GALERIA DO PALACIO

Transcrição

GALERIA DO PALACIO

2012
GALERIA DO PALACIO
BIENNIAL OF EUROPEAN
AND LATIN AMERICAN
CONTEMPORARY
ART
BELA
- Biennial of European and Latin American and Contemporary Art -
Convidados Especiais
- Special Guests:
Antônio Franchini - Portugal
Ivald Granato - Brazil
Henry Wuorila-Stenberg - Finland
Project Zenite
with the artists:
Cynthia Lorenzo
Denise Bandeira
Eliane Moreira
Juliane Fuganti
Laura Miranda
Lauro Borges
Mai Fujimoto
Mariana Frochtengarten
Rebeca Ficinski
Thalita Sejanes
Artistas - Artists:
Adriana Tabalipa – Brazil
Åsa Peck - Sweden
Aidê Zorek - Brazil
Airi Kianto - Finland
André Rigatti - Brazil
Anna Alm - Finland
Anneli Nilsson - Sweden
Annika Thorn Legzdins - Sweden
Bambu Hellsted - Finland
Bo Alström - Sweden
Brita Weglin - Sweden
Carita Maury - Finland
Carppio de Morais - Brazil
Christina Rosenkvist - Sweden
Cláudia Lima - Brazil
Cristina Bahiense - Brazil
Dagmar Forsberg - Sweden
Ecila Huste - Brazil
Eliane Moreira - Brazil
Eliane Prolik - Brazil
Elina Hannula-Ketola - Finland
Emerson Araujo - Brazil
Eva Wessel - Sweden
Flavita Obino - Brazil
Gê Orthof - Brazil
Gisella Eliassen - Sweden
Gunilla Lifvergren - Sweden
Hanna Kanto - Finland
Hannu Kauppi - Finland
Hannu Riikonen - Finland
Hannu Uusluoto - Finland
Heidi Hänninen - Finland
Ingela Hallonquist - Sweden
Inger Thurfjell - Sweden
Iria Ciekca Schmidt - Finland
Jaime Baião - Brazil
Jari Järnström - Finland
Joonas Vähäsöyrinki - Finland
Jorma Helenius - Finland
José Antônio de Lima - Brazil
Juliane Fuganti - Brazil
Karin Ellestrand - Sweden
Karin Ward - Sweden
Karla Bratfisch - Brazil
Kerstin Svanberg - Sweden
Kristina Elo - Finland
Kristiina Lampinen - Finland
Kurt Simons - Sweden
Laura Miranda - Brazil
Lauro Borges -Brazil
Leena Halonen - Finland
Leena Kontinen - Finland
Leena Mäki-Patola - Finland
Lena Nyström Solberg -Sweden
Liisa Karintaus - Finland
Lisbeth Cedwall - Sweden
M Cavalcanti - Brazil
Maaria Märkälä - Finland
Magdalena Brunzel - Sweden
Maija Helin-Åvall - Finland
Maija Loukola - Finland
Marc Rayner – Sweden
Margareta Gelles – Sweden
Margareta Jungerth Boo –Sweden
Marja Hakala – Finland
Markku W Heikkilä - Finland
Max Morten Aspegren - Sweden
Mazeredo - Brazil
Merja Heino - Finland
Mika Vesalahti - Finland
Minna Isolähteenmäki - Finland
Minna Kangasmaa - Finland
Mirkka Tiirinen - Finland
Monika Kiviniemi - Finland
Ole Skovsmose - Denmark
Paula Holopainen - Finland
Perla Braga - Brazil
Petteri Aaltolainen - Finland
Raphael Langowski - Brazil
Raija Heikkilä - Finland
Raija Kuisma - Finland
Reijo Raekallio - Finland
Ricardo Franco - Brazil
Risto Immonen - Finland
Regina Carmona - Brazil
Rolf Thelander - Sweden
Sackarias Luhanko - Sweden
Sandra Portto - Brazil
Saulo Ais - Brazil
Sebastião Mendes - Brazil
Sini Anttila-Rodriquez - Finland
Silvio Alvarez - Brazil
Sunna Kangas - Finland
Susanna Autio - Finland
Suzui Mattei - Brazil
Tarcisio Viriato - Brazil
Taina Helena Kokkonen - Finland
Tero Annanolli - Finland
Terttu Jurvakainen - Finland
Timo Partanen - Finland
Titti Hammarling - Sweden
Tuomas Korkalo & Ninni Korkalo - Finland
Tuula Aalto - Finland
Tuuli Mukka - Finland
Ulla Remes - Finland
Uta Jacobs - Sweden
Wilma Touru - Finland
Viva Granlund - Finland
Woo Bock Lee - Sweden
Ylva Storm - Sweden
Zenith Project – 2010/2011
Artists
Cynthia Lorenzo
Denise Bandeira
Eliane Moreira
Juliane Fuganti
Laura Miranda
Lauro Borges
Mai Fujimoto
Rebeca Ficinski
Thalita Sejanes
Ongoing Project – Still – Stop Motion
Site – APA do Passaúna – Campo Largo – Paraná – Brasil
Text – Denise Bandeira
Translation – Evandra Fagundes
Participation – Mariana Frochtengarten
Stop Motion – 11 minuts
Virtual Portfolio – image and text edition, documents and creative process – 11 minuts
Prologue 1
It is necessary to randomly note some elements that were present in the development of the
Zenith project. Firstly, the artists’ meeting in a collective experiment, resulting in the divestment and
undoing of individuality and authorship, in a complex chaos of creative challenge, in which they
proposed to establish and share a network of exchanges and contamination.
Why choose a path in the woods and a stream? How to produce singular subjectivity along the
motorways? Individuals, animals and habitat were mingled along the paths and then other experiences were broadened. The choice of languages, such as drawing and photography, highlighted the
indices of the enlightened and mechanical origin of these effective means.
As for the repertoire of themes, some moved along the universes of fashion, architecture, cinema,
literature, botany and biology. Moreover, many precious travel documents, readings and films were
shared, which resulted in the broadening of visualization, and they were also transported from the
artists’ imagery to notes and diaries.
1
This text is part of the complete presentation on the Catalog from the exhibition Zenith.
The show took place at Fraletti Gallery, Curitiba - Paraná (Brazil) in 2010.
Projeto Zênite – 2010/2011
Artistas
Cynthia Lorenzo
Denise Bandeira
Eliane Moreira
Juliane Fuganti
Laura Miranda
Lauro Borges
Mai Fujimoto
Rebeca Ficinski
Thalita Sejanes
Projeto colaborativo – Still – Stop Motion
Local – APA do Passaúna – Campo Largo – Paraná – Brasil
Texto – Denise Bandeira
Tradução – Evandra Fagundes
Participação – Mariana Frochtengarten
Stop Motion – 11 minutos
Portfólio Virtual – edição de imagem e texto, documentação e processo criativo – 11 minutos
Prólogo 1
Cumpre destacar alguns elementos que estiveram presentes, aleatoriamente, durante o desenvolvimento do projeto Zênite. Primeiro, a reunião de artistas diante de uma experiência coletiva,
que implicou no despojamento e no desfazimento da individualidade e da autoria, num complexo
caos de enfrentamento criativo, em que eles se propuseram estabelecer e compartilhar uma rede
de trocas e de contaminações.
Por que escolher um percurso no mato e um riacho? Como produzir subjetividades singulares à margem das autoestradas? Indivíduo, animal e habitat foram se misturando pelos trajetos e, então, outras experiências se potencializaram. A escolha de linguagens, como desenho e
fotografia, ressaltou os índices da origem luminosa e maquínica desses meios expressivos.
Dos repertórios tematizados, alguns transitam pelos universos da moda, da arquitetura, do cinema, da literatura, da botânica e da biologia. Ainda, foram compartilhados muitos e preciosos
documentos de viagens, leituras e filmes, que resultaram numa ampliação da visualidade e,
também, se transportaram do imaginário dos artistas para anotações e diários.
1
Este texto é um trecho da apresentação incluída no Catálogo da Exposição Zênite.
A mostra aconteceu na Galeria Fraletti, Curitiba – Paraná (Brasil) em 2010.
Zenith Project, still stop-motion photography, 2010/2011
Projeto Zênite, still stop-motion fotográfico, 2010/2011
Tuula Aalto
The structure of my paintings is formed by a scenery or a form
found in the natural world. However, the core-content of my work
is color. Colors and their interrelations express human emotions
in the way that for example music does. To me a painting is
finished once it is instilled with an inner radiance which reaches
the observer.
tuula.maria.aalto
@gmail.com
www.tuula-aalto.fi
A estrutura dos meus quadros é constituída por um cenário ou
uma forma encontrada na natureza. No entanto, o contexto
base do meu trabalho é a cor. As cores e a sua interligação
expressam emoções humanas da mesma forma como por
exemplo a música o faz.
Para mim um quadro está acabado quando infundido de um
resplendor interno que atinge o observador.
Sunshine Forest / Floresta ao Sol
2011
Oil on canvas / Óleo sobre Tela
120 x 160 cm
Aaltolainen is a natural storyteller whose art combines biographical elements and everyday life. The motive for his works
comes from the complexity of life itself. Aaltolainen works in
medium of ink, watercolor and color pencil on plywood. This
work is part of a new series of “ Torso Man”. The whole series
has been exhibited in the city of Hanko Gallery Finland in 2011.
Petteri Aaltolainen
Aaltolainen is graduated from The University of Art and Design
in 2005. He lives and works currently in Vantaa, Finland.
[email protected]
www.aaltolainen.com
O Sr. Aaltolainen é um contador de histórias natural, cuja arte
combina elementos biográficos e vida cotidiana. O tema aos
seus trabalhos vem da própria complexidade da vida. Aaltolainen trabalha com tinta, aquarela e lápis de cor na madeira
compensada. Este trabalho é parte da nova série do “Homem
Torso”. A série inteira foi exibida na Galeria Hanko Finlândia
em 2011.
Aaltolainen se graduo na Universidade de Arte e Design em
2005. Vive e trabalha atualmente em Vantaa, Finlândia
Tradução para português: Toni Eerola, GeoLanguage Oy, Espoo, Finlândia
TM001
2011
Ink, watercolour and colour pencil on ply
40 x 115 cm
According to Foucault episteme means a pattern suggested in each period as a proposal to the knowledge of the things
in the world. He says that the episteme of the classical period was linked to the idea of representation, while to modern
times it’s linked to meaning. That is, as it can be shown thru painting, the former is the copy whereas the latter is the
creation. The classical knowledge based in copies and representations can be exhibited in the work Las Niñas, by
Velàsquez. The modern knowledge, founded in creation, in the relation of sense and meaning could be illustrated with
Picasso’s study about The Girls itself. So, working on art nowadays, more than reproduce, copy like in earlier times, is
creating and recreating the world.
In the modernity, one doesn’t search just admiring object on a painting but controversy, discussing. The ink unlike before
wouldn’t be cobalt blue, zinc white nor french red, but being a blend, personal tone, and the brush itself not only as a
tool, is dreamt as a unique personal style. Modernity is interested in art as a copy, but as a nonstop innovation way.
In this modernity, the canvas isn’t only a flat bases for pigment, it dreams to rise behind the painting. The ink doesn’t
mean just this pigment, it’s aim is to be light. And the brush now insists on leaving its mark on the canvas. Modernity
doesn’t want art as a copy, but as material and technique.
In this modernity, the canvas doesn’t want just a colorful square hanging on the wall, it wishes dropping out from the
frames. The ink doesn’t want just shade, matiz, it wants body-like mass, volume, and the brush, eventually, wishes to
open its own track. Modernity is interested in art not only ass copy but as process and building up.
Canvas, ink, brush, by the artist’s hands wish to get out of usual what has been just usual, out of routine what has been
routine, rise up what has been too ordinary. Modernity is interested in art above all as invention, interpretation, bursting
in. In the world, from the world, to the world, leaving it wholly different.
In the specific case of Saullo Ais, his way of creating, interpretating, interaction is visual-haptic, that means, visualtouching, eye and touch seduction due to his work with slight matter of light, suddenly touchable and textured.
Thus, he takes the painting ideal to reality: his work leads to interrogation. The ink’s dream comes true, his tool is bright.
He does the brush’s plans: his work has inner life going further than the canvas’s edges, almost hurting the eye and
finger tips because of the light intensity is many of the exhibited paintings.
Definetly, to Saullo Ais, painting is lucy solidata, light turned into solid, light turned into concrete thing, fixed in fact,
Saullo Ais
proving the artist’s increasing building up.
