Untitled - Kristina Sretkova
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Untitled - Kristina Sretkova
ART FAIRS INTERNATIONAL A BRIDGE BETWEEN EAST AND WEST NEWSPAPER Art Fairs International Newspaper 2010 NEW YORK, Issue #12 2011 ©2011 ART FAIRS INTERNATIONAL NEWSPAPER Great Britain £ 4 Japan ¥ 750 Canada $7.00 USA $10.00 Presented by ARTS w w w.ar t fairsinternational.com / w w w.nyar tsmagazine.com / w w w.nyar tsbeijing.cn/ w w w.ar t fairsnewspaper.com Center Stage: China International Gallery Exposition Destination: Armory 2011 http://www.cige-bj.com http://www.thearmoryshow.com/cgi-local/content.cgi Courtesy of CIGE. Supported by the Ministry of Culture of the People’s Republic of China, the Eighth Edition of the China International Gallery Exposition (CIGE 2011) will take place at the Exhibition Hall of the China World Trade Centre in Beijing from April 21 to 24, 2011 (Preview April 20). With the auspices of the 2008 Beijing Olympics and the 2010 Shanghai Expo, China now arrives at an unprecedented age of prosperity. Its remarkable economic developments in the 21st century and its advances as a political and economic power have secured the country as a leading international force in the world. While China plays an important role to fortify the network between Asian regions, CIGE 2011 serves as a critical exchange platform to internationalize the local arts environment. As the world continues to keep on eye on the booming developments of Chinese contemporary art and its impact on the global art world, the future of contemporary art market in China remains promising to art professionals worldwide. Looking back at the global economic decline in 2009 and its in 2010, the Chinese arts market has remained strong and the economic power of Chinese art continues to grow substantially. China’s growing consumption levels for luxury goods gives the local art market further confidence. continues on page 23 Gallery at REDCAT Coming out of a generation that witnessed the ramifications of the Cultural Revolution, the 1989 Tiananmen Massacre, and the infamous 1989 China/Avant-Garde exhibition at the National Museum of Contemporary Art and its subsequent closing by state authorities, Hangzhou-based artist Zhang Pei- 1) The Armory Show, Piers 92 & 94, 12th Ave at West 55th St. Wednesday–Saturday:Noon–8pm Sunday: Noon–6pm 2) Pulse Metropolitan Pavilion 125 West 18th Street March 3-6 3) Volta NY 7 West 34th Street March 3-6 Brian Fee NEW YORK (January 28, 2011). VOLTA NY returns for its fourth consecutive year, filling its borders with an array of cutting-edge solo artists from 83 galleries, representing 23 countries and 45 cities, in its central midtown Manhattan location opposite the iconic Empire State Building. Continuing the original VOLTA mandate to create a tightlyfocused event that is a place for discovery and a showcase for current art production and relevant contemporary positions— regardless of the artist or gallery’s age—VOLTA NY features exclusively solo projects of notable and emerging international artists, conceived to compliment the exciting program of art presented by its sister fair, The Armory Show. With direct shuttles to and from both fairs, VOLTA NY also shares VIP access and the Open Forum Talks Program. continues on page 4 Featured Stories La Vi En Rose ArtParis Sharjah Biennial 10 Zhu Jia, Forever, 1994. Video stills, singlechannel video, 27 min. Courtesy of the artist and ShanghArt Gallery, Shanghai. Tim Okamura, Work Shirt, 2011. Oil, mixed media on canvas, 76 x 56 inches. Courtesy of Volta NY. 7) Red Dot 82 Mercer Street March 3-6 VOLTA: The Insider’s Perspective The Tale Unfolds In Sharjah 4) Fountain New York Pier 66 Maritime, Hudson River Park 26th Street & 12th Avenue March 3-6 6) The Art Show Park Avenue Amory Park Avenue at 67th Street March 2-6 on Pier 94 continues to be a venue to premiere new works by living artists. With one admission ticket, visitors to The Armory Show on March 3–6, 2011 will again have access not only to the newest developments in the art world, but also to the masterpieces that inspired them. 0 Gabriel Kuri, Untitled (merci thank you), 2008. Courtesy of Armory 2011. Moving Frames of China 5) Scope New York 320 West Street Across