The Stuttgart Radio Symphony Orchestra

© Manfred Esser
27.04.2010
星期二．Ter．Tue
20:00
© Henrik Hoffman
綜合劇院．Grande Auditório．Grand Auditorium
目 錄 ｜Índice｜Index
曲目
p. 2
Programa
Programme
史圖加特廣播交響樂團簡介
p. 3
Perfil da Orquestra Sinfónica da Rádio de Estugarda
Profile of the Stuttgart Radio Symphony Orchestra
首席指揮獻詞
p. 6
Notas do Maestro Principal
Notes from Principal Conductor
諾靈頓爵士簡介
p. 8
Biografia de Sir Roger Norrington
Biography of Sir Roger Norrington
黃慈簡介
p. 10
Biografia da Pianista Claire Huangci
Biography of the Pianist Claire Huangci
節目進行期間，請關上手提電話及鬧錶等響鬧裝置；場內禁止吸煙或飲食，並嚴禁未經許可之攝影、錄影或錄音。多謝合作！
Durante o espectáculo desligue, por favor, os telemóveis e outras fontes de ruído. Lembre-se que na sala não pode fumar, comer e beber.
Sem autorização, é igualmente proibido gravar, filmar e fotografar. Obrigado.
Please kindly switch off your mobile phones and beeping devices during the performance, and refrain from smoking, eating and drinking in the
auditorium. Unauthorized recording, filming, photographing are prohibited.. Thank you for your cooperation.
演出時間約為110分鐘，包括20分鐘中場休息。
Duração: Aproximadamente 110 minutos incluindo um intervalo de 20 minutos.
Programme length is approximately 110 minutes including 20 minutes intermission.
適合六歲或以上觀眾
Para pessoas com 6 ou mais anos
For aged 6 or above
主辦機構保留更換節目及/或表演者的權利。
A organização reserva-se o direito de alterar o programa e/ou artistas.
The organizer reserves the right to alter the programme and/or performers.
曲目簡介
p. 12
Notas ao Programa
Programme Notes
團員名單
Ficha artística e técnica
Credit List
p. 19
海頓 / Joseph Haydn
D大調第101交響曲，Hob. I:101《時鐘》
Sinfonia N˚ 101 em Ré Maior, Hob. I: 101 “O Relógio”
Symphony No.101 in D major, Hob. 1:101 “The Clock”
柔板 — 急板 / Adagio – Presto
行板 / Andante
小步舞曲 (稍快板) — 中段 — 小步舞曲 / Minuetto (Allegretto) - Trio - Minuetto
終曲 (活板) / Finale (Vivace)
© Henrik Hoffman
曲目 | P r o g r am a | Pr o gr a mme
史 圖 加 特 廣 播 交 響 樂 團
1945年，當新成立的史圖加特廣播電台開始組班管弦樂團的時候，沒有人能預測到
樂團後來那麼迅猛的發展勢頭—在短短數十年之內，樂團便急速崛起，成為全球頂
尖的樂團之一。如今，史圖加特廣播交響樂團已成為德國最重要的音樂大使之一，每
年會在史圖加特舉辦約九十場音樂會，涵蓋史圖加特廣播電台的覆蓋範圍以及國內外
的音樂中心─通常都是在國際音樂節上演出。為教皇本篤十六世八十大壽而舉辦的音
樂會，已成為史圖加特廣播交響樂團史上引人注目的亮點。音樂會由樂團指揮古斯塔
沃•杜達梅爾和獨奏家希拉莉•漢恩擔綱，透過無線電和電視向全球各地廣播。
浦羅高菲夫 / Sergei Prokofiev
自成立以來，樂團將主要精力集中於兩點：一方面致力演奏古典及浪漫派作品，另一
C大調第3鋼琴協奏曲，作品26
方面也細心發掘及推廣被忽視的當代音樂作品。除了音樂會，樂團還參與許多為廣播
Concerto para Piano N˚ 3 em Dó Maior, Op. 26
Piano Concerto No. 3 in C major, Op. 26
電台、電視節目以及唱片公司所進行的錄音製作，其中更有不少唱片獲得國際大獎。
行板 — 快板 / Andante - Allegro
主題與變奏 / Tema e variações / Tema con variazioni
不太快的快板 / Allegro, ma non troppo
諾靈頓爵士自1998年起一直擔任樂團首席指揮，他將早期的樂器與現代樂團巧妙融
合在一起，並加以精心調教，務求原汁原味地呈現出樂曲的原本風格，此演繹方式
為樂團打造出獨樹一幟的風格，不但獲各界好評如潮，更被譽為「史圖加特之聲」。
鋼琴 / Piano :
黃慈 / Claire Huangci
第一批與史圖加特廣播交響樂團固定合作的重要指揮家包括：漢斯•米勒克賴和卡
中場休息 / Intervalo / Intermission
爾•李希特。樂團早期也吸納了一大批國際知名的客席指揮，如：卡爾•伯姆，威
廉•富特文格勒，喬治•索爾蒂爵士，朱塞佩•辛諾波里，赫伯特•布隆斯泰特，卡
艾爾加 / Edward Elgar
洛斯•克萊伯和庫爾特•桑德林等。直至今天，如：丹尼爾•哈丁、古斯塔沃•杜
《謎語變奏曲》，作品36
達梅爾等一批指揮家開始與樂團合作，而不同年齡層的一流獨奏家們也紛紛與樂團合
Variações Enigma, Op. 36
Enigma Variations, Op. 36
作舉行音樂會，包括：阿爾弗雷德•布倫德爾，瑪麗亞•卡拉斯，吉頓•克萊默，穆
變奏一 / Var. 1: (速度同前 / L’istesso tempo) - “C.A.E.”
變奏二 / Var. 2: (快板 / Allegro) - “H.D.S.-P.”
變奏三 / Var. 3: (稍快板 / Allegretto) - “R.B.T.”
變奏四 / Var. 4: (很快的快板 / Allegro di molto) - “W.M.B.”
變奏五 / Var. 5: (中板 / Moderato) - “R.P.A.”
變奏六 / Var. 6: (小行板 / Andantino) - “Ysobel”
變奏七 / Var. 7: (急板 / Presto) - “Troyte”
變奏八 / Var. 8: (稍快板 / Allegretto) - “W.N.”
變奏九 / Var. 9: (柔板 / Adagio) - “Nimrod”
變奏十 / Var. 10: (間奏曲：稍快板 / Intermezzo: Allegretto) - “Dorabella”
變奏十一 / Var. 11: (很快的快板 / Allegro di molto) - “G.R.S.”
變奏十二 / Var. 12: (行板 / Andante) - “B.G.N.”
變奏十三 / Var. 13: (浪漫曲：中板 / Romanza: Moderato) - “*.*.*”
變奏十四 / Var. 14: (終曲：急促的快板 / Finale: Allegro presto) - “E.D.U.”
特，埃萊娜•格里莫，希拉莉•漢恩，素爾•戈貝達，羅蘭多•比利亞松……以上不
過是長長合作名單中的一部分而已。
1971年是樂團發展史上的一個重要里程碑，謝爾蓋•切利比達奇在這一年被任命為首
席指揮，在他領導之下，樂團首次在全球知名的音樂中心亮相。1983年，內維爾•馬
里納爵士接任樂團首席指揮，他將樂團的演出範圍擴大至亞洲、美國。其後由吉安雷
基•傑爾梅蒂於1989年接棒，將樂團的演出曲目集中於意大利和法國的音樂曲目。再
後來，喬治•普雷特—今天仍是樂團的桂冠指揮—以其極具魅力的個性主持樂團。直
至現時，樂團的常任客席指揮由安德烈•包列伊科擔任。
史圖加特廣播交響樂團繼續擔當音樂演出的國際平台，赴歐洲乃至全世界演出，而本
首席指揮 / Maestro Principal / Principal Conductor:
諾靈頓爵士 / Sir Roger Norrington
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樂季的演出焦點，就是第九次展開的亞洲巡迴表演。
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The Stuttgart Radio Symphony Orchestra
Em 1945, quando a recém-fundada estação emissora “Radio Estugarda” começou a recrutar músicos para formar
a sua orquestra, ninguém poderia ter adivinhado, nem a rapidez com que esta se viria a desenvolver, nem a sua
dramática ascensão em termos de proeminência artística no decorrer nas décadas seguintes. Hoje, a Orquestra
Sinfónica da Rádio de Estugarda é um dos embaixadores musicais mais importantes do Estado Alemão, dando
cerca de 90 concertos por ano em Estugarda, na área abrangida pelas emissões da estação e em centros musicais
na Alemenha e no estrangeiro, frequentemente no contexto de festivais internacionais de música. O concerto para
o 80º aniversário do Papa Bento XVI constituiu um ponto alto na história da orquestra. Com o maestro Gustavo
Dudamel e a solista Hilary Hahn, o evento foi transmitido através da rádio e televisão para todo o mundo. Para
além destes frequentes concertos, a orquestra participa em inúmeras produções de estúdio no âmbito do programa
de emissões radiofónicas e televisivas da estação e para a indústria discográfica. Muitas das suas gravações têm
obtido prémios internacionais.