Edmundo de Oliveira Gaudêncio | Doctor MD | Doctor in Sociology
saullo_ais@
yahoo.com.br
Segundo Foucault, entende-se por episteme o modelo sugerido por cada época como proposta para conhecimento
das coisas do mundo. Diz ele que a episteme da Idade Clássica prendia-se à idéia de representação, enquanto que,
para a Modernidade, atrela-se à significação. Ou seja, como demonstrável através da pintura, à primeira corresponde
a cópia, enquanto à segunda corresponde a criação. O conhecimento clássico, baseado em cópias e representações,
pode ser exemplificado na obra Las niñas, de Velásquez. O conhecimento moderno, calcado na criação, na atribuição
de sentido e significado, poderia ser ilustrado com o estudo de Picasso sobre as mesmas As meninas. Portanto, fazer
arte, hoje, mais que reproduzir, copiar, como antigamente, é criar e recriar o mundo.
Nesta Modernidade, a tela não se quer tão-somente objeto de contemplação, deseja-se motivo de polêmica,
discussão. A tinta doutra forma, mas a mesma, não se quer azul-cobalto, branco-de-zinco ou vermelho-frânces, aspira
por ser mistura, tonalidade pessoal e o pincel, por sua vez, não se quer somente ferramenta, sonha-se inconfundível
estilo individual. À modernidade interessa a arte não como cópia, mas como forma de constante inovação.
Nesta Modernidade, a tela não se quer apenas suporte para pigmentos, sonha despontar por trás das tintas.
A tinta não se quer somente pigmento, objetiva ser luz. E o pincel, por seu turno, teima em deixar seu rastro na tela.
À modernidade interessa a arte não como cópia, mas como material e técnica.
Nesta Modernidade, a tela não se quer apenas retângulo colorido dependurado na parede, almeja derramar-se para
além de molduras. A tinta não se quer apenas nuança, matiz, tonalidade, pretende-se corpo, massa, volume e pincel,
por fim, quer traçar o seu próprio caminho. A modernidade interessa a arte não como cópia, mas como processo
e construção.
Tela, tinta, pincel, pelas mãos do artista, anseiam destrivializar a trivialidade , descotidianizar o cotidiano, desbanalizar
banalizações. À Modernidade interessa a arte sobretudo como invenção, interpretação, intervenção. No mundo, do
mundo, para o mundo, deixando-o definitivamente diferente.
No caso específico de Saullo Ais, sua forma de invenção, interpretação, intervenção é viso-háptica ou, como queiram, tátil-visual, sedução de olho e tato, graças a seu trabalho com a sutil matéria da luz, repentinamente concreta,
texturizada.
Concretiza ele, assim, o ideal da tela: sua obra engendra a interrogação. Realiza o sonho da tinta: sua paleta
é luminosa. Executa os planos do pincel: sua obra tem vida própria e, transbordando para além das dimensões da
tela, fere quase o olho e quase a ponta dos dedos, tamanha a consistência da luz, em muitas das telas da mostra.
Em definitivo, para Saullo Ais, pintura é luci solidata, luz tornada sólida, luz tornada coisa concreta, luz, de fato,
consolidada, dando provas da crescente consolidação do artista.
Edmundo de Oliveira Gaudêncio | Médico | Doutor em Sociologia
Diálogo Nortuno
2011
Acrilica sobre Tela
80 x 130 cm
In his paintings Tero Annanolli approaches human in relation with
environment and space. Other typical themes for his paintings are
flowers, plants, landscapes and boats. Painting style is really material
driven. Key issues are surface structure and recycled fabrics such as
forsaken table clothes, bedspreads and curtains. Tero Annanolli uses
recycled fabrics as base material for paintings and as part of paint
combination sheet metals with fabrics in a surprising way.
Tero Annanolli
Annanolli use egg tempera, oil colour, acrylic technic, ink and carbon
as painting technics.
www.annanolli.com
Em suas pinturas Tero Annanolli aproxima humano em relação
com meio ambiente e do espaço. Outros temas típicos de suas
pinturas estão flores, plantas, paisagens e barcos. Estilo de pintura é realmente o material conduzido. As questões-chave são a
estrutura de superfície e tecidos reciclados, como roupas de
mesa, colchas abandonados e cortinas. Tero Annanolli usa tecidos
reciclados como material de base para pinturas e como parte de
pintura combinação chapas com tecidos de uma forma surpreendente.
Annanolli uso têmpera de ovo, cor de óleo, técnica acrílico, tinta
e de carbono como a pintura técnica.
Jumalten leikki II
2009 - 2011
Expert of recycled fabrics and gold
110 x 145 cm
CRISTINA BAHIENSE
Inverted Signals
The principal subject of the first debate on the transition from a modern condition to a contemporary one was the
cancellation of what is known as the specialization of a given medium’s “field of competency” – that is to say, its
ability to self-define according to its material constitution. Nowadays we know only too well that the aforementioned boundary is considerably more blurred than such a statement might lead us to believe. Nonetheless, it is
still of interest because it promoted An important group of works dedicated to founding a new model of malleable
space that would engage the spectator in other ways – ways in which perception would not be grounded in a
mechanistic understanding of the body .
“… The artist’s work discuss the possibility of a contemporary tradition. They are based on a model of space
that might be described as wholly contemporary, or, to put it another way, no longer inscribed within the modern/
postmodern debate as a phenomenon of the present guided by living controversy rather than one that manifests
itself (and it does manifest itself), in its existence today as an established historical fact. Because of this, Cristina
works out the following problem: she submits painting, drawing and sculpture to spaces and media that are not
their own, nevertheless encouraging them not to desist from uttering themselves as such rather than proclaiming
themselves as another language. “
“…Such situations are patent in this work. Whereas, at first sight, one becomes aware of drawing’s outward
movement from the tangle of lines upon the plane into space, were we to use a metaphor, this would be like a drop
frozen in the interval between paint falling from a bucket and its accommodation upon the surface of the canvas.
The artist “flattens” this volume yet again by virtually compressing it against the plane of the sculptural metal bars
that are alternately parallel or orthogonally sectioned.”
Cristina Bahiense
cristinabahiense
@gmail.com
www.cristinabahiense.com
“ …By virtue of artfully managed inversions, the work determine a special tension, as they (begging pardon for
use of the neologism) “de-literalize” both the spatial nature of each one of these languages in themselves and that
of the exhibition space proper, given that its previous coordinates – its deep-seated logic – has been submitted
to another (dis)order of things. “
(Some paragrafos withdrawm from text written by Guilherme Bueno about the series of works- Tarkett I and II )
Guilherme Bueno
CRISTINA BAHIENSE
Sinais Invertidos
Tema central do primeiro debate sobre a passagem de uma condição moderna para outra contemporânea foi o
cancelamento daquilo conhecido como a especialidade do “campo de competência” de um meio, ou seja, sua
capacidade de se autodefinir por sua constituição material. Hoje sabemos muito bem que a fronteira acima mencionada é bem mais difusa do que um enunciado como esse. Contudo, ele não deixa de guardar seu interesse
por ter fomentado uma seara decisiva de obras dedicadas a fundar um novo modelo de espaço plástico capaz
de solicitar o espectador por outros caminhos nos quais a percepção não se dava a partir de um entendimento
mecanicista do corpo.
“...A obra da artista discute a possibilidade de uma tradição contemporânea. Ela parte de um modelo de espaço
que poderíamos descrever como integralmente contemporâneo, ou, dito de outro modo, não mais inscrito no
debate moderno / pós-moderno como um fenômeno do presente e guiado pela polêmica viva, mas, caso ele se
manifeste (e se manifesta), na sua existência hoje como um fato histórico consolidado. Por conta disso, Cristina
desenvolve o seguinte problema: submeter a pintura / desenho ou a escultura a espaços e meios que não lhe
eram próprios, fazendo, contudo, com que elas não abram mão de se enunciar como tais, ao invés de se proclamarem como uma linguagem outra”.
“...Tais situações são patentes nesse trabalho: se logo no primeiro olhar se constata a saída do desenho do
emaranhado de linhas do plano rumo ao espaço (e, falando por meio de uma metáfora, seria como uma espécie
de dripping congelado no intervalo entre a queda da tinta do balde e sua acomodação na superfície da tela), a
artista “achata” esse volume novamente, ao comprimi-lo virtualmente contra o plano com as grades de metal
escultóricas que ora o seguem em paralelo, ora o secionam ortogonalmente”
.”... O Trabalho determina por conta de inversões manobradas, uma peculiar tensão, ao – com o perdão do
neologismo – “desliterarizarem” tanto a natureza espacial em si de cada uma dessas linguagens quanto a do
espaço expositivo propriamente dito, uma vez que suas coordenadas prévias, sua lógica assentada, é submetida
a uma outra (des)ordem das coisas”.
(Estes parágrafos foram retirados do texto escrito por Guilherme Bueno sobre a serie de trabalhos- Tarkett I e II)
Guilherme Bueno
Tarkett II
2011
300 x 210 x 36 cm
Jaime Baião
[email protected]
Since my childhood, in the south of Brazil, I felt driven by
images. Any image!
A pencil, a piece of paper, an idea...and, as time went by,
I gradually lost my fear. Oil, acrylic, enamel, polyurethane
became part of my everyday life helping to decant ideas
and images.
Medicine certainly helped to define pains, disabilities and
my emptiness.
The object of my search was how to present feelings and
meanings through form and eventually, always analysing
the process, I concluded that the figurative-abstract, the
colours and their absences, the sequences of points formed
my indefinable being (or style?).
www.artebaiao.com
Desde a infância, no sul do Brasil, me senti instigado pela
imagem. Qualquer uma.
Um lápis, um papel, uma idéia...e, com o tempo, fui perdendo o medo. Óleo, acrílica, esmalte, poliuretano foram fazendo
parte doo quotidiano ajudando na decantação das idéias e
imagens. A medicina, por certo, contribuiu para a definição
das dores, incapacidades e meus vazios.
A procura pelo sentimento/ forma e sua semiologia eram a
base de minha busca e, ao final, sempre olhando o processo,
concluía que o figurativo-abstrato, as cores e suas ausências,
as sequências pontuais formavam meu indefinível.
Unexpected Violence / Violência Inesperada
2011
140 x 140 cm
The waters of Giverny are here:
Wagner Barja
Think painting, produce object. Overflying the history of art, and
landing in the water. Not that solid water, fruit of the trompe l’œil/
trap,but that other one, pure evanescence dancing before one’s
eyes, beginning with the impressionist adventure, pure abstraction. The resulting equation/work, H2OMonet, sets out to define
a 3-dimensional space geometrically inscribed on a base, where
the experience of eye and water together must take place within
a circumscribed space, making “magic” with light and shadows,
the projection of which provokes a visual impression of water. A
conceptual scripture/image that unveils the ways that fiction can
produce reality; the dihedron it is inscribed on shares the same
geometry as that proposed in the work of another HO - present here, of course, like Lygia, to affirm a certain subversion of
time… or a certain perspective that overlies the various adventures of these inventors of poetic images (facing which, our way
of seeing can never be the same again).
[email protected]
A água de Giverny é aqui:
Pensar pintura e produzir objeto. Em um sobrevôo sobre a
história da arte, um pouso na água. Não aquela água sólida, fruto
da armadilha/trompe l’œil, mas naquela outra, pura evanescência que dança à frente dos olhos, a partir da aventura impressionista, pura abstração. A equação/obra resultante, H2O Monet
trata de definir um espaço tridimensional geometricamente inscrito sobre o suporte, onde a experiência do olho com a água
deve se dar dentro da circunscrição espacial, fazer a “mágica”
da luz e sombra, sua projeção que provoca a impressão visual
da água. Escritura/imagem conceitual que desvela as formas de
produzir realidade pela ficção, o diedro em que ela se inscreve é
aquele da geometria proposta na obra do outro HO [5] presente,
é claro, como Lygia, para afirmar certa subversão temporal... ou
certa perspectiva que sobrepõe as diversas aventuras desses
inventores de imagens poéticas (frente às quais nosso olhar já
não pode ser o mesmo).
r
r Ba
e
n
g
ja
aa
v
u
Ei äktietoja
Wa
eik
Lauro Borges was born in Guaraniaçu (Paraná - Brazil), lives and works in
Curitiba (Paraná - Brasil). He is a visual artist who researches and guides
techniques of corporal perceptions and awareness. He provides graphic language, human body & illustration workshops. Develops investigations around
the body and its representation in Art as creative proposals about it. In 2011
he developed the workshop named as LIBERATÓRIO.
He graduated in Art by FAP - Faculdade de Artes do Paraná (Curitiba, Paraná
- Brazil). Develops works with graphic languages (illustration and photography) and performance.
The Work
The work presented is composed by collected images in a same preserved
nature area. The composition reveals the care relation with the conservative
obsession by the details of documented area.
Lauro Borges
The prints in consistent supports and different shapes are distributed
apparently by chance and so, the image is displaced from vertical to
horizontal surface. The artist also used the superposition and transparency from different materials. The photography is used to remember the
permanence of the Ideal, sketching some subjective reflections about hope
and affections.
lauro_borges@
yahoo.com.br
Lauro Borges
Nascido em Guaraniaçu (Paraná – Brasil). Vive e trabalha em Curitiba
(Paraná– Brasil) Artista visual, pesquisa e orienta Técnicas de Percepção
e Sensibilização Corporal. Realiza oficinas de linguagem gráfica, desenho
e corpo humano. Desenvolve investigações acerca do corpo, suas representações na arte e proposições criativas. Em 2011, desenvolveu a oficina
LIBERATÓRIO.