from Pier 40 March 3-6 The Armory Show is one of the top international art fairs devoted to the most important artworks of the 20th and 21st centuries. In its twelve years, The Armory Show has become an international institution, combining a selection of the world’s leading galleries with an unsurpassed program of art events and exhibitions at the fair venue and throughout New York City. Every March, artists, galleries, collectors, critics and curators from all over the world make New York their destination during Armory Arts Week. The Armory Show 2011 will again present two sections, Contemporary and Modern. The Armory Show – Modern features a selection of renowned galleries specializing in Modern and secondary market material on Pier 92, while The Armory Show – Contemporary Li and Beijing-based artist Zhu Jia use video to navigate the complex and shifting terrain that characterizes contemporary China. Not Only Time: Zhang Pei-Li and Zhu Jia at the Gallery at REDCAT is the first Los Angeles presentation of these two influential contemporary artists who pioneered the field of video art in China. Though both artists trained in oil painting at the Central Academy of Fine Arts in Beijing and the Zhejiang Academy of Fine Arts in Hangzhou respectively, they have exclusively worked in video and photography since the late 1980s/ early 1990s. 8 continues online Performance in Motion Biljana Ciric Seducing Gender’s Interlude Ana Borralho & João Galante Architecture Reborn George Stolz Ghosts of the Big Screen Youssef Nabil Featured Artists Alexandre Joly, Dersou. 2008. Peau de mouton, bois, carapace de tortue, dents de cheval, bottes et gants en cuir, moquette, 320 (diam.) www.artfairsinternational.com / www.nyartsmagazine.com / www.nyartsbeijing.cn / www.artfairsnewspaper.com Duda Penteado Kristina Sretkova Kerry Grøneng Claire Phipps Rosae Novichenko Valentina De’ Mathà Hwang Ran And Many More... 1 Kristina Sretkova Featured Artist Kristina Sretkova Featured Artist Art Fairs International Newspaper 2010 Featured Artist Residual Reverberations Abraham Lubelski Different frequencies of radio waves have varied characteristics in the Earth’s atmosphere. Specifically, long waves may cover a part of the Earth with regularity. In contrast, shorter waves can bounce off the ionosphere and zip around the world. Often, we take this instantaneous reverberation for granted. As a sensation it can be measured, yet primarily it is felt. Such is the case with the vivid, abstract oil paintings of Kristina Sretkova. Suffused with an intense emanating light; they reference poetry, sound, nature, and the history of Abstract Expressionism. Swirling animated brushstrokes of indigo, crimson and white fuse to create dense, otherworldly realms. Throughout her body of work, an impassioned vision conjures up elemental sensations of fire, water, fractals, and flowers. Some works have been lovingly, almost feverishly, smothered in unfurling’s of violets, and blues. Sretkova remarks “while I paint I focus on my inner world and listen to the inner voice by taking power, intuition, rhythm, intelligence and inspiration from my soul. I then project my inner light on the canvas. I feel the colors are like different frequencies they cover areas, which are behind the real world we see.” The results of her inspiration are bold, romantic works that do not let up. Kristina Sretkova is a hot, accomplished young painter whose work will be on view at Broadway Gallery in New York this February. Residing in Berlin, her work is slated to exhibit this year in Moscow, Spain, Germany, Bulgaria and Italy. Spending 8 years of her childhood in the Children’s Choir of the Bulgarian National Radio has granted her an expansive vocal range. It is a range that has led to a personal discovery. She relates, “I understood that singing and painting have got a lot of common! When I create paintings, my soul is singing and I put the sounds on the canvas. My art, in that sense, is music on the canvas!” Some carry the fast, bombastic nature of a Mozart allegro others carry the sweet, melancholy refrain of a Chopin nocturne. Her latest works lean towards the latter. Their gestalt is due to the framing of soft, colorful, gestural forms by dark swaths of