Adrien Tirtiaux - KUNSTHALLE São Paulo

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Adrien Tirtiaux
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Conversa entre Marina Coelho e Adrien Tirtiaux em
27 de janeiro de 2016, a propósito exposição «A linha
clara», realizada na KUNSTHALLE São Paulo, entre 25
de janeiro e 9 de abril de 2016.
Conversation between Marina Coelho and Adrien
Tirtiaux on 27 January 2016, on the occasion of the
exhibition «A linha clara», on view at KUNSTHALLE
São Paulo, from 25 January to 09 April 2016.
Marina Coelho: Adrien, você gostaria de falar um
pouco sobre como a arte entrou na sua vida e como
você se tornou um artista?
Marina Coelho: Adrien, would you like to talk about
your background and how art entered your life?
Adrien Tirtiaux: A primeira vez que estudou
arquitetura. Eu também estava interessado em
quadrinhos, pois desde muito pequeno eu lia e
desenhava quadrinhos. Mas eu também era bom
em matemática, então eu pensei que eu deveria
tentar arquitetura. Eu me diverti muito durante
os estudos, mas no final eu tive a sensação de
que ainda era muito jovem para trabalhar em um
escritório. Eu tinha 23 anos. Em paralelo aos meus
estudos, como minha mãe é também uma pintora,
eu costumava pintar nos finais de semana, e então
eu achei que era uma boa idéia fazer dois anos de
escola de arte, para obter alguma maturidade. Então
decidi ir para a escola de arte em Viena. Quando
eu estava estudando arte eu sentia a paixão que eu
não sentia quando estava estudando arquitetura.
Na arquitetura, você trabalha muito tempo em um
projeto e você se cansa dele. Se o projeto chegar a
ser executado será um processo de cinco ou sete
anos, e no final você está interessado em outras
coisas. Na arte o ritmo é diferente, os projetos
são mais de curto prazo e você pode sempre
experimentar algo novo.
MC: Que tipo de trabalho que você estava fazendo no
início? Elas já se relacionavam com o espaço?
AT: No início, eu queria estudar pintura como
minha mãe. Lembro-me de pedir um cavalete
para a Monica Bonvicini e ela se surpreendeu; ela
me selecionou para sua classe, porque ela estava
interessada em minha formação em arquitetura.
Paralelamente a tentar fazer pintura, eu comecei a
fazer mais maquetes e pesquisar sobre edifícios em
Viena, e rapidamente eu parei a pintura e comecei
a trabalhar com o espaço e com performance. Em
Viena há esses bunkers da Segunda Guerra Mundial,
Adrien Tirtiaux: I first studied architecture. I was also
interested in studying comics, because since I am very
small I read and draw comics. But I was also good in
math, so I thought I should try architecture. I had a lot
of fun during the studies, but at the end I had the feeling
that I was too young to work in an office. I was 23. In
parallel to my studies, as my mother is a painter, I used
to paint on the weekends and I thought it would be a
good idea to do two years of art school, to get some
maturity. So I decided to go to the art school in Vienna.
When I was doing art, I felt a passion for it that I did not
have when I was studying architecture. In architecture,
you work too long on a project and you get tired of it.
If it gets built it will be a process of five or seven years,
and in the end you are interested in other things. In
art the rhythm is different, it is rather about short-term
projects and you can always try out something new.
MC: What kind of work were you doing in the
beginning? Were you already relating to the space?
AT: At the very beginning, I wanted to study painting
like my mother. I remember asking Monica Bonvicini
to have an easel and she was surprised; she actually
took me in her class because she was interested in
my architecture background. In parallel of trying to
do painting, I started making models and researching
about architecture in Vienna, and very soon I quit
the painting and started working with space and
performance. In Vienna there are these bunkers from
the Second World War, called Flaktürme. They are
huge concrete towers on top of which there were
cannons, and the population could refugee inside.
You have to imagine structures of raw concrete, 50
meters high, super impressive. There are six of them
spread around the center of Vienna. I was really
fascinated by them; it is such a powerful architecture.