Professor de Arte, licenciado pela Faculdade de Artes do Paraná (Curitiba,
Paraná m- Brasil). Desenvolve trabalhos com linguagens gráficas (desenho
e fotografia) e performance.
A Obra
O trabalho apresentado se compõe de imagens coletadas em uma mesma
área de natureza preservada. A montagem revela uma relação de cuidados
pela meticulosidade obsessiva de detalhes da área documentada.
Impressões, em suportes de consistência e formatos variados, são distribuídas de modo aparentemente desordenado, deslocando-se a imagem da
superfície vertical para a horizontal. Utilizando a sobreposição e transparência de diferentes tipos de material, a fotografia serviu para relembrar
a permanência do ideal, alinhavando reflexões subjetivas acerca da esperança e afetos.
Lauro Borges, A place, printed photos on different kind of papers (detail), 2012
Lauro Borges, Um lugar, fotos impressas em diferentes suportes (detalhe), 2012
Text / Texto: Lauro Borges
Translation / Tradução:
Photography / Fotografia: Lauro Borges
Photo caption / Legenda da foto
Detail of the work of art / Detalhe da obra
Some prints in consistent supports and different shapes distributed apparently by chance / Impressões, em suportes
de consistência e formatos variados, são distribuídas de modo aparentemente desordenado
Dimensions / Dimensões: 400 cm x 300 cm (panel / painel)
Year / Ano: 2012
Email: [email protected]
The artistic expression of Karla Bratfisch is pure, spontaneous and
visceral. Sometimes heavy, uncomfortable, almost blood. Other times
we feel the insertion of light and color where before everything was
white. An artist in the plural. This seems to be the keyword to the top
of any thought about as unique creations of Karla Bratfisch. There are
many adjectives that want to classify in a few words the work of this
artist who brings an ecstatic desire to express themselves.
Through various techniques, traits that coexist in unlikely forms oscillating, frenetic color, we are presented with works that reflect a soul
flooded with love and art. Inhabiting the world of dreams of a young
teenager, a student of Fine Arts, the endless possibilities offered by
their traits, are realized in watercolors, acrylic paintings, oil paint,
graphite, colored pencil and many more that may arise in your world
dream.
Karla Bratfisch
contato@
karlabrat.com.br
www.karlabrat.com.br
She began painting by compulsion, no worries about who would or
would produce. If not, or should belong to any movement of the arts,
just wanted to dive into the waters of POP ART and dream of your
brushes ... Her artistic expression is lush and intuitive. Simple, no
tricks. Energy that continues to blossom, because Karla’s creations
are ever: so full of life.
A expressão artística de Karla Bratfisch é pura, espontânea e visceral. Às vezes densa, desconfortável, quase sanguínea. Outras
vezes sentimos a inserção da luz e das cores onde antes tudo era
branco. Uma artista no plural. Esta parece ser a palavra-chave para
o início de qualquer pensamento acerca das criações tão singulares
de Karla Bratfisch.
Através de diversas técnicas, que coexistem em traços improváveis,
formas oscilantes, cores frenéticas, são presenteadas com obras
que refletem uma alma inundada de amor e arte. Habitando o universo dos sonhos de uma jovem adolescente, estudante das Belas
Artes, as infinitas possibilidades oferecidas por seus traços, se concretizam em aquarelas, telas em acrílico, tinta a óleo, grafite, lápis de
cor e tantos mais que possam surgir em seu mundo onírico.
Começou a pintar por compulsão, sem preocupações sobre quem
seria, ou o que produziria; se deveria pertencer ou não a algum movimento das artes, apenas queria mergulhar nas águas da POP ART
e sonhar com seus pincéis... Sua expressão artística é exuberante
e intuitiva. Simples, sem truques. Energia que não pára de brotar,
porque as criações de Karla Bratfisch são assim: plenas de vida.
Flowers I
2009
Acrylic on Canvas
55 x 76 cm
ABOUT THE ARTIST-PAINTER - ROBERTO BRITO
Roberto Brito
Roberto Brito was born in 1952 in Maranhão, in Northest of
Brazil. When he gets an inspiration for a new sequence of
paintings he needs to evoke a very tight relation to the process of creation elaborating sketches, chromatic studies and
colour textures as well as a period of time to think about how
his imagination is going on about all that. The painter`s effort
is to achieve a personal style and to show his artwork as an
original and inventive artistic manifestation. In 2011 Roberto
Brito showed up his artworks in some important exhibitions
like ArtShopping – Contemporanean Art Exhibition, in Louvre
Carrousel and “Art en Talent”, in Grand Palais, both in Paris,
and “Coffee and its Tropical Colours” Poleeni Cutural Center,
in Finland, He also was nominated “Laureat 2011” on his participation at Eiffel en Fête Contest promoted by the “Exposition
Solidaire” , in Paris, France.
[email protected]
www.robritto.com.br
SOBRE O ARTISTA - ROBERTO BRITO
Roberto Brito é ludoviscence, nascido em 1952, no Maranhão,
Brasil. Quando o artista tem uma nova inspiração e inicia a
preparação de sequëncia de pinturas, ele tem a necessidade
de estabelecer uma relação estreita com todo o processo de
criação por intermédio de esboços, de estudos cromáticos e
de momentos de reflexão sobre o trabalho em andamento.
Todo esse empenho tem como objetivo chegar a resultados
pictóricos com uma linguagem própria e contemporânea
e que possa ser interpretada como manifestação artística
inventiva e original. Em 2011, Roberto Brito participou de
importantes exposições como no ArtShopping – Exposição
de Arte Contemporânea, no Carroussel do Louvre e “Art in
Talent”, no Grand Palais, ambas em Paris; e “Coffee and
its Tropical Colours”, Centro Cultural Poleeni, na Finlandia.
O artista recebeu a nominação “Laureat 2011”, ao ser premiado no concurso “Eiffel em Fête”, promovido pela Associação
Exposition Solidaire, em Paris, França.
Baile Do Entrudo
2012
Óleo sobre Tela
140 x 100 cm
Magdalena Brunzell was born in 1965 and brought up in the
northern part of Sweden. She currently resides in Tenndalen,
Herjedalen, the sparsest populated province in the country. That
is one of the reasons why the artist has chosen to live in this area.
The towering mountains, the feeling of untouched nature and the
proximity to wild animals are other motives. It is also close to
Norway and the magnificent nature of the Lofoten islands, where
she often spends time making art at Kunstnerhuset in Svolvaer.
The artist attended art school in Östersund for two years, and an
illustrator’s education in Oslo. Within her company, M Illustration,
she works with graphic design and illustrating in addition to her
other art.
Magdalena Brunzell
The painting she presents at BELA Bienniale depicts a Swedish
mountain breed, an endangered species of cow, but beautiful
beyond compare. Her participation in this exhibition is partly
financed by a scholarship she received from the municipality of
Herjedalen in 2010.
[email protected]
www.millustration.se
Magdalena Brunzell nasceu em 1965 no norte da Suécia. Actualmente vive em Tenndalen, Herjedalen, a província com menor
densidade populacional do país. Esta é uma das razões pela
qual a artista escolheu este local para a sua residência. As altas
montanhas, o sentimento de uma natureza virgem e a proximidade de animais selvagens foi outro dos motivos. Fica também
próximo da Noruega e da magnifica paisagem das ilhas Lofoten
onde ela costuma passar o tempo a criar arte em Kunstnerhuset
- Svolvaer.
A artista frequentou a Escola de Arte de Ostersund durante dois
anos e teve formação em ilustração em Oslo. Na sua empresa,
M Illustration, também efectua trabalhos de design gráfico e
ilustrações.
A pintura exposta na bienal BELA apresenta uma vaca de montanha sueca, uma espécie em vias de extinção, em que a sua
beleza não tem comparação. A sua participação nesta exposição
é parcialmente financiada por uma bolsa de estudo que recebeu
do município de Herjedalen em 2010.
Conscious Companion or Consciousless Cattle?
2012
Acryl and synthetic charcoal on canvas
120 x 120 cm
M Cavalcanti
mc.artearquitetura
@gmail.com
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Quadro para expo
As an artist I prefer to use oil, tempera or acrylic in my artwork.
Usually I add many thin layers of paint and let each colour shine
through. This adds a special effect of mystery to the painting.
In preparation for my creative flow, I unconsciously build up a
base of impressions of importance to me. These abstract ideas
and fee-lings, I use to communicate with the viewers inner
thoughts.
Lisbeth Cedwall
Usually I work with different motifs, although my latest favorite
is “Geishas”, inspired from a trip to Japan. The white mask-like
face in contrast to their beautiful coloured kimonos and different
textile patterns, is what attracts me.
[email protected]
www.lisbethcedwall.se
Como artista, eu prefiro usar óleo, têmpera ou acrílico no meu
trabalho artístico. Normalmente eu adicionar muitas camadas
finas de pintar e deixar que cada cor brilhar. Isso adiciona um
efeito especial de mistério para a pintura.
Em preparação para o meu fluxo criativo, eu inconscientemente
construir uma base de impressões de importância para mim.
Essas idéias abstratas e sentimentos, que eu uso para comunicar com os pensamentos interiores espectadores.
Normalmente eu trabalho com motivos diferentes, embora o
meu mais recente favorito é “Gueixas”, inspirado em uma viagem para Japão. O rosto máscara de-como o branco em contraste com a sua cor bonita e diferente kimonos padrões têxteis,
é o que me atrai.
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Gisella Eliassen
Gisela Eliassen grew up in war and post-war Germany. She
studied at Hochule für Gstaltung in Offenbach, Werkkunst-Hochschule Darmstadt and National Handverk and Industrial Art School
in Oslo. She works with transparent watercolors from Scandinavia nature and a special mixed media with textile collage and
acrylic, where she deals with themes from before and after
emigration to the North, where she now lives in Sweden, married
to a Norwegian.
[email protected]
www.giselaeliassen.se
Gisela Eliassen cresceu em guerra e do pós-guerra na Alemanha.
Ela estudou na Hochule für Gstaltung em Offenbach, WerkkunstHochschule Darmstadt e Nacional Handverk e Industrial Escola
de Arte em Oslo. Ela trabalha com aquarelas transparentes da
Escandinávia natureza e uma mídia especial mista com colagem
têxtil e acrílico, em que ela lida com temas de antes e depois da
emigração para o Norte, onde ela agora vive na Suécia, casada
com um norueguês.
At the Boundery / Na fronteira
Mixed media
100 x 81 cm
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Kristiina Elo
[email protected]
www.kristinaelo.fi
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Kristina Elo is an artist from Finland. She has had exhibitions in
Finland, France, Denmark and Norway. She has also written and
illustrated books for children. Kristina mainly paints traditional still
lifes in oil.
Just as in life, it is chance that brings objects and people together in
art. They make a harmonious whole and finally a picture, a memory;
the light, the shadows, the colours; the size and material of the
object; the abstract or concrete space between them.
Warm colours, cold colours, different nuances. The interaction
of the objects reflect on them. To pick out the relevant from the
irrelevant. The journey of the objects from shelves and cupboards
to a new meeting-place in a different setting. All this makes up a
picture by the brush and colours of the artist, her thoughts and
emotions. A still life that evokes new memories in the viewer.
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Still life
2011
60 x 80 cm
Franchini was born in 1959 in Portugal. Of Italian descent and family
linked to several areas of the Arts, has proved his interest in the fine
arts (especially painting, ceramics and photography) since early. He has
participated in national and international exhibitions and Biennials and
was awarded in painting in the U.S.A. He is nationally and internationally
represented in public and private institutions and has exhibited regularly
in Portugal and abroad. ANAP member of the National Association of
Plastic Artists of APAP and invited member of the Professional Association of Plastic Artists Sao Paulo (Brazil).
Bibliography:
Brazilian Fine Arts Yearbook vol. VIII 2010
Golden Book of Contemporary Art in Portugal Fernando Infante do
Carmo 2010
Myths of Art, Anthology of Contemporary Painters 2009
Several Public reports and texts in newspapers, weeklies and Art and
Decoration magazines both domestic and foreign.
Franchini
www.franchini-art.com
franchiniartista@
gmail.com
Franchini Nasceu em 1959 em Portugal. De ascendência italiana,
de família ligada as diversas áreas das Artes. O seu interesse pelas
diversas correntes artísticas (nomeadamente pela pintura, cerâmica e
fotografia), revelou-se desde cedo. Tem varias exposições, quer nacionais, quer internacionais. Foi premiado em pintura nos U.S.A. Entrou em
diversas Bienais. Está representado em instituições publicas e privadas,
quer a nível nacional, quer internacional. Expõe regularmente em
Portugal e no estrangeiro. Membro da ANAP -Associação Nacional dos
Artistas Plasticos e membro convidado da APAP Associação Profissional
Artistas Plasticos de Sao Paulo (Brasil).
