinita da água
do mar fica estreitamente limitada
pela faixa de areia. Em frente do
quadro, no chão encontra-se um
vaso grande de vidro com água.
Também a sua água é limitada.
Se não areia, mas petróleo ou outros
poluidores deslocando em medida
crescente a parte da água (limpa) do
mar, torna-se, um dia tragicamente
claro que também a água do mar é
finita, embora nos sempre parecer
infinitamente disponível. O biótopo
mar está em perigo
e com ele um
suporte de vida do
homem.
Horizontes virados, 2008
138
Sissi Fonseca
a onda dançante
Conhecemos bem a visão que temos das ondas do
mar a partir da praia - rolando em nossa direção,
sendo estancadas pelas águas rasas e se espraiando
às vezes um bom pedaço terra adentro coroadas
de maresia. Ao final de seu percurso descarregam
grãos de areia, pedrinhas, conchas e material de
praia e finalmente retornam em direção ao mar.
Sissi Fonseca iniciou sua performance no dia 19 de
outubro de 2008, na entrada da exposição Wasser
– Água. Movimentava-se engatinhando como uma
onda dançante o salão da exposição adentro. O
fundo musical era composto somente pelos ruídos
do seu corpo se arrastando pelo chão e pelo suave
som de chocalho vindo das coisas
escondidas dentro do saco que carregava consigo. Ao chegar no final
do seu caminho esvaziava o material
de praia, retornava no caminho
que havia feito e se recolhia no seu
ponto de partida. Freischwimmen
- Nado Livre foi o nome dado a sua
performance, através da qual o movimento que emprestou do mar se
tornava uma pose de libertação.
Nado Livre, 2008
140
Edith Derdyk
a força da onda
Ao contrário das ondas que se quebram e se espalham suavemente na praia, como aquelas encontradas nos trabalhos de Sissi Fonseca e Maira Ortins, Edith Derdyk, no seu trabalho Wasser-Água,
apresenta-nos como tema a enorme força capaz
de se avolumar nas ondas marítimas, fazendo para
tanto uso de três ondas compostas de pilhas de
papel.
Esse tema nos remete prontamente à força destruidora dos tsunamis, que levaram à morte em
torno de dez mil pessoas nos países do Oceano
Índico, no final de 2004, e no Japão, no início de
2011. Também nos lembramos de A grande onda
de Kanagawa, a gravura colorida em madeira de
Hokusais - com certeza a imagem mais famosa
de uma onda na história de arte. Ali um okinami
(uma onda realmente gigantesca que se quebra em
mar aberto) está se formando com enorme força,
enquanto pequenas pessoas em seus minúsculos
barcos parecem desafiar a força da natureza, que
de tão grande faz até o monte Futschijama, que se
ergue poderosamente no fundo
da tela, parecer um mero acessório da natureza.
Ao contrário destas associações,
Edith Derdyk não nos conta de
um acontecimento ou de uma
catástrofe específicos. Ela aqui
não reproduz algo, mas parte
da escolha de um material que é
introduzido artisticamente. O papel, usualmente utilizado como
superfície inicial para pintura
e desenho, torna-se o próprio
material plástico. Pilhas de papel
são dispostas e deslocadas de
maneira a formarem três grandes
carreiras de ondas, que se avolumam com força. Ainda assim
deixam entrever o frágil equilíbrio entre a força acumulada pela
altura da pilha de papel e a força
de gravidade, que faz com que
tudo novamente se desfaça, dissolvendo a pilha de
folhas de papel na extensa
superfície do chão. As
diferentes camadas de
papel parecem se deter
por alguns instantes neste
movimento deslizante de
mútuo deslocamento de
Força da Água e Força de
Vida. Será que a seguir
os elementos individuais
voltarão se avolumar com
mais força ou se dissolverão em correntezas divergentes?
São exatamente as diferentes alturas e curvas
existentes nas três fileiras
de material que
fazem dos três montes de
papel uma metáfora para a
força que pode estar contida em diferentes intensidades nas ondas do oceano. A dimensão próxima
ao tamanho humano nos
indica não se tratar aqui
de forças que se avolumam
indicando uma catástrofe,
mas antes de experiências
cotidianas, que podemos
experimentar quando
caminhamos na água da
praia, sentindo as ondas e
mergulhando nelas.
a onda, 2008
142
Lisa Haselbek
o gelo como acumulador de energia
Não é somente em sua forma de ondas em movimento que a água pode ser percebida como um
verdadeiro ‘acumulador de energia’, mas também
quando se encontra congelada no estado solidificado de gelo.
Na instalação fotográfica Gletschermilch [Leite
de geleira], apresentada em 2009 na exposição
Terra dos Rios, na Galeria do Banco da Amazônia
em Belém, Lisa Haselbek expôs fotos de detalhes
de rachaduras e divisões existentes ao longo da
superfície de geleiras. Nas suas imagens, estes
elementos ‘lineares e plásticos’ aparecem não somente como estrutura ‘gráfica’ ou ‘movimentos de
pincel’ transformado, mas, sobretudo, documentam também as enormes forças que se acumulam e
se descarregam durante o vagaroso e quase imperceptível deslizamento das enormes massas de
gelo em direção ao vale. Cada imagem individual
delimita o ‘caos-gelo’ e lhe dá a forma geométrica
de um hexágono. A soma de todas as imagens foi
colocada na parede, organizada na forma de estrutura de um cristal de floco de neve. Do ponto de
vista artístico, a forma clara conjunta da instalação
de parede contrasta com o preenchimento das formas interiores de cada fotografia individual. Em
relação ao conteúdo, também se nota o contraste
de leveza e abertura da estrutura dos flocos de neve
com a sensação de peso e de algo compacto transmitido pela geleira.
A energia congelada e armazenada no gelo pode
irromper sem freios na água derretida - é o que nos
mostra o vídeo Gletschermilch de forma impressionante. Este documentário sobre massas de água
retumbantes foi apresentado por Lisa Haselbek
na exposição Wasser – Água em Nuremberg,
em 2008. Projetou então seu filme sobre um
antigo móvel para se lavar, fazendo de tela
o lugar da onde a cuba havia sido retirada.
Por um lado, o móvel doméstico espremia
as forças da natureza para dentro de limites
‘humanos’ estreitamente definidos e, por
outro, apontava para a idéia de que a água
domada e canalizada provinda de geleiras se
torna um
fornecedor muito importante de água para a
vida doméstica, o jardim e a agricultura.
Na exposição Água no MACC Dragão
do Mar em Fortaleza, em 2009, a artista
projetou o mesmo vídeo Gletschermilch,
desta vez sobre uma tela grande na parede,
combinando-o com formas de cúpulas de
montanhas. Do ponto de vista da história
da arte impõe-se aqui o aspecto do sublime,
que na estética desde o tempo dos românticos teve um papel importante como polo
oposto ao belo. A natureza não domesticada
da região dos Alpes, que ao final representa
a impossibilidade do homem de dominar as
forças da natureza, e que por esta razão lhe
parece extremamente ameaçadora, corporifica e simboliza também as forças às quais
estamos submetidos. Estas nos conectam
com todo o universo, ao mesmo tempo em
que ancoram de forma transcendental nossa
existência individual.
leite de geleira I, 2008/leite de geleira II, 2009
144
Muriel Maire
a beleza da água congelada
Em oposição a Lisa Haselbek, cujo tema eram as
poderosas e gigantescas formas das geleiras e a
água derretida que irrompe delas com toda força,
Muriel Marie aqui descobriu no pequeno mundo
de um riacho do sul da França os frágeis traços da
água congelada. Congelamento, derretimento,
condensação traçam linhas livremente oscilantes
e áreas levemente flutuantes no micro-mundo
fixado pela fotografia. A natureza cria um ‘objet
trouvé’, que a artista descobre e logo fixa na imagem, antes de ele desaparecer para sempre. O ir e
vir desta beleza do gelo simboliza como em uma
câmera-lenta o começo e o fim de qualquer existência.
Le temps emprisonné, 2005
146
Margot Delgado
O circuito da água
Nuvens no céu da tarde. Preparam-se
para chover. São cheias de água. As nuvens
quase parecem rochas. Rochas das quais
corre água.
(Margot Delgado, Entrevista Inga Thieme)
A evaporação e formação de nuvens
assinalam igualmente o início e o fim do
circuito da água. O caminho do rio termina na
desembocadura. Toda água corre para o mar.
Lá chegou ao seu fim. Mas, pode evaporar –
modificar seu estado de agregado. Não mais
ser água, mas nuvem - pairar no ar - ser
dissipada pelo vento – “viajar” ao redor do
mundo – em forma de chuva, tornar-se água
novamente - baixar às profundezas da terra
– renascer de novo como fonte. Nos trabalhos
de Margot Delgado, nuvens tornamse “rochas das quais corre água”.
Nada se perde neste sistema fechado
em si . Tudo que é, permanece? O estado agregado pode cambiar. Um objeto ou um ser vivo podem dissolver-
se em elementos
isolados que, por
sua vez, tornar-seão alicerce para que
algo de novo possa
surgir.
Nuvens, 2008
Fernanda Amalfi
Lagrimas do cèu
Água evaporada pode condensar nas janelas de aviões. Formam-se gotas geralmente despercebidas.
Fernanda Amalfi, a artista de La vie en rose (v. p. 65)
se deu conta dessas “lágrimas do céu”. Sua configuração a fez pensar na Sphaira que como esfera de
cristal celestial, em representações antigas, engloba
todo mundo . Pensou também no fato de que nas
coisas pequenas as grandes podem ser reencontradas. E lembrou-se de Poseidon que desceu do céu
para tornar-se deus do mar. No olhar pela janela
sobre céu, nuvens e o mundo lá embaixo mesclamse às vezes recordações pessoais do passado com
sonhos do futuro. Cada vôo entre América e Europa – ou para algum (nenhum) outro lugar torna-se
assim uma “viagem sentimental”.
Gotas de Água, 2008
148
Marianne Stüve
vasilhame de pensamentos
Marianne Stüve trabalha há algum tempo com
trançados de nylon em vários conjuntos de obras
(ver p. 105), assim também nos seus ‘bottles’ - objetos plásticos em forma de garrafas que circunscrevem um volume parcial dentro de um espaço
total. Estes volumes em forma de garrafas são
‘desenhados’ no espaço somente por meio destes
fios de nylon trançados, de tal forma que, apesar da
delimitação linear que lhes dá o contorno, o espaço interno e o espaço externo ainda assim mantém
uma porosidade que possibilita um fluxo constante de um para o outro. Em um primeiro plano, esta
obra trançada delimita um espaço vazio, ou seja,
um ‘nada’. Mas, na verdade, garrafas são vasilhames que servem para ser preenchidos por algo.
Um primeiro uso seria o preenchimento por algo
basicamente líquido. Uma utilidade secundária,
no entanto, poderia ser vê-los preenchidos ‘somente’ por pensamentos (e assim por ‘tudo’).
Um emissor envia uma mensagem em uma garrafa para uma viagem em direção ao desconhecido
lugar nenhum=todos os lugares. Emissor e receptor não se conhecem! Será que a mensagem sequer
encontrará um receptor?
Que bela metáfora para a relação entre o artista e o
espectador acaba de ser formulada! Cada obra de
arte é um vasilhame, ao qual o artista
confia seus pensamentos. Mas é também um vasilhame no qual cada espectador pode colocar suas próprias
idéias. O artista envia o trabalho
por ele finalizado para uma viagem
em direção ao desconhecido. Porém, esta viagem partindo do ‘lugar
nenhum’ sem sentido em direção ao
‘em todos os lugares’ pleno de sentido
só pode ser realizada quando algum
espectador descobre a obra de arte
para si mesmo. É então que a garrafa
fechada volta a ser aberta, liberando
a mensagem do artista e acolhendo
os pensamentos do espectador nela.
Somente então do ‘nada’ surge um ‘ser’.
E mais, as garrafas aqui geralmente
não aparecem individualmente, mas
agrupadas em pequenos conjuntos
que parecem estar em comunicação tanto com o espectador como
também entre si. No interjogo recíproco das formas e do jogo de luz e
sombra existe um reforço recíproco
na expressão de movimento, leveza
e abertura.
empty bottles, 2006
150
Natalie Fari
Klaus Treuheit
a água como elixir da vida
Nathalie Fari e Klaus Treuheit realizaram um
projeto conjunto como parte integrante da exposição Wasser - Água. Neste projeto a artista performática estabeleceu uma relação exemplar entre
si mesma e o elemento molhado da água através
de suas ações como tocar a água, esparramá-la
e mergulhar nela, enquanto o músico ampliou a
performance acrescentando-lhe uma dimensão
acústica. Os dois atores continuaram a desenvolver a performance durante a própria execução,
quando então momentos espontâneos de troca de
idéias aconteceram. Assim, esta performance só
foi apresentada desta forma uma única vez e não
pode ser repetida (de forma idêntica).
Beach Crossing, 2008 (Fotos Daniel Schäfer)
152
Marianne Stüve
cada gota é valiosa
No seu trabalho em vídeo desenvolvido em conjunto com Klaus Treuheit, Tropfen – gotas, Marianne Stüve se dá o tempo para observar o lento
gotejar da água, um acontecimento em si pouco
espetacular. O espectador também é convidado a
tomar o tempo para olhar, perceber e refletir. Estas
gotas de águas são de fato irrelevantes? Ou será
que elas não nos remetem à idéia de que podemos
estar lidando de forma pouco cuidadosa com nossas reservas de água - não considerando que cada
gota de água em si é valiosa?!
Drops, 2006 - 2008
154
Andrea Altemüller
Água em excesso
Em sua série Pools, que Andrea Altemüller mostrou na exposição da Ponte Cultura - Água - no
Dragão do Mar, Fortaleza 2009, a artista se valeu
das possibilidades da fotografia para produzir
quadros que perpetuem e desenvolvam mais as
tradições artísticas. Em tais trabalhos, a configuração do quadro é aproveitado de modo composicional com o objetivo de produzir um balanço sedutor
de superfícies, formas e cores. Seguidamente
horizontais e verticais articulam a área inteira, mas
linhas onduladas também podem desempenhar a
função de estruturar. Os detalhes artísticos escolhidos dentre a infinita multiplicidade de possibilidades dirigem o olhar a elementos formais que
levam a pensar em princípios da arte construtiva.