viscous paint. This is most easily seen in works like My Heart, (Oil on Canvas, 100x100cm, 2010). Bisecting the canvas at a diagonal, an aorta-like shape is captured in cerulean blues, bright yellows, rose reds, and deep black. It is suspended and dangling in the center, surrounded by a smoky, deep blue-black field. The heart shape is an amorphous amalgamation of impasto swirls deftly applied and overlapping like flower petals in bloom. The central form functions as a gateway to Sretkova’s subjectivity. She disarms us with the wistful, organic paint handling and invites us into an inner-world of mesmerizing beauty. It is a sorrowfully sweet and seductive internal self-portrait. Her work shares an affinity with the other highly influential, abstract painters. She is the contemporary bridge between the sublime, evocative vegetative imagery of Georgia O’Keefe and the gestural, heroism of Cy Twombly. This work in particular is reminiscent of Twombly’s Peony Blossom Paintings series. His series exploded the image of the flower and distorted it by using a massive scale. The blossoms were rendered with expressionist, textured brushstrokes conjuring up associations to planets, hearts, or leaves of grass. The sense of reverence felt within these closely observed images of nature is powerful. Twombly’s process highlights his fascination with creation and destruction, birth and decay. Additionally, Sretkova illustrates Roger Fry’s concept of formalism that was so crucial to 20th century abstraction. Fry was a member of the Bloomsbury Group, which played a special role in the genesis of British psychoanalysis. As a painter and critic, he looked at psychoanalysis to inform his aesthetic experience. Formalism eschews anthropological or social considerations and challenges autobiographical readings of artwork. It is a philosophy that examines the plastic qualities of tactile materials, in Sretkova’s case, oil paint. Fry in conjunction with Clive Bell termed the phrase “significant form.” Modernists were concerned with finding a form that alluded to ‘truth’ or primal significance. In distinction to this purely formal reading of art are the philosophies of Edmund Husserl and Leo Stein. In The Necessary Angel, Wallace Stevens summarized Stein’s position as having improvised a definition of art. That, when in nature, we seen the light of its significance and that this significance was itself a form. In effect he united the formal and the significant. Sretkova merges these contrasting philosophies to create an art that is wholly aware of its formal and psychological connotations. Spending time with her work one realizes how they are intimately connected to nature. Nature is both chaotic and ordered, held together by 14 Kristina Sretkova, The Noble Lady, 2010. Oil on canvas. 100 x 100 cm. Courtesy of the artist. “Sretkova has aligned herself with a new generation of artists that signal a return to subjectivity, a return to sensitivity, and a return to a responsive art.” way of random organization. Sretkova’s paintings hone these contradictory impulses to create dualities. These dualities are envisioned in her microcosmic and macrocosmic interpretations of the universe. They are similar to fractals found in nature. A fractal is a rough or fragmented geometric shape that can be split into parts, each of which is at least approximately a reduced-size copy of the whole. This amazing property is called self-similarity. In the natural world vegetative life display self-similar structures over an extended, but finite, scale range. Clouds, snowflakes, pulmonary vessels, and rivers all possess this quality. It is not surprising that fractal patterns can be found in Jackson Pollock’s’ mature splatter and drip abstractions. At first glance what appears to be a chaotic abstraction is actually composed of repeated, ordered fractal patterns. This is because as Sretkova states “I think, that we don’t only live in the world, because the world is also in us. I believe that the quality of my works is, that they are alive and radiate positive light, which ends up in an energetic metamorphosis with the viewer. The intensity of my vibrations creates a third dimension beyond the canvas, a kind of illusion, of something present, from