Bibliografia:
Anuário Brasileiro de Artes Plásticas vol. VIII
Livro de Ouro da Arte Contemporânea em Portugal de Fernando Infante
do Carmo
Mitos de Arte -Antologia de Pintores Contemporâneos
Varias Publi reportagens e textos em jornais ,semanários e
Revistas de Arte e Decoração quer nacionais, quer estrangeiros.
Muralhas
Acrylic on canvas / Tela em linho acrílico
150 x 150 cm
Ricardo Franco
Ricardo Franco studied fine arts at the Catholic University at age
26 and as an early entrepreneur founded the Graal Comunicação,
a very active and award-winning publicity agency at the Bahia/Brazil
market. Ricardo has been working in the field of food, products and
services and as a designer he is a member of Icograda and ADG.
Recently his works were selected for the International Design Yearbook. Photography is another passion and a way to Ricardo express
his creative side, using a variety of compositions that will be compiled
into a book that is in printing process. His artist vein was rescued in
2009, when he got time to combine his professional schedule with his
passion for art. Since then, he is developing projects that make use of
various techniques such as finger paints, oil and acrylic, among others. He participated and won various art fairs. In 2011 he participated
in five exhibitions in Salvador, three in Rio de Janeiro and has international exhibitions scheduled for Barcelona, France and Bratislava,
capital of Slovakia. In his resume he holds titles such as Doctorate
Honoris Causa and commendation medals such as the recently
received Jean-Baptiste Debret medal at OAB Niterói.
contato@
ricardofranco.com.br
www.ricardo
franco.com.br
Cursou artes plásticas na Universidade Católica e aos 26 anos, como
empreendedor fundou a Graal Comunicação, empresa do ramo de
Publicidade premiada atuante no mercado baiano. Tem negócios
no ramo de alimentação, produtos e serviços e como designer é
Membro da Icograda, ADG e recentimente seus trabalhos foram
selecionados para o Internacional Design Yearbook. Ao mesmo
tempo encontra na fotografia mais um canal para expressar seu
lado criativo, utilizando-se de composições variadas que irão ser
compiladas em um livro em processo de impressão. O seu lado
artista plástico foi resgatado em 2009, quando conseguiu tempo para
aliar seu lado profissional a arte. Desde então, vem desenvolvendo
projetos que utilizam-se de diversas técnicas como pinturas digitais,
óleo e acrílico, entre outras. Participou e venceu em Diversos Salões
de Arte. Em 2011 participou de cinco exposições em Salvador, três
no Rio de Janeiro e internacionalmente têm exposições programadas
em Barcelona, França e Bratislava, capital da Eslováquia. Em seu
currículo tem títulos como o Doutor Honoris Causa pela UNIAMÉRICA e recentimente recebeu a comenda Medalha Jean-Baptiste
Debret pela OAB de Niterói.
Obra
2011
Acrylic on canvas
100 x 100 cm
Juliane Fuganti was born in Joaçaba (Santa Catarina - Brazil) in 1963. Work
and live in Curitiba (Paraná - Brazil). Graduated in business (FAE) and in
arts at School of Music and Fine Arts of Paraná (EMBAP) in 1989, where
teach print and draw. Has master’s degree in creative process by the Federal University of Bahia - UFBA. Had Participated in exhibitions, individual
and collective, in Brazil and in Madrid, Lisbon, Frankfurt, Berlin, Lyon and
New York. In 2001, was brazilian artist selected to make an artist residence
program in Lyon - France. Your research focus are drawing and engraving.
The process
The work showing is a research about etching and some part of pictures
and drawing. The place chosen to develop the work, a native wood and your
around, it was the begging point for the production and the reflection about the
changed views and a fantastic garden sensations. This place with multiplied
experience, the garden, is the lost paradise and the test always imperfect to
reconstitutes it - a memory in ruins? So the constructed pictures rebuild a
desire place, of attraction, seduction, imbued from a strong personal burden.
A place to meet the imagination, the reverie, where exist place for dreams.
Julianne Fuganti
julianefuganti
@uol.com.br
Juliane Fuganti Nascida em Joaçaba, Santa Catarina – Brasil em 1963.
Vive e trabalha em Curitiba (Paraná – Brasil). Formada em Economia pela
FAE e em Pintura pela Escola de Música e Belas Artes do Paraná – EMBAP
em 1989, instituição na qual é professora. Concluiu o mestrado em processos criativos pela Universidade Federal da Bahia – UFBA em 2011. Participou de exposições, individuais e coletivas, no Brasil e nas cidades de Madri,
Lisboa, Frankfurt, Berlim, Lyon e Nova York. Em 2001, foi selecionada para
o programa de residência de artista em Lyon na França. Suas pesquisas
enfocam o desenho e a gravura.
Processo
A obra apresentada é uma pesquisa sobre gravura em metal e parte de
imagens fotográficas e desenhos. O local escolhido para desenvolver
o trabalho, uma mata nativa e seu entorno, foi o ponto de partida para a
produção e a reflexão sobre as paisagens alteradas e a utopia de um jardim
de sensações. Este lugar de múltiplas experiências, o jardim, é o paraíso perdido e o ensaio sempre imperfeito de reconstituí-lo – uma memória
em ruínas? Assim as imagens construídas remontam um lugar de desejo,
de atração, de sedução, imbuídas de forte carga pessoal. Um lugar para
encontrar a imaginação, o devaneio, onde há espaço para os sonhos.
Ficha técnica/credits
Texto/text: Juliane Fuganti
Tradução/translation: Gabriela Casagrande
Fotografia/photography: Roberto Pitella
Gardens unpredictable / Jardins imprevisíveis
2012
Photoetching / Fotogravura
20 x 100 cm
Margareta Gelles
maggangelles
@yahoo.se
www.gelles.se
Hello. My name is Margareta Gelles. Working full time
as an artist. I don`t like to place my art in a certain
category to limit myself.
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As an artist, Ivald Granato is gifted with a rare peculiarity. He
organizes movement, gesture and energy and his creative process is similar to the result of painting. His is a particular method,
of energetic impulse and a visceral dive into the construct of the
figure. Notice how his figures – the core of his work – convey
incessant movement as if the brush had a frenetic life of its own.
The figure takes shape without prior drawing, without the need of
a single stroke of contour, as it is established by the relationships
among the internal pictorial volumes.
Ivald Granato
Ivald Granato is a gestural artist. He is an artist who immerses
himself in the act of creation. For Ivald Granato, the creative gesture is also a body movement, a dance, particular and unique.
And paradoxically, Ivald Granato, a member of our vanguard, an
icon of the contestation movements and of the pursuit of new
languages, is a classicist, given that the manner by which he
constructs the figure – through the relationships among internal
volumes – is best exemplified by the emblematic work of Paul
Cézanne.
Ivald Granato é dotado de uma peculiaridade rara. Ele organiza
gesto, movimento e energia e seu processo criativo é semelhante ao resultado da pintura. Seu método é particular, do impulso enérgico e um mergulho visceral na construção da figura.
Observe como suas figuras - o cerne de sua obra - transmite
movimento incessante, como se o pincel tinha uma vida frenética
própria. A figura toma forma sem desenho prévio, sem a necessidade de um acidente vascular cerebral única de contorno,
como ele está estabelecida por as relações entre os volumes
internos pictóricas.
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Ivald Granato é um artista gestual. E um artista que mergulha
no ato de criação. Para Ivald Granato, o gesto criativo é também
um movimento do corpo, uma dança, particular e única. E paradoxalmente, Ivald Granato, um membro da nossa vanguarda,
um ícone dos movimentos de contestação e da busca de novas
linguagens, é um clássico, uma vez que a maneira pela qual ele
constrói a figura - através das relações entre os volumes internos - é o melhor exemplificado pela obra emblemática de Paul
Cézanne.
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Leena Halonen – a Finnish colorist
The vigorous colors and the unconstrained motions of hand
are characteristic of Leena Halonen’s art. Her paintings
transmit strong presence, and you can recognize emotions
and sentiments loaded with intense experiences behind
them. The spectator is carried away by the moment, due
to Halonen’s spontaneous manner of painting. She makes
investigations into colors and spaces, and she creates a
space with fast and firm strokes of the brush. Colors sound
like music in her works. Her colors are strong, even bold,
and they always blend unbelievably well.
Leena Halonen
[email protected]
www.leenahalonen.fi
I have been following Leena Halonen’s work very closely
and I have seen how intensively she concentrates on the
topic she has in mind at a time. When the period of contemplation is over, she paints feverously; the theme finds
its expressions in pictures. After that she still finishes her
works for a long time, watches them and reflects on them.
She has an intuitive relation to colors, and this intuition
makes colors glow in their full splendor in her works. She is
a colorist who calls the colors from inside of herself.
Leena Halonen finds the world of colors and lines like the
universe, with an endless amount of options. She experiments new forms and new colors courageously, and she
does not confine content or shape in any way. Most of the
works have got abstract form.
Leena Halonen has painted and drawn since her childhood. There was a break in her painting because of the
family and of the job. The year 1985 was a turning point
in her life. While she was cycling to work in an autumn
morning a truck drove over her on a cycling road. Her life
continued, but her left leg was amputated. The need of pictorial expression was revived by the touch of the death like
an explosion.
Liisa Knuuti, M.A.
Espoo Finland 2009
The Strike of a Wing
110 x 145 cm
To paint is to embark on a thrilling and challenging journey.
A journey, not only in time and space, but in one’s own being –
in one’s ability, will and courage to express what one wants or
needs. Some days it can seem natural and easy, and others,
thoroughly challenging to say what you have to say. I hope
that I live a long life, so I have time to reach the depths of my
interplay with colours, brushes and canvases. Paintings speak
in a different way than words do, and it feels as though I have
only just begun.
Titti Hammarling
The studio in Stockholm is my base. I paint preferably and
mostly with oils. The motifs are simple shapes in a diffuse
reality. Silence and tension meet. I am drawn to nervous
beauty. People, landscapes, horses, houses and various
things. Nothing entirely perfect. I study the human condition
and that which takes place in our identities and relationships.
With my brush, I capture nuances in our very existence. No life
is only simple or only hard. No relationship is the solution to
our searching. And so I will continue painting.
[email protected]
www.tittihammarling.com
Pintar deve ser uma viagem divertida e apaixonante. Uma
viagem não só no presente e neste mundo, mas também
pessoal – na sua capacidade, vontade e coragem de
exprimir aquilo que deseja ou precisa. Por um lado, pode
parecer fácil e óbvio, mas por outro lado também pode ser
profundo e desafiador dizer aquilo que tem para dizer. Eu
espero ter uma vida longa para poder ter tempo para interagir
com tintas, pincéis e telas. As pinturas não dizem mais do que
as palavras e parece que estou apenas a começar.
A minha base é o meu estúdio em Estocolmo. Estou
sempre a pintar, normalmente a óleo. Os meus temas são
sempre simples e de formas difusas. Uma sinergia entre
tranquilidade e emoção. Sinto-me atraída pelo feio/bonito
vigoroso. Há pessoas, paisagens, cavalos, casas e várias
coisas. Nada perfeito. Exploro a condição humana e o que
se está a passar com as nossas identidades e os nossos
relacionamentos. Com o meu pincel, pinto nuances da vida.
Nenhuma vida é apenas simples ou apenas difícil. Nenhum
relacionamento é a solução para aquilo que procuramos.
E então eu continuo a pintar.
Old Friens
Oil / Óleo
98 x 98 cm
Raija Heikkilä
[email protected]
www.raijaheikkila.fi
An empty canvas in front of me. No line, no color, no light.
I spread the color. A space opens and begins to tell a story. I add
color, helping the image to become visible. Sometimes I feel like
being in a labyrinth. Choosing a path that leads nowhere.
Along the way one has to learn to accept disappointments. One
has to believe that there is something. Valuable in the end of the
path. Everyone’s treasure is particular. I cannot step into a new
room without leaving this one behind.
I wish my painting would find enigmatic, timeless and touching.
Inside it there is a whole story.
A painting reveals my experience of life. The things I have done
today, I could not have done yesterday. I wish my paintings
would awaken thoughts and offer the delight of finding collective emotional experiences.
The One Who Has Itching Ears, Has Fur Or Hair In Them
2011
Tempera
100 x 100 cm
Jorma Helenius
jorma.helenius
@kolumbus.fi
I´ve felt that I´ve been regarded as an exotic anomaly in the world of art in Finland, because
of my tendencies towards methodically realistic painting. In spite of this I sincerely feel everything that happens in the natural landscape has true meaning and the wholeness I see
in nature is the catalyst and inspiration for my painting.
Light is the basic premise and cause of all observation and sensorial experience. The constant change and variation of light from the sun reveals to us different stories within same
the landscape. A ray of light seen in nature always highlights the leading player of the story.