Ao lado destes aspectos formais
podem, todavia, também ser reconhecidos nesses trabalhos pontos
de vista de ordem sócio- política e
ecológica. Tempo de verão e diversões aquáticas deixam pensar em
férias de sonho, mas também na
consciência pesada que já deveríamos ter diante o excesso turístico.
Em países meridionais secos (nos
viajamos para lá para deixar para
trás o frio e a chuva) desperdiça-se
água para o bem dos turistas em
forma da construção de cada vez
mais gigantescas paisagens-piscinas
ou até da irrigação
dispendiosa de
campos de golfe em
áreas de deserto.
Maior, mais caro,
ainda mais estrelinhas – crescimento
vale como motor
em direção futuro.
A nossa terra oferece água em excesso
para sempre- para
todos ou apenas
para os ricos?
Pools, 2008
Epílogo
A quantidade de artistas e obras de arte de importância para a Ponte Cultura foi reduzida no texto
anterior a uma seleção exemplar e estruturada em
quatro blocos temáticos. Obviamente, cada obra
de arte possui não apenas uma resposta para o
tema ao qual foi juntada. Sempre outros aspectos
oscilam juntos, de forma que, com certeza, outros
princípios de organização teriam sido possíveis.
Foi, no entanto, muito importante para mim, não
seguir simplesmente a cronologia de workshops e
exposições ou a ordem alfabética dos nomes dos
artistas, pois a Ponte Cultura cresceu em mais de
duas décadas como um organismo vivo ou então
como um rio em que sempre desemboca algo de
novo, que ele aceita e carrega adiante.
Olhando para o início da Ponte Cultura e o desenvolvimento que esta instituição tomou até
hoje, parece estupendo o número de atividades e
projetos que esta iniciativa privada tem lançado e
concretizado. Aqui quero remeter às relações do
apêndice.
Na avaliação histórico-cultural da Ponte Cultura
gostaria de ressaltar especialmente os seguintes
aspectos:
A promoção do intercâmbio cultural do Brasil
(América Latina) para Alemanha (Europa) e vice
versa deixa-se enquadrar em uma internacionalização da arte cada vez mais importante, que há
muito não é mais atada a centros vanguardistas na
Europa e Estados Unidos, mas que funciona cada
vez mais independente do local e a um nível global.
Determinante é o artista em seu agir bem como
a rede comunicativa em que se encontra. Neste
particular, Ponte Cultura estabeleceu relações importantes, impulsionando e promovendo o intercâmbio intercontinental entre artistas .
Muito simpática em Ponte Cultura é a abertura e
Epílogo
156
“largura”. Não se trata de destacar
mais ainda um artista já estabelecido e coberto de medalhas, mas
muito pelo contrário, atuar sobre
fundamento largo. Obras de ponta
necessitam de larga base! Algum dos
artistas que no passado agia junto à
Ponte Cultura, entrementes “cresceu para além” deste círculo. Por
outro lado, também artistas forneceram contribuições importantes
que não tiveram sempre em sua vida
a arte no foco de suas atividades.
Onde se encontra a divisa entre
“artistas profissionais” e “dilettanti”?
Para a qualidade de uma obra é relevante se o artista teve uma formação
universitária, terminando com um
diploma? Independentemente de
estratégias de carreira artística,é
possível que criatividade leve a trabalhos importantes, interessantes,
com posicionamento social bem
como histórico(cultural)?
Olhando no conjunto dos artistas
que participaram de atividades
da Ponte Cultura, percebe-se que
constam numerosos profissionais
respeitados, que em suas pátrias e
ao nível internacional ocupam posições importantes e desempenham
funções e atividades. Por outro
lado, também havia sempre de novo
pessoas “obliquamente entrados”
(Quereinsteiger) (“Não”-artistas?)
que foram inspirados pela Ponte
Cultura a trabalhos surpreendentes,
pense-se somente em Pat Woolham (v. p. 75) ou
Muriel Maire (v. p. 144).
Ponte Cultura sempre objetivava funcionar como
um catalisador entre (artistas)-personalidades e
construir pontes. Se por um lado - para artistas
mais que para qualquer um- é de extrema importância, definir-se como individuo que se delimita
de outros; por outro lado, torna-se cada vez mais
decisivo –não apenas para artistas – chegar longe
através da comunicação e troca de idéias. Todos
nos temos a tarefa de encontrar um caminho coletivo para o futuro, que leve cada vez mais enérgico da sociedade excludente (exemplo extremo:
Alemanha nazista) a uma sociedade “inclusiva” do
“global village”.
O tópico “Arte e Vida” desempenhou sempre um
papel importante quando se tratava do criativo
progresso de desenvolvimento do nosso mundo.
Enquanto este grito de guerra desde os anos
sessenta do século passado sempre foi taxado de
agitação sócio-política, hoje destacam-se iniciativas como Ponte Cultura pela naturalidade com que
unem arte e vida, fazendo disso uma fonte criativa
para nosso futuro comum.
em baixo:
Marianne Stüve
na conversação com
Clemens Heinl
á Fortaleza, 2006
(foto: Bruno Weiß)
158
Texte aus
zwei Jahrzehnten
Inga Thieme, Brasilien
Schmelztiegel
der Kulturen
Résumé des Vortrags anlässlich des Workshops
“Sambaqui”, 1990
Identität und Kunst. Wenn sich heute der Begriff
“Kunst” als übernationale Kategorie versteht, so
kann nicht außer acht gelassen werden, dass Kunst
das Produkt von Künstlern ist, von Menschen also,
die als Bewohner eines bestimmten Landes und
Teilnehmer einer bestimmten Kultur, Kulturträger
sind und die kulturspezifische Art ihres Denkens
und Fühlens bewusst oder unbewusst in ihren
Kunstwerken zum Ausdruck kommt. Es ist gerade
die Kulturbrille des künstlerisch Schaffenden, die
dynamisiert und in die Einheitlichkeit globaler
Themata Bewegung bringt.
Unter diesem Gesichtspunkt kann es nicht belanglos sein, sich einmal Gedanken um die eigene
Kulturidentität zu machen. Was sind Schwerpunkte in dieser spezifischen Art des Sehens und
Begreifens? Welches sind die moralischen und
ästhetischen Werte, welches das Selbstverständnis
im Hinblick auf soziales und natürliches Umfeld?
Auf brasilianische Verhältnisse angewandt,
wollen die anschließenden Bemerkungen nur
einmal in groben Zügen die Zusammensetzung
dieser Kultur und den Beitrag hauptsächlich der indianischen Erstsiedler erörtern.1) Wie bereits der Titel “Brasilien - Schmelztiegel der Kulturen” vermuten lässt, kann
das, was die brasilianische Kultur ausmacht, als Prozess
verstanden werden. Dieser begann mit der “Entdeckung”
dieses Landes vor 500 Jahren und ist bis dato noch lange nicht abgeschlossen. Der so lange Zeit in Anspruch
nehmende Integrationsprozess hängt unleugbar mit
Klassen- und Rassenunterschieden zusammen. Es kann
mit Sicherheit behauptet werden, dass dem bürgerlichen,
allgemeinen Trend in Richtung McDonalds und Tennisschuhe die Entwicklung einer authentischen brasilianischen Kultur entgegensteht, deren Hauptelemente
afrikanischen Ursprungs sind. Man denke nur einmal an
populäre Musik wie Samba und Lambada oder an religiöse Manifestationen und den aus Christenglauben und
afrikanischen Gottheiten zusammengesetzten Synkretismus: Umbanda, Candomblê, etc.. Aber auch indigene
Elemente sind im brasilianischen Kulturgut mit eingewoben. Auf diesen, den Wenigsten bekannten Beitrag soll
hier einmal näher eingegangen werden.
In der multi-ethnischen und multikulturellen indianischen Urbevölkerung sind es vor allem Kulturelemente der
unter dem Begriff Tupi-Guarani zusammengefassten Tupístämme des Küstengebietes und der
weiter südlich und im Innern des Landes einstmals siedelnden Guaraní, die in die brasilianische
Kultur einflossen. Von den ersten Anfängen an
in Kontakt mit dem portugiesischen Kolonisator,
wurden von diesem eine ganze Reihe von Kulturelementen aufgenommen, vor allem Nahrungsmittel und deren Zubereitung: bis heute spielt zum
Beispiel die von Amazonas-Indianern vor mehr als
fünftausend Jahren domestizierte Maniokwurzel
eine grosse Rolle, sowohl in Form von dem daraus gewonnenen Mehl – das Vielzweckprodukt
Maniokmehl – als auch als Wurzel, gekocht als
Beigabe zu Fleisch- und Fischgerichten. Desweiteren sind indianisches Domestikat: die Süßkartoffel, die Tomaten, Bohnen der verschiedensten
Arten, Kürbis, Kakao. Wenn wir noch das Andengebiet mit hinzunehmen, kommt unter anderen
Nutzpflanzen die in Europa so wichtige Kartoffel hinzu. Wie kaum ein Biologe war und ist der
Indianer ein Pflanzenkenner, der wesentlich zur
Identifizierung der essbaren oder sonstwie nützlichen Pflanzen beigetragen hat. Von ungeheurer
Wichtigkeit für die Automobilindustrie wurde der
Gummibaum (Hevea brasiliensis), der später in
Indonesien in Monokulturen angebaut wurde. Die
unter Kleinbauern praktizierte Urbarmachung
kleiner Flächen, die Wechselwirtschaft, sowie
der Polikulturanbau beispielsweise von Mais und
Bohnen, gehen auf indianische Praktiken zurück.
Desweiteren wurde – hauptsächlich im Norden
und Nordosten – die Hängematte als Bettersatz
erfunden. Ästhetische und hygienische Gepflogenheiten, wie Depilation und häufiges Baden folgen
indigenem Schönheits- und Sauberkeitsempfinden.
Der indianische Beitrag beschränkt sich jedoch
nicht auf diese pragmatischen Aspekte. Im Sprachbereich 2), im Volksglauben, in Prosa, Musik
und Theater sind Einflüsse indigener Kulturen zu
verzeichnen oder bieten Indianer und indianische
Kulturelemente Motive zur Inspiration 3).
Nicht eingegangen in die brasilianische Kultur ist unter
vielem Anderen die indianische Naturauffassung, beziehungsweise das Selbstverständnis dieser Bevölkerung,
das erst heute im Zusammenhang mit Umweltfragen
relevant wird. Der Mensch ist für den Indianer kein
höheres Wesen. Genau wie er sind auch die Tiere mit
Intelligenz begabt und haben ihre Kultur. Und sie haben
ihren “Herrn” der Tiere oder der Tierart, der dafür sorgt,
dass der Bestand erhalten bleibt. Solche Vorstellungen
knüpfen sich an die Konzeption eines kosmischen Energiegleichgewichtes, in welchem Input und Output equivalent sein müssen
Wie versucht wurde zu zeigen, war der indianische
Beitrag zum brasilianischen Kulturbild nicht ohne Bedeutung. Die Kenntnis dieser Kulturleistung rückt – so
möchte ich hoffen – den brasilianischen Indianer in ein
anderes, besseres Licht, denn im Gegensatz zum “edeln
Wilden” rousseauscher Prägung, hat dieser in Brasilien
bis zum heutigen Tag keinen allzu hohen Stellenwert.
Abschließend noch ein Wort zu der europäischen und
japanischen Einwanderung: In den Schmelztiegel der
Kulturen kamen neben den anfänglich portugiesischen
und den erwähnten indianischen und afrikanischen – im
19. und 20. Jahrhundert – weitere europäische sowie auch
japanische Elemente hinzu. Von all diesen wohl am intensivsten waren diejenigen italienischen Ursprungs. Deutsche, polnische und spanische, sowie auch japanische
Kulturelemente blieben bis zum heutigen Tag weitgehend
gruppenspezifisch, das heisst, ohne größeren Einfluss auf
die sich herausbildende brasilianische Kultur.
1) Der amerikanische Kontinent wurde ursprünglich von nicht
spezialisierten Jägern und Sammlern bewohnt, die mit rudimentären Waffen dem Großwild der Eiszeit nachjagten. Vor ca.
zehntausend Jahren erschien dann der Paleo-Indio, ein Jäger
und Sammler, der, ausgerüstet mit der Pfeilspitze Clóvis, noch
der Megafauna aber auch schon die Fauna des beginnenden
Holozäns verfolgt.
2) In der portugiesischen Sprache Brasiliens kommen eine
große Menge Vokabeln der ursprünglichen “Lingua Geral”
(allgemeine Sprache) vor. Es handelt sich vor allem um Namen
160
von Orten und Flüssen, wie zum Beispiel der Stadt
Mogi Guaçu (ausgedehntes Sumpfgebiet), oder des
Baches Anhangabaú (wenig Strömung). Auch Namen
von Pflanzen und Tieren, wie Manacá (rosa und weiß
blühender Waldbaum) oder Jacaré (Kaiman).
3) Aus der Vorstellungswelt der Indianer kennen wir
zum Beispiel den Curupira mit nach hinten gekehrten
Füßen oder Macunaíma, den charakterlosen Helden des
gleichnamigen Romans von Mário de Andrade. Auch
die schamanistischen Metamorphosen von Mensch zu
Tier sind in den populären Vorstellungen und Gebräuchen des brasilianischen Interiors zu finden. Mit Bezug
auf die Musik oder zumindest der musikalischen Inspiration ist hier das tief in indigenenen Themen wurzelnde Werk von Villa Lobos zu erwähnen.
Jaguargeschichten
Vortrag anlässlich des Workshops “Arte no Casarão” in
São Bento de Sapucaí, 1998
Fernweh und die Suche nach dem Anderen, Themen der
diesem Workshop vorausgegangenen Forumsdiskussion,
sind nicht nur die Sehnsucht oder Suche nach anderen
Ländern, anderen Menschen, Lebensweisen, gesellschaftlichen oder gar materiellen Verhältnissen. Es ist
auch und vor allem die Suche eines anderen Selbst- und
Weltverständnisses, anderer Ansichten, anderen Wissens.
In unserer heutigen, für esoterische Dinge so aufgeschlossenen Zeit ist es unter anderem das heute noch in
verschiedenen Ländern anzutreffende schamanistische
Wissen, das gesucht wird. Vor allem was die Heilung
von Krankheiten anbelangt, steht solches Wissen oft in
höherem Ansehen als unsere wissenschaftlich fundierten medizinischen Kenntnisse. Ein Beispiel solch hohen
Ansehens ist der Fall eines berühmten Vogelforschers in
Brasilien. Als letzte Rettungsmöglichkeit galt sogar dem
Präsidenten des Landes die Kunst eines Schamanen.