the world behind (the fine world) which we see.” This holistic, cosmological view is refreshing at a time in which humanity seems dismissive of metaphysical discourse or utopian visionaries. In other works such as The Noble Lady, (Oil on canvas, 100x100cm, 2010,) dense, opaque ceruleans, cyans, and cobalts create a blooming vegetative shape. The paint application is graceful and dreamy as though cut directly out of a pensive Thomas Gainsborough landscape. Upended brushstrokes rush towards the left hand corner of the canvas with heartfelt intent. The glimmering, concentrated blues that create the flower-like shape echo with celestial radiance. The white center of the budding form creates a penetrating void in the middle of the painting; it is a strong focal point. Is it an orifice…an existential void…or simply the stigma of flower? Whatever its significance it is the entry point for the viewer. Historically, flat abstractions on a perfect square resist centralization. The eye scans the piece as a continuous whole without any singular resting point. Unlike a horizontally or vertically dominant shape, it does not make any references to the body or landscape. Here though the white center acts as a portal to metaphysical inquiry. The lush surface draws us in, disarming preconceived notions of what it is or claims to be. Such is the nature of melancholy; it acts as a lulling agent seducing us into a romantic, sorrowful, and occasionally erotic zone. The deep enclosure created by a blue-black haze of oil paint seems to en- capsulate this vegetative form; it is frozen in time yet constantly resounding in empty space. It is a visual echo. An echo is classically defined as the repetition of a sound resulting from reflection of the sound waves. In Greek mythology, echoes originated from a mountain nymph transformed into a disembodied voice. Supposedly, her babbling distracted Hera from the infidelities of Zeus, thus the goddess penalized her by depriving her of independent speech, rendering her able only to repeat the last words uttered by another. When Narcissus failed to return her love, she faded away into nothing but a voice. Sretkova’s flower form is a fragment; a disembodied voice given image and enshrined within a meditative cavity. Georgia O’Keefe’s paintings are similar in fashion. She remarks that “I often painted fragments of things because it seemed to make my statement as well as or better than the whole could...I had to create an equivalent for what I felt about what I was looking at...not copy it.” O’Keefe received widespread recognition for playing a major role in bridging the linear Precisionism of Charles Demuth with the tenets of Abstract Expressionism. Perhaps most well known for her paintings of flowers, animal bones, and landscapes; she effectively synthesized abstraction and representation. She handled her subject matter with dexterous skill rendering forms with crisp contours and subtle tonal variations; they are deeply moving. Yet O’Keefe always holds onto the referential nature of her abstractions. They never entirely lose their specificity and are therefore highly symbolic. Sretkova in contrast revels in the ambiguities of image making. Many works suggest vegetative forms only to collapse once again into complete abstraction. Each work is infused with symbolism yet without a specific referent; they represent a sign that only points to itself. This is a remarkably, personal gesture. It is a gesture that steps directly in line with contemporary abstraction. In works such as Delicious, (Oil on canvas 100x100cm, 2010) there is the faintest reference to a landscape. A deep, crimson sky serves as the backdrop for rosy pink, yellow, and red splotches of color. These impasto laden ovals cluster together within the right hand corner of the painting. Flecks of light blue paint stray around the edges of the shapes. This activated corner acts as a precipice for declarative marks. As if seashells washed ashore, they are emotive residual castaways. These forms seem to rise like a wave oscillating in the water’s surface. For oscillations to exist and spread, like a vibrating guitar string, there must be a cyclical force that brings equilibrium. The tensions in a guitar string and