I was working for two years only on that topic,
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Where do I go from here, 2010. Performance e / and video, Charleroi
chamados Flaktürme. Eles são enormes torres de
concreto, em cujos topos havia canhões, e dentro dos
quais, a população podia se refugiar. Você tem que
imaginar estruturas de concreto bruto, com 50 metros
de altura, super impressionantes. Há seis deles
espalhados ao redor do centro de Viena. Eu estava
realmente fascinado por eles; é uma arquitetura muito
poderosa. Por dois anos, eu trabalhei apenas sobre
esse assunto, experimentando com diferentes mídias,
fazendo esculturas, desenhos... As obras site-specific
vieram um pouco mais tarde. Minha carreira artística
começou rapidamente, já durante os estudos. Em
Viena, os alunos são mais velhos, e eu já tinha uma
galeria no quarto ano.
experimenting with different media, doing sculptures,
drawings... The real site-specific works came a little
later. My artistic career started quickly, already during
the studies. In Vienna the students are older, and I
already had a gallery in the fourth year.
MC: Yes, it reminds me of the first work I have seen
from you, this intervention on the cooling tower in
Charleroi. Would you like to talk a bit about it?
MC: Isso me lembra o primeiro trabalho seu que
eu vi, que era uma intervenção em uma torre de
resfriamento em Charleroi. Você gostaria de falar um
pouco sobre esse projeto?
AT: Indeed, it is also the fascination for massive raw
buildings that led me to Charleroi, where there was this
cooling tower. In the process of producing electricity,
the water steam has to be cooled down, and these
towers create a huge current of air for that. The door of
this kind of industrial cathedral was open, so I decided
to do this performance there, in which I make a path to
the center, and then I dismantle it behind me and create
some kind of little house for myself.
AT: Exatamente, foi também o fascínio por enormes
e brutos edifícios que me levou a Charleroi, onde
MC: At a certain point your work has started to
address a certain critique or comment towards
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The Great Cut, 2012. Vista da instalação / Installation view, Stroom Den Haag
havia essa torre de resfriamento. No processo de
produção de electricidade, o vapor de água tem
de ser arrefecido, e estas torres criar uma enorme
corrente de ar. A porta deste tipo de catedral
industrial estava aberta, então eu decidi fazer esta
performance lá, na qual eu fiz um caminho para o
centro, e o desmontei atrás de mim e criei algum
tipo de pequena casa para mim no centro.
MC: Em um certo ponto o seu trabalho passou a
ser dirigido por uma certa crítica ou comentário em
relação à sociedade e em especial às instituições.
Você gostaria de comentar isso?
AT: É algo entre a crítica institucional e como ajudar
a instituição... O público nem sempre percebe
todos os sistemas que estão por trás de uma
exposição; eu tento encontrar ou criar espaços
físicos que, embora sejam aparentemente neutros,
revelam problemas e desafios na instituição. O
projeto que eu fiz em Stroom Den Haag foi um
exemplo disso. No ano de 2012, todos na Holanda
society and specially the institutions. Would you like to
comment this?
AT: It is something between institution critique and how
to help the institution… The public does not always
realize about all the systems behind an exhibition; I try
to find or create physical spaces that, although they are
apparently neutral, reveal the institution’s problems and
challenges. The project I did in Stroom Den Haag was
exemplary for this. In the year of 2012, everybody in
Holland was complaining about the cuts of one forth on
the cultural budget. But it is Holland; even with a forth
less there is still two or three times more money than in
the neighbor countries. So, my idea was to make visible
this budget cut in the institution through a huge wooden
structure that would take 21% of the space. Because it
went through the office, the kitchen, the toilets, through
every space in the institution, every employee had
to deal with that and to face it, there was something
physical to incarnate the restructuring. During the two
and a half months of the exhibition, I was discussing
with each one of the employees in which way they
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It’s a long way to the sea, 2006. Performance itinerante / Itinerant performance, Groningen
reclamavam sobre os cortes em um quarto no
orçamento cultural. Mas se trata da Holanda;
mesmo com um quarto a menos ainda há duas
ou três vezes mais dinheiro do que nos países
vizinhos. Portanto, a minha ideia era tornar visível
este corte do orçamento na instituição por meio
de uma enorme estrutura de madeira que ocuparia
21% do espaço. Como essa estrutura passava
pelos escritórios, cozinha, banheiros, e cada
espaço da instituição, cada trabalhador tinha de
lidar com ela e enfrentá-la, havia algo físico para
incorporar a reestruturação. Durante os dois meses
e meio de exposição, eu discuti com cada um dos
trabalhadores a forma como eles queriam que seu
escritório fosse modificado ou e não. O projeto, na
verdade, começou antes da construção, quando
eles leram minha primeira carta descrevendo o que
eu queria fazer. Pela primeira vez, eles conversaram
concretamente sobre os cortes no orçamento e
tiveram diversas discussões internas sobre as
mudanças que aconteceriam na instituição. Eles
ficaram muito gratos a mim para isso.