The constant movement of light and what it reveals, provide the subject for my paintings.
I´ve lived all my life in the Nordic light of Skandinavia and that light also shines in the inner
recesses of my soul.
I try not to be presumptuous in believing to be a god-like artist creating all things anew, yet
I sincerely try to convey the feelings and stories I have felt in nature to all who enjoy looking
at my works of art.
Water is the basic element of life and also is a fascinating and challenging theme to represent. Constantly flowing water that shapes our environment, symbolizes the constancy and continuation of life; this is a theme that I repeatedly return back to. I´m not about
documenting landscapes for example in the manner similar to taking passport pictures, even
though I do work on my paintings on the spot, working from real life outside in nature, summer- and wintertime.
During the painting process I live close to the landscape that I´m concentrating on. My
working methods are in the tradition of the plein-air school of artists; all my painting is the
direct result of experience in-situ and the effect it has on emotions without the use of a
camera or any other appliance.
In 1998 I was invited to have a solo exhibition in The Museum of Russian Art in St.
Petersburg Russia, during their 100th –year celebrations. This opportunity was one
of the most important highpoints and experiences during my artistic career, as the
artworks of the greatest masters of Realist painting in the world are housed in that
museum.
www.jormahelenius.com
Sinto me que ja fui tratado frequentemente come se fosse um passaro exotico no campo de
arte finlandesa devido a minha maneira e tecnica metodicamente realista. Na natureza tudo
tem significado e funcao, e essa totalidade e fonte pricipal da minha inspiracao.
Tal como a luz torna tudo perceptivel,sera ela o ponto mais acentuada nas minhas telas.
A luz variante conta historias multifacetadas sobre a paisagem, um raio destacante da luz
define a protagonista da pintura e as variacoes dela,sofisticadas, reunem e revelam as historias secretas que formam o conteudo da minha obra.
Nasci com luz nordica no meu coracao e essa luz penetra a minha alma. Nas minhas paisagens, prefiro nao melhorar ou alterar o que vejo e muito menos reinventar a paisagen de
novo. Limito-me a transmitir a minha experiencia pessoal da atmosphera emocional da
paisagem que se alastra perante meus olhos quando estou em contacto imediato com a
natureza nordica tao indomavel.
Agua, o fundamental para existencia da vida, tambem me inspira e lanca um desafio como
motivo sendo sempre em movimento moldando tudo que toca e em toda a parte por onde
passa. Vejo nela uma mensagem da continuidade da vida.
Nao estou a considerar as minhas telas como se fossem documentarios tipo photos de passaporte mesmo que sao pintadas no local desde do inicio ate acabar. Durante o processo,
moro perto do local onde pinto, quer no verao, quer no inverno. Dessa maneira arranjo-me
na continuacao da linha traditional dos pintores de ar livre. Todas as minhas pinturas sao
resultado da experiencia e impressao directo da paisagem sem apoio da fotografia ou qulquer outro tipo de ajuda.
No ano de 1998 fui convidado a ter uma exposicao particular no Museu da Arte Russa em
St. Petersburgo que comemorou o seu centenario nesse ano. Foi uma grande honra e um
acontecimento importante na minha carreira ja que o museu abriga as obras dos maiores
mestres da pintura realista do mundo.
Northern Forest
85 x 115 cm
Italy has had a powerful influence in my artistic work. During my
travels there I have experienced how the past and modern times
meet, how the wall coats reveal under-lying layers marked by the
periods of time, how the worn, decaying surfaces tell you about
living, and how all that creates an atmosphere of peace and
silence.
Maija Helin-Åvall
maija.helin-avall@
kolumbus.fi
www.helin-avall.com
Mixed media is mainly my painting method. I use acry-lic, charcoal,
sand etc. The textures vary from light watercolours to thick, sometimes almost relief-like constructions.
An observation, experience, any most common everyday thing or
feeling can give an inspiration. Even landscape may be inspiring.
Painting takes you along, gives new points of view, new interpretations. I let thoughts and feelings take me, to something new, something never experienced before.
Surely everyone experiences the painting in his or her own way
depending on the moment´s feeling and state of mind. But hopefully something occurs between the viewer and my painting, maybe
a stir, a slight change or awakening.
Maija Helin-Åvall
Great loneliness
2009
Mixed media
110 x 130 cm
Bambu Hellstedt lives and works in Helsinki, Finland – the northeastern part of Europe. She is Olympic Gold Medal Winner of
Beijing Olympics 2008 and her paintings and drawings have been shown in
museums, galleries and festivals in Europe, Asia, Russia and North
America. Her works are represented in private, corporate and public
collections in Finland, USA, Britain, Italy, Sweden, Switzerland, Japan,
Malaysia, Bosnia-Herzegovinia and France.
She has her paintings in collections: CMC Johns Hospital, Beirut,
Libanon; The Olympic Museum of Sarajevo; The
Banja Luca City
collections, BiH; Processkontrol Company, Gothenburg, Sweden;
Gilardi Museum, Lucca, Italy; Astra Tech, Gothenburg, Sweden;
Insurance Company Otso, Helsinki; Marketing Institute, Helsinki; City
of Helsinki Collections; Kaapelitalo Co., Helsinki, Finland as well as in
private collections all over the world.
Bambu Hellstedt is a drawer as well as a painter using oils, acrylics,
tempera and water colours as well as Chinese Ink. She has also done
several performances mainly with professional actors. She teaches in
Helsinki Artists´ Association Art School and at Summer University of Helsinki.
Bambu Hellstedt
[email protected]
In her artwork, Bambu Hellstedt wants to be in direct dialogue with her
audience. Being also a theatre director by education, she looks at life through
the eyes of drama and the center figure is the human being.
www.bambuhellstedt.fi
Bambu Hellstedt mora e trabalha em Helsínquia, na Finlândia - o nordeste
da parte da Europa. Ela é Vencedor da medalha de ouro olímpica Jogos
Olímpicos de Pequim 2008 e suas pinturas e desenhos foram mostrados em
museus, galerias e festivais na Europa, Ásia, Rússia e do Norte América. Suas
obras estão representadas em privado, público e empresarial coleções na
Finlândia, EUA, Grã-Bretanha, Itália, Suécia, Suíça, Japão, Malásia, BósniaHerzegovinia e França.
Ela tem seus quadros em coleções: CMC Johns Hospital, Beirute, Libanon;
O Museu Olímpico de Sarajevo; O Banja Luca Cidade coleções, Bósnia-Herzegovina; Empresa Processkontrol, Gothenburg, Suécia; Gilardi Museu, Lucca,
Itália; Astra Tech, Gothenburg, Suécia; Seguros Otso empresa, em Helsínquia;
Marketing Institute, em Helsínquia; da Cidade Helsinki Coleções; Kaapelitalo
Co., Helsinki, Finlândia, bem como em coleções particulares em todo o mundo.
Bambu Hellstedt é um pintor usando óleos, acrílicos, temperatura e água cores,
bem como Tinta da China. Ela também fez performances diversas, principalmente, com atores profissionais. Ela ensina em Associação Helsinki Artists ‘Art
School e na Universidade de Verão de Helsinki.
Em sua obra, Bambu Hellstedt quer estar em diálogo direto com seu público.
Sendo também um diretor de teatro pela educação, ela olha para vida através
dos olhos de drama e a figura central é o ser humano estar.
Oh Lord, Deliver Me from Shopaholics and Give Me One Moment of Peace
2010
Chinese Ink and acrylic on canvas
110 x 140 cm
”Nothern lights”
Paula Holopainen
paula.holopainen@
suomi24.fi
www.paulaholopainen.net
The object of my paintings is nothern nature. I turn my observations
into abstract art. Dashing brightness of a sunny day and the blue
moment of a coming night are the results of observations, pure
colors reach light and shadow. Diptych ”Nothern lights” belongs to
the series ”Time is always” which I have been painting since 2008.
The name refers to the present moment where living gives the
fullest experience of existence.We look at the future or are
absorbed in the past and loose the valuable presence. The
lanquage of my painting is expressive and spontaneous. I paint with
emotion and the viewer can also approach my paintings through
emotion.
Nothern Lights
2011 - 2012
Tempera and oil on canvas
110 x 180 cm (Diptych)
ECILA HUSTE, born and resident in Rio de Janeiro, Brasil, has been painting since 1981.
Her art education comes from School of Visual Arts of Parque Lage, Museum of Modern Art
and Center for Contemporary Art, in Rio de Janeiro, Brasil.
Her work has been shown in many group and solo exhibitions. Among them, main solo
exhibitions were at Casa de Cultura Lauro Alvim (RJ-2003), National Museum Of Fine Arts
(RJ-1997), Centro Cultural Candido Mendes (RJ-1994), Centro Cultural CEMIG (MG-1994),
Universidade Federal de Viçosa (MG-1994), Museu do Telefone (RJ-1993), Palácio Barriga
Verde (SC-1993), Sala Miguel Bakun (PR-1992), Espaço Cultural Petrobras (RJ-1985).
This is how the artist talks about her work:
I started painting with gouache, then with watercolour, later with acrylic medium, which I have
been exploring until today. Big canvas have always fascinated me, so my work started growing in size constantly until the day I painted a canvas measuring ten meters long for one
meter sixty wide for the exhibition at Centro Cultural dos Correios, 1996, in Rio de Janeiro. It
was a wonderful experience!
Ecila Huste
[email protected]
I work with my canvas on the floor, one colour at a time, in a sequence of quick gestures and
with a big corporeal movement, walking around the canvas and having always an upper view.
As in a web, the colours interweave all throughout the extension of the canvas. There are
moments in my working process when I have the sensationt that the brush, the canvas, the
medium I use, myself and the space which sorrounds us are just one thing.
The final work is almost always profuse in colour, has a continuous motion, making it difficult
for the eye to know where the colour starts or ends.
ECILA HUSTE, artista carioca, residente no Rio de Janeiro, Brasil, atua no campo das artes
plásticas desde 1981. Sua formação passa pela Escola de Artes Visuais do Parque Lage,
Museu de Arte Moderna e Centro de Arte Contemporânea, no Rio de Janeiro, Brasil.
Tomou parte em inúmeras exposições coletivas e tem como principais exposições individuais
as realizadas na Casa de Cultura Laura Alvim (RJ-2003), Museu Nacional de Belas Artes
(RJ-1997), Centro Cultural Candido Mendes (RJ-1994), Centro Cultural CEMIG (MG-1994),
Universidade Federal de Viçosa (MG-1994), Museu do Telefone (RJ-1993), Palácio Barriga
Verde (SC-1993), Sala Miguel Bakun (PR-1992), Espaço Cultural Petrobrás (RJ-1985).
Sobre seu trabalho, fala a artista:
A princípio comecei a trabalhar com guache, depois veio a aquarela, mais tarde a tinta acrílica. Esta última técnica é a que tenho mais explorado. E como os grandes espaços sempre
me encantaram, o tamanho de minhas telas foi pouco a pouco aumentando, até chegar a
uma de dez metros de comprimento por um metro e sessenta de largura, que apresentei
no Centro Cultural dos Correios, no Rio de Janeiro, em 1996. Pintar este painel foi uma
experiência maravilhosa!
Trabalho com a tela no chão, uma cor de cada vez, numa seqüência de rápidos gestos e
com uma grande movimentação corporal, que me leva a caminhar à sua volta e ter sobre
ela uma visão espacial. As cores se entrelaçam o tempo todo, como uma teia, por toda a
extensão da tela. Há momentos no meu processo de trabalho em que a sensação que sinto
é que o pincel, a tela, as tintas, eu e o espaço que nos envolve somos uma coisa só.
O trabalho final é quase sempre exuberante em cor e tem um grau de movimentação incessante, por onde o olho corre sem nunca pousar, incapaz de descobrir onde cada cor começa
ou termina.
For me, art is the lifeblood. Art is another, more humane, point of
view in our society that depends on the constant growth of economy.
I’m Bachelor of Arts in art education and in September 2011 I
have started my MFA- studies in Finnish Academy of Fine Arts (in
sculpture). Making art and teaching it can work together reflectively, through discussions and working with other people I get more
pers-pective to my own art-making process too. Art can be an alternative for all of us, one way or another.
Heidi Hänninen
[email protected]
www.heidihanninen.com
I use many different materials and techniques in my art. I make performances, videos and installations, draw, paint and cast. I don’t
want to get stuck using one technique or just one theme. I choose
material which helps me the best way to show my thoughts.
For me Russia is a great source of inspiration, ‘maja myza’. I was
studying in Saint Petersburg in the State academy of art and design,
in the faculty of monumental painting, as an exchange student in
2008-2009. Russia interests me in many different levels: language,
culture, art, animations, toys, history, politics, people, places, architecture, the way how people take over the surrounding space and
so on.
In Russia, I have also found a concrete view of my own mind.
Through art I travel to these views of my mind over and over again,
deeper and deeper. And I hope that these views that I’m presenting,
my art, can bring something new to someone else’s lives as well.
