Antonio López García (Tomelloso, 6 de janeiro de 1936) é um

 Antonio López García (Tomelloso, 6 de janeiro de 1936) é um Artista Plástico espanhol com
obra nos campos da Pintura e Escultura, tecnicamente hiper-realista.
Filho de lavradores era o filho mais velho de quatro irmãos. A sua iniciação à pintura deu-se
com seu tio António López Torres que era um pintor paisagista.
Foi para Madrid com a idade de treze anos, para preparar a sua admissão à Escola das
Belas Artes, tendo acabado os estudos nessa academia em 1955.
Em 1961 casou com a sua colega de estudos Maria Moreno.
Tendo conseguido uma bolsa de estudos, em 1955, foi para Itália juntamente com
Francisco López.
Alberto Carneiro (Coronado, 1937 — ) é um artista plástico e escultor português.
Biografia / Obra
Uma floresta para os teus sonhos, 1970, troncos de pinheiro, dimensões variáveis
Nasce em Coronado, Minho, em 1937. Entre 1947 e 1958 trabalha em oficinas de arte
religiosa da sua terra, iniciando-se nas tecnologias da madeira, da pedra e do marfim.
Frequenta o ensino secundário na Escola de Artes Decorativas Soares dos Reis, Porto, e na
Escola António Arroio, Lisboa.
Em 1961 inscreve-se no curso de escultura da ESBAP, que termina em 1967. No ano
seguinte parte para Londres como bolseiro da Fundação Calouste Gulbenkian para
frequentar a Saint Martin's School of Art (1968-1970), onde é aluno de Anthony Caro e Philip
King.
Em Londres contacta com as novas tendências artísticas emergentes no final da década
de 1960, nomeadamente com a arte minimal e concetual britânicas. A partir daí desenvolve
projetos inovadores para o contexto português, entre os quais O canavial: memória
metamorfose de um corpo ausente (1968) e Uma floresta para os teus sonhos (1970), onde
se aproxima da Land Art, revelando uma "atenção especial aos valores de uma arte de
«envolvimento», que abandona a primazia do trabalho manual para considerar o projeto
conceptual, numa progressiva desmaterialização da obra de arte. Esta visão antropológica
da criatividade artística combina-se com uma aproximação às filosofias orientais da
essência e da natureza (budismo zen, tantrismo) e levam-no a elaborar o Manifesto de Arte
Ecológica (1968-72) que repudia o dualismo ocidental sensualidade/espiritualidade e
promove a reabilitação das coisas mais simples no significar da comunicação estética".
Em 1977 participa na exposição Alternativa Zero, onde se fez "o primeiro balanço dos
trabalhos que em Portugal tomaram como referência as atitudes conceptuais e
congéneres".
"Para além da sua obra plástica, há que referir os seus inúmeros escritos que são um
contributo decisivo para o entendimento de uma das obras mais radicalmente genuínas da
arte contemporânea portuguesa, onde natureza, arte e corpo confluem num discurso
simultaneamente universal e pessoal".
Entre 1972 e 1976 leciona no curso de escultura da ESBAP; de 1972 a 1985 é responsável
pela orientação artística e pedagógica do Círculo de Artes Plásticas de Coimbra (CAPC);
leciona na Faculdade de Arquitetura da Universidade do Porto (1985-1994). Em 1985
recebe o Prémio AICA.
Alberto Carneiro realizou múltiplas mostras individuais e participou em exposições de vulto,
entre as quais a Bienal de Veneza (1976) e a Bienal de S. Paulo (1977). A sua obra foi alvo
de quatro importantes exposições antológicas: Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa, e
Casa de Serralves, Porto (1991); Museu Machado de Castro, Coimbra (2000); Centro
Galego de Arte Contemporânea, Santiago de Compostela (2001); Museu de Arte
Contemporânea do Funchal (2003). No Museu do Côa, uma das salas de exposição
permanente apresenta a escultura "Árvore-Mandala para os gravadores do Vale do Côa".
Entre Abril e Junho de 2013 o Museu de Arte Contemporânea de Serralves apresentou a
exposição Alberto Carneiro: Arte Vida / Vida Arte - revelações de energias e movimentos da
matéria. Para o escultor, esta exposição é um manifesto "cuja ideia central é a
demonstração de que a arte é o artista e também o espectador. [...] A mostra é composta,
na sua maioria, por obras inéditas criadas a partir de raízes e troncos de laranjeiras,
oliveiras, bambus e vides, sempre acompanhadas de vidros ou espelhos com textos que,
para além de realçarem a importância da palavra na obra de Alberto Carneiro, envolvem o
espectador através do seu reflexo".
Alberto Giacometti (Borgonovo di Stampa, 10 de outubro de 1901 — Coira, 11 de janeiro de
1966) foi um artista plástico suíço que se distinguiu pelas suas esculturas e pinturas
expressionistas.
Filho do pintor Giovanni Giacometti (impressionista). Estudou em Genebra, Roma e a partir
de 1922 em França
Escultor suíço, Alberto Giacometti nasceu em 1901, em Borgonovo, e morreu em 1966, em
Chur. Inicia a sua formação em Genebra, deslocando-se em 1923 para Paris, onde estuda
com Antoine Bourdelle. Nessa época conheceu alguns dos principais pintores dadaístas,
cubistas e surrealistas que influenciaram o seu início de carreira. Adere ao movimento
surrealista entre 1930 e 1934, período em que produziu algumas obras fundamentais para
a caracterização da escultura surrealista, como L'Heure des Traces (1930), O Palácio às
Quatro da Manhã (1932) e Mãos Sustentando o Vazio (1934). Esta última escultura valeulhe a admiração de André Breton, o autor do Manifesto Surrealista.
Obra
Nos trabalhos realizados depois da Segunda Guerra Mundial, onde a figura humana
protagoniza as suas pesquisas plásticas, Giacometti recupera a capacidade expressiva da
imagem e do objecto, acompanhando a tendência neo-figurativa que, nestes anos, marca o
percurso criativo de vários artistas plásticos. Esta representação do corpo humano marca o
período mais original de Giacometti.
A recorrência dos temas e das soluções plásticas adoptadas resulta de um posicionamento
teórico identificado com a filosofia existencialista, como o testemunha a amizade entre
Giacometti e Jean-Paul Sartre. O existencialismo na obra de Giacometti traduz-se numa
essencialidade e numa repetição dos meios expressivos e dos gestos formais, que
imprimem à figura humana uma significação fundamental: uma linha vertical confrontando
com a horizontalidade do mundo. A deformação dramática das proporções, o alongamento
das formas e a manipulação da superfície e da textura acentuam a materialidade dos
objectos e a capacidade expressiva e poética da obra de arte. As personagens, isoladas ou
em grupos, exprimem um sentido de individualismo e de descontextualização, acentuado
pela própria escala das esculturas. Destacam-se, entre as inúmeras obras executadas
durante o final da década de 40 e da década seguinte, as esculturas L'Homme qui marche I
(1949) e La Femme au Chariot (1950).
Obsessão
A obsessão pela representação da figura humana revela-se também na sua produção
pictórica e nos seus desenhos, onde a linha assume uma grande expressividade e liberdade
na caracterização das formas e dos volumes.
Embora seja possível enquadrar as primeiras produções artísticas em correntes como o
impressionismo, o cubismo e o surrealismo, torna-se difícil a classificação ou a inserção da
obra tardia de Giacometti num movimento artístico definido, de onde ressalta o carácter
marcadamente pessoal do seu percurso criativo.
Alexander Calder (Lawton, Pensilvânia, 22 de julho de 1898 - New York, 11 de novembro de
1976), também conhecido por Sandy Calder, foi um escultor e pintor estadunidense famoso
por seus móbiles. Foi famoso por esculturas de grande porte, ele produziu numerosas
figuras de arame, nomeadamente para circos em miniatura .
Biografia
Filho de um pai escultor e de uma mãe pintora, Alexander Calder nasceu nos Estados
Unidos da América, em Lawnton, na Pensilvânia, quando criança Alexander Calder fazia
seus próprios brinquedos . Em 1902 com apenas quatro anos de idade ele esculpiu uma
estátua de um elefante feito de argila, no que hoje é o local do Metropolitan Museum of Art,
em New York . Formou-se em engenharia mecânica
Calder tinha uma irmã mais velha, Margaret "Peggy" Calder nasceu em 1896, seu nome de
casada era Margaret Calder Hayes, ela foi fundamental para o desenvolvimento da UC
Berkeley Art Museum .