air pressure in the atmosphere are such forces. Without this tension, the guitar string cannot produce tones. In a wave, the oscillations that are passed to the air travel in widening spheres outward. In the air their returning force is the compression of the air molecules. In surface waves, the returning force is gravity, the pull of the Earth. This painting pulls and pushes on the viewer both visually and physically. Our eye rises with the tide of oval forms to the peak. We remain transfixed there as we wait for the impending crash. It never comes. The suspense creates a pressure felt deep within the body. From a phenomenological standpoint, the body is the locus of physical sensations experienced, the eye merely gazes. Together these function to create the haptic sense. In its entirety, this work creates an impressive mind-body duality. Kristina Sretkova’s cropped abstractions fathom partial views of lush, opaque natural forms. Operating between the symbolic and the expressive, her work is metaphysical yet entirely grounded in perception. Her refulgent, thick application of paint generates voids and crests, which transfer us to a higher plane of awareness. Here is an artist palette, refined. She relates that her work comes out of “jumping fantasies, hot adventures, passionate erotic interludes, a story from the future, a balance, a healthy excitement, a devotion or just the feeling that life is joyful…everything around us is full of vitality. I try to deliver to the viewer joy, hope and the ability to love, a push to think about and just to feel.” For decades critics and curators have denigrated the value of the Abstract Expressionist impulse. Some 50 years ago since its heyday, many now categorize it as either pompous or overly emotional. As a result, much painting of the past 40 years has felt withdrawn, distant, and dispassionate. This mainstream trend has now run its course. Sretkova has aligned herself with a new generation of artists that signal a return to subjectivity, a return to sensitivity, and a return to a responsive art. Kristina Sretkova, My Heart, 2010. Oil on Canvas. 100 x 100 cm. Courtesy of the artist. Kristina Sretkova, Delicious, 2010. Oil on canvas.100 x 100 cm. Courtesy of the artist. www.artfairsinternational.com / www.nyartsmagazine.com / www.nyartsbeijing.cn / www.artfairsnewspaper.com 15 NY ARTS MAGAZINE, Frühlingsausgabe 2011 Sonderartikel NACHHALLENDE REFLEXIONEN: Neue Bilder von Kristina Sretkova Abraham Lubelski “Sretkova gehört zu einer neuen Malergeneration, die ein Zeichen für die Rückkehr zur Subjektivität, zur Sensibilität und eine Rückkehr zu einer gefühlvollen Kunst setzen”. Die unterschiedlichen Frequenzen der Radiowellen haben verschiedene Eigenschaften in der Erdatmosphäre. Besonders lange Wellen können einen Teil der Erde regelmäßig abdecken. Im Gegensatz dazu können die Kurzwellen in der Ionosphäre reflektieren und sich auf weite Entfernungen in der Welt verteilen. Oft halten wir diese momentane Reflexion als Gegebenheit. Als Empfindung kann sie gemessen werden, jedoch fühlt man sie vor allem. Das ist auch der Fall mit den lebendigen, abstrakten Ölbildern von Kristina Sretkova. Durchtränkt mit einem intensiv ausstrahlenden Licht beziehen sie sich auf die Poesie, die Klänge, die Natur und die Geschichte des Abstrakten Expressionissmus. Die animiert aufgetragenen Pinselstriche in lebendigen Farben von Indigo, Karmin und Weiß vermischen sich um reichliche, außerirdische Welten zu schaffen. Ihre gesamten Werke enthalten eine leidenschaftliche Vision, die eine fieberhafte Visualisierung von Feuer, Wasser, Fraktale und Blumen hervorruft. Einige Bilder sind leidenschaftlich und fast fieberhaft von breiten violetten und blauen Schichten umschlossen. Sretkova bemerkt: “Während ich male, fokussiere ich mich auf meine innere Welt und höre auf meine innere Stimme, indem ich Energie, Intuition, Rhythmus, Intelligenz und Inspiration aus meiner Seele schöpfe. Danach projeziere ich mein inneres Licht auf die Leinwand. Ich fühle, dass die Farben unterschiedliche Frequenzen darstellen: sie umfassen Gebiete, die außerhalb der realen, sichtbaren Welt sind”. Die Ergebnisse ihrer Inspiration sind mutige, romantische Werke, deren Wirkung nicht nachlässt. Kristina