Maybe even offer a different kind of aspect to the everyday life.
Natural Blue
Video
Anja Härkönen, painter, s 1955, Finland
12.06.2011
Anja Härkönen
Topics of my art are are men and nature, including the interaction between them. I try to empathize with my book and from the
atmosphere to transmit my art. I work in a variety of techniques.
At the moment, mainly in acrylics, water colors and oil. Mostly
paintings are large and colorful acrylic paintings.
anja.harkonen
@gmail.com
www.anjaharkonen.fi
Anja Härkönen, pintor, nascido em 1955, na Finlândia
2011/12/06
Livro são os temas do homem e da natureza, incluindo a
interação entre eles. Eu tento simpatizar com o meu objecto e da
atmosfera de partilhar a minha arte. Eu trabalho em uma
variedade de técnicas. Atualmente, principalmente em aquarela,
acrílico e óleo. Especialmente pinturas são grandes e coloridas
pinturas acrílicas.
Butterflies III
2011
Acrylics
125 x 100 cm
Uta Jacobs
[email protected]
Uta Jacobs is a Swedish artist who was born in Germany.
As a sculptor, she works with sculpture in stone, objects and images
moving around the theme of nature, life and fecundity in different
materials. Nature in its various manifestations from the human
body to the cell structures of plants or the smallest primeval forms
of life such as found in water is the starting point of her work. The
enlargement and scaling of the fragments gives us new insights.
The latest works are silhouette cut objects made of aluminium, as
she signs the rare shapes in nature. They are painted with pigments,
resin and wax.
www.utajacobs.se
Uta Jacobs é um artista sueco que nasceu na Alemanha. Como um
escultor, ela trabalha com escultura em pedra, objetos e imagens em
movimento em torno do tema da vida, natureza e fecundidade em
diferentes materiais. Natureza em suas diversas manifestações do
corpo humano às estruturas
celulares das plantas ou a menor formas primitivas de vida,
como encontrado na água é o ponto de partida de seu trabalho.
O alargamento e ampliação dos fragmentos nos dá novas
perspectivas. As últimas obras são objetos silhueta corte de alumínio,
como ela assina as formas raras na natureza. Eles são pintados com
pigmentos, resinas e ceras.
Blue Vegetative
2010
Aluminium, resin and wax
132 x 95 cm
Terttu Jurvakainen
[email protected]
Painter, presented itself in numerous solo and joint
exhibitionsat home and abroad. Works in many museums
and collections. Received several art awards, scholarships,
and the value names. Published nine collections of poetry,
two novels and picture book: Light and colour of the painter.
Employs hometown, keeping privately artgallery. Every year
a wide summer exhibition, which is also involved in visiting of
artists.
http://galleria.terttu
jurvakainen.fi
Pintor, apresentou-se no solo de numerosos e exposicöes
conjuntas no pais e no exterior. Museus Teopksia muitos e
colecöes. Recebeu premios de arte e varios os nomes de
valor. Publicou nove colecoes de poesia, dois romances e
livros de imagem: Luz e cor do pintor. Trabalho em sua cidade
natal, enquanto que em uma galeria de arte privada Todos os
anos uma exposicao de verao de largura, que tambem esta
envolvido em artistas visitantes.
Gate to Summer
2010
140 x 150 cm
LANDSCAPES OF THE MINDS
Jari Järnström
[email protected]
www.kuvataiteilijamatrikkeli.fi/fi/taiteilijat/1834
I paint in layers combining acrylic, alkyd and oil colours. The most
central topics for my paintings have for long been people, particularly
man. I often start my work by first painting the abstract background
with acrylic colours. Then I go on painting in oil colours layer by layer.
I have recently used both pictures of people in advertisements in
magazines as well as on the Internet. I have combined, in the very
same painting, abstract backgrounds bodies and faces.
My work is spontaneous and I hardly ever make drafts, but the
pictures are created during the painting process. I want to keep my
painting process as free as possible and thus involve the element of
surprise in it. Irrespective of the way I work, my intention is to make
light and airy looking coloured surfaces.
In my work I strive for finding my way above this chaotic everyday life
towards order. My pictures bring together the scattered consciousness of human being - my paintings are also mysteries to myself.
If one likes to regard my paintings as stories, they are like little stories:
dreams, memories, scattered experiences of the life I have lived.
Helsinki 27 December 2011
Jari Järnström
Landscape of the Mind
2011
Acrylic, oil and alkyd on canvas
150 x 150 cm
Sunna Kangas
My working method is similar to the collage technique in
which I process the reality I face on different levels. In my
previous work I have examined social affairs from war and
violence to the paradoxes of the consumer society. One
central motif in my art is resisting injustice. I am fascinated by
the diversity of humanity and, at the same time, its universal
similarity. As an artist my work principally aims to examine the
relation between the visible surface and the deeper invisible,
abstract levels.
Sunna Kangas, Textile and Visual Artist (MA)
[email protected]
www.sunnakangas.com
Trabalho com uma técnica parecida com a colagem,
e através dela processo, em vários níveis, a realidade
que encontro. Na minha produção anterior tenho tratado a guerra, a violência, e os paradoxos da sociedade de
consumo. Um dos temas centrais da minha arte é a
resistência à injustiça. Fascina-me a diversidade da
humanidade e, ao mesmo tempo, a sua semelhança
universal. Como artista, o meu trabalho tem como
objetivo principal o estudo da relação entre a superfície
visível e os níveis invisíveis e abstratos mais profundos.
Sunna Kangas, Artista Visual e Têxtil (Master of Arts)
Outsiders
Mixed media
125 x 130 cm
Hanna Kanto
[email protected]
www.hannakanto.com
Hanna Kanto is visual artist from Finland, born in Tornio 1981.
She has been studing in Rovaniemi at University of Lapland 20022007 from where she graduated as a Master of Arts 2007. After that
she has been living and making art in northern Finland, mostly in
Kilpisjärvi. Kanto opens the Nordic aspect through participation of
everyday life and supporting livelyhoods is part of her work. She
is fascinated by the authenticity of the reindeer herding and its
strong relationship with the nature. Her work includes paintings and
installations.
gal
u
t
r
Po ttuu
puu
“Kysyn Ava -galleriasta,
jos he voisivat kääntää
tekstin portugaliksi.Ei
onnistu nyt millään täällä.
Terveisin,
Hanna”
Winter Night
2011
125 x 140 cm
An artist’s professional development of style and the ideal of lifelong learning “An artist has an internal need to alter one’s immediate
milieu, to educate and to evolve in the field of visual arts”, says Airi
Kianto from Rantasalmi. “Painting, as creating imagery in general, is
part of a larger visual environment and a way in which an individual
can make an influence on surrounding life.”
Airi Kianto
[email protected]
www.airikianto.fi
The core competence in the profession of visual arts consists of two
skills: drawing and painting. The basic know-how has been obtained
by years of long-span practice. When creating a first-rate work of art,
the artist’s personal experiences and idioms must be called upon.
“I have an atelier in Rantasalmi and Espoo”, Airi states. “Visual arts
are my life’s work. Abstract forms and portraits are most often the
subject of my paintings.”
“Water mixable oil colours are best suited for my purposes. In my
opinion, abstract art is most apt for bringing forth the artist’s own
touch. With the aid of abstraction, the motif becomes more and
more reduced before dissolving completely. The outcome of this
process is a pure piece of art, i.e. a painting or a sculpture. A painting
always conveys a message; even a modest piece of art is like a
proper speech with all its basic elements. The art work´s message,
ambiance, colors, motion and form have a dialogue, forming a
harmonic entirety.
Pengerrys
2009
Oil
53 x 65 cm
Monika Kiviniemi
[email protected]
I live and work in Sweden. I am a contemporary painter and work
in large format, abstract painting. In my creativity, one of my
main goals is to try to produce paintings that are simplified and
pared-down were color and structure are in focus.
www.kiviniemi.se
al
g
u
t
Por ttuu
puu
Mellow Yellow
2010
Acrylic on linen canvas
130 x 138 cm
Leena Kontinen
leena.kontinen
@kolumbus.fi
Painting for me is to make something invisible into a visible form
- to make possible what is impossible. It is a free and spontaneous
process. Art wakes consciousness up, and in the silence we can see
the deeper truth. It is beautiful and it can change us.
www.leenakontinen.com
gal
u
t
r
Po ttuu
puu
The Path We Share
2011
Tempera
100 x 100 cm
Raija Kuisma
[email protected]
www.raijakuisma.com
Raija Kuisma is a Finnish visual artist living and
working in Pori. Proximity to the sea represents to her
passage out into the world; it’s essential. She is a member of the Artists’ Association Muu. Kuisma uses recycled
materials in her work. She seeks out objects or materials
that have already been processed and looks at them in
a new light in her pieces. A deep concern about nonrenewable natural resources is in the fabric of her work.
Through art it is possible to show that we do not always
have to create new commodities or frivolities, rather we
can best make use of the natural world by conserving
and deliberating. The departure point of her work is often
repetition of things with a variance of the same theme.
A human being, however, is a social creature above
all when s/he is “alone together”. The most harrowing
moments in life can be best suffered when viewed with a
touch of humour. Raija Kuisma also makes versatile use
of photographs in her work. When travelling she explores
surfaces, textures, materials, people and phenomena
using her camera and later she prints photographic
ensembles on cloth or surfaces that are appropriate.
The attractiveness and diversity of daily life fascinate
Kuisma. Every day offers new possibilities. Kuisma’s
work is made of video tapes that have been watched,
using a traditional pompon-making technique.
I watched one film every week
2011
videotape and watercolour on woodpanel
50 x 70 cm
Like the sea that regenerates, the artist seeks in objects and
paintings the daily challenges: visual, poetic, technical, or ethical.
The adventures in the use of colors, the emotion in realizing the
power and the extent of a smile in a blunt society. The accurate
outline, the stain that adds to the whole, the quality of life that art
emanates.
Challenges and responses, are the vectors - the leitmotif – that guides
the production of Raphael Langowski. By graduating in a time of
transition (Industrial Designing, PUC-PR 1992), the artist was
granted with an ideal spot between two worlds: BEFORE AND
AFTER the spread of technology.
Raphael Perez
Langowski
raphael@
raphaellangowski.com
raphaellangowski.com
There are skills in the hands and there is knowledge of the digital
world. There is understanding of the possible cohabitation. There is
already a result that sprouts in pictures, in the extensive shape of
paintings as well as in the charisma of characters.
Como o mar que se renova; o artista busca através de objetos e
pinturas os desafios de cada dia; sejam poéticos, técnicos, estéticos
ou éticos.
Aventurar-se nas cores, emocionar-se percebendo o poder e a amplidão de um sorriso em uma sociedade sisuda. O risco preciso, a
mancha que complementa o todo, a qualidade de vida que da arte
emana.
Desafios e suas respostas, são os vetores - o leitmotiv - da produção
de Raphael Langowski. A formação Acadêmica completada em um
momento de transição (Desenho Industrial, PUC-PR 1992 - 1997),
propiciou ao artista posição privilegiada entre os dois mundos; o pré
e a pós popularização das tecnologias.
Há habilidade nas mãos; há conhecimento do raciocínio do mundo digital; há compreensão das possíveis convivências e já há um
resultado que pulsa nos retratos, nos planos vastos de pintura e no
carisma dos personagens midiáticos.
João Henrique do Amaral / Janeiro de 2012
Art critic and former Director of the Museum
of Contemporary Art of Parana
Refém dos inocentes
100 x 100 cm
Claudia Lima
[email protected]
Everything I do today is still related with the enchanted environment and the intense smell of oil painting which I encountered when I was five years old at the
Children’s Art School of Rio de Janeiro’s Museum of Modern Art. My teacher, Ivan
Serpa, a painter who always fought for freedom of expression both in art and politics, placed a blank white sheet of paper in front of me and said – just do it ! To this
day I can feel the excitement of that challenge!
This meant that the fundamental guidelines of my work were laid very early on and
that they continue to influence my activity and my work. On one hand, the senses
predominated. They guided me and lead me on to an experiment and experiences
with various materials, attracted by the stimulus of what I saw and felt. What I do
in my art is the result of the myriad of information received, of my relationship with
the world, with people and with nature.
On the other hand, I learned from childhood that creativity is not based on perfection or rigorous techniques, however rather on the exploration and explosion of our
own authenticity. The language of art is to me synonymous with freedom. It brings
me closer to the universe, creating a means of starting to dialogue with people and
hopefully being understood.
Of the different artistic medias which I have tried, sculpturing is in a way the synthesis of my path, which has captured the vital dynamics and vibration of my reality, both inner and outer. The work flows as I discover my own truth, bringing me
the joy of the miracle of life. A mysterious and enigmatic reality mirrored in my
most recent work. “Autumnal Droplets” and “Dew”, which represent hope before
the unknown. Those bloods “wraps” symbolize the purifying fire necessary to the
transmutation of the “plots” that lead to the essence of being.