Antes de se dedicar à escultura ele foi pintor e ilustrador, em 1923 ele também passou a
estudar em Nova Iorque, no Art Students League, tendo concluido o curso em 1926.
Em 1926, após visitar a Grã-Bretanha, fixou-se em Paris, onde conheceu os surrealistas, os
dadaístas e os componentes do grupo De Stijl . Data dessa época sua amizade com Joan
Miró. Em Paris, Alexander apresentou um conjunto de esculturas em madeira. Construiu um
circo em miniatura, com animais de madeira e arame. Os seus “espetáculos” eram
assistidos por artistas e intelectuais. Fez, também em arame, as suas primeiras esculturas:
Josephine Baker (1926), Romulu and Remus (1928), Spring (1929) . A escala e dimensão
destas esculturas varia bastante, podendo chegar aos cinco metros, como é o caso do
mobile executado para o Aeroporto JFK, em Nova Iorque .
De 1931 datam as suas primeiras construções abstratas, nitidamente influenciadas por
Mondrian, nesse mesmo ano Calder em uma de suas viagens conheceu Louisa James,
sobrina-neta do escritor Henry James, com quem se casou5 . Os primeiros móbiles são de
1932.
Em 1933 Calder voltou aos Estados Unidos. Em 1948 viajou à América do Sul e novamente
em 1959. Nessa última ocasião, visitou o Brasil, onde expôs no Museu de Arte de São Paulo.
Em 1950 foi à Escandinávia .
Calder ocupa lugar especial entre os escultores modernos. Criador dos stabiles, sólidas
esculturas fixas, e dos móbiles, placas e discos metálicos unidos entre si por fios que se
agitam tocados pelo vento, assumindo as formas mais imprevistas – a sua arte, no dizer de
Marcel Duchamp, “é a sublimação de uma árvore ao vento” .
Calder foi o primeiro a explorar o movimento na escultura e um dos poucos artistas a criar
uma nova forma – o mobile. Nos últimos anos mantinha um estúdio em Saché, perto de
Tours e embora vivesse aí a maior parte do tempo, conservou sua fazenda de Roxbury,
Connecticut, comprada em 1933, e que se tornara um verdadeiro repositório de trabalhos e
objetos feitos por ele – desde os andirons espiralados da lareira rústica até às bandejas
feitas com latas de azeite italiano.
Em 1952, Calder representou os Estados Unidos na Bienal de Veneza e foi premiado com o
prêmio principal para a escultura. Ele também ganhou o Primeiro Prémio de Escultura na
Pittsburgh International de 1958 .
Dois meses após sua morte em novembro de 1976, Calder foi condecorado com a Medalha
Presidencial da Liberdade, atribuída pelo presidente Gerald Ford, no entanto sua família
acabou boicotando a cerimônia em 10 de janeiro de 1977, a favor da amnistia da Guerra do
Vietname.
Anthony Douglas Cragg, CBE RA (born 9 April 1949) is a British sculptor.
Early life and training
Tony Cragg was born in Liverpool on 9 April 1949. Between 1966 and 1968 he worked as a
lab technician for the National Rubber Producers' Research Association. In 1969 he enrolled
in the foundation course at Gloucestershire College of Art and Design in Cheltenham,
Gloucestershire. He studied at Wimbledon School of Art from 1970 to 1973, and then until
1977 at the Royal College of Art.[3] Cragg moved to Wuppertal, in North Rhine-Westphalia in
western Germany in 1977, and in 1978 began teaching at the Kunstakademie of Düsseldorf.
Career
Tony Cragg’s early work involved site-specific installations of found objects and discarded
materials. From the mid-1970s through to the early-1980s he presented assemblages in
primary structures (as in his first mature piece, the 1975 Stack) as well as in colourful,
representational reliefs on the floors and walls of gallery spaces (as in Red Indian of 19823). Cragg constructed these early works by systematically arranging individual fragments of
mixed materials, often according to their artificial colours and profiles, so as to form larger
images.
Britain Seen from the North (1981) is a signature early work, made of multi-coloured scraps
of various materials assembled in relief on the wall. The piece depicts the outline of the
island of Great Britain, orientated sideways so that Northern Britain is positioned to the left.
The island is scrutinized by a figure, representing Cragg himself, who looks at his native
country from the position of an outsider. Britain Seen from the North (1981) is often
interpreted as commenting on the social and economic difficulties that Britain was facing
under ‘Thatcherism’, which had particular effect in the north. This work was first exhibited in
the large upstairs space at the Whitechapel Art gallery in London in 1981 and is now in the
Tate collection.
After moving to Germany in the late 1977 Cragg had several solo exhibitions including
Lisson Gallery, London (1979); Lützozstr. Situation, Berlin (1979) and Künstlerhaus
Weidenallee, Hamburg (1979). He also exhibited in seminal group shows including the Silver
Jubilee Sculpture Show, Battersea Park, London (1977); Europa-Kunst der 80er Jahre,
Stuttgart (1979); Kunst in Europa na ’68, Museum van Hedendaagse Kunst, Gent (1980) and
L’art degli anni Settanta/Aperto ’80, Venice Biennale (1980).
In the early-1980s Cragg gradually moved away from installation art and began to examine
more closely the individual objects used as parts of his larger constellations. This was the
beginning of his engagement and experimentation with the properties and possibilities of a
wide range of more permanent materials in the form of wood, plaster, stone, fiberglass,
Kevlar, stainless steel, cast iron and bronze. In the early 1980s Cragg exhibited at Arnolfini
Gallery, Bristol (1980); Whitechapel Art Gallery, London (1980); Von der Heydt-Museum,
Wuppertal (1981); Institute of Contemporary Art, London (1982); Documenta 7, Kassel
(1982) and the Hayward and Serpentine Galleries, London (1983). Since then Cragg has
exhibited extensively at many of world’s most important art institutions. By the end of the
decade Cragg received the Turner Price at the Tate Gallery in London (1988), represented
Britain at the 42. Venice Biennale (1988) and was appointed Professor at the
Kunstakademie Düsseldorf (1988-2001).
Throughout the 1990s Cragg continued to develop two larger groups of work that have
sustained his production up to the present: the Early Forms and the Rational Beings. The
Early Forms series investigate the possibilities of manipulating everyday, familiar containers
and the ways in which they can morph into and around one another in space. These
sculptures derive their profiles and contours from simple, tick-walled vessels – such as
chemistry vessels, plastic bottles and mortars. The surfaces of these initial objects are
extended and contorted until new, sculpturally independent forms of movement arise.
Through these processes of manipulation the initial objects develop new lines and contours,
positive and negatively curving surfaces and volumes, protrusions and deep recessing folds.
The broad field of containers and vessels used function as metaphors for cell, organ,
organism or body. The Early Forms can be characterized as forms transmutating along a
bilaterally curved axis, often with organic, even figurative, qualities. The Rational Beings are
describable as organic looking forms often made of carbon fibre on a core of polystyrene.
These sculptures derive their forms from the contours of gestural drawings, which Cragg
then translates into the third dimension using thick, circular or oval discs which are
superimposed (often vertically), glued together and covered with a skin. The underlying
structure of these sculptures gives their skin the tension of a membrane, reflecting the basic
structures of many organisms, organs, plants and animals.
In the early 1990s, Cragg was awarded the Chevalier des Arts Lettres (1992) and appointed
Royal Academician in London (1994). During this decade of his career he exhibited at the 45.
Venice Biennale (1993); The National Gallery, Prague (1995); MNAM, Centre Georges
Pompidou, Paris (1996); MACBA, Barcelona (1997) and the Royal Academy, London (1999).
In the early 2000s Cragg was awarded the Shakespeare Prize (2001) and the Piepenbrock
Prize for Sculptures (2002). He was appointed Commander of the British Empire (CBE)
(2002), Honory Doctor of the Royal College of Art, London (2009), Professor at the
Universitüt der Künste, Berlin (2001-2006), and began a Professorship at the
Kunstakademie Düsseldorf (2006). Among many major solo shows, Cragg exhibited at Tate
Gallery Liverpool (2000); MACRO Museum of Contemporary Art, Rome (2003); and The
Central House of Artists, Moscow (2005). Since 2010, Cragg has been appointed Honorary
Fellow of University of the Arts London (2012); awarded Artist’s Medal of Honor of the
Hermitage, Russia (2012) as well as the 1st Class Order of Merit of the Federal Republic of
Germany (2012). He has exhibited at the Musée du Louvre in Paris (2011), the Scottish
National Gallery in Edinburgh (2011) and at CAFA Museum in Beijing (2012). Amongst new
developments in Cragg’s work is an increase in sculptures that can be exhibited outdoors;
more works wrought from bronze, steel, stone, wood and glass; as well as a vigorous return
to his initial interest in art – that of drawing.