Wie Studien in dem für derartige Kenntnisse wohl
bekanntesten Land, Sibirien, gezeigt haben, ist der
Schamanismus engstens mit Tiervorstellungen verbunden. Tiere sind das Alter Ego des Schamanen. Aber auch
Uneingeweihte haben diesen Vorstellungen zufolge ein
Leittier. Das konnte ich bei einer sogenannten Selbstfindungstherapie bei einem russischen, heute in Brasilien
lebenden Heilpraktiker sogar selbst erfahren: in eine Art
Vorschlaf versetzt, sollte mir in diesem Zustand mein
Leittier erscheinen. Vor meinem inneren Auge zeigte sich
tatsächlich ein kleiner Affe. Er sah hinter einem Baumstamm hervor, wollte sich aber nicht weiter nähern. Sollte
dies etwa mein Leittier gewesen sein? Das distanzierte
Verhalten des kleinen Tieres lässt keine eindeutige Interpretation zu. Was jedoch relevant ist in unserem Zusammenhang, ist die Tatsache als solche.
Im Amazonastiefland sind ähnliche Vorstellungen anzutreffen. Hier nimmt das Leittier in den meisten Fällen die
Gestalt eines Jaguars an. Er erscheint während bewusstseinserweiternder Séancen und wird in vielen Fällen zum
grossen Helfer des Schamanen. Schamane und Jaguar
sind häufig ein und dasselbe. In der Vorstellungswelt
vieler Ethnien Amazoniens und anderer Gebiete des Kon-
tinents aber auch schon bei den prähistorischen
Hochkulturen des Andengebietes spielt er jedoch
noch eine ganze Reihe anderer Rollen, wird zu
Gott, Vorbild und Ahne, zu Partner, Kulturbringer
und ähnlichem.
gling zu beseitigen. Aber nicht nur verfolgt er Mensch
und Tier auf seinem Gebiet. Laut alten Chroniken geht
sein Mut so weit, dass er sich aufrichtet und den Kampf
mit seinem Jäger aufnimmt, bis einer von beiden erliegt.
Es musste nicht immer der Jaguar sein.
Die anschließende Lichtbilderreise in die Vergangenheit und zu verschiedenen Gruppen der
Gegenwart will einige dieser Vorstellungen
veranschaulichen. Bevor wir nun aber diese Reise
antreten, möchte ich noch kurz auf den Grund der
grossen symbolischen Beliebtheit des Jaguars zu
sprechen kommen. Wie kommt dieses Tier, eines
der gefährlichsten Raubtiere des Kontinents zu
einem so hohen Ansehen, wird zum Träger aller
möglichen Vorstellungen, zum Inbegriff höheren
Wissens? Wie kommt überhaupt ein Tier dazu,
mehr zu wissen als Menschen?
Der Jaguarforscher Rabinowitz erzählte einmal in einem
seiner Berichte, wie er von einem Jaguar um ein Haar
getötet worden wäre. Es war bei der Befreiung aus einem Käfig, in welchem er das Tier zurückbrachte in die
Freiheit. Nachdem er die Tür des Verschlages geöffnet
hatte, stürzte sich das empörte Tier heraus und auf seinen
“Peiniger”. Mit Ach und Krach konnte sich Rabinowitz
noch in die Kabine des Jeeps flüchten.
Von unserem (westlichen) anthropozentristischen
Standpunkt aus gesehen, hat ein Tier überhaupt
kein Wissen. Bei den infrage stehenden Völkern
und Ethnien hängt der hohe Status des Jaguars
wohl mit seinen ganz konkreten physischen
Eigenschaften und seinem Verhalten zusammen.
Was ihn auszeichnet vor allen Tieren ist vor allem
seine Courage. Aus eigener Erfahrung kann ich
berichten, dass er vor Menschen nicht davon läuft,
wie andere Tiere, sondern sie aus nächster Nähe
belauert und jeden ihrer Schritte verfolgt. Dieses
wahrhaft mutige Verhalten des Jaguars wurde mir
während einer archäologischen Prospektionsfahrt auf dem Rio Negro, einem der unzähligen
Flüsse des Pantanalgebietes in Brasilien bewusst:
der Jaguar durchschwamm den Fluss und verschwand im Uferwald. Nach einer Weile hörte
man ein wiederholtes Schreien. Es kam, wie mir
der Bootsführer erklärte, von dem aufgebrachten
Jaguar, der uns als Störenfriede empfand und aus
seinem Revier verscheuchen wollte. Wir fuhren
weiter und hatten den Zwischenfall schon längst
vergessen. Als ich dann aber an einer Uferstelle
weiter flussaufwärts, an einer Barranke nähere
Untersuchungen und Messungen anstellen wollte,
erschien auf einmal direkt über mir der mächtige
Kopf des Tieres. Es war uns die ganze Zeit gefolgt
und drauf und dran, den unliebsamen Eindrin-
Neben seinem Mut und seiner Courage wird das “Feuer”
in seinen Augen als Auszeichnung angeführt. Dieses lässt
ihn auch bei Nacht gut sehen und lässt ihn, zusammen
mit seiner grossen Gewandheit, mit der er sich sowohl
auf dem Land als auch im Wasser und in der Luft (auf den
Bäumen) bewegt, zum Inbegriff des kompetenten, unübertroffenen Jägers werden.
Wir kommen nun zurück zu den Jaguarassoziationen.
Die Dias zeigen graphische Repräsentationen dreier
vorkolumbianischer Hochkulturen der Andenregion
sowie vereinzelter Kulturen des Amazonasbeckens. Was
sich zusammenfassend über die ikonographischen Darstellungen der alten Kulturen sagen lässt, ist die häufige
Wiederkehr nicht des Jaguars in seiner ganzen Erscheinungsform, sondern nur bestimmter Charakteristiken,
und zwar seiner zweifelsohne bedeutendsten, nämlich
seiner Zähne und Krallen. Wo immer sie erscheinen
auf Stelen, Obelisken, Keramik- und Metallartefakten
oder in der Textilkunst sind diese Merkmale - sogenanne
“Kennings” - direkte Hinweise auf dieses Tier und seine
Fressgewohnheiten, die für die Menschen Opfertod und
Blutvergießen bedeuten, aber auf der andern Seite, Fruchtbarkeit für Mensch und Natur verheissen.
Im östlichen Amazonastiefland auf der anderen Seite,
scheinen Jaguarrepräsentationen eher mit seinen Fähigkeiten zusammen zu hängen. Riten und Mythen verschiedener Ethnien lassen klar erkennen: der Jaguar wird
hier zum grossen Vorbild als Jäger und Kämpfer.
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Água - Elixier da vida
Basistext für den Workshop “Wasser / Àgua”,
St. Dézèry, 2007
Água, precioso presente dos céus, onde quer que
ocorra, no colo da terra, em rios, riachos ou lagoas,
engendra-se vida, encontram-se condições para
a vida. Água era o elemento em que a evolução se
iniciou. Da água viemos e de água consistimos em
boa parte. Água é um importante alimento para
humanos e animais. O mundo vegetal depende
dela em grau até mais elevado. Sem água não há
crescimento. Uma olhada na história das civilizações mostra que a água, ou melhor, a escassez dela
desempenhou papel determinante no surgimento
das primeiras grandes teocracias. Seja a alta cultura da Suméria, Assíria ou Egito, todas nasceram
em lugar onde havia escassez de água. Conforme
a teoria mais convincente, em tais circunstâncias,
somente uma distribuição igualitária e justa dos
poucos recursos aquáticos podia garantir a paz
interpessoal. Tal tarefa teria exigido uma instância centralizada, um órgão acima dos interesses
particulares. Com isso, a formação do estado e
todo desenvolvimento civilizatório teriam sido
encaminhados.
Ao lado de todas estas funções e utilidades, água
é empregada ainda para uso caseiro como, por
exemplo, limpeza, lavagem, banho ou escova de
dentes. E ainda: uma quantia enorme de água
é consumida por fábricas, estabelecimentos de
produção, etc.
Em resumo deixa-se dizer: água é um bem de
inestimável valor. Sua presença significa evolução,
continuidade da vida, saúde, bem-estar, riqueza.
Nos, cidadãos de hoje, esquecemos da importância
que tem este elemento para nos. Não nos interessa
o quanto dependemos dele. “Não temos tempo”
para tais reflexões. A falta ou excesso da água até
podem chamar nossa atenção, mas enquanto
podemos abrir a torneira, tudo isto não se torna
problema efetivo.
O excesso assim como a falta, no entanto, tem sido desde
tempos imemoráveis razão de grandes carestias. Hoje em
dia é sobretudo a falta, mas também o excesso, que têm
conseqüências desastrosas. O primeiro, um fenômeno
contínuo de muitos países do terceiro mundo. O excesso,
porém, que se manifesta em forma de inundações, também ocorre em países do mundo ocidental. Vide a inundação do rio Elba, há alguns anos atrás.
A origem destas desgraças é em ambos os extremos a
mesma: a devastação da natureza em forma de desmatamento de florestas inteiras e cabeceiras dos rios e riachos
. Esta destruição completamente irracional e destituída
de juízo origina, num primeiro passo, a desertificação dos
solos e total secagem das fontes. Seguem como consequência falta de água > falta de crescimento das plantas >
penúria.
No segundo momento, em tais solos, chuvas fortes causam erosão e depósito de terra nos leitos dos rios, diminuindo sua capacidade de suporte, o que seguidamente
leva a transbordos e inundações .
Ao contrário de nossa ignorância ou desinteresse em tais
conexões ecológicas fundamentais, os nossos antepassados há dois milênios atrás se deram conta da importância
dos elementos essenciais para a vida. Estes antepassados,
os celtas, que na época ocupavam largas partes da Europa
ocidental, não dispunham de tecnologia para conduzir
rios inteiros sobre aquedutos e em canais a lugares distantes, como a possuíam os romanos. O que, no entanto,
tinham era um grande respeito e adoração pela natureza .
Reconheciam nas suas forças e seus elementos, em flora e
fauna. suas divindades e espíritos.
A água, que aqui nos interessa particularmente, era um
dos quatro elementos fundamentais, ao lado da terra, ar
e do fogo. Animada por espíritos – as undinas – (espíritos
da água) a sua ajuda fora invocada em ritos e práticas para
fins específicos. Cada um dos quatro elementos pertencia
a um dos pontos cardeais. A água era associada ao oeste.
Uma invocação deste elemento podia ter o seguinte teor:
“Grande espírito do oeste,
Forças da água onipotentes.
Nos as chamamos e invocamos:
Pássaro de prata, peixe veloz, cisne nadando e golfinho.
Rio, cachoeira, mar, ondas e rápidos da água, oceano
do qual viemos.
Príncipe da luta da penumbra de outono.
Senhora do por do sol.
Espírito que satisfaz.
Senhores da compreensão.
Santo espírito feminino da energia da água.
Anciã do mar, sábia e sem idade.
Vida pulsante.
Forças da água enviem seu fluxo
Por toda a força do três vezes três vêm a nos.
Sejam bem vindos”
Como se percebe, a água era um elemento de
propriedades contraditórias: era ao mesmo tempo
unidade e pluralidade, masculina e feminina, nova
e velha, sábia e cheia de vida.
Entre os gregos da antiguidade, a physis (natureza)
era lugar dos fenômenos naturais e sobrenaturais.
Nunca se sabia com certeza se estava diante de
um ser deste mundo ou de um mundo superior.
Um homem no campo ou na floresta podia ser um
homem ou um deus ou semideus. Entre os celtas, a
natureza era igualmente povoada por seres naturais e sobrenaturais, com uma diferença: os fenômenos e seres da natureza eram simultaneamente
também da sobrenatureza. A água, portanto, era ao
mesmo tempo água e espíritos da água.
No decorrer do tempo, durante as modificações
demográficas e religiosas da Idade Média e Renascimento, o animismo celta sofreu alterações
consideráveis: as undinas, espíritos caritativos,
transformaram-se em lindas sereias que seduziram homens incautos. Homens aquáticos raptaram princesas e levaram-nas ao seu reino no
fundo das águas. As sacerdotisas celtas tornaramse bruxas ou fadas malvadas que, nas fontes das
águas, transformaram crianças em animais selvagens, ou
que afogaram lindos jovens que à nado queriam alcançar a
amada do outro lado do lago.
Nosso tempo racional colocou o mundo encantado dessa
época no mundo das crianças. Nele ainda se fala de fadas
e ninfas, de meninos transformados em animais, príncipes em apuros, lindas princesas. No mundo apressado dos
adultos, no entanto, o encanto e a fé nas forças da natureza
de outros tempos cederam lugar para um desrespeito total
e uma exploração das suas dádivas sem limites. No que
diz respeito à água, ela está aí para ser usada. Em quantidades imensas. Sem escrúpulos. De acordo com um chefe
do conselho deliberativo da Nestle, Brabeck Lethmathe,
são 50 litros diários que um europeu gasta apenas para
beber, lavar e higiene pessoal. Acrescentam-se, contudo a
inacreditável quantia de 8000 litros que nos “comemos”,
pois cada caloria vegetal custa para sua produção um litro
de água; cada caloria de origem animal dez vezes mais.
Hoje vivem no mundo 6,5 biliões de pessoas. Claro, muitíssimas delas não tem, ou tem pouco acesso a água limpa.
Mas mesmo assim, são muitos milhões de litros que são
gastos diariamente.
Se agora lançarmos uma olhada nos recursos aquáticos
disponíveis na terra, chegamos à convicção de que não
são altos e além disso, divididos de forma extremamente desigual.. Como falado, existem países com escassez
constante. Na costa peruana, por exemplo, água é tão
escassa que mesmo em cidades como Trujillo, na costa
norte, se toma banho com um único balde de água. E,
pensando em certos estados da África ou em países como
Afeganistão, esta situação ainda é muito pior.
Qual, afinal, seria a quantia de água disponível na terra?
Cerca de 71% da superfície terrestre são cobertos de água,
mas somente 2,53% dessa porcentagem é água doce. E
dessa quantia, ainda algo mais da metade é inacessível
para o consumo humano por ser fixada em forma de gelo
nos pólos, glaciares e solos constantemente congelados.