Tudo o que faço ainda hoje está relacionado com o encantatório e intenso cheiro
a óleo em que fui mergulhada com cinco anos na Escola de pintura infantil do
Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Nessa época, Anos 60, este museu
representava a vanguarda da estética brasileira e ali se reuniam, em volta do
pintor e meu Prof. Ivan Serpa, todos os artistas que lutavam pela liberdade de
expressão plástica e política. Assim se definiram, desde cedo, os fundamentos
que continuam a nortear a minha actividade e o meu trabalho.
Por um lado, a dominância da sensorialidade. São os sentidos que me conduzem
e me levam experienciar materiais, atraída pelos estímulos do que vejo e do sinto.
Na verdade, o que eu faço é o resultado das muitas informações e relações com
o mundo, com as pessoas e com a natureza. Não uso materiais nobres que reflectem a durabilidade e a impermanência das coisas. A escolha do material deve
ser, quanto a mim, significante, neste momento, em que vivenciamos surpreendentes e imprevisíveis mudanças, tanto para o bem como para o mal.
Por outro lado, apreendi desde a infância, que a criatividade já não se baseava
na perfeição e no rigor das técnicas, antes na exploração e na explosão da nossa
própria autenticidade. Desta forma, a linguagem plástica é, para mim, sinónimo
de liberdade porque me aproxima do universo e pode ser entendida por toda a
gente. Tenho abordado diferentes expressões artísticas como a pintura e a arte
têxtil mas é na escultura que me revejo hoje, como o meu fundamental meio de
comunicação. A terceira dimensão constitui a síntese do meu percurso procurando captar a dinâmica e a vibração vital.
Uma realidade misteriosa e enigmática se vai desprendendo dos meus mais recentes trabalhos. Definem-se como pinturas em relevo e constituem como fossem
wraps num emaranhado de fios cruzados em múltiplas direcções, incessantemente repetidos. Pingos de Outono e Pingos de Orvalho são ainda uma esperança face ao desconhecido. Os meus wraps sanguíneos representam o fogo purificador necessário à transmutação dos “enredos” que levam à essência do ser.
Does it make sense!
Strings, pigments, resins
81 x 187 x 24 cm
Sackarias Luhanko
[email protected]
www.sacke-art.com
Sackarias Luhanko
Artist born in Sweden, lives in the town Eskilstuna.
30 years old male. Work in different materials but
mostly painting.
t
Por
e!
es
u
g
u
It Came To This
Mixed media/collage/oilpaint/spray and warnish
The delicacy of painting
The biggest challenge of an artist is to find procedures to bring to the screen
his view of the world. It is an ongoing process shaped by the skill and technique
present in the act of making the constructions of the mind in visual achievements. In passing from brain to hand, takes place to create.
In this process, Sebastian Mendes achieves universality. Party, in several studies, the regional culture of the Brazilian state of Mato Grosso, but by focusing
on a popular party or show a local fruit, the main issue he discusses is the way
to build funds in light textures and rounded .
The presence of recurring elements, such as a small circle in the sky or a bird
friendly, accentuate the poetics of everyday life, finding beauty in the work of
the laundress, in devotion to saints or mundane objects, like a flower vase or a
jug to hold water.
The visual compositions of Sebastian Mendes value the human figure and its
relationship with the world. There is integration with them and the nature of men
and women with each other and the world. The delicacy of his poetry lies in the
way believes in a better future for us all, marked by color and harmony plastic.
Sebastião Mendes
Oscar D’Ambrosio, PhD in Education, Art and Cultural History at the University
Mackenzie, a Masters in Visual Arts at the Art Institute of UNESP. Integrates the
International Association of Art Critics (AICA-Section Brazil).
sebastiaomendesarte
@yahoo.com.br
A delicadeza em pintura
O maior desafio de um artista está nos procedimentos que encontra para levar
para a tela a sua concepção de mundo. Trata-se de um exercício permanente
moldado pela habilidade e pela técnica presente no ato de tornar as elaborações da mente em concretizações visuais. Na passagem do cérebro para a
mão, realiza-se o criar.
Nesse processo, Sebastião Mendes atinge a universalidade. Parte, em diversos trabalhos, do regional da cultura do Estado brasileiro de Mato Grosso, mas,
ao enfocar uma festa popular ou mostrar uma fruta local, a principal questão
que ele discute está no modo de construir os fundos, nas leves texturas e formas arredondadas.
A presença de alguns elementos recorrentes, como um círculo em pequena
dimensão no céu ou um simpático pássaro, acentuam uma poética do cotidiano, que encontra beleza no trabalho da lavadeira, na devoção a santos ou em
objetos prosaicos, como um vaso de flores ou uma moringa para guardar água.
As composições visuais de Sebastião Mendes valorizam a figura humana e
a sua relação com o mundo. Há nelas a integração com a natureza e de homens e mulheres entre si e com o mundo. A delicadeza de sua poesia está na
maneira como acredita num futuro melhor para todos nós, marcado pela cor e
pela harmonia plástica.
Oscar D’Ambrosio, doutorando em Educação, Arte e História da Cultura na
Universidade Mackenzie, é mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da
Unesp. Integra a Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA-Seção
Brasil).
Amor e Cumplicidade O.S.T.
2012
120 x 120 cm
Reflecting Pool – 2012 – Laura Miranda
About the Artist
Laura Miranda was born in Curitiba, Paraná – Brazil, in 1958. She has a degree in Painting, with a post-graduate
certificate in 20th-Century Art at the School of Fine Arts in Paraná. She is an artist and a performer with qualifications in contemporary dance and the Alexander technique. She works with research projects on the border between dance and visual arts, as well as on textile traditions in communities in Japan, India and Canada.
About the Work
Territories and Routes
Passauna Reservoir, Campo Largo – Paraná (the southern region of Brazil)
The Adyar River, the Bay of Bengal and a Small Lake with Lotus Flower, Chennai (in the southern region of India)
Work
The Reflecting Pool installation takes an area of approximately 30m². A dress of black felt and white silk, embroidered with pearls and ornamented with laser cut flowers; a tablet with video images of the territories covered; a
series of felt petals; a laser cut design applied over the entire area of the floor.
Walking in the great outdoors encouraged the creation; it was the motive to record experiences between the west
and the east, to discover passages between the river and the sea. The idea of an imaginary cartography of the
trip based on photographs, travel log notes, drawing maps and making drafts were the origins of the work. The
collected memories are spread on a smooth surface of nomadic navigation, a free trajectory that flows to find
faraway waters.
Laura Miranda
lauramiranda10
@yahoo.com.br
The reflections on the bottom and surface of the water, the concept of smooth and striated, and their imbrications
and metaphors determined the choice of the materials. The making of the dress implies embraces, inversions and
confrontations. Below the neckline, encrusted in pearls, the moving images of the water suggest a blurred vision in
the immersion or a ripple made by the floating body. The cut flowers are fragmented into small petals and spread
on the map drawn on the floor so as to be carried by every passerby, like the dust of a journey on one’s feet.
Espelho D’Água – 2012 – Laura Miranda
Sobre a Artista
Laura Miranda nasceu em Curitiba, Paraná – Brasil, em 1958. É graduada em Pintura, com especialização em
História da Arte do Século XX pela Escola de Música e Belas Artes do Paraná. Artista e Performer com estudos
em dança contemporânea e práticas corporais baseadas na Técnica Alexander. Trabalha com projetos de investigação, na fronteira entre dança e artes visuais, e de pesquisa sobre tradições têxteis de comunidades no Japão,
Índia e Canadá. No conjunto da sua obra, a artista explora diversas linguagens, escultura, desenho, performance
e vídeo.
Sobre o Trabalho
Territórios e Percursos
Lago formado pela represa do Passaúna, Campo Largo – Paraná (Região sul do Brasil)
Rio Adyar, baia de Bengala e pequeno lago com flor de lótus, Chennai (Região sul da Índia).
Obra
A instalação Espelho D’Água ocupa uma área de aproximadamente 30 metros quadrados. Elementos que integram a instalação: um vestido de feltro preto e seda branca, bordado com pérolas e ornamentação com padrão
de flores cortadas a laser; um tablet com imagens em vídeo dos territórios percorridos; uma série de pétalas em
feltro; um desenho recortado a laser e aplicado sobre toda área do piso.
A ação de caminhar a céu aberto foi um motor da criação, motivo para registrar experiências entre ocidente e
oriente, descobrir passagens entre rio e mar. A idéia de uma cartografia imaginária da viagem baseada em fotografias, anotações de diários, desenhos de mapas e rascunhos deu origem à obra. As memórias colecionadas se
espalham num espaço liso, de navegação nômade, uma trajetória livre que escorre até encontrar águas distantes.
As reflexões sobre fundo e superfície da água e conceitos de liso e estriado, suas imbricações e metáforas conduziram as escolhas da materialidade dos objetos. Entre o feltro e a seda há muitos abraçamentos, inversões e
confrontos na fatura do vestido. Sob o decote, incrustadas entre pérolas, as imagens movediças da água sugerem
uma visão turva na imersão ou uma ondulação causada pelo corpo flutuante. As flores recortadas fragmentam-se
em pequenas pétalas e se espalham sobre o desenho do mapa no chão para serem carregadas por cada passante, como a poeira da viagem na sola dos pés.
Laura Miranda, Laser-cut silk and felt dress (detail), 2012
Laura Miranda, Vestido em seda e feltro cortado a lazer (detalhe), 2012
Text / Texto: Laura Miranda
Translation / Tradução: Evandra Maria Grenier Fagundes
Photography / Fotografia: João Thibes
Video editing / Edição de vídeo: Marlon de Toledo
Photo caption / Legenda da foto
Detail of the work of art / Detalhe da obra
Laser-cut silk and felt dress / Vestido em seda e feltro cortado a lazer
Dimensions / Dimensões: 150 cm X 100 cm
Year / Ano: 2012
Email: [email protected]
From erasure to landscape
The city is a field of interconnections and dialogues between its
visualties and the contemporary artist. The cities’ surfaces suffer
constant interventions from the action of man, time, nature...
Carppio de Morais aims to launch a close look on the battlement, walls and other city surfaces in search of compositions that
result from the overlap of pictorial layers, oxidation and wear. It
is through this natural process, among the action of the time and
imagery bombardment of the urban centers that the artist inserts in
his work fragments of images, text and layers of paint, presenting
landscapes originated from these forgotten places.
The artist proposes a relentless exercise between the friction and
the erasure, discovery and deletions, an action that shows in his
painting the imagistic power of art to transform simple actions of
daily life in a keen poetry.
Carppio de Morais
carppiodemorais
@bol.com.br
Paul Setúbal, visual artist and researcher.
Brazil, February 2012
Da Rasura á Paisagem
A cidade é campo de interlocuções entre suas visualidades e o
artista contemporâneo. As superfícies das cidades sofrem incessantes intervenções, provenientes da ação do homem, do tempo,
da natureza...
Carppio de Morais se propõe a lançar um olhar atencioso sobre
os muros, paredes e demais superfícies da cidade, em busca de
composições decorrentes da sobreposição de camadas pictóricas, oxidações, desgastes. É através desse processo natural,
entre a ação do tempo e o bombardeio imagético dos grandes
centros urbanos, que o artista insere em sua obra fragmentos
de imagens, textos e camadas de tinta, apresentando paisagens
oriundas desses lugares esquecidos.
O artista se propõe a um incansável exercício, entre a rasura e
fricção, descoberta e apagamentos, uma ação que revela em sua
pintura, o poder imagético da arte em transformar simples ações
do cotidiano em uma sutil poesia.
Paul Setúbal, artista visual e pesquisador.
Brasil, Fevereiro de 2012
Human Wisdom
166 x 85 cm
Born in Rio de Janeiro (RJ, Brazil). Lives and works in Curitiba (Paraná, Brazil)
since the 1970´s.
Studied art at Parque Lage Visual Arts School, Rio de Janeiro (RJ) and in collective studios in Curitiba (PR). Held solo exhibitions and participated in group
exhibits in Brazil and Europe.
In 2011, she held a solo exhibition at Casa do Brasil, in Madrid (Spain) and
participated in a group exhibition at AVA Gallery, in Helsinki (Finland).
The installation called PROLIFERATION occupies a 9-square meter area and is
made up of 1,200 small cast aluminum pieces and adhesive vinyl cutouts vertically distributed. The outlines of a dog´s paws served as the casting mold for the
pieces.
The installation simulates a space created by the contrast of the colors (silver
and black) and the bas-relief of the pieces (aluminum and vinyl). The process
explores coexistence with animals and the register of this conviviality.
Eliane Moreira
elianemoreirahyp@
terra.com.br
The images were cutout, enlarged, and fragmented. The printed textures resulted from research with materials: fabric, paper, plastic, lace, and embroidery.