In 1945, when the newly-founded broadcasting station “Radio Stuttgart” started recruiting musicians to
form the radio orchestra, nobody could have guessed how swiftly this orchestra would develop and how
dramatic its rise to artistic prominence would be in the course of the next few decades. Today the Stuttgart
Radio Symphony Orchestra (SWR) is one of the state’s most important musical ambassadors, giving about
90 concerts a year in Stuttgart, in the area covered by SWR broadcasts, and in musical centres in Germany
and abroad – often within the context of international music festivals. The concert for the 80th birthday
of Pope Benedict XVI has been a stand-out highlight in the history of the Stuttgart RSO. With conductor
Gustavo Dudamel and soloist Hilary Hahn, this event was broadcasted via radio and TV around the world.
In addition to these frequent concerts, the orchestra also engages in numerous studio productions for the
broadcasting station’s radio and television programme and for the recording industry. Several of these
recordings have received international prizes.
Desde a sua formação, a OSR de Estugarda tem-se concentrado em dois pontos temáticos principais. Por um lado,
as suas exemplares interpretações fomentam o grande repertório clássico e romântico da tradição sinfónica; por
outro, a OSR é líder na promoção de música contemporânea e obras de compositores negligenciados.
Since its formation the Stuttgart RSO has concentrated on two thematic focal points. On the one hand, with its
exemplary interpretations it fosters the great classic and romantic repertoire of the symphonic tradition; on the
other, the RSO is also a leading promoter of contemporary music and of neglected works and composers.
Desde 1998, Sir Roger Norrington tem sido o Maestro Principal da OSR de Estugarda. Norrington tem conseguido
atribuir um carácter muito próprio à orquestra, combinando uma prática performativa autêntica do ponto de vista
histórico com os meios disponíveis a uma orquestra sinfónica moderna – o resultado desta síntese foi classificado
pela crítica como sendo o “Som de Estugarda”. Nele, há um ajuste da configuração da orquestra, da instrumentação,
da articulação, do fraseamento e do estilo próprio de som de cada compositor.
Since 1998, Sir Roger Norrington has been the Principal Conductor of the RSO. Norrington has managed to
give the orchestra a quite unmistakable profile by combining historically authentic performing practice with
the means available to a modern symphony orchestra – the result of this synthesis has been hailed by critics as
the “Stuttgart Sound”. It adjusts the configuration of the orchestra, the instrumentation, articulation,
phrasing and style to the composer’s own concept of sound.
Os primeiros maestros mais importantes a trabalhar regularmente com a OSR foram Hans Müller-Kray e Carl
Schuricht. Desde os primeiros anos da OSR, um grande número de maestros convidados, internacionalmente
reputados, deu concertos com a OSR de Estugarda; entre eles contam-se Karl Böhm, Wilhelm Furtwängler,
Sir George Solti, Giuseppe Sinopoli, Herbert Blomstedt, Carlos Kleiber e Kurt Sanderling. Mais recentemente,
maestros como Daniel Harding e Gustavo Dudamel começaram a trabalhar com a orquestra. Solistas de primeira
classe e de todas as gerações têm dado concertos com o OSR, entre eles Alfred Brendel, Maria Callas, Gidon
Kremer, Anne-Sophie Mutter, Hélène Grimaud, Hilary Hahn, Sol Gabetta e Rolando Villazón – para nomear
apenas alguns.
The first important conductors to work with the RSO regularly were Hans Müller-Kray and Carl Schuricht. From
the orchestra’s early years on, a large number of internationally renowned guest conductors have given concerts
with the RSO, such as Karl Böhm, Wilhelm Furtwängler, Sir George Solti, Giuseppe Sinopoli, Herbert Blomstedt,
Carlos Kleiber and Kurt Sanderling. In the present times conductors like Daniel Harding and Gustavo Dudamel
started working with the RSO. First-class soloists from all generations have given concerts with the RSO, among
them Alfred Brendel, Maria Callas, Gidon Kremer, Anne-Sophie Mutter, Hélène Grimaud, Hilary Hahn,
Sol Gabetta and Rolando Villazón – to name but a few.
O ano de 1971 foi um importante marco na história da OSR de Estugarda, tratando-se do ano em que Sergiu
Celibidache foi nomeado Maestro Principal. Sob a sua direcção, a orquestra fez as suas primeiras aparições nos
grandes palcos internacionais. Sir Neville Marriner, que ocupou o posto de Maestro Principal em 1983, alargou o
leque de alcance da orquestra com digressões internacionais na Ásia e EUA. Em 1989, Marriner foi sucedido por
Gianluigi Gelmetti, que se concentrou no reportório musical italiano e francês. Com Georges Prêtre, que é ainda
Maestro Laureado da OSR, mais uma personagem carismática presidiria à orquestra. Actualmente, o Maestro
Convidado Permanente da orquestra é Andrey Boreyko.
A OSR de Estugarda continuará a ir ao encontro das exigências dos grandes palcos internacionais, sendo
convidada para concertos nos países vizinhos e efectuando digressões internacionais. Um dos pontos altos
da actual temporada é a nona Digressão Asiática da OSR de Estugarda.
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© Henrik Hoffman
A Orquestra Sinfónica da Rádio de Estugarda
The year 1971 marked an important breakthrough in the history of the RSO, for in this year Sergiu Celibidache
was appointed Principal Conductor. Under Celibidache the orchestra made its first appearances on the concert
platforms of great international musical centres. Sir Neville Marriner, who took over as Principal Conductor
in 1983, widened the orchestra’s radius by undertaking international tours to Asia and the USA. Marriner was
succeeded in 1989 by Gianluigi Gelmetti, who concentrated on the Italian and French musical repertoire. With
Georges Prêtre, who is still Conductor Laureate of the RSO, another charismatic personality presided over the
orchestra. Today the orchestra’s Permanent Guest Conductor is Andrey Boreyko.
The RSO will continue to meet the demands of international concert platforms, to give guest concerts in
neighbouring countries and to undertake overseas tours. One of the current season’s highlights is the
ninth Asia Tour of the RSO.
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© Henrik Hoffman
“Tom Puro”- Notas para concertos na Ásia
Todos os meus concertos e discos com a Orquestra Sinfónica da Rádio de Estugarda (SWR) caracterizam-se por uma
dedicada atenção ao estilo de tocar da época de cada compositor, que, até ao momento, tem sido normalmente associado a
orquestras que utilizam instrumentos de época.
No nosso caso, utilizamos as mais recentes edições. Tocamos com uma dimensão de orquestra que cada compositor
teria esperado. Por vezes, tal envolve o típico grupo de 45 músicos da Viena de Mozart ou da Antiga Gewandhaus
de Leipzig usado por Mendelssohn. Porém, usamos frequentemente a orquestra alargada, com o dobro daquela
dimensão, à semelhança dos concertos de caridade vienenses ou dos festivais do Baixo-Reno. Por vezes, é mesmo
possível escutar os dois tipos de formações num só concerto.
Habitualmente a disposição dos naipes em palco segue o padrão alemão, com os primeiros e segundos violinos (e trompas
e trompetes) sentados frente a frente, em lugares opostos, com os contrabaixos numa fila mais atrás.
Tentamos utilizar o fraseamento e trabalho de arco de cada período, não por uma questão de arcaísmo, mas porque se
adequa à música. Adoptamos as importantes extensões das notas, e os padrões de fraseamento que seriam de esperar
numa dada época. Damos particular atenção ao ritmo, um elemento que, até recentemente, era o mais negligenciado nas
interpretações clássicas.
Todavia, a característica central e mais revolucionária do nosso estilo é a nossa adopção do som desses primeiros
tempos. Tocamos o “tom puro” tão falado pelos antigos mestres e anterior ao surgimento do vibrato do século XX.
Este tom agradável e caloroso era o som normal de cada orquestra, desde Bach a Mahler. Haydn, Mozart, Beethoven,
Brahms, Dvo ák e Wagner nunca escutaram uma boa orquestra com vibrato contínuo. A honesta e expressiva “nobre
cantilena” de tom puro (que, por exemplo, o famoso violinista Joseph Joachim elogiava ainda em 1904) parece-nos
crucial no desempenho da sua música.