wanted their office to be moved… or not moved. The
project actually already started before the building up,
when they read my first letter describing what I wanted
to do. For the first time they talked concretely about the
budget cuts and had a lot of internal discussions about
the changes that would happen in the institution. They
were very thankful to me for that.
MC: There was also another project in which you were
in a residency and you were fed up with this place and
just decided to create a boat and go away. (Laughter).
AT: Yes! It was the little sleeping cabin that I had during
a residency in Sign, a gallery in the north of Holland.
It was during the summer and it was raining all the
time. We were supposed to make art in public space,
so the solution was just there: I took my sleeping
cabin and put in the canal. I added some plastic tons,
some toilet mechanism. Then there was my bed and
some food for one week. People helped me putting
the “boat” on the water and then I started drifting,
I did not have control of it. Sometimes there was a
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Le béton dans l’art, 2015. Projeção de slides / Slide show
MC: Houve também um outro projeto em que você
estava em uma residência, mas se encheu do lugar, e
decidiu criar um barco e ir embora. (Risos)
AT: Sim! Era uma pequena cabine de dormir que
eu tinha em uma residência em Sign, uma galeria
no norte da Holanda. Foi durante o verão e estava
chovendo o tempo todo. Nós deveríamos fazer arte
no espaço público, então a solução estava lá: decidi
transformar minha cabine e colocá-la no canal. Eu
adicionei alguns tonéis de plástico e um mecanismo
de vaso sanitário. Havia a minha cama e um pouco de
comida para uma semana. As pessoas me ajudaram
a colocar a cabine na água e eu então comecei a
flutuando, eu não tinha controle sobre a cabine. Às
vezes havia um vento bom e eu conseguia ir para a
frente muitos metros em um dia. Às vezes ela andava
na direção contrária. (Risos) Era um processo muito
lento. Eu nunca cheguei até o mar. Mas eu cheguei
em algumas cidades e as pessoas vinham falar
comigo, porque tinham me visto na televisão. Houve
também uma vez em que o prefeito da cidade veio
good wind and I could go forward many meters in one
day. Sometimes it was going in the other direction.
(Laughter) It was a very slow process. I never arrived
to the see. But I reached a few villages, and people
came to talk to me, because they had seen me on
television. There was also one village where the
mayor came to welcome me. Again, it created some
exchange with people, which was very nice.
MC: Before coming to Sao Paulo, you were already
interested in concrete, as you did the project Le béton
dans l’art, in which you played a little with a traditional
Belgian recipe for cookies, the Couque de Dinant.
Would you like to talk a little about this project?
AT: During last summer, there was an exhibition in
the public space of Thuin, a small city next to Mons,
in Belgium. They commissioned around 15 new
permanent works and invited four other artists to do
temporary interventions, and I was one of them. My
work was some kind of reaction to this idea of having
15 new permanent contemporary art works in this
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«A linha clara». Vista da exposição com / Exhibition view with Le béton dans l’art
me receber. Mais uma vez, foi um projeto que criou
uma troca com as pessoas, o que foi muito bom.
MC: Antes de vir para São Paulo, você já estava
interessado no
​​ concreto, pois já havia feito o
projecto Le béton dans l’art, em que você brincou
um pouco com uma receita tradicional belga de
biscoitos, o Couque de Dinant. Você gostaria de falar
um pouco sobre esse projeto?