Sir Anthony Alfred Caro, OM, CBE (8 March 1924 – 23 October 2013) was an English
abstract sculptor whose work is characterised by assemblages of metal using 'found'
industrial objects. His style was of the modernist school, having worked with Henry Moore
early in his career. He was lauded as the greatest British sculptor of his generation.
Early life and education
Caro was born in New Malden, England to a Jewish family and was the youngest of three
children. When Caro was 3, his father, a stockbroker, moved the family to a farm in Churt,
Surrey. Caro was educated at Charterhouse School where his housemaster introduced him
to Charles Wheeler. In the holidays he studied at the Farnham School of Art (now the
University for the Creative Arts) worked in Wheeler's studio. He later earned a degree in
engineering at Christ's College, Cambridge. In 1946, after time in the Royal Navy, he studied
sculpture at the Regent Street Polytechnic before pursuing further studies at the Royal
Academy Schools from 1947 until 1952.
Work
Anthony Caro encountered modernism when working as an assistant to Henry Moore in the
1950s. After being introduced to the American sculptor David Smith in the early 1960s, he
abandoned his earlier figurative work and started constructing sculptures by welding or
bolting together pieces of steel such as I-beams, steel plates and meshes. Often the
finished piece was then painted in a bold flat colour.
Caro found international success in the late 1950s. He is often credited with the significant
innovation of removing the sculpture from its plinth, although Smith and Brâncuși had both
previously taken steps in the same direction. Caro's sculptures are usually self-supporting
and sit directly on the floor. In doing so, they remove a barrier between the work and the
viewer, who is invited to approach and interact with the sculpture from all sides.
In 1982 Caro was trying to organise an exhibition of British abstract art in South African
townships when he met Robert Loder. In 1981, when staying in New York State, the pair
developed the idea of running workshops for professional artists, which became the
Triangle Arts Trust. They held the first Triangle workshop in 1982 for thirty sculptors and
painters from the US, the UK and Canada at Pine Plains, New York.
In the 1980s Caro's work changed direction with the introduction of more literal elements,
with a series of figures drawn from classical Greece. After visiting Greece in 1985, and
closely studying classical friezes, he embarked on a series of large-scale narrative works,
including After Olympia, a panorama more than 23 metres (75 ft) long, inspired by the temple
to Zeus at Olympia. Latterly he has attempted large scale installation pieces, one of which,
Sea Music, stands on the quay at Poole, Dorset.
In the early 2000s, his work featured nearly life-size equestrian figures built from fragments
of wood and terra cotta on gymnast's vaulting horses. In 2008, Caro opened his "Chapel of
Light" installation in the Saint Jean-Baptiste Church of Bourbourg (France), and exhibited
four figurative head sculptures at the National Portrait Gallery, London. In 2011 the
Metropolitan Museum of Art installed five works by Caro on their rooftop. As of 2012, Caro
was working on an immense, multipart sculpture that would occupy three blocks of Midtown
Park Avenue.
Sir Antony Mark David Gormley, OBE (born 30 August 1950) is a British sculptor. His best
known works include the Angel of the North, a public sculpture in Gateshead in the North of
England, commissioned in 1994 and erected in February 1998, Another Place on Crosby
Beach near Liverpool, and Event Horizon, a multi-part site installation which premiered in
London in 2007, around Madison Square in New York City, in 2010 and in São Paulo, in 2012.
Early life
The youngest of seven children born to a German mother and an Irish father,[1] Gormley grew
up in a wealthy Roman Catholic family living in Dewsbury Moor, West Yorkshire. He attended
Ampleforth College, a Benedictine boarding school in Yorkshire, before reading
archaeology, anthropology and the history of art at Trinity College, Cambridge, from 1968 to
1971. He travelled to India and Sri Lanka to learn more about Buddhism between 1971 and
1974. After attending Saint Martin's School of Art and Goldsmiths in London from 1974, he
completed his studies with a postgraduate course in sculpture at the Slade School of Fine
Art, University College, London, between 1977 and 1979.
Career
Gormley's career began with a solo exhibition at the Whitechapel Art Gallery in 1981. Almost
all his work takes the human body as its subject, with his own body used in many works as
the basis for metal casts.
Gormley describes his work as "an attempt to materialise the place at the other side of
appearance where we all live." Many of his works are based on moulds taken from his own
body, or "the closest experience of matter that I will ever have and the only part of the
material world that I live inside." His work attempts to treat the body not as an object but a
place and in making works that enclose the space of a particular body to identify a condition
common to all human beings. The work is not symbolic but indexical – a trace of a real
event of a real body in time.
The 2006 Sydney Biennale featured Gormley's Asian Field, an installation of 180,000 small
clay figurines crafted by 350 Chinese villagers in five days from 100 tons of red clay. The
appropriation of others' works caused minor controversy and some of the figurines were
stolen in protest. Also in 2006, the burning of Gormley's 25-metre high The Waste Man
formed the zenith of the Margate Exodus.
In 2007, Gormley's Event Horizon, consisting of 31 life-size and anatomically correct casts
of his body, four in cast iron and 27 in fiberglass, was installed on top of prominent buildings
along London's South Bank, and installed in locations around New York City's Madison
Square in 2010. Gormley said of the New York site that "Within the condensed environment
of Manhattan's topography, the level of tension between the palpable, the perceivable and
the imaginable is heightened because of the density and scale of the buildings" and that in
this context, the project should "activate the skyline in order to encourage people to look
around. In this process of looking and finding, or looking and seeking, one perhaps reassess one's own position in the world and becomes aware of one's status of embedment."
Critic Howard Halle said that "Using distance and attendant shifts of scale within the very
fabric of the city, [Event Horizon] creates a metaphor for urban life and all the contradictory
associations – alienation, ambition, anonymity, fame – it entails."
In July 2009, Gormley presented One & Other, a Fourth Plinth commission, an invitation for
members of the public, chosen by lot, to spend one hour on the vacant plinth in Trafalgar
Square in London. This "living art" happening initially attracted much media attention. It even
became a topic of discussion on the long-running BBC radio drama series The Archers, with
Gormley set to make an appearance as himself.
In March 2014 Gormley appeared in the BBC Four series What Do Artists Do All Day? in an
episode which followed him and his team in their Kings Cross studio, preparing a new work a group of 60 enormous steel figures - called Tanker Field. The work is to be shown at the
Zentrum Paul Klee in Bern.
Bernhard "Bernd" Becher (German: [ˈbɛçɐ]; August 20, 1931 – June 22, 2007), and Hilla
Becher, née Wobeser (born September 2, 1934), were German conceptual artists and
photographers working as a collaborative duo. They are best known for their extensive
series of photographic images, or typologies, of industrial buildings and structures, often
organised in grids. As the founders of what has come to be known as the ‘Becher school’
they influenced generations of documentary photographers and artists. They have been
awarded the Erasmus Prize and the Hasselblad Award.
Biography
Bernd Becher was born in Siegen. He studied painting at the Staatliche Akademie der
Bildenden Künste Stuttgart from 1953 to 1956, then typography under Karl Rössing at the
Düsseldorfer Kunstakademie from 1959 to 1961. Hilla Becher was born in Potsdam. Prior to
Hilla's time studying photography at the Düsseldorfer Kunstakademie from 1958 to 1961,
she had completed an apprenticeship as a photographer in her native Potsdam. Both began
working as freelance photographers for the Troost Advertising Agency in Düsseldorf,
concentrating on product photography.
The couple married in 1961.
Work
Meeting as painting students at the Kunstakademie Düsseldorf in 1957, Bernd and Hilla
Becher first collaborated on photographing and documenting the disappearing German
industrial architecture in 1959. The Ruhr Valley, where Becher’s family had worked in the
steel and mining industries, was their initial focus. They were fascinated by the similar
shapes in which certain buildings were designed. After collating thousands of pictures of
individual structures, they noticed that the various edifices – of cooling towers, gas tanks
and coalbunkers, for instance – shared many distinctive formal qualities. In addition, they
were intrigued by the fact that so many of these industrial buildings seemed to have been
built with a great deal of attention toward design.