Sretkova ist eine anmutige, vollendete junge Malerin, deren Werke im Februar dieses Jahres in der BROADWAY GALLERY, New York City zu sehen waren. Sie wohnt in Berlin und wird 2011 noch in Moskau, Madrid, Bulgarien, Deutschland und Italien ihre Kunst zeigen. Die acht Jahre, die sie im Kinderchor des Bulgarischen Nationalen Rundfunks verbrachte, gewährten ihr eine expansive Klangpalette. Diese Erfahrung führte sie zu einer persönlichen Entdeckung. Sie erzählt: “Ich verstand, dass Singen und Malen eine Menge Gemeinsames haben. Wenn ich Bilder kreiere, singt meine Seele und ich verpflanze die Töne auf die Leinwand. In diesem Sinne ist meine Kunst Musik auf der Leinwand!”. Einige Werke haben den stürmischen, bombastischen Charakter eines Allegros von Mozart, andere stellen das mäßige, melancholische Refrain eines Nocturnos von Chopin. Ihre neuesten Werke neigen mehr zum Zweiten. Ihre Gestalt entsteht durch die Kreation von weichen, farbigen, nichtverbalen Formen, gemalt mit dunklen viskosefarbenen Streifen. Das betrachtet man am besten in Werken wie “My Heart” (Öl auf Leinwand, 100 x 100cm, 2010). Die Leinwand wird diagonal, in Form einer Aorte halbiert, indem himmelblaue, glanzgelbe, dunkelrote und tiefeschwarze Farben aufgetragen werden. Die Herzform ist eine amorphe Verschmelzung von geschickt aufgetragenen, dicht gebogene Schichten, die sich wie Blätter in voller Blüte überlappen. Die zentrale Form spielt die Rolle eines Portals zu Sretkovas Subjektivität. Sie entwaffnet uns mit dem wehmütigen Auftragen der organischen Farben und lädt uns in eine innere Welt von faszinierender Schönheit ein. Das ist ein traurig liebes, nett anziehendes, inneres Selbsbildnis. Ihr Werk hat Verwandschaft mit den anderen, sehr einflussreichen, abstrakten Malern. Sie ist die zeitgenössische Brücke zwischen der erhabenen, stimmungsvollen pflanzlichen Bildsprache von Georgia O’Keefe und dem nonverbalen Heldentum von Cy Twombly. Insbesondere dieses Werk erinnert an Twomblys Gemälde-Serien von “Pfingstrosen Blossom”. In dieser Serie zeigte er das Blumenbild fraktal und verzerrte es mit einem massiven Masstab. Die Blüten wurden mit expressionistischen Pinselstrichen strukturiert um heraufbeschwoerenen Assoziationen von Planeten, Herzen oder Grasblättern wieder zu geben. Bei genauer Betrachtung dieser Naturbilder ist das Gefühl der Ehrfurcht mächtig. Twomblys Kunst setzt ein Akzent auf seine Faszination von Schöpfung und Zerstörung, von Geburt und Tod. Darüber hinaus illustriert Sretkova das Konzept von Roger Fry, das entscheidend wichtig für die Abstraktionissten des 20. Jahrhunderts war. Fry war Mitglied in der Bloomsbury Group, die eine besondere Rolle bei der Entstehung der britischen Psychoanalyse spielte. Als Maler und Kritiker sah er in der Psychoanalyse Inspiration für seine ästetische Einsicht. Der Formalismus meidet anthropologische oder soziale Aspekte und fordert das autobiographische Leseverstehen der Kunstwerke. Es ist eine Philosophie, die die plastischen Qualitäten der taktilen Materialien untersucht, die bei Sretkova die Ölfarbe ist. Fry, zusammen mit Clive Bell, führt den Begriff “ signifikante Form” ein. Als Modernisten suchten sie eine Form, die die “Wahrheit” oder die Ur-Bedeutung darstellen. Im Unterschied zu dieser rein formalen Kunstdeutung sind die Philosophien von Edmund Husserl und Leo Stein völlig anders. Walles Stivens hat in “Der erforderliche Engel” den Standpunkt von Stein als improvisierte Definition von Kunst zusammengefasst und zwar, wenn wir in der Natur das Licht und deren Bedeutung sehen und dass diese Bedeutung eine Form an sich ist. Er hat eigentlich das Formale und das Bedeutende vereint. Sretkova vereint diese gegensätzliche Philosophien zu einer Kunst, die vollkommen ihrer formalen und psychologischen Konnotationen bewusst ist. Verbringt man eine gewisse Zeit mit ihren Werken, bemerkt man wie eng und intim ihre Verbindung zur Natur ist. Die Natur ist gleichzeitig chaotisch und geordnet und beruht auf eine provisorische Organisiertheit. Sretkovas Gemälde glätten diese widersprüchliche Impulse um Dualitaeten zu schaffen. Diese Dualitäten werden in ihren mikrokosmischen und makrokosmischen Interpretationen des Universums dargestellt. Sie sind ähnlich mit den in der Natur