AT: Durante o verão passado, houve uma exposição
em espaço público em Thuin, uma pequena cidade ao
lado de Mons, na Bélgica. Eles encomendaram cerca
de 15 novas obras permanentes e convidaram quatro
outros artistas para fazer intervenções temporárias, e
eu era um deles. O meu trabalho foi um pouco uma
reação a esta ideia de ter 15 novas obras de arte
contemporânea permanente nesta pequena cidade,
que eu achei um pouco absurda. Naquela época, eu
tinha descoberto este maravilhoso livro dos anos 70,
Le béton dans l’art, com esculturas de concreto no
espaço público. Foi uma empresa de concreto suíça
little town, which I felt a bit absurd. At that time I had
discovered this wonderful book from the 70’s, Le béton
dans l’art, with concrete sculptures in public space.
It was a Swiss concrete company who published the
book, so there are many sculptures in Switzerland,
Germany, but also in Mexico for example. The book
is full of beautiful pictures of this kind of completely
obsolete art, these heroic sculptures in public space.
I decided to put them in connection with a material
which is very hard but no so permanent, the Couque
de Dinant. This is a regional specialty, not from Thuin,
but from Dinant, another comparable town in Belgium.
It wanted to bring together this regionalism with
something universal - the concrete of Modernity. In
Thuin, which is a middle age city, there is a beautiful,
but really hardcore concrete bridge crossing the valley.
For many years, people thought it was a crime that this
bridge was built there. That’s how I started to build a
model of the bridge with Couque de Dinant.
MC: Maybe we can talk a bit about the idea that you
had for the project at KUNSTHALLE Sao Paulo.
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«A linha clara». Montagem da exposição / Exhibition making of
que publicou o livro, por isso há muitas esculturas
da Suíça, Alemanha, mas também do México, por
exemplo. O livro é cheio de belas imagens deste tipo
de arte completamente obsoleta, estas esculturas
heróicas no espaço público. Eu decidi colocá-las em
conexão com um material que é muito duro, mas não
tão permanente, o Couque de Dinant. Esta é uma
especialidade regional, não de Thuin, mas de Dinant,
outra cidade comparável na Bélgica. Foi uma tentativa
de reunir este regionalismo com algo universal – o
concreto da Modernidade. Em Thuin, que é uma cidade
medieval, há uma bela, mas realmente dura ponte em
concreto atravessando o vale. Por muitos anos, as
pessoas diziam que era um crime terem construído
esta ponte lá. É assim que eu comecei a construir uma
maquete da ponte com o Couque de Dinant.
MC: Talvez possamos falar um pouco sobre a ideia que
você teve para o projeto na KUNSTHALLE São Paulo.
AT: Como eu sempre reajo de alguma forma ao
contexto em que minhas exposições são realizadas,
AT: Because I always somehow react to the context
in which my exhibitions take place, I asked me many
questions of what I could do in Brazil. In Europe,
I can go to Holland and say something about the
budget cuts, because I meet people from there
and I understand how the system works. In Brazil
it seemed a bit more complicated, I didn’t know so
much about the country. So I thought it was a good
idea to continue my research about concrete and
I read a lot about the use of concrete in Brazilian
architecture. Concrete is something absolutely
universal, it is everywhere in the world and it is used
at the same time in the most refined buildings and
in the favelas. It is the material of the globalization
of the 20th century. But the Brazilian architects that
worked with concrete had a Brazilian way to do that.
I started to think about works that reflect this general
international idea about concrete, and how it takes
some national connotations: Brazilian architecture
through my Belgian background. I took ten days
to visit places and walk around, and then I started
to work in the exhibition space. First I thought of
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eu me fiz muitas perguntas sobre o que eu poderia
fazer no Brasil. Na Europa, eu posso ir a Holanda
e dizer algo sobre os cortes no orçamento, porque
eu conheço as pessoas de lá e eu entendo como
funciona o sistema. No Brasil, me parecia um pouco
mais complicado, eu não sabia muito sobre o país.
Então, eu pensei que era uma boa ideia continuar
minha pesquisa sobre o concreto e eu li muito
sobre o uso do concreto na arquitetura brasileira.