Together, the Bechers went out with a large 8 x 10-inch view camera and photographed
these buildings from a number of different angles, but always with a straightforward
"objective" point of view. They shot only on overcast days, so as to avoid shadows, and early
in the morning during the seasons of spring and fall. Objects included barns, water towers,
coal tipples, cooling towers, grain elevators, coal bunkers, coke ovens, oil refineries, blast
furnaces, gas tanks, storage silos, and warehouses. At each site the Bechers also created
overall landscape views of the entire plant, which set the structures in their context and
show how they relate to each other. They excluded any details that would detract from the
central theme and instead set up comparisons of viewpoint and lighting through which the
eye is led to the basic structural pattern of the images being compared. This principle, which
is allied to the philosophy underlying the New topographics movement, is most obvious in the
two published series, Anonyme Skulpturen: Eine Typologie technischer Bauten and
Typologien, Industrieller Bau, 1963–1975, in which the images are contrasted in groups of
three. Another early project, which they pursued for nearly two decades, was published as
“Framework Houses” (Schirmer/Mosel) in 1977, a visual catalog of types of structures, an
approach that characterized much of their work.
In drawing attention to the cultural dimension of industrial architecture, their work also
highlighted the need for preservation of these buildings. On the couple's initiative, for
example, the Zollern coal mine at Dortmund-Bovinghausen in the Ruhr, for the most part an
art-deco structure, was designated a protected landmark.
The Bechers also photographed outside Germany, including from 1965 buildings in Great
Britain, France, Belgium and later in the United States. In 1966, they undertook a six-month
journey through England and south Wales, taking hundreds of photographs of the coal
industry around Liverpool, Manchester, Sheffield, Nottingham and the Rhondda Valley. In
1974, they traveled to North America for the first time, touring sites in New Jersey, Michigan,
Pennsylvania, and southern Ontario, depicting a range of industrial structures, from coal
breakers to wooden winding towers.
The Bechers exhibited and published their single-image gelatin silver prints, grouped by
subject, in a grid of six, nine, or fifteen. By the mid-1960s the Bechers had settled on a
preferred presentational mode: The images of structures with similar functions are then
displayed side by side to invite viewers to compare their forms and designs based on
function, regional idiosyncrasies, or the age of the structures. The Bechers used the term
“typology” to describe these ordered sets of photographs. The works’ titles are pithy and
captions note only time and location. In 1989–91, for an exhibition at the Dia Art Foundation
in New York, the Bechers introduced a second format into their oeuvre: single images that
are larger in size—twenty-four by twenty inches—and presented individually rather than as
gridded tableaux.
In 1976, Bernd Becher started teaching photography at the Kunstakademie Düsseldorf
(policy matters prevented Hilla's simultaneous appointment), where he remained on the
faculty until 1996. Before him, photography had been excluded from what was largely a
school for painters. He influenced students that later made a name for themselves in the
photography world. Former students of Bernd's included Andreas Gursky, Thomas Ruff,
Thomas Struth, Candida Höfer, and Elger Esser. Bernd died in Rostock.
Since Bernd Becher's death, his widow Hilla has continued to reassemble their works, mostly
using existing photographs.
Charles Simonds
Forty years ago, Charles Simonds began building, in crumbling corners of downtown
Manhattan, tiny brick dwellings meant to house a mythical race of “Little People.” The
scratchy, jumpy videos that document these efforts now themselves seem reports from an
apocryphal land. They were on view upstairs in this sampling of mostly new work, Simonds’s
first solo exhibition in New York in a decade. (A sculpture of his has lodged in the stairwell of
the Whitney Museum since 1981; it matches two further works perched on buildings across
the street.)
Although the grim Lower Manhattan of those videos—several shot by Rudy Burckhardt—is
nearly unrecognizable today, Simonds’s work has not changed in essence. His materials
now include metal, polyurethane, paper and/or plaster, but clay remains primary, and almost
everything else imitates it. Early on, he performed as a kind of primitive mud man—a genial,
prostrate Kim Jones; other early videos, as well as a group of 22 still photos from 1970
called Birth, show Simonds emerging gloopily from soft clay, or submitting, Gulliver-style, to
the little brick cities he builds on his supine, naked body. While he has long since taken
himself out of the picture, he continues to work in the streets of various cities, unannounced
and largely undocumented. And while the new, discrete sculptures are big and wildly
inventive, they are still meant to serve Little People. The conceit—which he has elaborated in
various statements—should be hopelessly corny but isn’t, because, like the best fantasy
worlds, it seems to have as much to do with controlling nightmares as indulging daydreams.
The show’s centerpiece was Mental Earth (2002), a majestic hanging sculpture 10 feet wide,
its four massive limbs, or wings, spiraling outward at head height. At its center are velvety
red deserts spiked with nails and riven with glowing orange streambeds; further out are
virulent growths of brick towers, their minuscule detailing maniacally precise. There are
twisted ropes of yeasty, golden-brown clay and oozy, bubbly outcroppings of a distinctly
Jules Verne-ish cast. Sublime, apocalyptic, absurd and commanding, Mental Earth is
described by Arthur Danto in the exhibition catalogue as evoking an Annunciation; Simonds
himself cites the Winged Victory of Samothrace. Neither seems an overreach.
Sprouting from the walls were four smaller but no less compelling sculptures (all 2011),
which similarly manifest the “conflation of body, land and energy” that Simonds says is his
motivation. Rounding out the show were two bone-white porcelain works, one a ball of
tumbleweed and the other a thorn bush, both made at Sèvres and displayed under glass;
they appear to have sprung from ghost towns.
Born under the sign of an Aquarian back-to-the-land movement and harbored in the margins
of Post-Minimalism, Simonds’s handmade productions now find company in the work of
precision homemakers like Do Ho Suh and Brian Tolle. Simonds, the son of two
psychoanalysts, creates primal scenes distinguished by a combination of wondrous delicacy
and manic energy.
Christo (Gabrovo, 13 de junho de 1935, nascido como Christo Vladimirov Javacheff,
búlgaro: Христо Владимиров Явашев) e Jeanne-Claude (Casablanca, 13 de junho de
1935, nascida como Jeanne-Claude Denat de Guillebon — Nova Iorque, 19 de novembro de
2009) foram um casal de artistas.
O casal ficou conhecido pelas instalações de arte ambiental, entre outros, pelo seu
trabalho no Reichstag, o Parlamento alemão, em Berlim e na Pont Neuf, ponte em Paris, e
mais recentemente The Gates no Central Park de Nova Iorque.
Jeanne-Claude nasceu em 13 de junho de 1935 como Jeanne-Claude Denat de Guillebon,
em Casablanca, no Marrocos. Ela descendia de uma família de oficiais franceses. Seu
marido, Christo, nasceu no mesmo dia na Bulgária. Ambos viviam juntos há 51 anos.
Christo começou sua formação profissional como assistente de voo, antes de encontrar
seu caminho na arte. Jeanne-Claude conheceu Christo em 1958 em Paris, depois de
encomendar ao artista um quadro da mãe dela. Em maio de 1960, nasceu o filho do casal,
Cyril, e dois anos mais tarde Christo e Jeannne-Claude se casaram. Em 1964, a família se
mudou para os Estados Unidos.
Pouco antes dos primeiros encontros, Christo havia "embrulhado" seu primeiro pote de tinta,
envolvendo-o com resina e tela de linho. Em seguida, amarrou-o e tratou-o com cola, areia
e tinta de automóvel. A partir daí, começou a se dedicar cada vez mais a esta forma de
trabalho.
A partir de 1994, o casal usava oficialmente os dois nomes juntos, com direitos iguais para
as suas obras. Patrocinadores e contribuições de fundos públicos foram negados por
ambos os artistas, que financiaram sua arte só com a venda dos esboços.
David Hockney (Bradford, 9 de Julho de 1937) é um pintor, cenógrafo, fotógrafo e gravador
britânico.
História
Hockney nasceu em Bradford, na Inglaterra em 1937 e educado primeiramente na Escola
Primária de Wellington. Mais tarde ele foi para o Bradford Grammar School, Bradford
College of Art e o Royal College of Art, em Londres, onde conheceu RB Kitaj. Enquanto
ainda era estudante no Royal College of Art, Hockney foi apresentado na exposição de
jovens contemporâneos, ao lado de Peter Blake, que anunciou a chegada da Pop Art
britânica. Em 1963, Hockney visitou Nova York, fazendo contato com Andy Warhol. Uma
visita mais tarde para Califórnia, onde viveu por muitos anos. Em 1967, ganhou o Prêmio
John Moores com a pintura "Peter Getting Out Of Nick's Pool".
David Nash, OBE RA (born 14 November 1945) is a British sculptor based in Blaenau
Ffestiniog. Nash has worked worldwide with wood, trees and the natural environment.