首席指揮獻詞
Notas do Maestro Principal
Notes from Principal Conductor
Os nossos concertos e gravações dão a oportunidade ao público de escutar o modo através do qual uma orquestra sinfónica
moderna se pode relacionar com as suas raízes e abraçar as tradições do passado.
por Sir Roger Norrington
Maestro Principal
「純音」— 亞洲巡迴演出前言
我與史圖加特廣播交響樂團合演的每場音樂會、合錄的每首樂曲，都有一個特點，就是恪守每個時代的演奏風
“Pure Tone”- Notes for concerts in Asia
格。這種態度，在我們之前，一向只有古樂器演奏團採用。
我們的樂譜，採用作曲者最後的版本。樂團的規模，也盡量達到每位作曲者想要的。即是說，有時是「莫札特
時代的維也納」最典型的四十五人，或是孟德爾遜領導下的「舊萊比錫布業大廈樂團」大小。不過更常用的，
是「維也納慈善音樂會」或「下萊茵河音樂節」那類擴大的規模，即雙倍人數。有時在同一個音樂會中，會兩
種規模都用上。
樂器小組的座位分佈，通常是「標準德國式」，即第一小提琴組與第二小提琴組，以及圓號與小號，分別面對面而
We use the latest editions. We play with an orchestra size each composer would have expected. Sometimes that involves
the typical 45 of Mozart’s Vienna or Mendelssohn’s Old Leipzig Gewandhaus. But often we use the enlarged orchestra,
double that size, of the Viennese Charity concerts or the Lower Rhine Festivals. Sometimes you can hear both sizes in
one concert.
坐，低音大提琴則在後面成一排。
We invariably sit in what was virtually the standard German seating, with first and second violins, (and horns and
trumpets), opposite each other, and double basses in a row at the back.
每個時期都有自己的發聲法和弓法，我們會盡量遵守，目的不是為復古而復古，而是因為要切合每首音樂。也
We try to use the articulation and bowing of each period, not out of antiquarianism, but because it suits the music. We
adopt the important note lengths and the expected phrasing patterns of the time. We pay particular attention to tempo,
until recently the most abused element in classical interpretations.
會採用重要的音符時長，以及那個時代的分句方式，尤其留心遵守速度 – 直至近年，速度是演繹古典音樂者最
不尊重的一環。
不過，我們最堅持、也是最打破慣例的風格元素，是沿用早期的「樂聲」。我們要求自己發出「純音」，即是
二十世紀的「柔弦」未出現前，樂壇名家經常提到的音色要求。純音優美、溫暖，是由巴赫到馬勒以降，每個
樂團所奏出的標準樂聲。海頓、莫札特、貝多芬、布拉姆斯、德伏札克，以至華格納，從沒聽過有好樂團的柔
弦，故此我們認為：實實在在、表情豐富、有如「高貴的曲調」的純音，應是演奏這些大師音樂的重心所在
(這一準則，近者如著名小提琴獨奏家姚阿辛在1904年也曾經推許過) 。
我們的音樂會和唱片，為大家提供機會體驗一個現代交響樂團怎樣尋回自己的根源、擁抱過去的傳統。
諾靈頓爵士
樂團首席指揮
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All my concerts and recordings with the Stuttgart Radio Symphony Orchestra (SWR) are characterised by a serious attention
to historical playing style, which has up to now normally been associated only with period-instrument orchestras.
But of course the central, and most revolutionary, feature of our style is our adoption of the sound of earlier times.
We play with the “pure tone” so much talked about by the old masters, before the arrival of 20th century vibrato. This
beautiful, warm tone was the normal sound of every orchestra from Bach’s time to Mahler’s. Haydn, Mozart, Beethoven,
Brahms, Dvo ák and Wagner never heard a good orchestra with continuous vibrato. The honest, expressive “noble
cantilena” of pure tone (which for instance the well known violin soloist Joseph Joachim praised as late as 1904)
seems to us crucial in the performance of their music.
Our concerts and recordings give you the opportunity to hear how a modern symphony orchestra can reconnect with its
roots and embrace the traditions of the past.
by Sir Roger Norrington
Principal Conductor
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S
ir Roger Norrington vem de uma família ligada à música de Oxford, em Inglaterra, tendo tocado violino e cantado desde muito
cedo. Estudou História na Westminster School e Literatura Inglesa na Universidade de Cambridge onde foi investigador de cântico
coral. Vários anos de vasta experiência amadora de produção musical de alta qualidade, enquanto trabalhava como editor de livros
especializados, terminaram com um regresso aos estudos musicais no Royal College of Music de Londres e no dealbar da sua
carreira musical enquanto cantor e maestro.
© Thomas Mueller
Em 1962, fundou o Coro Schütz, que se tornou famoso neste campo e produziu inúmeros discos. Em 1969, Norrington foi convidado
para o posto de director musical da Ópera de Kent e, durante 15 anos, dirigiu mais de 400 espectáculos de 40 óperas diferentes. Em 1978,
fundou os Músicos Clássicos de Londres, para pesquisar o desempenho instrumental original do período entre 1750 e 1900. A orquestra
foi alvo de enorme reconhecimento, em particular pelo seu ciclo de gravações das sinfonias de Beethoven com a editora EMI (ainda
disponível hoje em dia). As obras de Haydn, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schubert, Schumann, Brahms, Wagner e Bruckner
permitiram aos melómanos ter uma ideia de como estas peças terão soado no seu tempo.
樂團 首 席 指 揮 |
諾靈頓爵士
Maestro Principal
|
Principal Conductor
Sir Roger Norrington
諾靈頓爵士出身於英國牛津的一個音樂世家，他幼年便學習小提琴與歌唱，曾在西敏斯特學校修讀歷
史，其後進入劍橋大學，主修英國文學，期間成為一名合唱學者。從事了幾年音樂創作以及學術圖書出
版商工作之後，他返回英國皇家音樂學院，重展其歌唱與指揮的音樂生涯。
1962年，他創辦許茨合唱團，取得卓越成就並創下多項紀錄。1969年，他應邀出任肯特歌劇院的音樂
總監，十五年來，執棒指揮逾四十齣歌劇，累計四百多場演出。1978年，他創辦了倫敦古典樂團，開始
研究1750至1900年的樂器性能，他更使用這些早期樂器演出貝多芬的交響曲，令樂團一鳴驚人，晉身
舉世知名的樂團行列。他與EMI合作灌製的貝多芬交響樂今天音韻猶存，而在他的指揮下，那些來自海
頓、莫札特、貝多芬、孟德爾遜、舒伯特、舒曼、布拉姆斯、華格納和布魯克納的作品仿若重生，令現
代聽眾得以窺探這些作品在它們誕生的那個年代的原貌。
80年代和90年代，諾靈頓爵士已是(他今天仍是)各大樂團爭相邀請的客席指揮，他曾在英國科文特花
園、英國國家歌劇院、BBC交響樂團和愛樂樂團交響樂團執棒，也是伯恩茅斯交響樂團的首席指揮。他
也與柏林愛樂樂團、維也納愛樂樂團、阿姆斯特丹皇家大會堂管弦樂團、巴黎管弦樂團合作，並與美國
紐約、華盛頓、波士頓、芝加哥、克利夫蘭、費城、舊金山和洛杉磯的樂團合作演出。
自1998年以來，諾靈頓爵士一直擔任史圖加特廣播交響樂團以及薩爾斯堡室樂團(直至2006年夏季)的
首席指揮。他在這兩地建立了非常誠摯鮮明的演奏風格：用早期樂器呈現出現代風格，適當數量的演奏
者、傳統座次編排、弓法、樂句、拍子節奏和銜接均恰當應用，而最至關重要的是使用純音，摒棄了二
十世紀後期所使用的持續柔弦，結果相當令人吃驚，而史圖加特廣播交響樂團從此脫穎而出，贏得本土
以及海外聽眾的衷心愛戴。那些標籤了SWRmusic(與Hänssler Classics合作)的錄音唱片系列，讓世界各
地的音樂愛好者與專業人士有機會聆聽作曲家當初創作這些經典時的原汁原味。
由諾靈頓指揮、史圖加特廣播交響樂團演奏的新貝多芬曲目震驚了各方，同樣鼓舞人心的，是莫札特、
海頓、柏遼茲、舒伯特、孟德爾遜、舒曼、布拉姆斯、德沃夏克、布魯克納、柴可夫斯基、艾爾加和馬
勒等一系列唱片，都蘊含同樣的純音、豐富樂句以及清澄的管弦樂紋理。雖然諾靈頓經常邀請其他樂團
來實驗他的方法，但直至目前，史圖加特廣播交響樂團仍是此領域中的表表者。
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Durante as décadas de 1980 e 90, Norrington foi muito solicitado como maestro convidado (e continua a sê-lo). Na Grã-Bretanha,
trabalhou no Covent Garden e na Ópera Nacional Inglesa, com a Sinfónica da BBC e com a orquestra Philharmonia, tendo sido ainda
Maestro Principal da Sinfonieta Bournemouth. Para além da Inglaterra, trabalhou com as Filarmónicas de Berlim e de Viena, com a
Orquestra Real do Concertgebouw, com a Orquestra de Paris, e, nos EUA, com as orquestras de Nova Iorque, Washington, Boston,
Chicago, Cleveland, Filadélfia, São Francisco e Los Angeles.
Desde 1998, Norrington tem sido Maestro Principal da Orquestra Sinfónica da Rádio de Estugarda (OSRE), e – até ao Verão de 2006
– da Camerata Salzburg. Norington estabeleceu o estilo de tocar atento à história que o caracteriza, e que envolve todos os requisitos
das primeiras orquestras instrumentais embora num contexto “moderno”. Um número apropriado de músicos, esquemas históricos para
distribuição dos músicos no palco, trabalho de arco, fraseamento, tempo e articulação são elementos empregues e absolutamente cruciais,
tal como o uso do tom puro, sem adição do vibrato contínuo de finais do século XX.