O concreto é algo absolutamente universal, está
em todo o mundo e é usado ao mesmo tempo
em edifícios refinados e nas favelas. É o material
da globalização do século XX. Mas os arquitetos
brasileiros que trabalhavam com concreto tinham um
jeito brasileiro de fazer isso. Comecei a pensar em
obras que refletissem essa ideia internacional geral
sobre o concreto, considerando algumas conotações
nacionais: a arquitetura brasileira através de minha
formação belga. Eu levei dez dias visitando lugares
e caminhando pela cidade, e então eu comecei
a trabalhar no espaço da exposição. Primeiro eu
pensei da coluna, e ao fazê-la e me engajar com
o material, tudo mais veio no processo. Tudo veio
junto, meio que naturalmente: as diferentes ideias
que eu tinha na minha cabeça, os desenhos e slides
que eu tinha trazido comigo, e a maneira em que eu
percebi o espaço aqui. Eu sempre acho que uma
obra deve ter diferentes camadas a partir das quais
ela pode ser lida. Deve haver algo de imediato no
trabalho, depois o seu campo de referências, e em
seguida, novas associações que são acionadas
quando todas as obras são vistas juntas. Estou feliz
com a combinação de trabalhos nesta mostra.
MC: Como você disse, você tem uma importante
experiência com quadrinhos, e suas publicações
são sempre feitos da mesma forma, seguindo uma
diagramação de quadrinhos.
AT: Eles seguem o formato da versão francesa de
As Aventuras de Tintin. Quando eu comecei a fazer
os livros, eu tinha duas propostas para fazer dois
catálogos e eu não pude juntar os orçamentos. Então
eu pensei que poderia ser uma série, e assim, a
cada vez que eu tivesse a oportunidade de fazer um
catálogo, eu poderia adicionar um livro à série. Desde
pequeno, eu tinha o sonho de ter meus próprios
livros de quadrinhos com capa dura. Eu conheci um
«A linha clara». Montagem da exposição / Exhibition making of
the column, and by doing it and engaging with the
material everything else came in the process. It came
together, kind of naturally: the different ideas that I
had in my head, the drawings and slides that I had
taken with me, and the way in which I experienced
the space here. I always think that a work should
have different layers from which it can be read. There
should be something immediate in the work, then its
reference field, then some new associations triggered
when all the works come together. I am happy about
the combination of works in this show.
MC: As you said, you have a strong background in
comics, and your publications always follow the same
form and design from comics.
AT: They follow the French version format of The
Adventures of Tintin. When I started the books, I
had two proposals for doing a catalogue and I could
not bring both budgets together. So I thought they
could be a series, and every time I would have the
opportunity to do a catalogue, I could add one book
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designer gráfico que faz livros de arte contemporânea
e que trabalhou muito na indústria de quadrinhos
antes. Então começamos a trabalhar em conjunto
tentando desenvolver um livro de arte contemporânea
que também utilizasse os códigos narrativos de
quadrinhos. Eles são livros documentais, mostrando
projetos, mas, propõe-se uma narração que cria
novas associações entre os trabalhos.
MC: Há alguns anos, você desenvolve o projeto Hotel
Charleroi com outros artistas. Gostaria de falar um
pouco sobre isso?
AT: Desde de minha época de estudante, eu sempre
tentei ter algum coletivo, paralelamente à minha
própria prática. Quando cheguei à Bélgica depois
de meus estudos na Áustria, eu não conhecia
ninguém aqui. Como não é realmente o meu estilo me
aproximar de curadores para ser convidado, eu preferi
fazer meu próprio projeto. É assim que propus a
Antoine (Turillon) e Hannes (Zebedin), que são amigos
da Áustria, que viessem a Charleroi e vissem o lugar.
Eu achei que havia algo de especial nesta cidade
industrial, onde não houve mudança desde muito
tempo e você tinha a sensação de que o tempo parou
na década de 70. Nós pensamos que era um lugar
incrível para desenvolver uma residência e trabalhar
no espaço público. Convidamos primeiro muitos
artistas da Áustria e da Alemanha, mas mais tarde
vieram artistas de toda parte. Tudo começou como
uma residência, e então decidimos fazer um projeto
de exposição uma vez por ano para entrar em diálogo
com as pessoas da cidade. Nós não queríamos
repetir aquilo que não gostamos quando somos
convidados para trabalhar em instituições, mas sim
tentamos pensar naquilo que poderíamos fazer como
artistas. De certa forma, é também um comentário
sobre as instituições: nós fazemos a nossa própria
instituição, respondendo a maneira como gostamos
de trabalhar. Por exemplo, eu gosto de trabalhar da
maneira como ele trabalhei aqui em São Paulo: você
chega no espaço e pode usá-lo como um estúdio,
você tem autonomia mas tem ajuda caso precise.