Outra parte considerável dela forma o lençol freático. A já
referida devastação de largas áreas e sobretudo das cabeceiras dos rios e riachos, em todos os países um fenômeno
frequente, mas também a Versalzung (salinização ?) causada pela irrigação artificial, como se tornou conhecida a
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partir da experiência de Israel, deixam a água secar
ou tornar imprópria para o consumo, de forma que
no final somente resta uma fração de 0,3% para o
consumo.
Estes números são assustadores, pois como falado,
os recursos não são infindáveis e, em função do
consumo demasiadamente alto nos países ocidentais, recuam rapidamente. Em breve, escassez
de água não será mais um fenômeno limitado aos
países do terceiro mundo. Por isto, o chefe do
conselho deliberativo da Nestle diz com razão:
“comparado com a mudança climática, a crise da
água será de longe mais perigosa”.
O que pode ser feito para evitar uma catástrofe
dessas? O referido autor menciona neste contexto
a técnica genética e o desenvolvimento de espécies
botânicos de pouco consumo de água. De qualquer
maneira, conforme Brabeck Lethmathe, não devem ser permitidas monoculturas para produção
de energia em países com irrigação artificial .
Sem dúvida, uma alternativa seria dessalinizar a
água do mar. Contudo, pelo menos por enquanto,
uma tal alternativa é utópica porque impossível de
ser realizada.
O que fazer então? O que especificamente vocês,
artistas, podem fazer ? Do seu ponto de vista? Ainda se deixa fazer algo? Já nos tempos atuais lutam
povos e grupos sociais pela água. Veja as altitudes de Golan no Oriente Médio. De acordo com
previsões científicas, não seriam raras tais lutas
entre sociedades do mundo inteiro pelo bem mais
precioso da humanidade.
Ainda resta muito que pode/deve ser feito. Não
pode ser perdido mais tempo. Por esta perspetiva
ameaçadora e pela urgência de encontrar soluções,
o workshop deste ano da Ponte Cultura é totalmente dedicado à agua .
A pretensão é sensibilizar e motivar os artistas a
passos mais adiantes, já a partir deste texto, mas
depois também por discussões, brainstorming e
ações variadas.
Durante o workshop queremos realizar experiências
diversas com a água. Vivenciamos, por exemplo, no vale
do Gardon, modo de ser e práticas da cultura da época dos
caçadores e coletores. Ao lado de fontes dessecados como
a de Bornègre serão encenados ritos (programados e espontâneos), invocando os espíritos para conceder a volta
do elemento precioso. Conheceremos a hidráulica romana a partir do imponente aqueduto Pont du Gard, bem
como aquedutos menores e canais que se localizam ao
longo de um vale aos pés da pequena cidade de Uzès. Em
uma casa de lavagem da Idade Média experimentamos
velhas práticas de lavar roupas e, em um rio lavaremos e
branqueamos roupas de acordo com rituais medievais.
Tudo isso deve ser sentido e experimentado, ou seja, estas
atividades devem ser encenadas a partir de dentro da tradição daquela época. Palavras introdutórias, explicações,
estórias e leituras são previstos como substrato inicial ou
parte integrante de cada atividade. Imprensa e público são
bem-vindos.
O que pode-se esperar de todas estas atividades? É possível que se encontre nelas uma solução para o problema
água? Os antigos procedimentos certamente não oferecem soluções. Servem porém para a sensibilização e
inspiração criativa dos artistas, provocando a produção
artística que delas possa resultar, uma conscientização do
público em larga escala.
1) Die Apotheose der Naturerscheinungen – Animismus – findet
sich bis heute in den aus Afrika stammenden Religionen wie
Umbanda/Candomblé oder Macumba.
“Naturgötter und Naturgeister besitzen Wirkkräfte, die lediglich
in unserem intellektualisierten Zeitalter kaum mehr wahrgenommen werden. Aber auch in Europa erlebte man in früheren
Zeiten deren magische Realität” (Serge Bramly, 1978, S. 10)
Evolution und
Kulturentwicklung
im Süden Frankreichs
Grundlagentext zum Workshop “Wasser / Àgua”,
St. Dézèry, 2007
Der Süden Frankreichs und spezifisch die Gegend
entlang des Flusses Gardon im Languedoc ist seit
Urzeiten Aufenthaltsort der Menschen. Hier, in
einer der unzähligen Höhlen, gibt es eine Datierung angetroffener archäologischer Funde von
50.000 Jahren, das heißt: vor 50.000 Jahren haben
hier Menschen gelebt. Es war die Zeit des Neandertalers (Homo sapiens neandertalensis), der
vor 100.000 Jahren auftauchte und bis ca. 35.000
v. Chr. existierte. Dieser in seiner Anatomie wie
auch seiner Kultur noch weitgehend primitive
Mensch, der noch vieles von seinem Vorgänger,
dem Homo erectus, an sich hatte, verfolgte mit
ganz rudimentären Waffen – unter dem Namen
des französischen Fundortes Mousterien bekannt
- eine Megafauna, die in ganz Europa während
der Eiszeit (Pleistozän) von 800.000 v. Chr. bis
ca. 10.000 v. Chr. anzutreffen war und zu der
Mammuts, Wildpferde, Rentiere und Auerochsen
zählten.
Ab 34.000 Jahren erscheint auf der Bildfläche ein
anderer Menschentyp: der Crô-Magnon-Mensch,
Homo sapiens sapiens, unser aller Vorfahre.
Dieser Mensch des jüngeren Paleolithikums hatte
eine stattliche Figur und moderne, dem heutigen
Menschen ähnliche Charakteristiken. Wie sein
Vorgänger jagte er Tiere der Megafauna, jedoch
mit besseren Waffen, die nach ihren ersten Fundorten Chatelperronien, Aurignacien, Gravettien,
Solutréen, Magdalenien benannt wurden.
Mit den besseren Werkzeugen, aber auch mit
einem anderen Hilfsmittel setzte der Crô-Magnon-Mensch die Jagd auf Großwild fort. Dieses
andere Mittel waren die Höhlenmalereien und
–gravuren, die wir bis heute in unzähligen Höhlen und
Felsvorsprüngen bewundern können. Sie dienten der
magischen Bannung der Tiere. Was dargestellt wurde,
sind die erwünschten Tiere, sind Mammuts, Wildpferde,
Auerochsen usw., die Wiesen und Wälder bevölkerten und
die Nahrungsquelle schlechthin darstellten. Die Höhlenmalereien in den Höhlen Südfrankreichs - man denke nur
einmal an Lascaux – wurden von Spezialisten in diesem
Sinne interpretiert. Die Höhlen des Gardon weisen ähnliche Motive auf, gehören folglich zu dem gleichen Vorstellungskomplex.
Eine Erscheinung, die schon während der Zeit des Neandertalers zu beobachten ist und sich bis zur Crô-MagnonZeit fortsetzt, sind die kleinen Statuetten mit weiblichen
Merkmalen, die sogenannten Venus-Figuren, die als Zeichen der wichtigen Rolle der Frauen interpretiert wurden
und höchstwahrscheinlich Fruchtbarkeitssymbole oder
Göttinnen darstellen.
Die Menschen der Vorgeschichte, sowohl der Neandertaler als auch der Crô-Magnon-Mensch und mit Sicherheit
auch der Homo heidelbergensis aus Mauer bei Heidelberg, der vorher lebte sowie alle anderen Hominiden, ja
sogar die Raubtiere ernährten und ernähren sich nicht
allein von Fleisch. Was die Menschen anbelangt, so
waren sie sowohl Jäger als auch Sammler. Ihre Nahrung
bestand neben Fleisch auch aus Früchten, Samen und
Wurzeln, die für gewöhnlich von Frauen gesammelt
wurden. Später, gegen Ende der Eiszeit, oder irgendwann
während dieser Zeit verhalfen die während des Sammelns erworbenen Kenntnisse um Wachstum und Ernte der
Pflanzen
zu ersten Domestikationsversuchen und schliesslich zur
weitgehenden Unabhängigkeit von den Früchten der
Natur, nämlich zum Ackerbau.
Was aber die ersten Jäger und Sammler anbelangt, so
besteht allgemein die Auffassung, dass diese Gruppen aus
Hunger von einem Ort zum andern gezogen wären, dass
sie also eine Ökonomie des Hungers und der höchsten
Armut durchzustehen gehabt hätten und pausenlos auf
der Suche nach Nahrung unterwegs gewesen wären.
Diese Vorstellung geht jedoch von der Logik unserer
westlichen Marktwirtschaft aus, in welcher die Bedür-
166
fnisse der Menschen gross und unbegrenzt sind
und die Mittel, sie zu erfüllen, begrenzt. Im Gegensatz dazu wären, wenigstens nach Ansicht des
berühmten Anthropologen Marshall Sahlins, die
Bedürfnisse der Gruppen von Jägern und Sammlern begrenzt und die Mittel zu ihrer Stillung
unbegrenzt gewesen. Es handele sich deshalb, laut
Sahlins, um Gesellschaften des Überflusses und
nicht des Hungers.
Die nomadischen Jäger und Sammler der Vorgeschichte, sowohl die Neandertaler als auch
die Crô-Magnons, hatten zweifelsohne wenig
Bedürfnisse. Ihre Wanderungen auf der Suche
nach neuen Nahrungsquellen verhinderten die
Anschaffung von Gütern irgendwelcher Art. Um
Nahrungsmittel nicht transportieren zu müssen,
wurden sie gleich vor Ort zubereitet und verzehrt.
Ein Beispiel aus der brasilianischen Ethnographie
illustriert, was gemeint ist: laut Angaben des Archäologen Prof. Dr. I. Schmitz, Leiter des Instituto
Anchietano de Pesquisa, in São Leopoldo, Rio
Grande do Sul und Professor an der Föderaluniversität in Porto Alegre - UFRGS - scharten sich
zur Zeit der Mangoernte Indianergruppen unter
den Mangobäumen des Cerrados (brasilianisches
Savannengebiet), um diese Früchte zu essen - auch
in gekochtem Zustand - und ihren Saft zu trinken,
mit andern Worten, um so viel wie möglich davon
zu verzehren. Mitgenommen wurde nichts davon.
Die vorgeschichtlichen Jäger und Sammler des
Staates Rio Grande do Sul handelten ganz ähnlich:
sie blieben während der Reife der pinhões (Samen der Araukarien) auf dem Hochland. Danach
zogen sie zu den Jagdgründen der Pampas, um
dort Emus und andere Tiere zu erlegen und, zu
einer anderen Jahreszeit, zu geeigneten Stellen am
Meer, wo sie sich von Meeresfrüchten und Fischen etc. ernährten. Bei all diesen Gelegenheiten
wurde aus den erwähnten Transportschwierigkeiten auf Mitnahme verzichtet.
Müssen wir immer erst
durch Erfahrung lernen
Vortrag im Rahmen von Wasser / Àgua, Nürnberg, 2008
Die Frage, die ich heute mit Ihnen diskutieren möchte,
lautet: Müssen wir immer erst durch Erfahrung lernen?
Und gliedert sich in drei Segmente:
1. Amazonien: aus Geschichte und Mythos
2. Südamerika: Ost- und Westküste
3. Wie Indianerstämme Agressionen vorbeugen?
Amazonien: aus Geschichte und Mythos
Seit rund 500 Jahren besitzt die westliche Welt Kenntnis des Amazonas-Flusssystems, mit seinen unzähligen
Igarapés (auch in der Trockenzeit vorhandene, schmale
Seitenarme) und Zuflüssen, seinen Verzweigungen und
Altwasserseen. Seit dieser Zeit weiss man von dem tropischen Regenwald der sich beidseitig des Stromes weithin
ausbreitete sowie von den vielen, großen Indianerdörfern, die an den Ufern des grossen Stromes angetroffen
wurden. Hier im Tal des Amazonas lebten vor der Eroberung so viele Menschen, dass sich die Dörfer an manchen
Stellen fast aneinanderreihten. Und, seit der Zeit dieser
ersten Informationen ist die westliche Welt drauf und
dran, den Regenwald mitsamt dem ganzen Flusssystem
und der Bevölkerung bewusst oder unbewusst zu vernichten oder auszurotten.
Im ersten Moment richtete sich die Furie der europäischen Eindringlinge gegen die Bevölkerung. In einem
Jahrhundert wurde sie durch Ansteckungskrankheiten,
Versklavung und Mord auf ein Zehntel der ursprünglich
angetroffenen Einwohner reduziert. Aus den gleichen
Gründen, aber auch, weil sich die meisten der überlebenden Restgruppen an die schwerer zu erreichenden Oberläufe der Zuflüsse zurückzogen, ging die Einwohnerzahl
auch in den darauf folgenden Jahrhunderten noch immer
weiter zurück, so dass in unserer heutigen Zeit die indianische Bevölkerung nur noch einen ganz geringen Bruchteil der Bewohner Amazoniens darstellt.
Heutzutage sind es nicht mehr allein Europäer,
die Land und Leute heimsuchen, nein. Heute sind
es Agressoren aus aller Herren Länder und vor
allem aus dem eigenen Land. Ihre Zerstörungswut
richtet sich jetzt vor allem auf die unbeschreibliche Natur, den tropischen Regenwald. Er wird aus
primitivsten pekuniären Erwägungen niedergemacht, ungeachtet der Arten an Flora oder Fauna,
die dabei zugrunde gehen.
Selbst vor dem verzweigten Wassernetz, wenn
auch hier nicht mit Absicht, wird nicht Halt
gemacht. Die Zerstörung dieses Systems ist
Konsequenz der zur Sojapflanzung verwendeten
Schädlingsbekämpfungsmittel (Agrotoxicos), die
durch Regenfälle in die Zuflüsse gespült werden.
Oder auch der Goldsuche. In vielen Zuflüssen des
Stromes ist Gold in winzigen Partikeln zu finden.
Zu seiner Bindung wird das extrem giftige Quecksilber benutzt. Ein guter Teil davon geht ins
Wasser, sodass Flüsse, wie der Madeira beispielsweise schon vor 20Jahren am Unterlauf keinen
Fisch mehr führten. Und nicht nur das: in Ecuador
wurde in unmittelbarer Nähe des Rio Napo, eines
Zuflusses des Amazonas, Erdöl gewonnen und die
giftigen Rückstände in Baggerseen gespeichert.