Os resultados têm sido espantosos. A OSR de Estugarda destaca-se dos seus pares e tem granjeado devotos seguidores na sua cidade natal
e no estrangeiro. Em particular, toda uma série de gravações da etiqueta SWRmusic (em colaboração com Hänssler Classics) tem dado a
oportunidade, a profissionais e ao público melómano mundial, de escutar música tal como se esperaria ouvir pelos grandes compositores
do passado. O novo ciclo de Beethoven por Norrington, com a OSR, tem fascinado os ouvintes. Igualmente inspiradoras são as gravações
de Mozart, Haydn, Berlioz, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms, Dvořák, Bruckner, Tchaikovsky, Elgar e Mahler, todas com o
mesmo tom puro, fraseamento expressivo e texturas orquestrais transparentes. Norrington convida com frequência outras orquestras para
experimentar os seus propósitos de autenticidade histórica. No entanto, actualmente, esta área é ainda liderada pela Orquestra Sinfónica
da Rádio de Estugarda.
S
ir Roger Norrington came from a musical family in Oxford, England and played the violin and sang from a young age. He studied
History at Westminster School, and English Literature at Cambridge University, where he was a choral scholar. Several years’ wide
experience of top class amateur music making, while working as a publisher of scholarly books, ended with a return to musical studies
at the Royal College of Music in London and the start of his professional career as a singer and conductor.
In 1962 he founded the Schütz Choir, which achieved eminence in its field and made many records. In 1969 he was invited
to become music director of Kent Opera and, for 15 years, conducted over 400 performances of 40 different operas. In 1978
he founded the London Classical Players, to research original instrument performance from 1750 to 1900. The orchestra
received enormous acclaim particularly for its recorded cycle of the Beethoven symphonies with EMI (still available today).
Works by Haydn, Mozart and Beethoven, Mendelssohn, Schubert, Schumann, Brahms, Wagner and Bruckner gave listeners
an idea of how these pieces might have sounded in their own day.
During the 1980s and 1990s Norrington was much in demand as a guest conductor (as he still is today). He worked in Britain
at Covent Garden and the English National Opera, with the BBC Symphony and the Philharmonia orchestras, and was Chief
Conductor of the Bournemouth Sinfonietta. Beyond England he appears with the Berlin Philharmonic, the Vienna Philharmonic,
the Royal Concertgebouw Orchestra, the Orchestre de Paris, and in America with New York, Washington, Boston, Chicago, Cleveland, Philadelphia, San Francisco and Los Angeles orchestras.
Since 1998 Norrington has been Principal Conductor of the Stuttgart Radio Symphony Orchestra (SWR), and – up to summer 2006 –
of the Camerata Salzburg. In both places he has established a historically aware style of playing which is very dear to his heart. This
involves all the demands of early instrument orchestras, but in a “modern” context. Appropriate numbers of players, historical seating
plans, bowing, phrasing, tempo and articulation are all employed, and absolutely crucial is the use of pure tone, without the addition of
late 20th century continuous vibrato.
The results have been startling. The Stuttgart RSO stands out from the crowd, and has won devoted followings in its home town and
abroad. In particular a whole series of recordings on the label SWRmusic (in cooperation with Hänssler Classics) are giving other
professionals, and the musical public all over the world, the chance to hear music as it was expected to sound by the great composers of
the past. Norrington’s new Beethoven cycle with the Stuttgart RSO has astonished its buyers. No less inspiring are the records of Mozart,
Haydn, Berlioz, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms, Dvořák, Bruckner, Tchaikovsky, Elgar and Mahler, all with the same pure
tone, expressive phrasing and transparent orchestral textures. Norrington often invites other orchestras to experiment with his historical
aims. But at present the Stuttgart Radio Symphony Orchestra leads the field.
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N
ascida em Rochester, Nova Iorque, a pianista de 19 anos Claire Huangci impressiona todos quantos a escutam. Vinda de uma família
de cientistas, Claire recebeu um piano de cauda no seu sexto aniversário. Depois de explorar o instrumento por si mesma durante um ano,
começou a ter lições aos sete anos de idade. Nesse mesmo ano apareceu no canal FOX News como criança prodígio com “as capacidades
de uma pianista profissional.”
Durante os seus estudos na Escola de Música Settlement (1997-99), Claire recebeu um conjunto de bolsas e ganhou vários
concursos, nomeadamente o Grande Prémio do Concurso Mundial de Piano de 1999 – o que levou à sua participação no
concerto de gala com a Orquestra do Festival Mundial em Cincinnati, Ohio, e num concerto de vencedores no Carnegie Hall.
Em 2000, Claire Huangci tornou-se aluna de Eleanor Sokoloff no Instituto de Música Curtis. Em 2003, foi formalmente aceite
pelo Instituto com uma bolsa completa, prosseguindo os seus estudos de piano com Eleanor Sokoloff e Gary Graffman. Desde
então, ganhou o concurso da Orquestra de Filadélfia e tocou com essa orquestra sob orientação do maestro Wolfgang Sawallisch,
tendo sido essa apenas uma das dezenas de orquestras americanas com as quais tem tocado.
Em Abril de 2006, Claire ganhou o primeiro prémio do 57º Concurso Internacional de Piano Kosciuszko Chopin, realizado na cidade de
Nova Iorque. De seguida, tocou em numerosos recitais a solo e em concertos por todos os Estados Unidos. Também em 2006, tornou-se
na mais jovem Artista Yamaha. Ainda em 2006, o Concurso Internacional de Piano Hamamatsu introduziu Claire ao público japonês,
tendo então recebido o Diploma de Mérito Excepcional e tornando-se na favorita de muitos espectadores.
A temporada de 2007 representa um marco na carreira de Claire Huangci, que fez as suas primeiras aparições europeias com
desempenhos a solo em Munique (Herkulessaal), Frankfurt, Leipzig (Gewandhaus), e Paris (Salle Cortot). Por outro lado, Claire
estreou-se com a Filarmónica da China e, em Abril, fez uma digressão pela Suíça e Alemanha, tocando o Concerto N˚ 2 para
Piano de Prokofiev com a Filarmonia de Südwestdeutsche.
鋼琴 |
黃慈
Pianista Solista
Claire Huangci
|
Solo Pianist
美籍華裔鋼琴家黃慈出生於紐約州羅徹斯特的一個科學家家庭，六歲時，小黃慈收到了一架大鋼琴作
為生日禮物。經過一年的自我摸索與練習，她於翌年走進鋼琴課室，而就在同一年，她便以「技能媲美
專業鋼琴家」的神童姿態亮相美國福克斯新聞網。
在聖特門音樂學院學習期間(1997-99)，黃慈取得獎學金並贏出不少比賽，包括1999年世界鋼琴比賽大
獎。後來，她又在俄亥俄州辛辛那提音樂會上與世界節日樂團合作、在卡內基音樂廳演出。2000年，黃
慈入讀知名的克提斯音樂學院，2003年，她獲學院頒發全額獎學金，師從埃莉諾•寇羅夫和加里•格拉
夫曼繼續習琴。後來她更在費城管弦樂比賽中勝出，與著名指揮沃爾夫岡•薩瓦利希所領導的費城交響
樂團同台演出，隨後更有機會與十幾個美國的管弦樂團展開合作。
2006年4月，黃慈在紐約第57屆肖邦國際鋼琴大賽上獲一等獎，她開始在美國嶄露頭角，參與無數獨奏
會以及音樂會。同在2006年，她成為最年輕的「雅馬哈藝術家」。2006年的濱松國際鋼琴比賽上，黃
慈開始為日本觀眾所熟悉，更被授予優秀獎，成為許多日本觀眾的最愛。
2007年樂季，是黃慈音樂生涯的一個里程碑。她首次亮相歐洲，在慕尼黑、法蘭克福、萊比錫、巴
黎等地作獨奏演出，此外，黃慈也首次與中國愛樂樂團合作。4月，她又赴瑞士和德國作巡迴演出，
與西南德意志愛樂樂團合作演繹普羅科菲耶夫的第二鋼琴協奏曲。2008-2009年樂季，黃慈舉辦了
不少獨奏及合奏音樂會，足跡遍布歐洲、非洲、亞洲和美國等地，演出地點包括：維也納音樂廳、薩
爾茨堡莫扎特音樂學院、卡內基音樂廳、梅爾中心、阿斯本音樂節、肖邦杜什尼基音樂節，基辛格和
橫濱音樂節等等。
繼2009年在史瓦辛格音樂節上的出色亮相，黃慈亦在基辛根之夏預開幕音樂會上演出。2009-2010樂
季，她與格里格在蘇黎世音樂廳表演，並與弗拉基米爾•費多謝耶夫指揮的柴科夫斯基交響樂團合作。
黃慈亦繼續在歐洲、美國和亞洲各地舉行演奏會，包括與諾靈頓爵士指揮的史圖加特廣播交響樂團在中
國舉行巡迴演出，期間更將在澳門及上海世博會演奏普羅科菲耶夫的第3號鋼琴協奏曲。
2009年10月，黃慈在達姆斯塔特國際蕭邦鋼琴比賽上榮獲首獎。目前，黃慈在德國漢諾威音樂學院跟
隨以色列著名鋼琴家阿里·瓦迪、德國凱沫林教授兩位名師繼續深造。
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Actualmente, Claire Huangci prossegue a sua educação musical na Alemanha, na Hannover Hochschule für Musik com Arie Vardi e
Karl-Heinz Kämmerling.