Essa também é a maneira como convidamos os
artistas para Charleroi: nós não estamos produzindo
exposições para eles, mas ajudamos e trabalhamos
juntos para fazer algo relevante para eles, para nós e
para as pessoas de Charleroi.
to that series. Since I was a child, I had the dream of
having my own comic books with cardboard cover.
I met a graphic designer who makes contemporary
art books and had worked in the comic industry
before. So we started to work together on how to do
a contemporary art book that would use the narrative
codes from comics. They are documentary books,
showing projects, but at the same time each one
proposes a narration that creates new associations
between the works.
MC: Since many years now, you have been doing a
project called Hotel Charleroi with other artists. Would
you like to talk a little about it?
AT: Since my studies, I always tried to have some
collective alongside my own artistic practice. When
I came to Belgium after my studies in Austria, I did
not know anybody there. As it is not really my style
to approach curators to be invited for projects,
I would rather do my own project. That is how I
proposed to Antoine (Turillon) and Hannes (Zebedin),
who are friends from Austria, to come to Charleroi
and see the place. There was something special
in this industrial town, where there was no change
since a long time and you had the feeling that time
stopped in the 70’s. We thought this would be
an amazing place to have a residency and work
in public space. We first invited many artists from
Austria and Germany, but later there were artists
from everywhere. It started just as a residency, and
then we decided to do an exhibition project once a
year to come in dialogue with the people of the city.
It was really nice, because at the openings half of
the people were from the art world and the other half
from the city. We did not want to repeat what we
don’t like when we are invited to work in institutions,
but instead we tried to think what we could do as
artists. In a way it is also a comment on institutions:
we do our own institution responding to the way
we like to work. For example, I like to work like it
was here in Sao Paulo: you arrive in the space and
you can use it as a studio, you are autonomous but
you get some help if you need it. And that is also
the way we invite artists to Charleroi: we are not
producing shows for them, but we help and work
together to make something relevant for them, us
and the people of Charleroi.
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«A linha clara»
Exposição de 25 Janeiro até 09 Abril, 2016
Exhibition from 25 January until 09 April, 2016
Dando continuidade ao projeto Arte e Arquitetura,
KUNSTHALLE São Paulo convida o artista belga
Adrien Tirtiaux (*1980, Bruxelas) para apresentar sua
primeira exposição individual no Brasil. Formado como
arquiteto e artista, Tirtiaux trabalha principalmente com
instalações site-specific e intervenções espaciais, que
normalmente são comentários sobre o contexto social
e arquitetônico dos locais onde são instalados.
Continuing the project Art and Architecture,
KUNSTHALLE São Paulo invites Belgian artist Adrien
Tirtiaux (*1980, Brussels) to present his first solo
exhibition in Brazil. Graduated as architect and artist,
Tirtiaux works mostly with site-specific installations
and spatial interventions, which are usually
commentaries on the social and architectural context
of the places where they are installed.
Para a exposição «A linha clara», o artista decidiu fazer
uma homenagem ao concreto, já que é o principal
material utilizado pelos arquitetos modernistas
brasileiros. Antes de vir para São Paulo, o artista já
vinha estudando muito sobre o uso do concreto na
construção civil brasileira e como suas técnicas diferem
daquelas utilizadas na Europa. Seguindo estas ideias,
Tirtiaux criou três principais intervenções espaciais para
a exposição, que não só abordam a arquitetura local,
mas também comentam as particularidades do próprio
espaço expositivo.
For the exhibition «A linha clara» (La ligne claire), the
artist decided to make a homage to the concrete,
as it is the main material used by Brazilian modernist
architects. Before coming to São Paulo, he has long
been studying about the use of concrete in Brazilian
construction and how its techniques differ from
the European ones. Following these ideas, Tirtiaux
created three main interventions for the show, which
not only address the local architectural context, but
also comment on the particularities of the exhibition
space itself.