vorhandenen Fraktalen. Ein Fraktal ist eine rauhe oder fragmentierte geometrische Form, die man in Teile spalten kann, und jedes Teil ist eine verkleinerte ungefähre Kopie des Gesamten. Diese erstaunliche Eigenschaft nennt man SelbstÄhnlichkeit. In der Natur zeigt die Pflanzenwelt solche selbstähnliche Strukturen in einer längeren aber endlichen Skala. Wolken, Schneeflocken, Lungengefäße und Flüsse, alle besitzen diese Qualität. Es ist kein Wunder, dass fraktale Muster in den Abstraktionen der reifen Periode von Jackson Pollock entdeckt werden können. Was auf dem ersten Blick wie eine chaotische Abstraktion aussieht, besteht in Wirklichkeit aus geordneten, fraktalen Modellen. Vielleicht liegt es daran, wie Sretkova sagt: “ Ich denke, dass wir nicht nur in dieser Welt leben, die Welt ist auch in uns. Ich glaube, dass sich die Qualität meiner Werke damit harakterisiert, dass sie lebendig sind und positives Licht ausstrahlen, das zu einer energetischen Metamorphose mit dem Beobachter führt. Die Intensität meiner Schwingungen schafft eine dritte Dimension jenseits der Leinwand, eine Art von Illusion, die aus der Welt kommt, die wir nicht sehen, aus der feinstofflichen Welt.” Diese ganzheitliche, kosmologische Sicht wirkt erfrischend und zwar in einer Zeit, in der die Menschheit den metaphysischen Diskurs oder die utopischen Visionen abzuweisen scheint. In anderen Werken, wie z.B. “The Noble Lady” (Öl auf Leinwand, 100 x 100 cm, 2010) schaffen dichte, undurchsichtige, matte himmels-, cyan- und kobaltblaue Farben eine blühende vegetative Form. Der Farbauftrag ist anmutig und verträumt, als ob er direkt aus einer nachdenklichen Landschaft von Thomas Gainsboroughs geschnitten ist. Strürmisch und gefühlvoll sind die Pinselstriche zur oberen linken Ecke der Leinwand gerichtet. Die schimmernden, konzentrierten blauen Nuancen stellen eine Blumengestalt dar, ein Echo mit kosmischem Glanz. Die weiße Mitte der aufblühenden Form schafft im Zentrum des Bildes eine durchdringende Leere und wirkt wie ein außergewöhnlich einflussreicher Fokus. Ist es eine Öffnung oder eine existenzielle Leere ... oder einfach das Stigma der Blume? Unabhängig von ihrer Bedeutung ist das das erste, dass der Beobachter sieht. Historisch gesehen widerstehen flache Abstraktionen, auf einem perfekten Quadrat, der Zentralisierung. Das Auge tastet das Werk als ein zusammenhägendes Ganzes ab, ohne jeglichen Ruhepunkt. Im Gegesantz zu den horizontal oder vertikal dominanten Formen macht es keine Verbindung zum Körper oder zur Landschaft. Hier jedoch fungiert das weiße Zentrum als ein Portal zur metaphysischen Suche. Die üppige Oberfläche überwältigt uns und entwaffnet im voraus die vorgefassten Meinungen darüber, was es ist, oder vorgibt zu sein. Das ist die Natur der Melancholie – sie wirkt wie eine Beruhigung, die uns in eine romantische, traurige, manchmal erotische Welt verführt. Das tiefe Gehäuse, das von einem blau-schwarzen Schleier der Ölfarben geschaffen ist, scheint diese vegetative Form zu verkapseln. Es ist in der Zeit erstarrt und hört trotzdem nicht auf sich in dem leeren Raum zu bewegen. Das ist ein visiulles Echo. Der klassische Begriff für Echo wird als Wiederholung eines Klangs aus der Reflexion der Schallwellen definiert. Laut griechischer Mythologie entstand das Echo von einer Bergnymphe, die in einer körperlosen Stimme verwandelt wurde. Angeblich hat ihr Gerede Hera von der Untreue Zeus’ abgelenkt und deshalb hat sie die Göttin durch den Entzug ihrer unabhängigen Eigenschaft zu Reden bestraft, um nur in der Lage zu sein, die letzten Worte anderer wiederholen zu können. Als Narzis ihrer Liebe nicht entgegenkam, verschwand sie ins Nichts und wurde nur in einer Stimme verwandelt. Die Blume von Sretkova ist ein Fragment, eine körperlose Stimme, der Gestalt gegeben wurde und die in einem meditativen Hohlraum verankert ist. Die Bilder von Georgia O’Keefe tragen denselben Geist. Sie bemerkt: “ich habe oft Fragmente von Dingen gemalt, weil mir meine Aussage so besser erschien, als wenn ich das Ganze malen würde… . Ich musste ein Äquivalent für das, was ich fühlte erstellen … nicht einfach kopieren.” O’Keefe erhielt breite Anerkennung für ihre wichtige Rolle in der Errichtung einer Brücke zwischen dem linearen