A temporada de 2008-2009 levou Claire, em desempenhos a solo e orquestrais, a diversos festivais e salas da Europa, África, Ásia e
América, nomeadamente à Vienna Konzerthaus, ao Mozarteum de Salzburg, ao Carnegie Hall, ao Kimmel Center, ao Festival de Aspen,
ao Festival Chopin Duszniki, à Kissinger KlavierOlympiade e ao Festival de Música Yokohama.
Na sequência de uma estreia notável no Schwetzinger Festspiele de 2009, Claire executou o concerto de pré-abertura do Kissinger
Sommer. A sua temporada de 2009-10 abriu com o Concerto para Piano de Grieg no Tonhalle de Zurique com a Orquestra Sinfónica
Tchaikovsky de Moscovo sob a batuta de Vladimir Fedosseyev. Claire surgirá numa série de concertos na Europa, Estados Unidos e
Ásia, incluindo a presente digressão pela China com a Orquestra Sinfónica da Rádio de Estugarda sob direcção de Sir Roger Norrington,
durante a qual tocará o Concerto N˚. 3 para Piano de Prokofiev na abertura da Expo de Xangai, logo após o concerto de Macau.
Em Outubro de 2009, Claire recebeu o primeiro prémio no Concurso Internacional de Piano Chopin de Darmstadt.
B
orn in Rochester, New York, 19 year old pianist Claire Huangci astonishes all who hear her perform. Coming from a family
of scientists, Claire received a grand piano for her 6th year birthday present. After exploring the instrument herself in the first
year, she started taking lessons when she was 7. And in the same year, she was featured on FOX news as a child prodigy with
“the skills of a professional pianist.”
During her studies at Settlement Music School (1997-99), Claire was awarded with a number of scholarships and won many
competitions, including the Grand Prize at 1999 World Piano Competition. As a result, she performed in the gala concert with the
World Festival Orchestra in Cincinnati Ohio and in a winner’s concert at Carnegie Hall. In 2000, Claire Huangci became a student
of Eleanor Sokoloff at the Curtis Institute of Music. In 2003, she was formally accepted by the Institute with a full scholarship and
continued her piano study under Eleanor Sokoloff and Gary Graffman. From there, she went on to win the Philadelphia Orchestra
Competition and performed with the Philadelphia Orchestra under the baton of Wolfgang Sawallisch, one of dozens of American
orchestras she has appeared with.
In April 2006, Claire won the first prize in the 57th Kosciuszko Chopin International Piano Competition in New York City. She then
performed in numerous solo recitals and concerto appearances throughout the USA. Also in 2006, she became the youngest Yamaha
Artist. The 2006 Hamamatsu International Piano Competition introduced Claire to the Japanese audiences; she was awarded the
Diploma of Outstanding Merit and was the favorite for many spectators.
The 2007 season represents a milestone in Claire Huangci’s career. She made her first appearances in Europe with solo performances
in Munich (Herkulessaal), Frankfurt, Leipzig (Gewandhaus), and Paris (Salle Cortot). In addition, Claire gave her debut with China
Philharmonic. In April, she toured Switzerland and Germany, performing Prokofiev’s Piano Concerto No. 2 with Südwestdeutsche
Philharmonie.
Claire Huangci currently continues her music education in Germany at the Hannover Hochschule für Musik with Arie Vardi and
Karl-Heinz Kämmerling.
The 2008-2009 season brought Claire in solo and concerto performances to various venues and festivals in Europe, Africa, Asia, and
America, amongst others to Vienna Konzerthaus, Mozarteum Salzburg, Carnegie Hall, Kimmel Center, Aspen Festival, Chopin Duszniki
Festival, Kissinger KlavierOlympiade and Yokohama Music Festival.
Following an outstanding debut at the 2009 Schwetzinger Festspiele, Claire performed the Pre-Opening Concert at the Kissinger
Sommer. Her 2009-10 season opened with Grieg’s Piano Concerto at the Tonhalle Zurich with the Tchaikovsky Symphony Orchestra
of Moscow under the baton of Vladimir Fedosseyev. She will appear in further concerts throughout Europe, the United States and
Asia, including this China tour with the Stuttgart Radio Symphony Orchestra under Sir Roger Norrington, performing Prokofiev’s
Piano Concerto No. 3 in Macao and at the opening of the Shanghai Expo.
In October 2009, Claire was awarded the first prize at the Darmstadt International Chopin Piano Competition.
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曲 目 簡 介 ｜ Notas ao Programa｜ Programme
約瑟．海頓
Notes
浦 羅 高 菲 夫 (1891 - 1953，俄羅斯)
(1732 - 1809，奧地利)
D大調第101交響曲，Hob. I:101《時鐘》
C大調第3鋼琴協奏曲，作品26
柔板 — 急板
行板 — 快板
行板
主題與變奏
小步舞曲 (稍快板) — 中段 — 小步舞曲
不太快的快板
終曲 (活板)
浦羅高菲夫的第一首交響作品《古典交響曲》於1917年發表，成績斐然；但其實在這之
海頓從維也納出發，橫過歐洲、抵達倫敦的那天正是1791年的元旦。一個星期後，他寫信回家說：
前，他的音樂事業已順利開展。在1911年至13年之間，他發表了第一和第二兩首鋼琴協奏
「我的到來，引起很大的哄動，現在我正忙於創作交響曲。」他為了在倫敦演出的音樂會，共寫了12
曲，1915年又推出大受樂迷歡迎的《西古提組曲》。1916年，他著手草擬第三首鋼琴協奏
首新交響曲，即作品編號96至104，此後便再沒撰寫這類作品。
曲，但當時正發生連串事件，導致日後的1917大革命，令他無法專心工作。他感到動盪的俄
羅斯不是作曲家安居之所，決定待政治局勢平息才回來，於是起程到美國去。當時也流亡在外
今次演奏的這首交響曲，是在他第二次訪問倫敦時首演，如果他知道這是他第101首，也許會感到驚
的作曲家還有較傳統浪漫的拉赫曼尼諾夫，相比之下，浦羅高菲夫是個「憤怒青年」，《紐約
訝，不過，要是他知道後世沒經他批准竟為這首作品起了個《時鐘》的綽號，他定會更加驚訝。其實
時報》用音樂名詞戲稱他為「極強音者」。
這交響曲是以一段小調序樂「柔板」開始，氣氛神秘，如夢如幻，溫柔的不協和音起起伏伏，旋律是
一段緩慢上行的音階。這段音階轉成大調後，速度加快，成了「急板」主體剛開始時的衝刺。此後弦
很快浦羅高菲夫厭倦了美國生活，留在法國的日子越來越長。1921年夏，他在兩次美國旅程之間
樂組和木管樂組的精力感染了整支樂隊，銅管樂組和鼓組歡慶的聲音圓滿地結束了這個樂章。