Bei starkem Regen und Überschwemmungen – in
Amazonien vorläufig keine seltene Erscheinung verbindet sich das Flusswasser mit der giftigen
Brühe dieser “Seen”.
Der dichte Dschungel, die grüne Hölle und vor
allem der Strom mit all seinen Zuflüssen und
Seen, all seinen Arten an Fauna und Flora, war
und ist bis heute Gegenstand mythologischer oder
märchenhafter Erzählungen. Phantastische Fabelwesen bevölkern diese Geschichten. Der Name
“Amazonas” selbst geht auf eine Fabel zurück.
Oder sollte dahinter doch ein Fünkchen Wahrheit
stecken?
Oft sind es die schon von Natur aus aussergewöhnlichen Arten - darüber gibt es zahlreiche
anthropologische Studien - die Anlass zu Phantasiegebilden geben. Ein solch aussergewöhnliches
Tier ist der Boto (Süsswasserdelphin, also ein Säugetier,
das im Wasser lebt ), heute vom Aussterben bedroht.
Um diesen Boto schlingen sich viele Sagen und Geschichten. Er ist bis zum heutigen Tag der Retter so mancher
Mädchenehre, denn wenn kein Vater für ein unehelich
gezeugtes Kind aufzutreiben war oder ist, dann war es
eben der Boto. Er galt und gilt weiterhin als der offizielle
Vater eines solchen Kindes und wird als solcher sogar im
Stammbuch eingetragen. Diesen Realitätsbezug bekam
der Mythos aufgrund der Tatsache, dass der Boto ein
zutrauliches Tier ist. Eine Freundin, die jetzt gerade in
Amazonien war, erzählte von einer Begegnung mit solch
einem Boto: “er schaut einen so intensiv an. Man könnte
meinen, es sei ein Mensch”. Und laut Information eines
befreundeten Biologen spiele er gern und nähere sich den
Menschen (den Frauen?).
Der Amazonenmythos
Interessant ist auch der Mythos, der sich um den Strom
und seinen Namen rankt. Es ist der Mythos der Amazonen, der dem Fluss seinen Namen gab. Es handelt sich
eigentlich um einen Bericht, der nach der Entdeckung
des großen Stromes veröffentlicht wurde und erst durch
die Ablehnung jeglicher Realitätsbeziehung zum Mythos
wurde. Sollte es also gar keine Amazonen gegeben haben und die sagenhaften Frauen reine Phantasiegebilde
gewesen sein? Nach neuester Erkenntnis scheint sich der
Bericht aus wahren Begebenheiten und Dichtung zusammen zu setzen, und zwar aus folgenden Gründen:
Die Geschichte wurde von Gaspar de Carvajal aufgezeichnet, einem Pater, der als Chronist im Jahre 1542 die
sagenhafte Eroberungsfahrt des Flusses unter Francisco
de Orellana mitmachte. Carvajal beschreibt die ganze Flusslandschaft. Gibt Kunde von Begegnungen mit
Indianerstämmen, die sich teilweise freundlich, teilweise
abweisend verhielten und zu einem guten Teil in grossen
Dörfern siedelten. Er war erstaunt über die hervorragende Qualität und Dekoration der von Indios hergestellten
und verwendeten Keramik. Auf einen ausgesprochen
agressiven Stamm stießen sie auf der Höhe der TapajósMündung im unteren Abschnitt des Stromes. Das Unglaubliche, was sich ihnen hier bot, war, dass anscheinend
Frauen die Anführer waren. Sie trieben die Männer zu
168
immer weiteren Attacken an und kämpften selbst
wie die Löwen oder, besser gesagt, wie die Jaguare.
Carvajal schildert sie als sehr schöne hellhäutige
Frauen, mit langen geflochtenen und um den Kopf
gewickelten schwarzen Haaren. Sie wären ganz
nackt gewesen.
Sollten sich die Reisenden trotz aller Nacktheit
dieser Frauen getäuscht haben und die heroisch
kämpfenden Gestalten etwa Männer gewesen
sein? Die meisten Sachverständigen glaubten bis
vor kurzem, diese Ansicht akzeptieren zu müssen.
Jedoch ist es äusserst unwahrscheinlich, dass die
ganzen hartgesottenen Männer dieser strapazenreichen Eroberungsfahrt nicht in der Lage gewesen wären, total nackte Frauen von Männern zu
unterscheiden. Aus diesem Grund denkt man heute, dass es sich wirklich um Amazonen handelte.
Was allerdings äusserst unglaubwürdig erscheint,
ist die Fortsetzung dieses Berichtes, denn Carvajal reproduziert anschließend die angebliche
Erzählung eines Indianers, dessen Sprache kaum
jemand verstanden haben dürfte. Carvajal scheint
hier den skytischen Amazonenmythos eingeflochten zu haben, denn alles was der Indianer
angeblich erzählt hätte, ist Bestandteil der europäischen Version. Unter den diesbezüglichen
Angaben ist die Rede von einem Frauenstaat, einer
Königin, einem Hof,
einem alljährlichen Überfall eines Männerdorfs,
etc., etc..
Die geschilderten wild kämpfenden Frauen wurden, wie gesagt, auf der Höhe der Mündung des
Tapajós angetroffen. Waren es eventuell Mitglieder
der dort ansässigen, Tapajós? Zur Zeit der Eroberung bildeten die Tapajós eine große, bereits
hierarchisierte Gesellschaft mit Prinzessinnen
und einer Art Sklaven. Aber Amazonen? Davon ist
nichts zu lesen in den ethnohistorischen Aufzeichnungen.
Wo also war ihr zu Hause? Waren es dann vielleicht doch Männer?
Die Wahrheit werden wir wohl niemals erfahren, denn die
Tapajós wie die anderen längs des Stromes angetroffenen
Gruppen wurden, wie gesagt, durch Kontakt mit Portugiesen und Spaniern, durch Krankheit,Tod und Versklavung schnell dezimiert und die Nachfahren eventuell
Überlebender, die sich in schwerer zugängliche Gebiete
zurückgezogen haben, dürften kaum eine Ahnung davon
haben.
Die phantasievolle Welt der Mythen und Sagen, die sich
um diesen Fluss rankt, wird mit Sicherheit im Volksbewußtsein bestehen bleiben. Großmütter und -väter
werden ihren Enkeln von Botos und Amazonen und
sonstigen Fabelwesen erzählen können. Was aber nicht
mehr vorhanden sein wird, wenn wir weiterhin nichts
unternehmen, ist der Regenwald, ist sauberes Wasser, ist
Wasser überhaupt .
Wir verhalten uns nämlich mit Bezug auf Amazonien, ja
auf das eigene Umfeld, die eigenen Wasserreserven, ähnlich wie meine Tochter bei einer Bootsfahrt, bei welcher sie
das Ruder verlor, sich jedoch unbesorgt in das Boot legte
und von der Strömung treiben liess: wie sie in ihrem Boot,
wissen wir um die Gefahr, überlassen uns aber dem Glauben, dass alles gut gehe. Wir können ja nichts tun. Oder?
Können wir wirklich nicht?
Können wir weiterhin nur bedauern, dass der ganze
Urwald mit seiner Vielfalt an Arten systematisch niedergemacht wird, dass das ganze Wassernetz immer verseuchter wird und sich die Klimaverhältnisse total verändern
werden?
Der Amazonas gehört den Brasilianern, Peruanern, Ecuadorianern und Kolombianern, aber er gehört eigentlich
allen Menschen, genauso wie die Musik Bachs oder Beethovens oder die sixtinische Kapelle in Rom der ganzen
Menschheit gehören. Aus diesem Grund sind alle aufgerufen, zur Erhaltung dieses einzigartigen Patrimoniums
mitzukämpfen.
Denn das Abholzen geht immer schneller und schneller
vonstatten und grosse Flächen des Amazonaswaldes
mussten bereits Feldern zur Sojapflanzung (also weitere
Umweltgifte in die Zuflüsse) oder Wiesen für angebliche
Viehzucht weichen. Ständig hört man von großen
Waldbränden und unerlaubter Abholzung von
Riesenflächen des Urwaldes.
Wasserknappheit: müssen wir durch Erfahrung
lernen zu sparen?
Wenn wir uns jetzt einmal die Konturen Südamerikas anschauen, also die Atlantikküste auf der
rechten Seite und die Pazifikküste linker Hand,
so stellen wir fest: der eine Streifen ist total grün
der andere grau oder weiss. Der graue oder weisse
Streifen steht für kahle Gegend, unfruchtbares
Land und tatsächlich zieht sich vom Norden Chiles bis zum südlichen Ende Ecuadors ein breiter
Wüstengürtel hin, hier und da unterbrochen von
Flusstälern. In oder an diesen Flusstälern leben die
Menschen schon seit dem Anfang des Ackerbaus
und der Kenntnis und Anwendung der Bewässerungstechniken. Hier geht kaum ein Wassertropfen verloren, denn die aus den Anden kommenden Flüsse werden kanalisiert und jedem Anlieger
eine bestimmte Quantität an Wasser zugeführt.
Zur Nutzung möglichst großer Flächen wird das
Wasser so weit wie möglich in die Wüste geleitet
und jeder Tropfen verwendet. Die Pflanzenwelt,
die Blumen, Bäume, das Grün haben hier einen
hohen Stellenwert.
In dem Städtchen Casma, an der Nordküste Perus,
beispielsweise, wurde jedes Blümchen, das entlang
der Hauptstraße angepflanzt war, sorgfältig begossen, jedes Pflänzchen geachtet.
In dem kleinen Städtchen Magdalena del Cao,
wo ich zweimal wochenlang wohnte, um an den
Ausgrabungen der Pyramide Cao Viejo im Vale
de Chicama teilzunehmen, wurde mir von meiner
Wirtin jeden Abend ein Eimer Wasser zur Wäsche
von Kopf bis Fuss zur Verfügung gestellt. Selbst in
der größeren Stadt Trujillo war das nicht anders.
Wie anders ist dies aber auf der östlichen Seite des
Kontinents: Hier, wo alles grünt und blüht und
Wasser im Überfluss vorhanden zu sein scheint,
wird es in rauhen Mengen verschwendet. Hier, wie in der
ganzen westlichen Welt gibt es keine Skrupel, das kostbare Gut sinnlos zu vergeuden. Wassersparen ist auf dieser
Seite des Kontinents wie in den anderen Ländern des
Westens ein Fremdwort und die Frage erhebt sich:
Müssen wir erst so wenig Wasser zur Verfügung haben
wie die Bevölkerung der Flusstäler der Pazifikküste?
Müssen wir erst die Erfahrung machen, wenig Wasser zu
haben, um es zu lernen, mit dem Wasser hauszuhalten?
Die Bilder und Installationen zu dem Thema Wassermangel, die in der Ausstellung “Wasser / Àgua” zu sehen
sind, sind zu einem guten Teil ein Warnruf, ein Versuch,
das Boot in dem wir alle sitzen noch einmal aufzuhalten,
vielleicht zum Stillstand oder sogar noch einmal gegen
die Strömung zu bringen, Aufruf zur Umkehr.
Aber zu welcher Umkehr überhaupt? Sollen wir etwa die
Klosettspülung wieder abschaffen? Das tägliche Bad? Die
Waschmaschine, Geschirrspülmaschine? Soll die Industrie kein Wasser mehr verwenden? Aber genauso wie wir
nicht auf das Autofahren verzichten, wollen wir auch auf
diesen Komfort und diese Luxusgüter nicht verzichten.
Auf die Klosettspülung nicht, das Bad nicht und auf die
Maschinen ebensowenig. Und die Industrie? Könnte die
auf Wasser verzichten? Ich ließ mir sagen, dass diese hauptsächlich die Textilindustrie - die das meiste Wasser
verbraucht, bereits Recyclingvorkehrungen getroffen
habe, wenigstens in Deutschland, und dadurch der Wasserkonsum erheblich gesenkt worden wäre.
Aber wie oder wo könnten wir als Privatverbraucher
sparen? Oder aber wäre es denkbar an andere ausgiebige
Ressourcen heranzukommen?
Wo oder wie könnten sich weitere, möglichst unerschöpfliche Wasserressourcen finden lassen? Im Lauf der
Geschichte und schon der Vorgeschichte haben sich
Völker an verschiedenen Stellen der Erde ähnliche Fragen
gestellt und Lösungen gefunden. Da ich mich mit der Kulturentwicklung der Anden am besten auskenne, möchte
ich hier noch einmal auf diese Region zurückkommen
und zwei solcher Lösungen aus dieser Region erwähnen:
Beide Lösungen wurden bereits von der Chavinkultur (ca.
170
800 bis 300 v. Chr.) gefunden, jedoch weiter entwickelt und gesteigert durch die um ca. 300 v. Chr. an
der Nordküste Perus erschienene Mochekultur.
Eine dieser Lösungen war die Anwendung von
technologisch-hydraulischen Kenntnissen; die
andere, eher transzendentaler Natur.
Chavin, im nördlichen Hochland der Anden
hatte bereits zur damaligen Zeit eine Technologie
entwickelt, die es erlaubte, Wasser von einer Seite
der weissen Kordillere zur andern umzuleiten
und durch Kanalisierung über weite Strecken
zu führen. Ein solcher Kanal ist heute noch in
der Nähe der Stadt Cajamarca zu sehen. Sogar
den Fluxus des Wassers wussten die Hydrauliker
dieser Kultur durch Einbau von rechtwinkeligen
Ecken bereits zu regulieren.
Die andere Lösung war der Appell an die Götter.
Damit sie das kostbare Nass nicht versiegen liessen, mussten ihnen nicht nur viele Tiere sondern
auch viele, viele Menschen geopfert werden. Diese
Methode wurde von Chavin angewandt, fand aber
ihren Höhepunkt in der Mochekultur, die in der
Küstenwüste Perus direkt von dem Wasser der von
den Anden kommenden Flüsse abhing.
In der alten Welt fanden die Menschen ganz ähnliche Lösungen. Auch die Römer wussten sich das
Wasser über weite Stecken heranzuschaffen. Das
haben wir in Südfrankreich gesehen. Dazu haben
sie nicht nur Kanäle gebaut, sondern echte Meisterwerke der Bautechnik und Hydraulik in Form
von Aquädukten (siehe den Pont du Gard).