Early life
David Nash was born at Esher, Surrey, and raised with his older brother Chris in Weybridge,
Surrey where they both attended preparatory school. He spent all his childhood holidays in
Ffestiniog, WalesDavid helped clear and replant a nearby forest that his father owned, and
also worked for the Commercial Forestry Group. He learned about wood of many kinds and
learned he hated planting trees in rows.
Artistic career
He attended Brighton College from 1959 to 1963, then Kingston College of Art from 1963 to
1967 and the Chelsea School of Art as a postgraduate from 1969 to 1970. Nash was
elected a member of the Royal Academy of Arts in 1999. In 2004, he was awarded the Order
of the British Empire. A significant exhibition of his work is displayed in the Yorkshire
Sculpture Park for a period in 2010/11. Kew Gardens currently has a working exhibition,
launched in June 2012. David Nash is working on site in a 'wood quarry', his first for 10 years,
to create new works at Kew.
Artistic creations
David Nash is known for works in wood and shaping living trees. His large wood sculptures
are sometimes carved or partially burned to produce blackening. His main tools for these
sculptures are a chainsaw and an axe to carve the wood and a blowtorch to char the wood.
Nash also makes land art, of which the best known is Wooden Boulder, begun in 1978. This
work involves the journey of a large wooden sphere from a Welsh mountainside to the
Atlantic Ocean. Wooden Boulder is a large wooden sphere carved by Nash in the North
Wales landscape and left there to weather. Over the years, the boulder has slipped, rolled
and sometime been pushed through the landscape following the course of streams and
rivers until finally it was last seen in the estuary of the river Dwyryd. It was thought to have
been washed out to sea but, after being missing for over five years, the boulder reappeared
in June 2009. Indications are that it had been buried in sand in the estuary. The sculptor had
no idea of its location, and enjoys the notion that wood which grew out of the land will finally
return to it.
Nash also makes sculptures which stay in the landscape. For example, Ash Dome is a ring
of ash trees he planted in 1977 and trained to form a domed shape. The dome is sited at a
secret location somewhere in Snowdonia and whenever it's filmed, crews are taken there by
a circuitous route to guard its security.
In the late 1980s, Nash worked at the Djerassi resident artist program, near Woodside,
California, where he used Redwood and Madrone wood for his sculptures. Nash has worked
with schools, university groups, and teachers throughout his career. He has created a varied
body of work in which the relationship between man and nature is a central theme. His
artistic ethos has been one of direct, physical involvement with his chosen material – wood
– and the landscape.
Since 1967, his sculpture has formed two distinctive groupings; sculptures which connect
with the outside, the landscape of making and placements, and works which are presented
inside, within and in relation to, architectural environments. The inorganic, non-allusive
sculptures that Nash makes using unseasoned wood are based on the universal geometry
of the cube, the sphere and the pyramid. He uses the directions of mark-making to his
favoured forms: vertical for the cube, horizontal for the sphere, and diagonal for the pyramid.
Although the innate character of the material is taken into account, and allowed to affect
the outcome, he never allows it to dictate the sculpture's final identity.
Nash takes a different approach to carving. Rather than chisels and abrasives, he uses
chain saws and a blowtorch.
Egon Schiele (Tulln an der Donau, 12 de Junho de 1890 — Viena, 31 de Outubro de 1918) foi
um pintor austríaco ligado ao movimento expressionista.
Nasceu no seio de uma família humilde, sendo que seu pai era um trabalhador dos
caminhos de ferro.
Em 1905, com quinze anos, Schiele perdeu o pai por causa da sífilis. A partir dessa data
ficou aos cuidados de um tio materno que reconheceu o seu valor artístico e o apoiou. No
ano seguinte ingressou na Akademie der Bildenden Künste, em Viena, onde estudou
desenho e pintura, em oposição à vontade de sua mãe que queria vê-lo a seguir os passos
do pai.
Em 1907, Schiele conheceu Gustav Klimt que, interessado no seu trabalho, fez dele o seu
"protegido". Ajudou-o comprando os seus trabalhos, apresentando-o a pessoas influentes,
arranjando-lhe modelos, entre outras coisas.
A sua primeira exposição foi em 1908 na Klosterneuburg. Insatisfeito com o caracter
conservador da academia, Schiele abandonou os estudos e, juntamente com outros
colegas que partilhavam a mesma insatisfação, criou o grupo Neukunstgruppe ("Grupo nova
arte"). Liberto do conservadorismo, começou a explorar mais a forma humana e também a
sexualidade.
Em 1911, conheceu Valerie (Wally) Neuzil, a rapariga com dezassete anos com quem
começou a viver em Viena usando-a também como modelo para alguns dos seus melhores
trabalhos. Para fugirem à vida na cidade mudaram-se para Český Krumlov (Krumau). O seu
estilo de vida (que incluia pintar modelos adolescentes da zona) teve um impacto negativo
na população.
Este impacto fez com que se mudassem de novo, desta vez para Neulengbach. Como
estavam perto de Viena (cerca de 35 km), o seu estúdio tornou-se num ponto de encontro
de crianças deliquentes. Também aqui o seu estilo de vida não era de agrado das outras
pessoas. Schiele chegou mesmo a ser preso por ter seduzido uma menor. Quando os
polícias o foram prender levaram também vários trabalhos que consideram pornográficos.
Schiele foi preso por 21 dias, não por ter seduzido a menor, mas sim por ter alegadamente
exposto trabalhos pornográficos num local acessivel a menores.
Em 1915 Egon deixou Valerie e ficou noivo de Edith Harms, vindo a casar-se no dia 15 de
Junho desse ano.
Em 1918, Schiele foi convidado a participar na 49º Secessão em Viena. Teve 50 trabalhos
aceites na exibição que foram postos na sala principal. Fez também o poster para a
exibição, o qual era inspirado na Última Ceia, com o seu retrato no lugar de Cristo. Este
acontecimento foi um tremendo sucesso tendo resultado na subida do valor económico
dos trabalhos deste artista. Durante o útlimo ano da sua vida, Egon Schiele fez várias
outras exposições igualmente com sucesso.
No outono de 1918, Edith, grávida de seis meses, foi uma das mais de vinte milhões vítimas
da gripe espanhola, morrendo a 28 de Outubro. Três dias depois da sua morte, Schiele
abandona também a sua vida. Durante estes três dias, Egon Schiele fez alguns reatratos de
Edith, tendo sido estes os seus últimos trabalhos.
Este grande representante do expressionismo austríaco deixou trabalhos onde estavam a
representados seres humanos transfigurados por sentimentos fortes implícitos no seu
traço, amantes revirados em amontoados de lençóis brancos, diversas mulheres posando
para ele e auto-retratos provocantes mostrando a sua visão de si (provavelmente), assim
como também fez algumas paisagens e residências burguesas, nos quais exibe um estilo
cuidadoso e elegante, de traços bordados, com fortes contrastes entre ocres e cores
primárias.
Actualmente as suas obras mais importantes encontram-se em museus de Viena e da
Suíça assim como em importantes coleções particulares.
Francisco Leiro nasceu em Cambados (Galiza) em 1957 numa família de artesãos e
iniciou-se no ofício da escultura com o seu pai, canteiro. Ao mesmo tempo que conhece o
granito do país, conhece a madeira e o ferro. Em 1975, expõe pela primeira vez em
Cambados, e no seguinte ano acode em Madrid a uma exposição coletiva de artistas
galegos na sala Toisón. Com menos de trinta anos, a galeria Malbourough, uma das mais
importantes do mundo, interessa-se por ele e, desde então, está presente nas principais
citas internacionais, incluída a feira madrilenha ARCO (sem interrupção desde 1986), e
ainda na Bienal de Pontevedra.
Obra
A obra de Francisco Leiro costuma aparecer em lugares públicos, na Galiza (a ilha das
esculturas, em Pontevedra; em institutos de ensino meio no Carril, (Vilagarcía de Arousa),
em vários pontos da cidade de Vigo, Ferrol, ou Sanxenxo), bem como no exterior: Biarritz
(França). Além disso, está também presente em museus internacionais de arte
contemporânea.
O próprio escultor tem denominado "coisas" algumas das suas obras pelo seu alto grau de
indefinibilidade. Contudo, mantém a visão de Miguel Ângelo segundo a qual a escultura é o
ofício de retirar do bloco matérico a parte sobrante e trabalha preferentemente com metal
e com velhos blocos de madeira de carvalho e castanho. Justamente os materiais
orgânicos e as ferramentas, incluídas serras, machados e cutelos, contribuem a dar forma
às mutilações, deformidades, rostos desgarrados, gritos, humanidades ciclópeas e
conceitos humanizados que mostram a visão trágica ou irónica da vida que Leiro quer
transmitir. Em 2008, Francisco Leiro foi reconhecido com o Prémio Nacional da Cultura
entregue pela Junta da Galiza, na categoria de artes visuais.