到布坦尼海岸度假，終於把《第三鋼琴協奏曲》完成。那時留在當地的還有俄羅斯詩人巴爾蒙，浦
羅哥菲夫把這曲題獻給他。巴爾蒙受到這首樂曲的啟發，寫下了：
所以，《時鐘》的綽號其實是來自第二樂章「行板」開始之時，巴松管、第二小提琴、大提琴和低音大
提琴奏出的「滴嗒」伴奏聲。這時的氣氛平靜安詳，但如風暴似的小調樂段突然掩至，把這股祥和打
浦羅高菲夫啊！你的音樂與年華正茂，
斷，直至滴嗒主題再起才再度回復，不過這次開始時則只有小提琴組在拉奏，配上木管樂組的音樂。
樂團因你渴想遺忘了的夏日聲音，
無敵的《西古提》敲在太陽的鈴鼓上。
第三樂章是一首宏大的小步舞曲，帶著鄉村風味的中段由獨奏長笛及其他木管樂器吹出旋律，弦樂組
以呢喃似的伴奏聲從旁襯托。「終曲」速度甚快，剛開始時只有弦樂組，整個木管樂組、銅管樂組和
《第三鋼琴協奏曲》的第一樂章，早在四年前在俄國時已開始草擬，也許因為這個原因，開場那段
鼓組隨後加入，組成大合奏。樂章的中心是激烈的小調樂段，此後，一開始的柔和弦樂主題重返，這
悠長的單簧管獨奏段帶著抑鬱的味道。但除了這部分，整個樂章餘下的大部分都是新作，樂團第二
時加入新的對位樂曲，漸漸交織成熱鬧的賦格，只是為時甚短，瞬即在輝煌的音樂聲中結束全曲。
次奏出單簧管主題時，鋼琴進場，但因為對比極強，那段主題幾乎不可辨認。
第二樂章的基礎，是全首協奏曲最早寫成的部分。這個樂章是主題與變奏，於1913年已經開始草
擬。進行曲似的主題，裏面的天地與《古典交響曲》相近。
浦羅高菲夫形容第三樂章為鋼琴與樂隊的辯論。很明顯，鋼琴不大喜歡巴松管在開始時的嘗試，用
盡力氣要打斷它，浦羅高菲夫說鋼琴是「咆哮著」進場。
艾爾加
(1857 – 1934，英國)
《謎語變奏曲》，作品36
(根據一首原創主題而寫的變奏)
艾爾加之前，英國已有近百年沒出產過一位出色的作曲家，他的作品水準之高令很多人都大感詫
© Henrik Hoffman
異。在1890年代，艾爾加創作了多套大型合唱曲，聲譽日隆，不過，他令人矚目的管弦樂作品那
時還未面世。到了1899年6月2日，他剛四十二歲，情況就完全改變了。
在兩個月前的一天，艾爾加教完小提琴課回家，感到有點累，於是坐到鋼琴前，輕鬆自在地即興彈
點東西。他的妻子愛麗絲尤其喜歡其中一段旋律，叫他再奏一遍。後來艾爾加解釋，這段旋律就
是後來《謎語變奏曲》的主題。當晚他們八歲的女兒嘉莉絲問媽媽：「爸爸在幹什麼？」愛麗絲回
答：「他想起自己的朋友，拿他們來創作音樂。」
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曲 目 簡 介 ｜ Notas ao Programa｜ Programme
Notes
艾爾加承認那十四段變奏是一些人物的肖像素描，「捕捉了一些朋友的特徵，供大家戲謔一番而已」。但至於那個
「謎」，他就拒絕解釋：「裏面的深沉含意，要成為解不開的謎團。」直至111年後，仍有人在推測這個謎究意是
什麼，其中一個提議是：那段主題根本不是什麼主題，而是一段主題的複調旋律，只是那段主題失落了。愛發掘旋
Notes
© Henrik Hoffman
曲 目 簡 介 ｜ Notas ao Programa｜ Programme
律的人士嘗試去證實那個失落了的主題是英國海軍軍歌《不列顛起來統治》或《友誼地久天長》，但都不能令人信
服。所以，「謎」仍然是謎，一如艾爾加所定意要做的。
《謎語變奏曲》於1899年6月19日首出，有位當日在場聽過這曲的樂評人說，那首開場的主題「旋律優美，教
人傷感，似乎隱隱然某些悲劇快要發生」。艾爾加為每個變奏都加了標題如下：
變奏一(速度同前)「C.A.E.」：艾爾加為愛妻嘉芙蓮．愛麗絲 (Catherine Alice Elgar) 所寫的音樂素描；
變奏二(快板)「H.D.S.-P.」：一位鋼琴家史蒂域鮑威爾 (Hew David Steuart-Powell) 的簡稱，艾爾加經常與他一
起奏室樂；他把這段變奏形容為「觸技曲」。
變奏三(稍快板)「R.B.T.」：一位業餘演員李察．巴斯特．唐生 (Richard Baxter Townshend) 的簡稱，這個朋友
擅演老人；
變奏四(很快的快板)「W.M.B.」：一位鄉紳威廉．密特．貝卡 (William Meath Baker) 的簡稱，他說話快而利
落，態度不拖泥帶水，就跟這段變奏曲一樣。這段變奏曲是全部十四段中最短的；
變奏五(中板)「R.P.A.」：詩人馬修．阿諾德的兒子李察．平路斯．阿諾德 (Richard Penrose Arnold)；
變奏六(小行板)「Ysobel」：伊莎貝．費頓 (Isabel Fitton) 是艾爾加的中提琴學生，她所用的樂器是這段變奏
的主角；
變奏七(急板)「Troyte」：阿瑟．特洛依德．格菲斯 (Arthur Troyte Griffith) 的簡稱，他不算是個出色的鋼琴
家，正如艾爾加所標明的；
變奏八(稍快板)「 W.N.」：雲妮菲．諾貝里 (Winifred Norbury) 的簡稱，艾爾加在這段變奏模仿她的笑聲
和說話時的結結巴巴，又模擬她那古老房子的氣氛；
變奏九(柔板)「Nimrod」：尼姆洛特，即艾爾加的摯友耶格 (A.J.Jaeger)；有一次艾爾加情緒低落，耶格
提醒他貝多芬的掙扎更艱苦，鼓勵他振奮。這段變奏是十四段中最為人熟悉的；
變奏十(間奏曲：稍快板)「Dorabella」：黛拉貝拉，是艾爾加夫婦的友人黛拉．彭妮 (Dora Penny)；
變奏十一(很快的快板)「G.R.S.」：喬治．辛卡拉爾 (George Sinclair) 的簡稱；他是赫里福大教堂的風琴
Joseph Haydn (1723-1809 Áustria)
Sinfonia N˚ 101 em Ré Maior, Hob. I: 101 “O Relógio”
Adagio – Presto
Andante
Minuetto (Allegretto) - Trio - Minuetto
Finale (Vivace)
Tendo viajado através da Europa a partir de Viena, Joseph Haydn chegou a Londres no dia de Ano Novo de 1791. Uma semana
depois, numa carta enviada a casa, escreveu: “A minha chegada causou grande sensação aqui e, de momento, ocupo-me a trabalhar
na composição de sinfonias”. No total, Haydn compôs 12 novas sinfonias para os seus concertos londrinos. As sinfonias número
96 a 104, que acabariam também por ser as suas últimas!
Haydn ter-se-ia provavelmente surpreendido ao saber que esta sinfonia, estreada na sua segunda visita a Londres, seria a 101ª.
Mais surpreendido ficaria ao saber que a posteridade lhe deu um título não autorizado, “O Relógio”. Na verdade, a sinfonia
começa misteriosamente com uma introdução onírica (Adagio) em nota menor, com uma suave respiração construída em torno de
uma lenta escala ascendente. A mesma escala, embora na nota maior e mais rápida, dá o impulso de abertura ao Presto principal.
De seguida a contagiante energia das cordas e sopros é coroada festivamente pelos metais e percussão.
A fonte do título “Relógio” é o padrão de tique-taque tocado pelos fagotes, segundos violinos, violoncelos e contrabaixos para
acompanhar a abertura do segundo movimento (Andante). A disposição calma e serena é interrompida por um tempestuoso episódio
em nota menor, anterior ao tema de tique-taque, desta vez escrito apenas para violinos e sopros.
O terceiro movimento é um grandioso minuete, com um trio rústico em que as cordas, com cadência Rítmica Constante, acompanham uma
melodia de um solo de flauta e outros instrumentos de sopro. O Finale de ritmo rápido começa calmamente apenas com as cordas. Os sopros,
metais e percussão entram então com um “coro” grandioso. Um tempestuoso episódio em nota menor forma o âmago do movimento, após
o qual o suave tema de abertura de cordas regressa com a adição de novos contrapontos, sendo brevemente trabalhado numa fuga buliçosa,
antes de um brilhante encerramento.
師，這段變奏也許是描畫他的愛犬拳師狗亞丹在河中玩耍的神態；
Sergey Prokofiev (1891-1953 Rússia)
變奏十二(行板)「B.G.N.」：貝素．奈芬遜 (Basil Nevinson) 的簡稱；他是位業餘大提琴手，這段變奏以大
Concerto para Piano N˚ 3 em Dó Maior, Op. 26
提琴為主；
變奏十三(浪漫曲：中板)「*.*.*」：也許是代表艾爾加之前的未婚妻瑪麗．賴根 (Mary Lygon)，當時她正到澳洲
Andante - Allegro
Tema e variações / Tema con variazioni
Allegro, ma non troppo
旅行。曲中單簧管所引述的調子取自孟德爾遜的《平靜的海與收穫甚豐的旅程》；
變奏十四(終曲：急促的快板)「 E.D.U.」：即「愛嘟」，是艾爾加給妻子愛麗絲私下的暱稱。本來這段變
奏沒那麼長，但艾爾加接納耶格的建議，加了一百小節。變奏中加入了對變奏一和變奏九的回想。
英文曲目簡介由 Graeme Skinner 撰寫
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A carreira musical de Prokofiev encontrava-se já estabelecida antes do sucesso da sua primeira sinfonia, a Clássica, em 1917.
Entre 1911 e 1913 Prokofiev lançou os seus dois primeiros concertos para piano e, em 1915, o seu sucesso orquestral, a Suite Cita.