A primeira delas é Prototype for an endless column, uma
escultura feita em concreto, que coloca em evidência,
tanto o processo de produção de uma estrutura de
concreto, como também sua futura decadência. A obra
– que se assemelha a uma tira de tecido delicadamente
dobrada diversas vezes – é uma referência aos
arquitetos da escola Carioca, cuja principal característica
era a utilização de lâminas muito finas e curvilíneas
de concreto, que nunca seriam permitidas pelas
regulamentações de construção na Europa.
The first of them is Prototype for an endless column,
a sculpture made of concrete, which makes evident
both the production process of a concrete structure
and its later decay. The work – which resembles
a strip of fabric gently folded several times – is a
reference to the architects of the Carioca (from Rio
de Janeiro) school, whose main characteristic was
the use of very thin and curvy concrete sheets, which
would never be allowed by European construction
regulations.
A segunda obra é intitulada FAU e consiste em
intervenções escultóricas em uma das colunas
existentes no espaço expositivo. Ao recortar fatias
triangulares do gesso que cobre a coluna, o artista não
só revela a coluna estrutural original arredondada – que
sustenta o edifício acima da KUNSTHALLE São Paulo
The second work is entitled FAU and consists
of sculptural interventions on one of the existing
columns of the exhibition space. By cutting off
triangular slices from the plaster that covers the
column, the artist not only reveals the original
structural rounded column – which sustains the
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«A linha clara». Vista da exposição / Exhibition view
– mas também a transforma em uma escultura. FAU
é uma referência às colunas que o arquiteto Vilanova
Artigas projetou para sustentar o icônico edifício da
Faculdade de Arquitetura e Urbanismo, dentro do
campus da Universidade de São Paulo.
A terceira intervenção espacial é uma extensão da
rampa para cadeiras de roda, feita com uma lâmina
suspensa de concreto bruto. Este trabalho, intitulado
Elevador social, é uma homenagem ao aspecto
brutalista dos edifícios projetados pela escola Paulista.
Embora tenham sido projetados com uma sofisticada
perícia técnica dos arquitetos, estes edifícios revelam
a abundância de mão de obra não qualificada no país,
e podem ser vistos como um comentário sobre as
relações sociais de produção no Brasil.
No final do espaço, um buraco no teto convida
o espectador a subir a rampa de concreto para
descobrir a obra Le béton dans l’art (2015), uma
projeção de slides colocada dentro do teto falso de
gesso. Os slides mostram imagens de estruturas
building on the top of KUNSTHALLE São Paulo
– but also transforms it into a sculpture. FAU is a
reference to the columns that architect Vilanova
Artigas designed for sustaining the iconic building of
Faculdade de Arquitetura e Urbanismo, inside of Sao
Paulo University campus.
The third spatial intervention is an extension of the
wheelchair ramp, made with a suspended sheet of
raw concrete. This work, entitled Elevador social,
relates to the brutalist aspect of the Paulista (from
São Paulo) school buildings. Although designed with
a sophisticated technical expertise of the architects,
these buildings reveal the abundance of unskilled
labor in the country, and can be seen as a statement
about the social relations of production in Brazil.
At the end of the space, a hole in the ceiling invites
the viewer to climb up the concrete ramp to discover
the work Le béton dans l’art (2015), a slideshow
placed inside of the fake plaster ceiling. The
projection shows images of sculptural structures that
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PROFILE
Issue # 1/16 | 14
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«A linha clara». Vista da exposição / Exhibition view
escultóricas que o artista produziu usando uma
tradicional receita belga para fazer um biscoito muito
duro, chamado Couque de Dinant.
the artist produced using a traditional Belgian recipe
for a very hard cookie called Couque de Dinant.
E por último, mas não menos importante, o trabalho
Approcher la ligne claire (L’Homme de Rio), consiste
em uma série de desenhos baseados em frames
do filme francês L’Homme de Rio (1964), filmado na
nascente Brasília, e que mostra diversas imagens
da arquitetura de Oscar Niemeyer. Os desenhos
foram produzidos pelo artista utilizando o estilo de
desenho La claire ligne – que dá o título à exposição.