Die Beschwörung der Götter oder der Gottheit
wird in manchen Gegenden - Gott-sei-Dank ohne
grausige Opferung von Menschen - bis heute
angewandt.
Diese und andere Lösungen von Problemen mit
Wasserversorgung waren wohl erfolgreich für
die damalige Zeit. Für unsere globalisierte Welt,
jedoch, kann es keine Umleitung ganzer Flüsse
mehr geben – das würde nichts verändern – auch
sind die Monstergötter der Chavins und Mochi-
cas dem Wissen gewichen, dass in unserer Welt nur eine
bestimmte Menge Wasser, nämlich 3 % als Trinkwasser
vorhanden ist und davon noch ein hoher Prozentsatz
nicht verfügbar.
Der heutige Stand der Technik ist, laut Meinung meines
Sohnes, eines Ingenieurs, soweit fortgeschritten, dass es
vom technischen Standpunkt aus gesehen überhaupt kein
Problem wäre, aus Meereswasser Trinkwasser herzustellen. Dies kann sehr wohl der Fall sein. Aber solche Entsalzungsanlagen werden niemals ausreichen, die ganze Welt
damit zu versorgen, denn ihre Konstruktion in grossen
Mengen ist, aus finanziellen Erwägungen heraus, nicht
durchführbar.
Wie wir von Herrn Walpuski gehört haben, haben Millionen, ja Milliarden von Menschen heute kein sauberes
Trinkwasser und es ist anzunehmen, dass sich in Afrika
und auf den Golanhöhen zwischen Israel und Palästina
bereits Kämpfe um das Wasser abspielen. Solche Kämpfe und Aggressionen werden sich mit fortschreitender
Wasserknappheit nicht auf die genannten Gebiete beschränken, sondern weltweit angezettelt werden. Was kann
also, muss, getan werden?
Die angeführten Lösungen sind undurchführbar, denn,
was zum Beispiel das Sparen betrifft, wird wie gesagt,
niemand sich aus freien Stücken gern mit weniger Wasser
begnügen wollen. Die vorgeschichtlichen Problemlösungen sind überholte Modelle und die Entsalzung
des Meerwassers unrealisierbar. Und doch: wollen wir
Wassermangel und Kampf und Tod vermeiden, so müssen
wir lernen, mit weniger auszukommen, müssen lernen zu
teilen, solidarischer zu denken. Mit Agressionen fertig zu
werden oder am besten, sie gar nicht erst aufkommen zu
lassen.
Was die Vermeidung von Agressionen anbelangt, lassen
Sie mich auf die brasilianischen Indianer und spezifisch
die Jê-Stämme in Zentralbrasilien zu sprechen kommen.
Nicht dass sie uns ein Vorbild sein könnten. Dazu sind sie
viel zu wenige und die heutige globale Menschheit viel zu
viel. Was sie aber zeigen können, ist, dass die Menschen
imstande sind, Lösungen für ein erträgliches Zusammenleben zu finden.
Panta rhei, 2008
mangel, die uns damals und bis heute beschäftigt, zu
erkennen war, wieder fallen gelassen.
“Panta rhei” (“Alles fließt”) ist der Titel des vorliegenden Ponte Cultura-Buches. Warum diese
Verschiebung des zentralen Themas “Wasser”, das
uns wegen seiner imminenten weltweiten Verknappung nun schon eine lange Zeit beschäftigt,
auf ein anderes Thema? Warum “Panta Rhei”? Was
bedeutet dieser Ausruf?
Aber, was sagt der Philosoph eigentlich spezifisch über
das Wasser? In einem der noch vorhandenen Fragmente
seines Werkes ist der Satz zu finden: “Es ist unmöglich,
zweimal in denselben Fluss zu steigen und auch nicht
zweimal eine sterbliche Substanz im selben Zustand zu
finden, was tatsächlich ein Wissen unmöglich macht.”
“Pantha rhei” heisst “Alles fließt, alles verändert
sich”. Es ist die Erkenntnis sinnlicher Erfahrung,
die Heraklit von Ephesus zugeschrieben und als
Essenz seiner Weisheit betrachtet wird. Dieser
stellte er die Vernunft und die religiöse Notwendigkeit einer permanenten Einheit gegenüber.
Solche Notwendigkeit kann, nach Heraklit, nur
auf einem anderen Weg als dem der sinnlichen
Erfahrung erfüllt werden, nämlich auf dem des
Glaubens und der Selbsterkenntnis.
Die Vernunft und Einheit, die durch die sinnliche
Erfahrung, den Glauben und die Selbsterkenntnis
erlangt, führt zum Logos, der sich beschreiben
lässt als ”ewige Vernunft, Menschen und Dingen
immanent, verborgene Harmonie und Identität
der Gegensätze in welcher und durch welche
der universelle Fluxus des Seins eintritt und sich
erklärt (Rodolfo Mondolfo, 1971).
Auf diese Weise eliminiert sich der Gegensatz
zwischen Erfahrung und Vernunft, verbindet sich
der Gegensatz mit der Identität, das Vielfache mit
der Einheit, die Veränderung mit dem Beharren.
Bei der in Nürnberg, im Jahr 2008 stattgefundenen Ausstellung hatte ich die Absicht, über Heraklit von Ephesus und seine Theorie “Alles fliesst,
alles verändert sich” zu sprechen, aber da es sich,
wie sich erkennen lässt, eher um eine erkenntnistheoretische Behauptung handelt (wenn sich alles
verändert, wird Wissen unmöglich - das erkannten
bereits Platon und Aristoteles) und keine direkte
Beziehung zur Problematik Wasser und Wasser-
Jedoch, in unseren Tagen, in Anbetracht der ökologischen Situation der Flüsse und Bäche ließe sich leicht
der kognitive Aspekt durch einen anderen ersetzen,
denn das Wasser dieser Flüsse und Bäche ist nicht nur bei
einem zweiten Hineinsteigen ein anderes. Es ist schon
beim ersten Mal anders, denn es ist gar kein reines Wasser
mehr, sondern wenigstens hier in São Paulo und Umgebung ein mit Schaum ueberzogenes Fliessende, das man
kaum noch als Wasser identifizieren kann.
“Panta rhei”, “Alles fliesst, alles verändert sich” ist in der
Sicht des Präsokratikers, wie oben bereits gesagt, ein dialektischer Prozess, der sich unter dem Logos auf das Hin
und Her der Dinge, auf Union und Dispersion, Einheit
und Vielheit, also These und Antithese beschränkt und
von daher, nach Nietzsche, mit der Struktur der deutschen Musik vergleichbar ist (Nietzsche hat die deutsche
Musik mit der Theorie Heraklits verglichen und festgestellt: so wie die Musik von Konsonanz zu Dissonanz und
von Dissonanz zu Konsonanz fortschreitet, so schreitet
auch der Fluxus des Wassers und der Substanzen fort
von einem Extrem zum anderen und wieder zurück). In
unserer heutigen Welt ist dieser Fluxus jedoch nicht mehr
reversibel, sondern irreversibel, also nicht mehr These
und Antithese, sondern These, Antithese und Synthese,
wodurch sich Energie in Entropie verwandelt, also nutzbare Materie in Abfall, letztendlich ein Prozess der zur
Erschöpfung der Güter führt.
Das Thema Wasserknappheit/Wasserverschmutzung
bekommt mit dem neuen Übertitel “Panta Rhei” eine
universelle, sich auf alle Dinge erstreckende Erweiterung.
Die Frage, warum “Panta rhei”, kann also als Erweiterung
der Besorgnis um die Erschöpfung des Wassers erklärt
werden.
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Exposições &
Workshops
1989-2009
1989 Zwei Wege – Duas Maneiras
1993 Arte + Identidade
Espaço Off São Paulo
Künstler: Liz Miller (Bra), Marianne Stüve (D).
Rathaus Bonn-Hardtberg/Merell Dow Institut
Strasbourg/Deutsche Welle Köln.
1990 1. Workshop no Brasil
1994 Weg von der Wand – Fora do Plano,
com artistas do Brasil e da Alemanha
que consta como ponto inicial para a fundação de
PONTE CULTURA.
SESC Pompeia São Paulo, Kurator: Fernando Durâo.
Künstler: Annette Blocher/ Carola Dewor/ Renate Gehrcke/ Stefani Peter/ Marianne Stüve (D).
1990 Arte e Identidade – Kunst und Identität
1994 Übergänge – Travessia
I° Encontro em S.P. com o grupo
“Samqui” e outros artistas.
1991 Sambaqui…
Überreste – residuos do tempo
ART 6 Nürnberg / Galerie Bi-Pi’s Köln / Galeria
Chap Chap São Paulo.
Künstler: Liz Miller/Coca Rodriguez/Enêdia
Schcolnic/Eça Vandergoril (Bra); Anka Milbers/
Marianne Stüve (D).
1992 Kunst + Identität – Brasilien in Deuts-
chland /Arte e Identidade – Brasil na Alemanha
Ehrenhalle Rathaus Nürnberg/Kreishaus Waiblingen/Verwaltungesgericht Stuttgart/ HaidhausenMuseum München.
Künstler: Fernanda Amalfi/Alice Brill/Selma Daffré/Edith Derdyk/Fernando Durão/Oswaldo Forty/Marinez Maravalhas/Liz Miller/Coca Rodriguez/Enêdia Schcolnic/Valdir Sarubbi/Newman
Schutze/Eça Vadergoril (Bra); Gustavo da Linha/
Anka Milbers/Marianne Stüve (D).
Workshop und Ausstellung im Pavilhâo da Bienal MAC
Museu de Arte Contemporãnea São Paulo.
Künstler: Fernanda Amalfi/ Selma Daffré/ Liz Miller/
Coca Rodriguez/ Leila de Sarquis (Bra); Carola Dewor/
Renate Gehrcke/ Stefani Peter/ Marianne Stüve (D).
1994 Grande Sertão:Vereda
Stadtbibliotkek Nürnberg Zeitungscafé
Selma Daffré – Gravuren zu Guimarães Rosa; Lesung
Carlos Schünemann
1995 1. Workshop Provence/Frankreich
Künstler aus Brasilien, Frankreich und Deutschland.
1995 Sticheleien – Stitches – Suturas /
Kunst auf dem Hauptmarkt – Arte na Praça
Ausstellung Rathaus Nürnberg.
Künstler: Brenda Lee Baker (USA)/ Edith Derdyk (Bra)/
Marianne Stüve (D).
1995 Erinnerungen – Memorias
Galerie Bi-Pi’s Köln.
Künstler: Valdir Sarubbi (Bra).
1996 Workshop Casa Lazaro Tribst Guarujá
teilnehmende Künstler:Renate Gehrcke/ Harald
Kienle/Stefani Peter/Marianne Stüve/Franziska
Uhl (D); James Kudo/Liz Miller/Lazaro Tribst
(Bra).
1996 Workshop und Ausstellung Galeria Teodoro Braga Belém/Brasilien
teilnehmende Künstler Renate Gehrcke/Harald
Kienle/Marianne Stüve (D); Maria Villares (São
Paulo) und Künstler aus Belém.
1996 Triãngulo Cultura – Alemanha-BrasilPortugal
Siemens Forum Lissabon (Por).
Künstler: Fernando Durão/ James Kudo/ Coca
Rodriguez (Bra); Paula Ruella/Valdivia (Por);
Renate Gehrcke/ Marianne Stüve (D).
1996 Fragmente – Fragmentos
Workshop in Nürnberg
mit Künstlern aus Brasilien und Deutschland.
1996 Substrato Humano
Thomas Morus Akademie Köln.
Künstler: Oswaldo Forty.
1996 Anstösse – Movimentos
Künstler: James Kudo.
1997 Aktion – Reaktion –
oben:
Workshop-Künstler aus Brasilien in den Ockerfeldern bei Dions
Südfrankreich
Ação – reação; mail-art
Projekt zwischen brasilianischen und deutschen
Künstlern.
Kudo/Liz Miller/Enêdia Schcolnic/Lazaro Tribst/Maria
Villares(Bra); Alicia Winegardner (Arg); Stefani Peter/
Marianne Stüve (D); Erich Koch/ John Sigsworth (Fra).
1997 Trama – Geflecht
1997 Hitze – Calor
1997 II.Workshop Provence/Frankreich,
1998 Tranzparenz – Transparências
Deutsches Jagdmuseum München.
Künstler: Edith Derdyk (Bra), Marianne Stüve (D).
Formen-Farbe, Licht der Provence.
Künstler: Izer Campos/Fernando Durão/James
Galeria Teodoro Braga Belém/Brasilien.
Ausstellung mit Künstlern aus Deutschland und Brasilien.
Galerie ARAUCO Nürnberg.
Künstlerin Coca Rodriguez.
174
1998 Junto – Miteinander
Schloß Almoshof und St.Clemens Nürnberg.
Künstler:Fernanda Amalfi/Liz Miller/Enêdia
Schcolnic/Leila de Sarquis (Bra); Renate Gehrcke/
Stefani Peter/Marianne Stüve/Franziska Uhl (D).
1998 Caos
Künstler: Angelo Milani.
1998 Haut – Pele
Galerie in der Schulgasse Eibelstadt.
Künstlerin: Coca Rodriguez (Bra).
1998 Crossing the Borders
Ausstellung Hans Geis GmbH + Co Nürnberg.
Künstler: Fernanda Amalfi/Izer Campos/Selma
Daffré/Fernando Durão/Oswaldo Forty/James
Kudo/Liz Miller/Anna Pellizari/Coca Rodriguez/
Leila de Sarquis/Lazaro Tribst/Maria Villares
(Bra); Alicia Winegardner (Arg); Erich Koch/John
Sigsworth (Fra); Renate Gehrcke/
Harald Kienle/Stefani Peter/Marianne Stüve/
Franziska Uhl (D).
1998 Kunst im Speicher – Arte no Celeiro
1999 3. Workshop Provence “the drawing line”
Künstler aus Brasilien, Argentinien, Frankreich und
Deutschland.
1999 Auf dem Weg zur Sonne –
A Caminho do Sol
Künstler: Oswaldo Forty (Bra).
1999 Geometria sensível
Künstler: Fernando Durão (Bra).
1999 Gestus + Konzept – Gesto e Conceito
Körner & Scherzer Steuerkanzlei Nürnberg.