Em 1916, começou a esboçar um terceiro concerto para piano, sendo esse trabalho interrompido pelos eventos que avassalaram
a Rússia durante a Revolução de 1917. Tendo decidido que a Rússia revolucionária não era o lugar para um compositor até a
situação política ter acalmado, partiu para a América. Comparado com o mais convencionalmente romântico Rachmaninov, que
também lá se encontrava exilado, Prokofiev era o “jovem zangado”, apelidado pelo New York Times de “Fortissimista”!
Todavia, Prokofiev depressa se cansou da vida americana, começando a passar cada vez mais tempo em França. No Verão de
1921, numas férias na costa da Bretanha, entre duas temporadas americanas, completou finalmente o terceiro concerto para
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曲 目 簡 介 ｜ Notas ao Programa｜ Programme
曲 目 簡 介 ｜ Notas ao Programa｜ Programme
Notes
piano. Presente nessas férias encontrava-se o poeta russo Konstantin Balmont, a quem Prokofiev dedicou o concerto. Balmont,
inspirado pela música, escreveria:
Prokofiev! Música e juventude em flor,
Através de ti, a orquestra suspira pelos sons esquecidos do estio,
E o Cita invencível bate o tamborete do sol.
Joseph Haydn (1732-1809 Austria)
Symphony No. 101 in D major, Hob. 1:101 “The Clock”
Adagio – Presto
Andante
Minuetto (Allegretto) - Trio - Minuetto
Finale (Vivace)
O facto de ter começado a esboçar o primeiro movimento quatro anos antes, na Rússia, justificará talvez o sabor algo melancólico
do longo solo de clarinete da abertura. Porém, a maior parte do movimento seguinte é nova, com a entrada do piano tão contrastante
que mal é reconhecível como uma segunda afirmação do tema de clarinete.
O material central do segundo movimento teve origem ainda antes do resto do concerto, com um tema e variações
esboçados em 1913. O tema algo marchado habita um mundo semelhante ao da “Sinfonia Clássica”.
Prokofiev descreveu o terceiro movimento como uma discussão entre o piano e a orquestra, sendo evidente que o piano
não aprecia sobremaneira a tentativa dos fagotes na abertura, fazendo o seu melhor por interromper aquilo que Prokofiev chamou a
sua própria entrada “de rompante”.
Edward Elgar (1857-1934 Inglaterra)
Notes
Having travelled across Europe from Vienna, Joseph Haydn arrived in London on New Year’s Day 1791. A week later wrote in
a letter home: “My arrival caused a great sensation here, and I am now busy at work composing symphonies”. In all, Haydn
composed 12 new symphonies for his London concerts, Nos 96-104, which also turned out to be his last!
Haydn would probably have been surprised to know that this Symphony, premiered on his second London visit, was his 101st.
He’d have been even more surprised to know that posterity had given it an unauthorised nickname, “The Clock”. The symphony
actually begins mysteriously with a dream-like introduction (Adagio) in the minor key, its gently dissonant ebb-and-flow built
around a slow rising scale. The same scale, but in the major key and faster, gives the Presto main section its opening thrust.
Thereafter, the infectious energy of the strings and woodwinds is festively capped by brass and drums.
(Variações sobre um Tema Original)
The source of the “clock” nickname is the tick-tock pattern played by the bassoons, second violins, cellos and double-basses
to accompany the opening of the second movement (Andante). The quiet, serene mood is interrupted by a stormy minor-keyed
episode, before the ticking theme, this time scored at first for just violins with woodwinds.
No final de um século notável pela escassez de bons compositores ingleses, Elgar surpreendia muitos com a qualidade da sua música.
Durante a década de 1890, a sua reputação de compositor de obras corais populares de grande dimensão tinha vindo a crescer. Porém,
faltava-lhe ainda compor uma obra orquestral que capturasse a imaginação do público. No entanto, no seu 42º aniversário, em 2 de
Junho de 1899, tudo mudaria.
The third movement is a grand minuet, with a rustic trio in which the strings sustain a drone-like accompaniment to a melody from
solo flute and other woodwinds. The fast-paced Finale begins quietly on the strings alone. The full winds, brass and drums then
chime in with a grand chorus. A tempestuous minor-key episode forms the heart of the movement, after which the soft opening string
theme returns with new counterpoints added, to be worked briefly into a busy fugue, before a brilliant close.
Alguns meses antes, Elgar tinha regressado a casa cansado de um longo dia a ensinar violino e sentou-se ao piano, relaxado,
começando a improvisar. Sua esposa, Alice, gostou particularmente de uma das melodias e pediu-lhe que a tocasse de novo. Como
Elgar viria a explicar mais tarde, essa melodia tornou-se o tema das Variações. Mais tarde nesse serão, quando sua filha de oito
anos, Carice, perguntou o que fazia seu pai, Alice respondeu: “Está a inventar música sobre os seus amigos”.
Sergey Prokofiev (1891- 1953 Russia)
Variações Enigma, Op. 36
Na verdade, Elgar admitiu que as catorze variações eram retratos pessoais nos quais, afirmou, tinha “esboçado as idiossincrasias dos
meus amigos, para seu divertimento e para meu”. Mas o “enigma” sempre se recusou a explicar: “É negro, mas deve ser deixado por
adivinhar.” A natureza precisa do enigma continua a ser objecto de conjecturas 111 anos depois. Uma das sugestões é de que o tema
não será de todo o tema real, mas somente uma contra-melodia a um tema desaparecido. Os caçadores de melodias tentaram, sem
resultados, provar que Rule Brittania ou Auld Lany Syne seria esse tema desaparecido. Todavia, tal como Elgar pretendeu, o enigma
permanece um segredo.
Um crítico do primeiro concerto, a 19 de Junho de 1899, escutou no tema de abertura “uma bela e assombrosa melodia, que parece
maculada pela premonição de uma tragédia qualquer”. Elgar intitulou as Variações do seguinte modo:
Variação 1 (L’istesso tempo) “C.A.E.”: um retrato musical de Catherine Alice Elgar, sua amada esposa;
Variação 2 (Allegro) “H.D.S.-P.”: Hew David Steuart-Powell, um pianista com quem Elgar frequentemente tocava
música de câmara; Elgar descreve esta variação como uma toccata.
Variação 3 (Allegretto) “R.B.T.”: Richard Baxter Townshend, um actor amador, especializado em personagens de idosos;
Variação 4 (Allegro di molto) “W.M.B.”: William Meath Baker, um aristocrata rural, de modos abruptos e bruscos, tal
como esta variação (a mais curta);
Variação 5 (Moderato) “R.P.A.”: Richard Penrose Arnold, filho do poeta Matthew Arnold;
Variação 6 (Andantino) “Ysobel”: Isabel Fitton, aluna de viola de Elgar, o seu instrumento surge nesta variação;
Variação 7 (Presto) “Troyte”: Arthur Troyte Griffith, um pianista não muito bom, como Elgar indica;
Variação 8 (Allegretto) “W.N.”: Winifred Norbury; Elgar imita o rir e gaguejar dela, e invoca a atmosfera da sua antiga casa;
Variação 9 (Adagio) “Nimrod”: = A. J. Jaeger, o mais próximo amigo de Elgar; certa vez, estando Elgar deprimido,
Jaeger encorajou-o a encontrar força no exemplo dos problemas muito maiores de Beethoven; trata-se da variação mais
conhecida;
Variação 10 (Intermezzo: Allegretto) “Dorabella”: Dora Penney, uma amiga da;
Variação 11 (Allegro di molto) “G.R.S.”: George Sinclair, organista da Catedral de Hereford; a variação é suposta
retratar o buldogue de Sinclair, Dan, brincando no rio;
Variação 12 (Andante) “B.G.N.”: Basil Nevinson, um violoncelista amador, o que justifica a presença do instrumento;
Variação 13 (Romanza: Moderato) “*.*.*”: provavelmente Mary Lygon, antiga noiva de Elgar, que se encontrava em
viagem pela Austrália; o clarinete cita uma melodia de Mar Calmo e Viagem Próspera de Mendelssohn;
Variação 14 (Finale: Allegro presto) “E.D.U.” = “Edoo” era o nome que Alice dava ao próprio Elgar; originalmente, esta
variação era mais curta, mas instado por Jaeger, Elgar acrescentou 100 compassos; inclui reminiscências das variações
1 e 9.
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Notas ao Programa elaboradas por Graeme Skinner
Piano Concerto No. 3 in C major, Op. 26
Andante - Allegro
Tema con variazioni
Allegro, ma non troppo
Prokofiev’s musical career was well underway before the success of his first symphony, the Classical, in 1917. Between 1911
and 1913 Prokofiev launched his first two piano concertos, and in 1915 his orchestral hit, the Scythian Suite. In 1916, he began
sketching a third piano concerto, only to find his work on it interrupted by the tide of events that overtook Russia during the 1917
revolution. Deciding that revolutionary Russia was no place for a composer until the political situation settled down, he left for
America. Compared with the more conventionally romantic Rachmaninov, who was also in exile there, Prokofiev was the “angry
young man”, dubbed by the New York Times as a “Fortissimist”!