Desenvolvido pelo cartunista belga Hergé – criador
de As Aventuras de Tintin – em ligne claire, as linhas
devem ser fortes e possuir a mesma largura, as cores
devem ser vivas e os fundos bastante realistas. Através
deste trabalho, Tirtiaux cria um paralelo entre as linhas
de arquitetura modernista brasileira e as fortes linhas
do mundialmente famoso estilo de desenho belga.
And last but not least, the work Approcher la ligne
claire (L’Homme de Rio) consists of a series of
drawings based on frames of the French movie
L’Homme de Rio (1964), which was filmed in the
nascent Brasilia and features several images of
Oscar Niemeyer’s architecture. The drawings were
produced by the artist using the drawing style called
La ligne claire – which gives the title to the exhibition.
Established by Belgian cartoonist Hergé – the
creator of The Adventures of Tintin – in ligne claire
all lines must be strong and have the same width,
the colors must be vivid and the backgrounds very
realistic. Through this work, Tirtiaux creates a parallel
between the Brazilian modernist architecture lines
and the strong lines of the worldly famous Belgian
drawing style.
Curadoria de Marina Coelho
Curated by Marina Coelho
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PROFILE
Issue # 1/16 | 15
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«A linha clara». Vista da exposição / Exhibition view
Sobre o artista
About the artist
Adrien Tirtiaux (*1980, Bruxelas). Vive e trabalha em
Antuérpia. Entre as exposições em que apresentou o
seu trabalho estão:
Adrien Tirtiaux (*1980, Brussels). Lives and works in
Antwerp. Among the exhibitions in which he presented
his work are:
INDIVIDUAIS: Collective Rules, Galerie Martin Janda
(2014), Viena; Les 12 travaux d’Adrien Tirtiaux, ikob
(2014), Eupen, Bélgica; Die weißen Wände der Welt,
Villa Merkel (2012), Esslingen am Neckar, Alemanha;
Immer noch und noch nicht, Kunst Halle Sankt-Gallen
(2011), Suíça.
SOLO SHOWS: Collective Rules, Galerie Martin Janda
(2014), Vienna; Les 12 travaux d’Adrien Tirtiaux, ikob
(2014), Eupen, Belgium; Die weißen Wände der Welt,
Villa Merkel (2012), Esslingen am Neckar, Germany;
Immer noch und noch nicht, Kunst Halle Sankt-Gallen
(2011), Switzerland.
COLETIVAS: Fluide 2015, BPS 22 Projects (2015),
Charleroi / Thuin, Bélgica; Realities (Nevenprogramma
Luc Deleu: Orban Space), Extra City (2013), Antuérpia,
Bélgica; Belgian Art Prize 2013, Bozar (2013), Bruxelas;
ReSIDuE, Wiels (2013), Bruxelas; 24 spaces, Index
Stockholm / Malmö Konsthal (2013), Suécia; Where
do we go from here, Secession (2010), Viena; Fifty/
Fifty, Wien Museum (2009), Viena; ManifeSTATION,
Manifesta 7 (2008), Rovereto, Itália.
GROUP SHOWS: Fluide 2015, BPS 22 Projects (2015),
Charleroi / Thuin, Belgium; Realities (Nevenprogramma
Luc Deleu: Orban Space), Extra City (2013), Antwerp,
Belgium; Belgian Art Prize 2013, Bozar (2013),
Brussels; ReSIDuE, Wiels (2013), Brussels; 24 spaces,
Index Stockholm / Malmö Konsthal (2013), Sweden;
Where do we go from here, Secession (2010),
Vienna; Fifty/Fifty, Wien Museum (2009), Vienna;
ManifeSTATION, Manifesta 7 (2008), Rovereto, Italy.
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PROFILE
Issue # 1/16 | 16
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Créditos / Credits
Fotografia / Photography
Samuel Esteves
Adrien Tirtiaux
Capa / Cover
Adrien Tirtiaux
Prototype for an endless column,
2016
Textos / Texts
Marina Coelho
Design gráfico /
Graphic design
Suzanne Lima
Apoio / Supported by
KUNSTHALLE São Paulo
Rua dos Pinheiros, 411
Pinheiros - 05422-010
São Paulo - SP - Brazil
+ 55 11 2339 8586
[email protected]
kunsthallesaopaulo.com
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