Künstler:Liz Miller (Bra), Carola Dewor (D).
1999 Unterwegs – No Caminho – En Chemin Temple
d’Arpaillargues/France mit Künstlern aus Frankreich,
Brasilien und Deutschland.
1999 Workshop “Arte no Casarão” –
Kunst im Herrenhaus
Angelo Milani São Bento de Sapucaí/Brasil, mit Künstlern aus Brasilien, Deutschland, Frankreich, Schweiz.
Kunstspeicher Schwabach.
Künstler:Fernando Durão/Oswaldo Forty/
Angelo Milani/Coca Rodriguez (Bra); Günther
Drab/Reiner Hofmann/Stefani Peter/Marianne
Stüve/Doris Zörndlein (D).
1999 Unterwegs – No Caminho
FUNARTE – Fundação Nacional de Arte São Paulo.
Künstler: Renate Gehrcke/Claudia Helmich/Stefani
Peter/Marianne Stüve/Franziska Uhl (D); John Sigsworth
(Fra).
1998 Kollektiv – Coletiva
1999 Zwei Welten – Dois Mundos
Körner & Scherzer Steuerkanzlei Nürnberg.
Künstler: Izer Campos/Renata Barros (Bra).
UNO Galerie Bonn.
Künstler: Oswaldo Forty/Gustavo da Linha/
Izer Campos (Bra).
1998 Urwald – Floresta tropical
Künstler: Angelo Milani (Bra), Marianne Stüve
(D).
2000 Arte & Cargo
Lufthansa Cargo Halle, Flughafen Nürnberg. Künstler:
Liz Miller SP, Edith Derdyk SP/James Kudo SP/Petra
Naumann Nü/Coca Rodriguez SP/Stefani Peter Nü/
Renate Gehrcke Nü/Newman Schutze SP/Werne Souza
Belem/Izer Campos Belem/Maria Villares SP/
Gustavo da Linha Berlin/Marianne Stüve Nü.
Konzert: Klaus Treuheit Trio.
2000 ArtWeb2000
Kunsthaus Nürnberg.
Künstler:Stefani Peter Fü/Marianne Stüve Nü/
Fernando Durão SP/Siegbert Franklin SP.
2000 Les Fantômes des Voûtes
Domaine de Malaigue, Uzès Südfrankreich.
Künstler: Marianne Stüve Nü/Fernanda Amalfi
SP/Stefani Peter Nü/Renata Barros SP/Mandira
Fü/Werne Souza Belem/John Sigsworth Uzès
Südfrankreich/Izer Campos Belem/Petra Naumann Nü/Liz Miller SP/Newman Schutze SP/
Renate Gehrcke Nü / Andrea Altemüller Mü.
2000 Between – Entre
Galeriehaus Nürnberg.
Künstler: Edith Derdyk SP.
2001 Alt.arqueologias
Museu Histórico de Jaboticabal SP.
Künstler: Stefani Peter Fü/Siegbert Franklin SP/
Marianne Stüve Nü.
2001 Lembranças ao futuro com Kaspar Hauser
Galerie Aurauco Nürnberg.
Künstler: Siegbert Franklin SP.
2002 Arte no Brasil
Naturkundemuseum Treuchtlingen. Kunstverein
Spirale.
Künstler: Ana Pellizari SP/Angelo Milani SP/
Armando Queiroz Belem/Coca Rodriguez SP/
Cris Rocha SP/Edith Derdyk SP/Fernanda
Amalfi SP/Fernando Durão SP/Izer Campos
Belem/Newman Schutze SP/ Forty SP/Siegbert
Franklin SP/Valdir Sarubbi SP.
2002 Brasil adentro – Brasilien landeinwärts
ein Kulturprojekt der Stadt Nürnberg mit Ponte
Cultura:
Expo art in progress
Hafen Geis.
Künstler: Armando Queiroz Belem/Siegbert Franklin SP/
Patricia Furlong SP/Cris Rocha SP/Edith Derdyk SP/
Arnaldo Bataglini SP/Sarah Wood St.Quentin La Poterie
South France/Marianne Stüve Nü/Alicia Winegardner
Buenos Aires/Stefani Peter Vancouver Ca./Ursula Schoedel Erlangen/Claudia Villar SP/Angelo Milani SP/John
Sigsworth&Jacky Colorgues South France/Fernanda
Amalfi SP/Georgi Litichevski Moskau/Renate Gehrcke
Nü/Gabriele Olesch Nü/Izer Campos Belem/Bruno Weiß
Nü/Heike Hahn Nü/Mandira Fü/Petra Naumann Nü.
Wissenschaftl. Beratung: Dr. Inga Thieme, SP.
Ursa Maior Tanz Performance, Tafelhalle.
Gilsamara Moura Brasilien.
Filme aus Brasilien im Filmhaus im K4.
Kinder in Brasilien Installation von Siegbert Franklin im
Kopfbau des Künstlerhauses K4.
Urbano Rocha Gitarrenkonzert aus Brasilien K4 Kulturgarten.
Verflechtungen – Interdependências
Kulturladen Schloß Almoshof.
Künstler: Coca Rodriguez SP/Gabriele Olesch Nü/Sarah
Wood St.Quentin la Poterie South France.
Arte Brasileira Contemporânea
ARAUCO Galerie.
Künstler: Angelo Milani, Coca Rodriguez, Newman
Schutze, Forty, Selma Daffré, Siegbert Franklin SP.
Floresta lúdica – Magischer Wald
Innenhof Zentralbibliothek Nürnberg.
Künstler: Angelo Milani SP.
Im Zeichen des Jaguars
Fabersaal im Bildungszentrum.
Konzert: Klaus Treuheit Trio & Denise Jeanrenaud
Der Jaguar
Stadtbibliothek, Zeitungscafé.
Vortragende: Dr. Inga Thieme SP, Antropologin
Mit Keramiken von Izer Campos Belem und John
Sigsworth (Jaguarbilder)
As Silabas
Konzert: Suzana Salles in der Katharinenruine.
2002 entre hérmisferio
176
em cima:
a experiência com a lentidão
5 dias em caravana com burros através dos Cévennes França
galerie g.b.‘s kunstraum Fürth.
Künstler: Stefani Peter Fü, James Kudo SP.
2003 Uma Ponte sobre o Tempo –
eine Brücke über die Zeit
SESC Sao Carlos SP.
Künstler: Marianne Stüve Nü/Annette Rollenmiller Nü/Siegbert Franklin SP/Sarah Wood
St.Quentin la Poterie South France/Fernando
Durâo SP/Helena Carvalhosa SP/Arnaldo Bataglini SP/Bruno Weiß Nü/Clemens Heinl Nü/James
Kudo SP/Chico Penteado SP/Gerlinde Pistner
Nü/Coca Rodriguez SP/Julio Camarero SP/
Fernanda Amalfi SP/Rita Kriege Nü/Benoit
Flamand Nîmes South France.
2003 Literalidade
Galerie Eibelstadt.
Künstler: Newman Schutze SP.
2003 artistas e o vermelho
Kulturfabrik Roth.
Installation: Marianne Stüve Nü & Siegbert
Franklin SP
2003 pequenos encontros com o acaso
Galerie Arauco Nürnberg. Helena Carvalhosa SP,
Siegbert Franklin SP.
2004 Workshop & Art Show “a experiência com a
lentidão”
Encontro brasileiro/europeio no Sul da França
2004 Cenas urbanas Gordinhas
Galerie Arauco mit Werne Oliveira, Belem.
2004 3. Bienal de Jaboticabal Sao Paulo
Künstler: Arnaldo Bataglini SP/Stefani Peter Nü/Chico
Penteado SP/Clemens Heinl Nü/Fernando Durâo SP/
Coca Rodriguez SP/Gerlinde Pistner Nü/Sarah Wood
St.Quentin la Poterie, South France/James Kudo SP/
Claudia Villar SP/Leila de Sarquis SP/Fernanda Amalfi
SP/Helena Carvalhosa SP/Julio Camarero SP/Liz Miller
SP/Maria Villares SP/Marianne Stüve Nü/Newman
Schutze SP/Pat Woolham St.Dézéry, South France/
Stefani Peter Vancouver, Ca/Selma Daffré SP/Angelo
Milani SP/Annette Rollenmiller Nü.
2004 Atelier Centro
Atelier Centro Sao Paulo
Künstler: Fernanda Amalfi SP/Coca Rodriguez SP/
Siegbert Franklin SP/Julio Camarero SP/Marianne Stüve
Nü/Stefani Peter Vancouver,Ca/Renate Gehrcke Nü/Pat
Woolham St.Dézéry, South France/Clemens Heinl Nü/
Maria Villares SP/Leila de Sarquis SP/Margot Delgado
SP/Ana Pellizari SP/Chico Penteado SP/Helena Carvalhosa SP
2005 Ciclo de exposições
“Zeitlupe - Câmera lenta” em Nürnberg
Sonhos de crianças
Installation, Rathaus – Ehrenhalle.
Künstler: Monique Weissmüller, St.Dézéry,Fkr./
Siegbert Franklin Fortaleza/ Clemens Heinl,
Schwabach/ Sarah Wood St.Quentin la Poterie,Fkr
Zeitlupe – cámera lenta
Stadtbibliothek.
Künstler: Fernanda Amalfi/Damara Bianconi/
Renato Brancatelli/Izer Campos/Helena Cavalhosa/Margot Delgado/Edith Derdyk/Oswaldo
Forty/Bernardo Krasnianski/Mario Motta/Chico
Penteado/Armando Queiroz/Coca Rodrigez/Leila
de Sarquis/Werne Souza/Maria Villares (alle Bra);
Walter Bittner/Jürgen Braun/Renate Gehrcke/
Clemens Heinl/Carmen Jaud/Gerlinde Pistner/Annette Rollenmiller/Marianne Stüve/
TEVAUHA,Bruno Weiß/Helge Wütscher (alle D);
Monique Weissmüller/Erik Koch/Muriel Maire/
Hugo Snellen/Sarah Wood/Pat Woolham (alle
Fkr); Amarie Bergman/Stefani Peter (beide Ca).
Crianças
Sebaldus Kirche.
Installation von Siegbert Franklin SP mit Arbeiten
von Claudia Villar.
Jahresringe/Cernes
Sebalder Platz, Installation von Marianne Stüve
Nü und Armando Queiroz Belem.
Laços de familia
Haus Eckstein.
Künstler: Renate Gehrcke Pappenheim/Siegbert
Franklin SP/ Pat Woolham Uzés/Fkr.
Skulpturen von Clemens Heinl im Innenhof der
Stadtbibliothek.
Manoel de Barros
Apresentação do poeta brasileiro com Julio Camerero e tradução de Karin Gleixner, Zeitungs Café
Hermann Kesten.
Zeitlupe – cámera lenta
Kulturladen Schloss Almoshof
Künstler: Helena Carvalhosa SP/Stefani Peter
Vancouver/Annette Rollenmiller Nü/Werne Souza
Belem.
cinema mudo – Stummfilm
Malerei von Siegbert Franklin, Galerie Arauco.
aus uralten Zeiten…
Installation von Jürgen Braun Nü, Trödelmarkt
Zeitlupe – camera lenta
Künstlerhaus Kulturzentrum.
Malerei und Objekte von Jürgen Braun Nü/Forty SP.
2006 Ausstellungsreihe
“cámera lenta – Zeitlupe” in Fortaleza/Brasilien
Galeria Antonio Bandeira:
Annette Rollenmiller/Bruno Weiß/Clemens Heinl/
Gerlinde Pistner/Jürgen Braun/Marianne Stüve/Renate
Gehrcke/TEVAUHA/Wolfgang Weber (alle D);
Bruno Galvão/Cristiana Moura/Diego Ponder/Herbert
Rolim/José Guedes/Jaqueline Medeiros/Jussara Correia/
Marcello Santiago/Meire Guerra/Núbia Agustinha/
Waléria Américo/Wilson Netto (alle Bra);
Amarie Bergman (Ca); Muriel Maire(Fkr).
Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura:
Clemens Heinl/Jürgen Braun/TEVAUHA/Wolfgang
Weber (alle D).
Centro cultural Banco do Nordeste:
Annette Rollenmiller/Bruno Weiß/Gerlinde Pistner/
Marianne Stüve (alle D); Bruno Galvão/Braz Marinho/
Bernardo Krasnianski/Diego Ponder/Damara Bianconi/
Coca Rodrigez/Chico Penteado/Fernanda Amalfi/José
Guedes/Jussara Correia/Leila de Sarquis/Maria Villares/
Margot Delgado/Siegbert Franklin/Selma Daffré/Waléria
Américo/Wilson Netto/Zé Mario (alle Bra); Amarie
Bergman (Ca); Muriel Maire/Pat Woolham (Fkr).
Galeria de Arte Vincente Leite:
Annette Rollenmiller/Marianne Stüve (D); Coca Rodrigues/Bia Cordovil/Maria Villares/Leila de Sarquis/
Chico Penteado/Siegbert Franklin/Cláudia Villar (Bra)
Faculdade Católica Rainha do Sertão:
Clemens Heinl/Annette Rollenmiller/Bruno Weiß/
Marianne Stüve/Renate Gehrcke/Gerlinde Pistner (D);
Amarie Berman/Stefani Peter (Ca); Muriel Maire (Fkr);
Selma Daffré/Siegbert Franklin (Bra).
Casa D’Arte:
Clemens Heinl/Gerlinde Pistner/Renate Gehrcke (D);
Cláudio César/Maira Ortins/Siegbert Franklin (Bra).
Konservatorium Fortaleza:
Konzert Klaus Treuheit mit einheimischen Musikern.
178
2006 Zeitlupe – cámera lenta
Ausstellung bei Körner&Scherzer.
Coca Rodriguez/Damara Bianconi/Fernanda
Amalfi/Leila de Sarquis/Siegbert Franklin (Bras);
Annette Rollenmiller/ Bruno Weiß/Clemens
Heinl/Gerlinde Pistner/Jürgen Braun/Marianne
Stüve/Renate Gehrcke/TEVAUHA/Wolfgang
Weber/Klaus Treuheit (D); Stefani Peter (Ca)
2007 Forty
Buchvorstellung der Sammlung Hans Geis
Galerie Landskron &Schneidzik, Nürnberg
2007 Água
Workshop e Encontro de Artistas com artistas da
Alemanha, do Brasil e da França, tratando o tema
“Água” St. Dézéry/França do Sud.