Prokofiev quickly grew tired of American life, however, and began to spend more and more time in France. In summer 1921, taking a
holiday on the Brittany coast between two American seasons, he finally completed the Third Piano Concerto. Also staying there was the
Russian poet, Konstantin Balmont, to whom Prokofiev dedicated the concerto. Balmont, inspired by the music, wrote:
Prokofiev! Music and youth in full bloom,
Through you, the orchestra yearns for forgotten summer sounds,
And the invincible Scythian beats on the tambourine of the sun.
The fact that he had started sketching the first movement four years earlier in Russia probably accounts for the somewhat
melancholy flavour of the long opening clarinet solo. But the bulk of the ensuing movement is new, the piano’s entry so highly
contrasted as to be barely recognisable as a second statement of the clarinet theme.
The core material of the second movement originated even earlier than the rest of the concerto, in a theme and variations
sketched in 1913. The march-like theme inhabits a similar world to that of the “Classical Symphony”.
Prokofiev described the third movement as an argument between piano and orchestra. Clearly, the piano doesn’t much
like the bassoons’ attempt at an opening, and does its best to interrupt with what Prokofiev called its own “blustering” entry.
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曲 目 簡 介 ｜ Notas ao Programa｜ Programme
史圖加特廣播交響樂團團員名單
Notes
Ficha artística e técnica da Orquestra Sinfónica da Rádio de Estugarda
Credit List of Stuttgart Radio Symphony Orchestra
Edward Elgar (1857-1934 England)
Enigma Variations, Op. 36
首席指揮•Maestro Principal•Principal Conductor
諾靈頓爵士 Sir Roger Norrington
(Variations on an Original Theme)
Toward the end of a century notable for its dearth of good English composers, Elgar was surprising many with the quality of
his music. During the 1890s, his reputation as a composer of popular large-scale choral works had been steadily growing.
But he was yet to compose an orchestral work to capture the public’s imagination. By the time he turned 42, on 2 June 1899,
however, all that changed.
A couple of months earlier, Elgar had come home tired after a long day teaching violin, sat down at the piano, relaxed, and
began to improvise. His wife Alice especially liked one of the tunes, and asked him to play it again. As Elgar later explained, that tune
became the theme of the Variations. Later that evening, when their 8-year-old daughter, Carice, asked what her father was doing,
Alice answered, “He is inventing music about his friends”.
Elgar indeed admitted that the fourteen variations were personal portraits in which, he said, he had “sketched the idiosyncrasies of my friends, for their own amusement and mine”. But the “enigma” he refused to explain: “Its dark saying must be left
unguessed.” What precisely the enigma is remains a subject of conjecture 111 years later. One suggestion is that the theme is not the
real theme at all, but only a countermelody to a missing theme. Tune-hunters have tried, unconvincingly, to prove that Rule Brittania
or Auld Lany Syne is this missing theme. But the enigma remains, as Elgar intended, a secret.
A reviewer of the first performance on 19 June 1899 heard in the opening theme a “beautiful and haunting melody, which
seems fraught with a foreboding of some tragedy”. Elgar titled the variations as follows:
Variation 1 (L’istesso tempo) “C.A.E.”: a musical portrait of Catherine Alice Elgar, his beloved wife;
Variation 2 (Allegro) “H.D.S.-P.”: Hew David Steuart-Powell, a pianist with whom Elgar frequently played chamber
music; Elgar described this variation as a toccata.
Variation 3 (Allegretto) “R.B.T.”: Richard Baxter Townshend, an amateur actor, who specialised in playing old men;
Variation 4 (Allegro di molto) “W.M.B.”: William Meath Baker, a country squire, with a clipped, brusque manner, like
this variation (the shortest);
鋼琴獨奏•Pianista Solista•Solo Pianist
黃 慈 Claire Huangci
第一小提琴•Primeiros Violinos•First Violins
Natalie Chee
Henrik Hochschild
Michael Hsu-Wartha
Karl-Heinz Schlenker
Karsten Peters
Lukas Friederich
Stefan Bornscheuer
Stefan Knote
Matthias Hochweber
Helke Bier
Andreas Ritzinger
Ulrike Stortz
Elvira Stanciu
Annette Schäfer-Teuffel
Karsten Windt
Cristina Stanciu
Variation 5 (Moderato) “R.P.A.”: Richard Penrose Arnold, son of the poet Matthew Arnold;
Variation 6 (Andantino) “Ysobel”: Isabel Fitton, a viola pupil of Elgar, her instrument is featured in this variation;
Variation 7 (Presto) “Troyte”: Arthur Troyte Griffith, not a good pianist, as Elgar indicates;
Variation 8 (Allegretto) “W.N.”: Winifred Norbury; Elgar imitates her laugh and stutter, and evokes the atmosphere of
her old house;
Variation 9 (Adagio) “Nimrod”: = A. J. Jaeger, Elgar’s closest friend; once, when Elgar was depressed, Jaeger
encouraged him to take heart from Beethoven’s even greater struggles; the best known variation;
Variation 10 (Intermezzo: Allegretto) “Dorabella”: Dora Penney, a friend of the Elgars;
Variation 11 (Allegro di molto) “G.R.S.”: George Sinclair, organist of Hereford Cathedral; the variation is supposed to
portray Sinclair’s pet bulldog, Dan, playing in the river;
Variation 12 (Andante) “B.G.N.”: Basil Nevinson, an amateur cellist, so the cello is featured;
Variation 13 (Romanza: Moderato) “*.*.*”: probably Mary Lygon, Elgar’s former fiancée, who was on a voyage to
Australia; the clarinet quotes a tune from Mendelssohn’s Calm Sea and Prosperous Voyage;
Variation 14 (Finale: Allegro presto) “E.D.U.” = “Edoo” was Alice’s pet-name for Elgar himself; originally,
this variation was shorter, but at Jaeger’s prompting, Elgar added 100 bars; it includes reminiscences of variations
1 and 9.
第二小提琴•Segundos Violinos•Second Violins
David Ma
Joo-Wha Yoo
Jaroslav Stastny
Werner Burkhoff
Peter Lauer
Sylvia Schnieders
Alina Abel
Monika Renner-Auers
Maria Kranzfelder
Karin Adler
Sonoko Imai-Stastny
Anniko Szathmáry
Christian Frey
Christin Uhlemann
中提琴•Violas
Paul Pesthy
Ingrid Philippi-Seyffer
Dirk Hegemann
Sally Clarke
Dora Scheili
Nicole Nagel
Teresa Jansen
Jakob Lustig
Janis Lielbardis
Andreea Soldan
Markus Oertel
Anja Pesthy
大提琴．Violoncelos．Cellos
Ansgar Schneider
Marin Smesnoi
Hendrik Then-Bergh
Gottfried Hahn
Fionn Bockemühl
Wolfgang Düthorn
Erik Borgir
Blanca Coines Escriche
Anna Mazurek
Johannes Zagrosek
低音大提琴．Contrabaixos．Double Basses
Martin Klein
Felix von Tippelskirch
Axel Schwesig
Frederik Stock
Astrid Stutzke
Arvid Christoph Dorn
Ryutaro Hei
Young-min Kim
Programme Notes by Graeme Skinner
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史圖加特廣播交響樂團團員名單
Ficha artística e técnica da Orquestra Sinfónica da Rádio de Estugarda
Credit List of Stuttgart Radio Symphony Orchestra
長笛．Flautas．Flutes
長號．Trombones
Tatjana Ruhland
Christina Singer
Andreas Kraft
Harald Matjacic
Frank Szathmáry-Filipitsch
雙簧管．Oboés．Oboes
Philippe Tondre
Annette Schütz
大號．Tuba
Jürgen Wirth
單簧管．Clarinetes．Clarinets
定音鼓．Timbales．Timpani
Dirk Altmann
Kurt Berger
Norbert Schmitt-Lauxmann
敲擊樂．Percussão．Percussions
巴松管．Fagotes．Bassoons
Libor Sima
Eduardo Calzada
Georg ter Voert
Franz Bach
Martin Rosenthal
Robert Kette
豎琴．Harpa．Harp
圓號．Trompas Francesas．French Horns
Joachim Bänsch
Thomas Flender
Dietmar Ullrich
Josef Weissteiner
Renie Yamahata
樂團舞台人員．Equipa de Palco．Stage Crew
Karsten Gädicke
Matthias Stroh
Alexander Köpf
小號．Trompetes．Trumpets
© Henrik Hoffman
Jörge Becker
Karl-Heinz Halder
Dietmar Boeck
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主任•Directora•Director
區慧思 •Nelma Wong Morais Alves
節目及市場推廣•Programação e Marketing•Programming & Marketing
藍康 •Pedro Lencastre
何嘉欣 •Ada Ho
張 梖 琪 •Angela Cheong
設計•Design
余偉業 •Erik Yu
客戶服務•Serviço de Apoio ao Público•Customer Services
張佩華 •Flora Cheung
舞台•Palco•Stage
郭志明 •Kok Chi Meng