Precisionismus von Charles Demuth und den Grundsätzen des Abstrakten Expressionismus. Vielleicht am bekanntesten mit ihren Bildern von Blumen, Tierknochen und Landschaften synthesiert sie sehr wirkunsvoll die Abstraktion und die Representation. Sie behandelte geschickt ihren Gegenstand und interpretierte Formen mit klaren Konturen und feinen klanglichen Veränderungen; ihre Bilder sind tief ergreifend. Trotzdem hält sich O’Keefe immer an den refferenziellen Charakter ihrer Abstraktionen. Sie verlieren nie ganz ihre Spezifik und sind daher stark symbolisch. Im Gegensatz dazu, schwelgt Sretkova in der Mehrdeutigkeit beim Malen des Bildes. Viele ihrer Bilder deuten auf vegetative Formen hin, um nochmals in vollkommenen Abstraktionen zusammen zu brechen. Jedes Werk ist mit Symbolik geladen, jedoch ohne einen bestimmten Referenten; sie präsentieren ein Zeichen, das nur auf sich selbst gerichtet ist. Das ist eine bemerkenswerte persönliche Geste. Es ist eine Geste, die im direkten Einklang mit der zeitgenössischen Abstraktion ist. In Werken wie “Delicious” (Öl auf Leinwand, 100 x 100 cm, 2010) gibt es nur den ganz leisen Hinweis auf eine Landschaft. Der tiefe, karminrote Himmel dient als Kulisse für rosa, gelbe und rote Farbflecken. Diese großartig beladenen, ovalen Formen sind in der rechten Ecke der Leinwand zusammengeballt. Hellblaue Lichtfleckchen weichen zu den Ränden der Formen. Diese aktivierte rechte Ecke wirkt wie ein Abgrund für deklarative Zeichen. Ähnlich abgeschwemmter Muscheln erscheinen sie wie traurige Reste von Schiffsbrüchigen. Diese Formen scheinen wie eine Welle hochzukommen, viebrierend auf der Wasseroberflaeche verteilt. Damit diese Schwingungen existieren, ähnlich wie eine vibrierende Gitarrensaite, braucht man eine zyklische Kraft, die zum Gleichgewicht führt. Die Spannungen in einer Gitarrensaite und der Luftdruck in der Atmosphäre sind solche Kräfte. Ohne diese Spannung kann die Gitarrensaite keine Töne erzeugen. In einer Welle werden Luftschwingungen in breiten Sphären nach außen geleitet. In der Luft ist ihre Zentripetalkraft die Kompression der Luftmoleküle. In den Oberflächenwellen ist diese Zentripetalkraft die Anziehungskraft der Erde. Dieses Gemälde zieht den Betrachter an und drägt ihn zurück, sowohl visuell als auch körperlich. Unser Blick steigt zum Gipfel mit der Flut der ovalen Formen. Wir verharren dort gebannt in der Erwarung des bevorstehenden Crashes. Aber es kommt nicht dazu. Die angespannte Erwartung ruft tief im Körper Spannung hervor. Vom phänomenologischen Standpunkt her ist der Körper ein Ort der physischen Empfindungen und die Augen sind einfach starrer Beobachter. Sie schaffen gemeinsam ein Berührungsgefühl. In seiner Ganzheit stellt dieses Werk eine beeindruckende Körper-Geist-Dualität dar. Die abgeschnittenen Abstraktionen von Kristina Sretkova enthüllen fragmentarische Blicke auf reichliche, undurchsichtige Naturformen. Ihre Werke befinden sich etwa zwischen dem Symbolischen und dem Expressiven, metaphysisch aber gleichzeitig ganz in der Wahrnehmung geerdet. Ihre strahlenden, dicken Farbaufträge erzeugen Höhen und Tiefen, die uns auf eine erhabene Ebene des Bewusstseins bringen. Das ist eine Malerin, die über eine verfeinerte, reiche Künstlerpalette verfügt. Sie erzählt, ihre Werke entstehen aus “singenden Phantasien, heißen Abenteurn, leidenschaftlichen erotischen Zwischenspielen, einer Geschichte aus der Zukunft, einer Balance, einer Andacht oder einfach aus dem Gefühl, dass das Leben eine Freude ist …und alles um uns herum ist voller Vitalität. Ich versuche dem Betrachter Freude, Hoffnung und die Fähigkeit zum Lieben zu übermitteln, ihn aufzufordern zu denken oder einfach zu fühlen”. Seit Jahrzehnten haben Kritiker und Kuratoren die Impulse des Abstrakten Expressionissmus verunglimpft. Heute, fast 50 Jahre nach der Blütezeit des Abstarkten Expressionismus’, kategorisieren ihn viele entweder als pompös oder übertrieben emotional. Als Ergebnis wurden viele Bilder der letzten 40 Jahre als zurückgezogen, fern und leidenschaftslos empfunden. Dieser Trend ist heute ausgeschöpft. Sretkova gehört zu einer neuen Malergeneration, die das Zeichen für die Rückkehr zur Subjektivität, zur Sensibilität und eine Rückkehr zu einer gefühlvollen Kunst setzen.