Teilnehmer: Siegbert Franklin/Julio Camarero/
Herbert Rolim/Meiriane Duarte/Jussara Correia/
Claudia Sampaio/Meire Guerra/Cristina Moura/
Ana Cristina Mendes/Salet Rocha/Fernanda/
Amalfi/Leila de Sarquis/Damara Bianconi/Inga
Thieme/Maria Villares (Bra); TEVAUHA/Renate Gehrcke/Marianne Stüve/Berit Klasing/Gabi
Wahl/ Birke Grieshammer (D); Monique Weissmüller/Erik Koch/Pat Woolham (Fkr)
Ausstellung im Historischen Rathaussaal von
Blauzac/Südfrankreich mit Arbeiten aus der
aktuellen Schaffensperiode der am Workshop
teilnehmenden Künstler.
2007 paradiso
Galerie Arauco Nürnberg.
Künstler: Fernanda Amalfi SP / Leila de Sarquis
SP / Marianne Stüve Nü.
2008 Wasser – àgua
deutsch-brasilianische Kunstausstellung in der ehem.
Fertigungshalle der AEG in Nürnberg, in Zusammenarbeit mit dem KUF,Kulturbüro Muggenhof
Künstler: Fernanda Amalfi/Damara Bianconi/Helena
Carvalhosa/Margot Delgado/Edith Derdyk/Hugo Fortes/
Robin Glass/Liz Miller/Paloma Perez/Coca Rodriguez/
Leila de Sarquis/Maria Villares/Julio Camarero/Jussara Correia/Siegbert Franklin/Roberto Galvão/Meire
Guerra/Ana Cristina Mendes/Maira Ortins/Salet Rocha/
Herbert Rolim/ Claudia Sampaio (Bra); Monique Weissmüller/Benoît Flamand/Pat Woolham/Sarah Wood (Fkr);
Stefani Peter (Ca); Eva Engelhardt/Renate Gehrcke/Lisa
Haselbek/Berit Klasing/Anneliese Kraft/Gerlinde Pistner/Annette Rollenmiller/Marianne Stüve/TEVAUHA/
Bruno Weiß/ Fred Ziegler (D) Nado Livre-Freischwimmen, Tanzperformance, Sissi Fonseca SP.
Materia prima “Água”
palestra de Günter Walpuski, Würzburg
O Boto
Vortrag von Inga Thieme, SP
Beach Crossing
Musikperformance, Klaus Treuheit, Erlangen (präpariertes Piano) / Nathalie Fari, Berlin-São Paulo (Tanz)
Klangperformance mit Tatjana Maté
Musik: Duo Yarah Linss – Bossa Nova, Jazz
Oficinas: Marmore e Àgua
2009 Àgua – Wasser
Terra dos Rios, Belem/Brasilien, Kulturraum Banco da
Amazônia.
Künstler: Lisa Haselbek/Berit Klasing/Claudia Flach/
Marianne Stüve/TEVAUHA/Fred Ziegler (D); Sarah
Wood/Benoît Flamand (Fkr); Izer Campos/Elza Lima/
Lise Lobato/Danielle Fonseca/Margalho Açu/Jorge Eiró/
Jocatos/Miguel Chikaoka/Werne Souza/Nio Dias (Bra).
Bauchladen-Theater: Martin Hinder
2009 Àgua – Wasser – Water
Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura,
Fortaleza/Bra.
Künstler: Andrea Altemüller/Berit Klasing/
Gerlinde Pistner/Lisa Haselbek/Marianne Stüve/
TEVAUHA/Fred Ziegler (D); Ana Cristina Mendes/Claudia Sampaio/Coca Rodriguez/Damara
Bianconi/Fernanda Amalfi/Helena Carvalhosa/
Jussara Correia/Leila de Sarquis/Maira Ortins/
Maria Villares/Margot Delgado/Meire Guerra/Paloma Perez/Salet Rocha/Gentil Barreira/Herbert
Rolim/Hugo Fortes/Julio
Camarero/Robin Glass/Siegbert Franklin/Wilson
Neto (Bra); Sarah Wood/Benoît Flamand (Fkr);
Stefani Peter (Ca).
2009 Terra dos Rios
Reise in das Amazonasdelta, erste Eindrücke.
Galerie Arauco, Nürnberg.
Künstler: Claudia Flach/Marianne Stüve/Gerlinde
Pistner/TEVAUHA/Lisa Haselbek/Fred Ziegler/
Berit Klasing (D); Werne Souza/Ana Cristina
Mendes (Bra).
Bauchladentheater Martin Hinder.
unten:
Theater auf dem Amazonasschiff
Monolog von Margarete:
“Elogie an die Liebe”.
180
Construindo
novas pontes
Fernanda Proença Susemihl
A Ponte Cultura completa 20 anos de existência,
promovendo o intercâmbio cultural entre as cenas
artísticas européia e brasileira. Das interações
proporcionadas nasceram não apenas diversas
exposições de artes plásticas de profundo interesse
para a sociedade e para construção de uma pesquisa artística ampla e sólida. Mais do que isso, essas
duas décadas de trabalho e dedicação permitiram
o desenvolvimento de um grupo de artistas unidos
pela paixão pela arte e pelo respeito mútuo, disposto a desenvolver em conjunto novas práticas
e principalmente aberto para o auto-questionamento. Essa troca de idéias, as longas conversas
e a apreciação do trabalho dos colegas incentivou
o aprofundamento conceitual e a sofisticação dos
processos de criação, além de presentear a todos
com uma visão mais ampla da produção de artistas
contemporâneos, trazendo um senso de pertencimento e colaboração tão impregnado de poesia
quanto as obras que produzem.
A arte tem esse poder unificador, trata de questões
de difícil tradução, de vicissitudes delicadas da
experiência humana que precisam de elementos
muito especiais para serem comunicadas. A arte
pode apenas se beneficiar dessa postura artística
aberta à coletividade, que vai além das fronteiras
do atelier, da cidade, do país, do grupo cultural. A
Ponte Cultura pode se orgulhar de ser protagonista desse trabalho árduo de integração e criação de
uma consciência coletiva dinâmica e verdadeira. É
admirável a competência demonstrada na construção de um movimento complexo e sutil como
esse, sem se deixar desgastar com o tempo, sem
tornar-se obsoleto, adequando-se
às necessidades de cada momento
de sua história. Para tanto, indispensável uma percepção aguçada
dos movimentos da cena artística de
diversos pólos ao redor do mundo e
a compreensão do desenvolvimento
particular de cada artista que compõe o grupo. Não apenas atenção a
esses processos mas, ainda, coragem para adaptar-se, questionar-se
e reestabelecer-se como grupo num
processo constante e inesgotável.
Uma prova dessa postura acertada e
audaciosa é o próximo projeto que a
Ponte Cultura está preparando, do
qual terei a honra de ser curadora.
O projeto Olho N’Água é mais uma
etapa do desenvolvimento do tema
da preservação da água e da revisão
do sistema de utilização mundial
deste bem de consumo oferecido
pela natureza. Em suas últimas
exposições o grupo já vem abordando essa questão tão cara ao nosso
planeta e sua manifestação em produções artísticas. Em 2011, trinta e
um artistas apresentarão suas obras
em diversos suportes e utilizando
de técnicas variadas, abordando o
tema da água, seja de forma literal
ou metafórica, incitando o público a
questionar não apenas sua postura
gegenüber:
Memorial das Americas Latinas, Sâo Paulo
Prêdio Libraria
Architekt:
Oscar Niemeyer
frente ao uso de recursos naturais e sua relação
com a natureza, mas também a possibilidade da
arte contemporânea, que é, em si, um território
liquido.
Nesse futuro projeto, novas pontes serão criadas,
pois mais países integrarão o corpo de artistas. À
Alemanha, França e ao Brasil se somarão países
como Argentina, Bolívia, Peru e Uruguai, permitindo a representação Latino Americana nessa
importante discussão. A Ponte Cultura abriu os
braços para receber artistas de novas nacionalidades pois compreende os benefícios da pluralidade
e não tem medo de se reinventar. A inserção de
novos artistas, novos pensamentos e idéias que
provém de realidades diversas, histórias políticas e
sociais peculiares será certamente enriquecedora
e provará que, apesar das diversas diferenças que
marcam os países, a arte é uma linguagem universal.
Fernanda Proênça-Susemihl, Sâo Paulo
Fernanda Proença Susemihl, Ausstellungskuratorin
Projekt Ponte Cultura “Olho N’Água” 2012
im Kulturzentrum Memorial da America Latina
São Paulo
182
Artistas
de PONTE CULTURA
Açu, Margalho
Amalfi, Fernanda
Altemüller, Andrea
Américo, Waléria
Augustinha, Núbia
Baker, Brenda Lee
Barros, Renata
Bataglini, Arnaldo
Barreira, Gentil
Bergman, Amarie
Bittner, Walter
Blocher, Annette
Brancatelli,Renato
Braun, Jürgen
Brill, Alice
Camarero, Julio
Campos, Izer
Carvalhosa, Helena
César, Claudio
Chicaoka, Miguel
Cordovil, Bia
Correia, Jussara
Daffré, Selma
Da Linha, Gustavo
Delgado, Margot
Derdyk, Edith
De Sarquis, Leila
Dewor, Carola
184
Dias, Nio
Duarte, Meiriane
Durão, Fernando
Eiró, Jorge
Engelhardt, Eva
Fari, Nathalie
Flach, Claudia
Flamand, Benoît
Fonseca, Daniela
Fonseca, Sissi
Fortes, Hugo Dr.
Forty (Oswaldo Forty)
Franklin, Siegbert (verstorben)
Furlong, Patrizia
Galvão, Bruno
Gehrcke, Renate
Glass, Robin
Grieshammer, Birke
Guedes, José
Guerra, Meire
Hahn, Heike
Haselbek, Lisa
Heinl, Clemens
Hinder, Martin
Jaud, Carmen
Jeanrenaud, Denise
Jocatos
Kienle, Harald
Klasing, Berit
Koch, Erik
Kraft, Anneliese
Krasnianski, Bernardo
Kriege, Rita
Kudo, James
Lima, Elza
Linss, Yara
Litichevski, Georgi
Lobato, Lise
Maire, Muriel
Mandira (Claudia Helmich)
Maravalhas, Marinez
Maté, Tatjana
Mendes, Ana Cristina
Milani, Angelo
Miller, Liz
Motta, Mario
Moura, Cristina
Moura, Gilsamara
Naumann, Petra
Netto, Wilson
Olesch, Gabriele
Ortins, Maira
Pellezari, Ana
Penteado, Chico
Perez, Paloma
Peter, Stefani
Pistner, Gerlinde
Ponder, Diego
Queiroz, Armando
Rocha, Cris
Rocha, Salet
Rocha, Urbano
Rodriguez, Coca
Rolim, Herbert
Rollenmiller, Annette
Ruella, Paula
186
Salles, Suzana
Sampaio, Claudia
Santiago, Marcello
Sarubbi, Valdir (verstorben)
Schcolnic, Enêdia
Schoedel, Ursula
Schutze, Newman
Sigsworth, John
Snellen, Hugo
Souza, Werne (Werley)
Stüve, Marianne
TEVAUHA (Thomas Volkmar Held)
Thieme, Inga Dr.
Treuheit, Klaus Dr.
Tribst, Lazaro
Uhl, Franziska
Vadergoril, Eça (verstorben)
Valdivia
Villar, Claudia
Villares, Maria
Wahl, Gabi
Walpuski, Günter
Weber, Wolfgang
Weiß, Bruno
Cassagne, Mô (Monique Weissmüller)
Winegardner, Alicia
Wood, Sarah
Woolham, Pat
Wütscher, Helge
Zé, Mario
Ziegler, Fred
Zörndlein, Doris
188
Impresso
Este catálogo é documento dos 20 anos de atividade da associação PONTE CULTURA.
O trabalho da associação se manifesta principalmente na organisação de encontros e workshops entre artistas –
aonde se elaboram em comum temas de arte e futuros exposições, tanto na Alemanha como no Brasil e na França. A elaboração dos temas de Arte tem a sua base nas pesquisas scientíficas da antropóloga Dr. Inga Thieme
que mora em São Paulo e que tem raizes culturais tanto na Alemanha como no Brasil. .
PONTE CULTURA e.V.
(e.V.= Associaçâo cultural inscrito na Lei)
Associação para o trabalho cultural entre a Alemanha e o Brasil
Peter Stüve, Nürnberg / Presidente
Helmut Schallock, Nürnberg / Vice Presidente
Dr. Inga Thieme, São Paulo / Consultora pesquisa scientífica
Günter Braunsberg M.A., Nürnberg /Historiador de Arte e Curador na Alemanha
Siegbert Franklin, Fortaleza /Coordenação e Curadoria no Brasil (Fortaleza, São Paulo)
Werne Souza, Belém /Coordenação e Curadoria de Exposições no Brasil (Belém)
Marianne Stüve, Nürnberg / Coordenadora de projetos de Arte
Ponte Cultura e.V. Nürnberg
Vogelsgarten 5
90402 Nürnberg
Alemanha
Telefone: 0049 (0)911 594 520
Mail: [email protected]
www.pontecultura.de
Catálogo:
Editor & copyright: PONTE CULTURA e.V.
Redação: Günter Braunsberg M.A.
Assistente: Marianne Stüve
Autor: Günter Braunsberg M.A.
Indice das obras: PONTE CULTURA e.V.
Design: Sandra Di Maria, Erlangen
Impressão: Impressora Haspel, Erlangen
Foto da capa: Peter Stüve, Rio Muaná – Ilha Marajó
Fotos em geral: Arquivo Ponte Cultura, Fotos dos proprios artistas,
fotos na AEG 2008: Hugo Topf/Jürgen Leissner/Andrea Altemüller
printed in Germany, 2011
(impressao sem efeitos sobre o clima por apoio do projeto “Pueblo Nuevo Viñas”, Guatemala)
Agradecimentos a todos os associados da associação Ponte Cultura e a GEIS Industrie Service
GmbH, Nürnberg, a Siemens AG Erlangen/Nürnberg, a Faber-Castell AG, Stein e a
PressChemie Junghans KG, Regensburg..

Tudo flui - Günter Braunsberg

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Sebald: o viajante da pós-memória

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