Ilya Kabakov (Russian: Илья́ Ио́сифович Кабако́в; born September 30, 1933), is a Sovietborn American conceptual artist,[1] born in Dnipropetrovsk, Ukraine. He worked for thirty
years in Moscow, from the 1950s until the late 1980s. He now lives and works on Long
Island.
Throughout his forty-year plus career, Kabakov has produced a wide range of paintings,
drawings, installations, and theoretical texts — not to mention extensive memoirs that track
his life from his childhood to the early 1980s. In recent years, he has created installations
that evoked the visual culture of the Soviet Union, though this theme has never been the
exclusive focus of his work. Unlike some underground Soviet artists, Kabakov joined the
Union of Soviet Artists in 1959, and became a full-member in 1965. This was a prestigious
position in the USSR and it brought with it substantial material benefits. In general, Kabakov
illustrated children's books for 3–6 months each year and then spent the remainder of his
time on his own projects.
By using fictional biographies, many inspired by his own experiences, Kabakov has
attempted to explain the birth and death of the Soviet Union, which he claims to be the first
modern society to disappear. In the Soviet Union, Kabakov discovers elements common to
every modern society, and in doing so he examines the rift between capitalism and
communism. Rather than depict the Soviet Union as a failed Socialist project defeated by
Western economics, Kabakov describes it as one utopian project among many, capitalism
included. By reexamining historical narratives and perspectives, Kabakov delivers a
message that every project, whether public or private, important or trivial, has the potential
to fail due to the potentially authoritarian will to power.
Joseph Heinrich Beuys (pron. IPA: /ˈbɔʏ̯s/ ; Krefeld, 12 de maio de 1921 — Düsseldorf, 23 de
janeiro de 1986) foi um artista alemão que produziu em vários meios e técnicas, incluindo
escultura, fluxus, happening, performance, vídeo e instalação. Ele é considerado um dos
mais influentes artistas alemão da segunda metade do século XX.
Vida
Beuys nasceu em Krefeld e cresceu em duas pequenas localidades da região, Kleve e
Rindern. Ele travou algum contato com a arte na juventude, tendo visitado o ateliê de
Achilles Moorgat em várias ocasiões, mas decidiu seguir carreira em medicina. Entretanto,
com a explosão da Segunda Guerra Mundial, ele se alistou na Força Aérea Alemã
(Luftwaffe). Costuma-se dizer que a predominância de feltro e gordura na obra de Beuys é
devida a um incidente ocorrido na guerra. Beuys foi alvejado e seu avião caiu durante uma
missão na Criméia e ele acabou sendo resgatado por tártaros. Ele teria sido salvo ao ter
sido tratado com ervas e recoberto por feltro e gordura. Não se sabe se essa história é
verdadeira, mas agora ela já faz parte do mito que cerca a figura de Beuys.
Depois da guerra, Beuys concentrou-se na arte e estudou na escola de arte de Düsseldorf
de 1946 a 1951. Nos anos 1950, ele se dedicou principalmente ao desenho. Em 1961, ele
se tornou professor de escultura na academia, mas acabou sendo demitido de seu posto
em 1972, depois que insistiu em que suas aulas deveriam ser abertas a qualquer
interessado. Seus alunos protestaram, e ele pôde manter seu ateliê na escola, mas não
recuperou as aulas.
Em 1962, Beuys conheceu o movimento Fluxus, e as performances e trabalhos
multidisciplinares do grupo - que reuniam artes visuais, música e literatura - inspiraram-no a
seguir uma direção nova também voltada para a happening e performance. Sua obra
tornou-se cada vez mais motivada pela crença de que a arte deve desempenhar um papel
ativo na sociedade.
Em 1979, uma grande retrospectiva da obra do artista foi exibida no Museu Guggenhein de
Nova York.
Beuys morreu de insuficiência cardíaca, em 1986.
Juan Muñoz nasceu em 1953, o segundo dos sete filhos de Vicente e Herminia Muñoz. Seu
pai contratou um poeta, que também era crítico de arte, para passar-lhe lições, o que deu a
Muñoz uma idéia de modernismo. Ele cresceu durante o regime de Francisco Franco. Nos
anos setenta, mudou-se para a Inglaterra, para estudar na Central Saint Martins College of
Art and Design. Lá ele conheceu sua esposa, a também escultora Cristina Iglesias, com
quem teve dois filhos. Em 1982, ele foi premiado pelo Programa Fulbright e viajou para os
Estados Unidos para estudar no Instituto Pratt, em Nova York.
Sua primeira exibição ocorreu em 1984, na Galeria Fernando Vijande, em Madrid. Desde
então, são trabalhos tem sido frequentemente exibidos na Europa e em outras partes do
mundo.
Jean Dubuffet
Jean Philippe Arthur Dubuffet (Le Havre, 31 de Julho de 1901 — Paris 12 de Maio de 1985)
foi um pintor francês.
Foi o primeiro teórico da arte bruta e autor de vigorosas críticas da cultura dominante,
particularmente em seu ensaio Asfixiante cultura (Asphyxiante culture).
Biografia
Dubuffet, oriundo de uma família de produtores de vinho, começou muito novo a demonstrar
a sua queda para a arte. Sabe-se que aos oito anos de idade já pintava. Aos quinze anos
de idade foi inscrito na Escola da Belas Artes de sua cidade natal, ao mesmo tempo em
que cursava o liceu local.
Em 1918, aos dezassete anos, vai para Paris, inscrevendo-se na célebre Academia Julian,
a qual só frequentou durante cerca de seis meses, por achar que não lhe ensinavam o que
queria aprender.
Cumpre o serviço militar até 1924, altura em que se deslocou para Buenos Aires, onde
trabalhou numa empresa de calafetação durante seis meses.
Em 1927, casa-se com Paulette Bret. Do casamento, nasce uma filha, Isalmina, em 1929.
De regresso a Le Havre, resolve dedicar-se ao negócio familiar de produção de vinhos. Em
1930 funda uma empresa de comercialização de vinhos a granel, em Paris .
Em 1933 resolve dedicar-se em exclusividade à sua arte, tendo para o efeito alugado um
atelier em Paris.
Em 1934, separa-se de Paulette Bret e, na companhia de Emile Carlu, que mais tarde virá a
ser a sua esposa, viaja por alguns países da Europa.
Em 1937, volta a tomar conta dos seu negócio em Bercy, pois este estava a poucos
passos da falência.
Dubuffet, em 1942, consegue entregar a gestão da sua empresa a um procurador, ficando
ele com disponibilidade para se dedicar novamente à pintura, conseguindo alugar um
atelier, perto de sua casa em Paris.
André Malraux foi um dos apreciadores da sua obra tendo comprado uma obra sua
aquando da sua primeira exposição na Galeria René Drouin de Paris.
Dubuffet denominou seu estilo de art brut ("arte bruta"). Desde então, a expressão é
utilizada para se fazer referência à arte de Dubuffet marcada por essa originalidade . Assim
como muitos artistas contemporâneos anteriores, ele procurava inspiração em fontes
alheias à tradição ocidental. Rejeitava a idéia de que a arte devesse ser esteticamente
agradável ou, apenas, ilustrar a realidade visual. Seu estilo de desenho, deliberadamente
seco, enfatizava um processo de criação lento e difícil. Desse modo, rejeitava a facilidade
e a impulsividade dos pintores abstratos em favor de uma arte mais primitiva, crua e bruta.
Lucian Michael Freud (Berlim, 8 de dezembro de 1922 - Londres, 20 de julho de 2011) foi um
pintor nascido na Alemanha e naturalizado britânico em 1939.
Filho de pais judeus, Ernst Ludwig Freud, arquiteto, e de Lucie Brasch, era neto de Sigmund
Freud e irmão do escritor e político Clement Raphael Freud e de Stephan Gabriel Freud.
Em 1934, para escapar do antissemitismo nazista, Ernst Freud levou sua família para
Londres. Em 1938, depois do Anschluss, Sigmund Freud se juntou a eles (suas últimas
quatro irmãs - octogenárias - permaneceram em Viena e viriam a morrer num campo de
concentração). Obteve a cidadania britânica no ano de 1939. Durante esse período estudou
na escola Dartington Hall, em Totnes, Devon, e posteriormente na Bryanston School.
Início da carreira
Freud estudou brevemente na Central School of Art em Londres, depois, com grande
sucesso, na Cedric Morri's East Anglian School of Painting and Drawing em Dedham, e
também na Universidade londrina de Goldsmiths de 1942 a 1943. Desde então, ele serviu
como marinheiro mercante no comboio atlântico em 1941 antes de ser invalidado do
serviço em 1942.
Sua primeira exibição solo, na Lefevre Gallery em 1944, apresentou o agora celebrado The
Painter's Room. No verão de 1946, ele viajou até Paris antes de ir para Itália e lá ficar por
vários meses. Desde então morou e trabalhou em Londres.
As primeiras pinturas de Freud são frequentemente associadas com o surrealismo e por
apresentar pessoas e plantas em justaposições incomuns. Esses trabalhos são
normalmente pintados com pintura bastante magra, mas a partir da década de 1950 ele
começou a pintar retratos, geralmente nus, para a quase completa exclusão de tudo o
mais, e começou a usar um impasto mais espesso. Com o uso dessa técnica, ele limpava
seu pincel a cada pincelada. As cores nessas pinturas são tipicamente emudecidas. Os
retratos de Freud geralmente apenas representavam os modelos, as vezes nus no chão ou
na cama, mas as vezes o modelo é justaposto com algo mais, como em Menina com um
cão branco e Homem nu com chapéu. Os temas de Freud são geralmente de pessoas nas
suas vidas; amigos, família, amores, crianças. Nas palavras do artista "o assunto do tema é
autobiográfico, tudo sempre tem a ver com esperança e memória e sensualidade e
envolvimento, mesmo."
"Eu pinto gente - diz Freud - não pela maneira que elas se parecem, não exatamente a
despeito do que elas são, mas como elas por acaso se parecem." Freud pintou um bom
número de amigos artistas, incluindo Frank Auerbach, e também Henrietta Moraes, uma
musa para muitos artistas do bairro londrino de Soho.
Anos recentes
Freud era um dos mais conhecidos artistas britânicos que trabalhava com um estilo
tradicional representativo, e recebeu o Prêmio Turner no ano de 1989. De acordo com o
jornal Sunday Telegraph de 1 de setembro de 2002, Freud teria cerca de 40 filhos,
reconhecendo todos quando se tornam adultos. Depois de seu romance com Lorna
Garman, ele se casou com sua sobrinha Kitty (filha do escultor Jacob Epstein e da socialite
Kathleen Garman) em 1948, mas seu casamento acabou depois de quatro anos quando ele
iniciou um romance com Lady Caroline Blackwood, escritora. Eles se casaram em 1957.
Sua pintura After Cezanne, que é notável pelas suas formas incomuns, foi comprada pela
Galeria Nacional da Austrália por 7,4 milhões de dólares. A sua parte superior esquerda
desta pintura foi 'grafitada'.
Lucian Freud foi professor visitante na Slade School of Fine Art de 1949 a 1954, na
Universidade de Londres.
Apesar de internacionalmente conhecido como um dos mais importantes artistas do século
XX, há poucas oportunidades de ver as pinturas e gravuras de Lucian Freud na GrãBretanha. Em 1996, houve uma grande exibição de 27 obras e 13 gravuras na Abbot Hall Art
Gallery em Kendal, cobrindo todo os períodos da obra de Freud. Isso foi notavelmente
seguido por um grande retrospectivo na Tate Britain em 2002. Durante o período de maio
de 2000 a dezembro de 2001, Freud pintou a rainha Isabel II do Reino Unido.
Morreu em julho de 2011, aos 88 anos.
Marcel Duchamp (Blainville-Crevon, 28 de julho de 1887 – Neuilly-sur-Seine, 2 de outubro de
1968) foi um pintor, escultor e poeta francês,2 cidadão dos Estados Unidos a partir de 1955,
e inventor dos ready made.
Vida e obra
É um dos precursores da arte conceitual e introduziu a ideia de ready made como objeto de
arte. Irmão de Jacques Villon, de Suzanne Duchamp e Raymond Duchamp-Villon, estes
também artistas que gostaram de reputação no cenário artístico europeu, Marcel Duchamp
começou sua carreira como artista criando pinturas de inspiração romantista,
expressionista e cubista.
Dessa fase, destaca-se o quadro Nu descendo a escada, que apresenta uma sobreposição
de figura de aspecto vagamente humano numa linha descendente, da esquerda para a
direita, sugerindo a ideia de um movimento contínuo. Esse quadro, na época de sua gênese,
foi mal recebido pelos partidários do Cubismo, que o julgaram profundamente irônico para
com a proposta artística por eles pretendida.
Essa fase lhe rendeu, ainda, o quadro Rei e rainha rodeados por rápidos nus, que sugere um
rápido movimento através de duas figuras humanas, e A noiva, que apresenta formas
geométricas bastante delineadas e sobrepostas, insinuando uma figura de proporções
humanas. Este último foi bastante utilizado no seu projeto mais ambicioso, de que
trataremos a seguir.
Sua carreira como pintor estendeu-se por mais alguns anos, tendo como produto quadros
de inegável valor para a formação da pintura abstrata. É, no entanto, como escultor que
Duchamp vai atingir grande fama. Tendo se mudado para Nova York e largado a Europa
numa espécie de estagnação criativa, Duchamp encontra na América um solo fértil para
sua arte dadaísta. Decorrente dessa fase, e em virtude de seus estudos sobre perspectiva
e movimento, nasce o projeto para a obra mais complexa do artista: A noiva despida pelos
seus celibatários, mesmo ou O grande vidro.
Trata-se de duas lâminas de vidro, uma sobre a outra, onde se vê uma figura abstrata na
parte de cima, que seria a noiva, inspirada no quadro acima mencionado, e, na parte de
baixo, se percebe uma porção de outras figuras (feitas de cabides, tecido e outros
materiais), dispostas em círculo, ao lado de uma engrenagem (retirada de um moinho de
café). Essa obra consumiu anos inteiros de dedicação de Duchamp, e só veio a público
muito depois do início de sua construção, intercalada, portanto, por uma série de obras. Não
se tem um consenso acerca do que representa essa obra, mas diversas opiniões
conflitantes, com base em psicologismos e biografismos, renderam e ainda rendem
bastante discussão.
Marco Polo "Mark" di Suvero (born September 18, 1933) is an American abstract
expressionist sculptor.
Life
He was born Marco Polo Levi-Schiff di Suvero in Shanghai, China in 1933 to Italian
expatriates. He immigrated to San Francisco, California in 1941 with his family. From 1953
to 1957, he attended the University of California, Santa Barbara to study Philosophy. He
later moved to New York City where surrounded by an explosion of Abstract Expressionism
he focused all his attention on sculpture. While working in construction, he was critically
injured in an elevator accident, was paraplegic in a wheelchair for years and was told he
would never walk again.
While in rehabilitation, he learned to walk again and then to work with an arc welder. His
early works were large outdoor pieces that incorporated wooden timbers from demolition
buildings, tires, scrap metal and structural steel. This exploration has transformed over time
into a focus on H-beams and heavy steel plates. Many of the pieces contain sections that
are allowed to swing and rotate giving the overall forms a considerable degree of motion. He
prides himself on his hands-on approach to the fabrication and installation of his work. Di
Suvero pioneered the use of a crane as a sculptor's working tool.
Di Suvero was a founding member of the Park Place Gallery and later, ConStruct, both
artist-owned galleries, the former was the first SoHo Contemporary art communal gallery.
The latter promoted and organized large-scale sculpture exhibitions throughout the United
States. Other founding members include John Raymond Henry, Kenneth Snelson, Lyman
Kipp and Charles Ginnever.
His distinctive, large bold pieces can be found all over the world. He continues to be the
subject of multiple exhibitions and his commitment to emerging artists is undeniable through
the Athena Foundation and the Socrates Sculpture Park. Di Suvero has received the
Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award from the International Sculpture
Center and, in 2005, the 11th Annual Heinz Award in the Arts and Humanities for his
commitment to aspiring artists.
Di Suvero currently lives in New York City with his second wife and daughter. He has two
working studios, an open air fabrication facility in Petaluma California since 1975 and a
former brickyard on the edge of the East River in Long Island City, Queens, New York since
1980 . Di Suvero also created a studio on a river barge in Chalon-sur-Saône France from
1972 to 1989, which he later transformed into a foundation.
He most recently published a book, titled Dreambook, a compilation of pictures of
sculptures, poems, and ideas. The vibrant colors in it are reflected in the bright colors he
always wears.
Peter Buggenhout
At first glance, Peter Buggenhout’s large fuzzy masses, seemingly covered in thick layers of
dust, look like readymade objects, rubble found in the aftermath of a building site, an
archaeological dig, or at the scene of a cataclysm – an earthquake, explosion or other
force of violent destruction (natural disasters or terrorist attacks?).
Consider his series entitled The Blind Leading the Blind (2008) and Gorgo (2005), charred
rotting hulks bearing traces of what looks like steel building beams jutting from concrete
fragments. Or Eskimo Blue (1999), which recalls the sun-bleached remains of a prehistoric
creature of unknown dimensions, preserved as if for classification in a museum cabinet.
Uncomfortably ‘real’, but dissected and presented for study by future generations.
In fact, this and Buggenhout’s other works are incredibly realistic renderings, carefully made
in the artist’s studio but suggesting unidentifiable ruins. In confusing viewers, Buggenhout’s
sculpture raises questions around the subjects artists choose as their models and the
strong
influence
of
projection
on
the
way
art
is
perceived.
The objects here intimate the theme of the ‘ruin’ that surfaces through art history, but in its
more direct and subversive mood. These works convey an organic, blurred relationship
between representation and abstraction that breaks down perceived assumptions about the
way objects are classified and understood.
But what appears to be there upon first looking remains a lingering presence that the viewer
cannot entirely ignore. “I consider my works as analogies. All these analogies bear the
consoling thought that they were created by human hands, that they are viable and bring
viability that is hardly, if at all, bearable into a chilled, inhumanly large world. These analogies
do not operate within the standard artistic norm because they do not intend to pass
judgment, preach or pass on emotions. They simply are, there is more than meets the eye,
after all.”
Pedro Cabrita Reis (nasceu em Lisboa em 1956) é um artista plástico, pintor português.
Pedro Cabrita Reis é um dos principais artistas de sua geração.1 A exposição em Kunsthalle
Hamburg foi a sua primeira apresentação num museu alemão. Expôs e participou em
numerosas exposições internacionais, incluindo a Documenta IX, em 1992, em 2003,
representou Portugal na Bienal de Veneza. Atualmente, participa na X Bienal de Lyon, com
duas grandes obras. Em Hamburg Kunsthalle apresentou cerca de sessenta esculturas,
incluindo pinturas, desenhos e fotografias.
Richard Long CBE (born 2 June 1945) is an English sculptor, photographer and painter, one
of the best known British land artists.
Long is the only artist to be shortlisted for the Turner Prize four times, and he is reputed to
have refused the prize in 1984. He was nominated in 1984, 1987, 1988 and he then won the
award in 1989 for White Water Line. He currently lives and works in Bristol.
Early life and education
Born in Bristol, England; Long studied at the University of the West of England's College of
Art during the years of 1962–5, then to Saint Martin's School of Art, London during 1966–68.
At Saint Martin's, he studied under Anthony Caro and Phillip King, and he became closely
associated with fellow student Hamish Fulton. Within a year after he graduated from St
Martin's, the artist became closely associated with the emergence of Land Art; he also
participated in the first international manifestations of both Arte Povera, in Amalfi, Italy in
1968, and Earth Art, at Cornell University, New York in 1969.
Work
Long made his international reputation during the 1970s, but already with sculptures made
as the result of epic walks, these take him through rural and remote areas in Britain, or as
far afield as the plains of Canada, Mongolia and Bolivia. He walks at different times for
different reasons. At times, these are predetermined courses and concepts; yet equally, the
idea of the walk may assert itself in an arbitrary circumstance. Guided by a great respect for
nature and by the formal structure of basic shapes, Long never makes significant alterations
to the landscapes he passes through. Instead he marks the ground or adjusts the natural
features of a place by up-ending stones for example, or making simple traces. He usually
works in the landscape but sometimes uses natural materials in the gallery. Different modes
of presentation, sometimes combined, were used to bring his experience of nature back into
the museum or gallery. From 1981, Long also alluded to the terms of painting by applying
mud in a very liquid state by hand to a wall in similar configurations, establishing a dialogue
between the primal gesture of the hand-print and the formal elegance of its display. He
stressed that the meaning of his work lay in the visibility of his actions rather than in the
representation of a particular landscape. Almost forty years on, his work continues the
dialectic between working freely and ephemerally wherever in the wide world, and bringing it
back into the public domain of art spaces and books in the form of sculptures of raw
materials such as stones, mud and water and photographic and text works. In 2012 the
artist was on view at the exhibition "Ends of the Earth: Land Art bis 1974" with the
conceptual and rarely shown work entitled A Walking Line in the Berner Oberland.
Robert Smithson (January 2, 1938 – July 20, 1973) was an American artist famous for his
use of photography in relation to sculpture and land art.
Early life and education
Smithson was born in Passaic, New Jersey and early on lived mostly in Rutherford. In
Rutherford, William Carlos Williams was Smithson's pediatrician. When Smithson was nine
his family moved to the Allwood section of Clifton. He studied painting and drawing in New
York City at the Art Students League of New York from 1955 to 1956 and then briefly at the
Brooklyn Museum School.
Early work
His early exhibited artworks were collage works influenced by "homoerotic drawings and
clippings from beefcake magazines", science fiction, and early Pop Art. He primarily
identified himself as a painter during this time, but after a three-year rest from the art world,
Smithson emerged in 1964 as a proponent of the emerging minimalist movement. His new
work abandoned the preoccupation with the body that had been common in his earlier work.
Instead he began to use glass sheet and neon lighting tubes to explore visual refraction and
mirroring, in particular the sculpture Enantiomorphic Chambers. Crystalline structures and
the concept of entropy became of particular interest to him, and informed a number of
sculptures completed during this period, including Alogon 2. In Smithson’s eyes entropy was
the second law of thermodynamics, which exploits the range of energy by telling us that
energy is easier lost than obtained. He said that in the ultimate future the universe will burn
out into an all encompassing sameness. Smithson used the idea of entropy to explore ideas
of decay and renewal, chaos and order, non-sites and earthworks, trying to find equilibrium
between these opposites. His ideas on entropy also branched out into culture, “the urban
sprawl and the infinite number of housing developments of the post war boom have
contributed to the architect of entropy”. Smithson did not see entropy as a disadvantage he
saw it as a form of transformation of society and culture, which is shown in his artwork like
his non-site pieces. Smithson became affiliated with artists who were identified with the
minimalist or Primary Structures movement, such as Nancy Holt (whom he married), Robert
Morris and Sol LeWitt. As a writer, Smithson was interested in applying mathematical
impersonality to art that he outlined in essays and reviews for Arts Magazine and Artforum
and for a period was better known as a critic than as an artist. Some of Smithson's later
writings recovered 18th- and 19th-century conceptions of landscape architecture which
influenced the pivotal earthwork explorations which characterized his later work. He
eventually joined the Dwan Gallery, whose owner Virginia Dwan was an enthusiastic
supporter of his work.
Ron Mueck (Melbourne, 1958) é um escultor australiano hiper-realista que trabalha na GrãBretanha. Cresceu vendo seus pais construírem brinquedos. Sua mãe fazia bonecos de
pano e seu pai brinquedos e marionetes. Segundo relatos Mueck adquiriu esse
perfeccionismo por causa de seu pai, que sempre exigia que fizesse tudo perfeito, inclusive
pedindo para que refizesse.
No início de carreira, foi fabricante de marionetas e modelos para a televisão e filmes
infantis, nomeadamente no filme Labyrinth.
As obras são incrivelmente realistas e se não fosse o tamanho de suas esculturas
certamente seriam fáceis de serem confundidas com pessoas. Ou são muito grandes ou
muito pequenas, jamais do tamanho humano.
Mueck criou a sua própria companhia na Bahia (Brasil), trabalhando para a indústria de
publicidade. Embora altamente detalhados, estes adereços eram geralmente projetados
para serem fotografados de um ângulo específico. Quando produz bonecos não se
preocupa em ser realista, porem com as suas esculturas busca o máximo de perfeição
possível.
Em 1996, Mueck, colaborou com a sua sogra, Paula Rego (Famosa Pintora Portuguesa),
para a produção de pequenas figuras como parte de um quadro que ela estava mostrando
na Hayward Gallery. Rego apresentou-o a Charles Saatchi, que foi imediatamente
impressionado.
As suas esculturas reproduzem fielmente os detalhes do corpo humano, mas joga com
escala para produzir desconcertantemente imagens visuais. Com cinco metros de altura, a
escultura Boy 1999 foi exposta na Bienal de Veneza