The concepts of multiplicity and continuity guided the production. The power of
the marks is enhanced by the ambiguity of the forms that oscillate between the
human and the animal, go beyond, and proliferate within the installation space.
www.elianemoreira.art.br
Nascida no Rio de Janeiro (RJ – Brasil). Vive e trabalha em Curitiba (Paraná –
Brasil), desde a década de 1970.
Frequentou a Escola de Artes Visuais do Parque Lage, Rio de Janeiro (RJ)
e ateliers coletivos em Curitiba (Pr). Participou de exposições individuais e coletivas no Brasil e na Europa.
Em 2011, realizou mostra individual na Casa do Brasil em Madri (Espanha)
e integrou uma coletiva da AVA Galleria em Helsinque (Finlândia).
A instalação PROLIFERAÇÃO ocupa uma área de 9,00 m2 e foi composta por
1.200 pequenas peças em alumínio fundido e de vinil adesivo, distribuídas numa
área vertical. As silhuetas das patas de um cachorro serviram de modelo para
a fundição das peças.
A instalação simula um espaço, criado pelo contraste entre as cores (prata
e preto) e o baixo-relevo das peças (alumínio e vinil). O processo explora a convivência com os animais e o registro fotográfico dessa convivialidade.
As imagens foram recortadas, ampliadas e fragmentadas. As texturas impressas
resultaram de pesquisa matérica: tecidos, papéis, plásticos, rendas e bordados.
Os conceitos de multiplicidade e continuidade nortearam a produção. A potência
das marcas se evidencia pela ambigüidade das formas que transitam entre o
humano e o animal, vão além, se proliferam no espaço da instalação.
English Version
CREDITS
Text : Eliane Moreira
English Version: Martha Dias Schlemm
Photography : Lauro Borges
Portuguese Version
FICHA TÉCNICA
Texto : Eliane Moreira
Tradução: Martha Dias Schlemm
Fotografia : Lauro Borges
PROLIFERATION / PROLIFERAÇÃO
2012
Cast aluminum and adhesive vinyl cutouts
Alumínio fundido e recorte de vinil adesivo
900 x 460 cm
I have worked as a ceramic artist since the year 1983 when
I graduated from UIAH (University of Industrial Arts Helsinki). By
the years my working has flown to a more and more expressive
direction. During last few years the central themes of my working
have been earth, air, blood and water. On this theme I observe the
word around me. As the stimulus and basis for working function
dramatic incidents in nature and human life.
Leena Mäki-Patola
Latest works are “ceramic paintings”. Light coloured unfired
engobes and glazes turn in the heat of the kiln into various shades
of blue, red, white and earth coloures. My approach to working
is impulsive and experimental. The materials and techniques I
use also bring up unexpected results. Fire and high temperatures
finally decide the appearence of my works.
leena.maki-patola
@pp.inet.fi
www.leenamakipatola.fi
Trabalho como artista cerâmica desde 1983, tendo-me licenciado pela TAIK (Universidade de Arte Industrial de Helsínquia).
Com o correr do tempo o meu trabalho moveu-se numa direcção
cada vez mais expressiva. Nos últimos anos tornaram-se temas
centrais do meu trabalho a terra, o ar, o sangue e a água. Sobre
estes temas observo o mundo à minha volta. O estímulo e a base
do meu trabalho são incidentes dramáticos na natureza e na vida
humana.
Os trabalhos que apresento são “pinturas cerâmicas”. Engobes
crus e esmaltes, de cores claras, transformam-se, no calor do
forno cerâmico, em vários matizes de azul, vermelho, branco e
tons da terra. A minha forma de trabalhar é impulsiva e experimental. Os materiais e as técnicas que utilizo trazem-me também
resultados inesperados. O fogo e as altas temperaturas decidem
finalmente o acabamento dos meus trabalhos.
Spheres / Esferas
2011
Ceramics / cerâmica
25 pieces / peças, á 30 x 30 cm
150 x 150 cm
Maaria Märkälä
[email protected]
I’ve been painting Light reflexing from Swarovski Stones
The inspiration to paint this Swarovski Stones painting came from
Berlin where I was taking a picture that showed all the colorful
reflection of the Swarovski stones that were hanging up from the
roof of absolutely fabulous restaurant under the Berlin TV-tower.
Also in my earlier paintings the role of light was important but just
in smaller details. Light has been inspiring me more and more. By
painting light I am trying to have more light around everyones life that light is for me as well. And by painting these Swarovsky Stones
I paint also luxory and wealth - maybe also happiness.
Maaria Märkälä lives in Espoo, Finland.
She is at the moment known both painter and the chair of Pain-ters
union. Her paintings are in several collections and museums and
private collections all over the world for example in State of Finland
and Portugal, Lacko Dezsö museum in Hungary, Helsinki City Artcollections, Stiftung des Kulturfonds in Germany, in Western Siberia in
Igoshewsky Museum, Athens, Australia, Moskow, New York,Tunis.
Out-door-painting is her big love but she is also ha-ving an beautiful
ateljé in Cable factory, Helsinki to paint also bigger paintings.
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Swarovski stones (detail)
Anneli Nilsson
[email protected]
Swedish artist Anneli Nilsson holds a BA in Fine Art, Buckinghamshire
Chiltern University UK. Anneli exhibits regularly both internationally
and in Sweden. Architectural buildings, facades and rock structures
give inspiration to Anneli´s abstract artworks. Together with her own
internal process and inspiration, abstract figures often appears in her
paintings. During her working process, she develops some kind of
“relationship” with the painting. She seeks for a story or some form
symbol in it. The technique she uses is a complex working and
reworking of surface and texture.
www.anneliart.com
Edifícios arquitectónicos, fachadas e estruturas rochosas dar
inspiração para obras abstratas de Anneli. Juntamente com o
seu próprio processo interno e inspiração, abstrato figuras muitas
vezes aparece em suas pinturas. Durante seu processo de
trabalho, ela desenvolve algum tipo de “relacionamento” com a
pintura. Ela procura por uma história ou algum símbolo formulário
nele. A técnica que ela usa é um trabalho complexo e reformulação
de superfície e textura.
Protector
2010
Mixed media on canvas
95 x 145 cm
Gê Orthof
[email protected]
Brazilian artist (installation, performance, drawing, video and photography) was born in Petrópolis, Rio de Janeiro – 1959. Lives and
works in Brasília, Brazil.
Coordinator of a research group in the Visual Arts Program at Instituto de Arte, Universidade de Brasília, entitled: Moradas do Íntimo
(Home of Intimacy) which deals with the artist’s creative process
from studio to the art spaces to public intervention. Post-doctorate:
School of the Museum of Fine Arts, Boston, 2001, Doctorate, Ed.D.
1992, Ed. M,1985 and M.A. Visual Arts, Columbia University, NYC,
Visiting artist: School of Visual Arts, Penn State University, 2002
and Universidade de Aveiro, Portugal,1990, Fulbright Scholar:
School of Visual Arts, NYC 1983, and B. A. in Design at Universidade do Estado do Rio de Janeiro,1981.
Major exhibitions: Art in Brazil – EUROPALIA, Palais des BeauxArts, Brussels; Hidden & Forbidden Identities, Venice; Paradigma Galleria, Barcelona; AVA Galleria, Helsinki; Centro de Arte
Moderno, Madrid; School of the Museum of Fine Arts Gallery,
Boston; ARS117, Brussels; Museu de Arte Moderna, Rio de
Janeiro; Museu de Arte Contemporânea, São Paulo; Macy
Gallery, New York City; 2010 PIPA prize nominated Museu de Arte
Moderna, Rio de Janeiro.
www.georthof.com
Artista brasileiro (instalação, performance, desenho, vídeo e fotografia) nasceu em Petrópolis, Rio de Janeiro - 1959. Vive e trabalha em Brasília, Brasil.
Coordenador do grupo intitulado: Moradas do Íntimo no Programa
de Artes Visuais do Instituto de Arte, Universidade de Brasília, que
pesquisa o processo criativo do artista na passagem do ateliê para
os espaços de exposição e de intervenção pública. Pós-doutorado: School of the Museum of Fine Arts, Boston, 2001, Doutorado,
Ed.D. 1992, Ed. M, 1985 e MA Visual Arts, Columbia University,
Nova York, artista convidado: Escola de Artes Visuais, Penn State
University, 2002 e Universidade de Aveiro, Portugal, 1990; Fulbright Scholar: School of Visual Arts, NYC 1983, e BA em Design
na Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 1981.
Principais exposições: Arte no Brasil - Europália, Palais des BeauxArts, em Bruxelas; Hidden & Forbidden Identities, Veneza; Paradigma Galleria, Barcelona; AVA Galleria, em Helsínquia; Centro de
Arte Moderno, Madrid; School of the Museum of Fine Arts Gallery, Boston; ARS117, Bruxelas; Museu de Arte Moderna, Rio de
Janeiro; Museu de Arte Contemporânea, São Paulo; Macy Gallery,
New York City; em 2010 é nomeado ao Prêmio PIPA do Museu de
Arte Moderna do Rio de Janeiro.
Moradas do Íntimo
2011
instalação (detalhe)
250 x 500 cm
Iria Ciekca Schmidt
www.kuvataiteilijamatrikkeli.fi/fi/
taiteilijat/1914
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Dance for the Big Bird
Mixed media
150 x 150 cm
Ulla Remes
[email protected]
www.ullaremes.net
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Muutos
Mixed media
40 x 120 cm
MINI CURRICULUM PARA AVA – FINLÂNDIA - 2012
HELENA LOPES (São Paulo, 1941) vive em Brasília desde
1973. É formada em Artes Plásticas pela Universidade de
Brasília (1984). E expõe desde 1990, participando de exposições e salões do país e no exterior.
Após trabalhar vários anos com pinturas sobre tela e gravura
em metal – água forte, água tinta e ponta seca, técnicas nas
quais detém completo domínio –, nos últimos anos optou pelo
uso de materiais naturais. Para tingir fibras e fios de tecidos
desfiados, usa pigmentos a base de terra, como o pó da árvore pau-brasil e a terra vermelha da região do Planalto Central brasileiro. Também recorre a vernizes elaborados a partir
de cera de abelha e de sementes desidratadas das plantas da
região que poeticamente habita.
Helena da Silva Lopes
[email protected]
Como suporte para seus trabalhos, trabalha com finíssimo
papel arroz de 10g/m2, que confere aos trabalhos transparência e delicadeza singular.
MINI CURRICULUM PARA AVA – FINLÂNDIA - 2012
HELENA LOPES (São Paulo, 1941) vive em Brasília desde
1973. É formada em Artes Plásticas pela Universidade de
Brasília (1984). E expõe desde 1990, participando de exposições e salões do país e no exterior.
Após trabalhar vários anos com pinturas sobre tela e gravura
em metal – água forte, água tinta e ponta seca, técnicas nas
quais detém completo domínio –, nos últimos anos optou pelo
uso de materiais naturais. Para tingir fibras e fios de tecidos
desfiados, usa pigmentos a base de terra, como o pó da árvore pau-brasil e a terra vermelha da região do Planalto Central brasileiro. Também recorre a vernizes elaborados a partir
de cera de abelha e de sementes desidratadas das plantas da
região que poeticamente habita.
Como suporte para seus trabalhos, trabalha com finíssimo
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Thread, neutrol, wax varnish, acrylic on rice paper
Fios, neutrol, verniz de cera, acrilica sobre papel arroz
15 x 90 cm
Kurt Simons, born 1940 in Uppsala, Sweden. Studied at
Beckman`s School of Design in Stockholm 1957– 59. Lives and
works in Stockholm and Aland Island. Since 1977 Simons has
had 35 oneman shows in museums and art galleries. The last
exhibition was in spring 2011 in The Royal Swedish Academy
of Arts in Stockholm. He has also participated in over 60 group
exhibitions and is represented in several public and private
collections.
Kurt Simons
Kurt Simons´ works have their roots in the concrete and
constructivist tradition. He tries to reduce form and avoid
decorative tendencies. This small sector in modern art is usually
termed “geometric abstraction“.
Kurt Simons, nasceu em 1940, na cidade de Uppsala, Suécia.
Completou o curso da Beckmans School of Design em Estocolmo
1957-59. Residente e ativo em Estocolmo e Åland (entre a Suécia
e a Finlândia).
Desde 1977, o K. Simons realizou 35 exposições individuais em
museus e galerias de arte, sendo a última, primavera de 2011,
na Academia Real de Belas Artes (Kungliga Konstakademien)
em Estocolmo. Com participação em mais de 60 exposições
colectivas, as suas obras fazem parte de diversas coleções
privadas e públicas.
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A arte de Kurt Simons é um conceito com origens em tradições
concretas e construtivas. Procura deliberadamente a redução de
formas e evita tendências decorativas. “Abstração geométrica”,
descreve presentemente esta fracção de arte moderna.
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2009
Acrylic on canvas / Acrílico em tela
120 x 140 cm
Ole Skovsmose
[email protected]
www.bkf.dk/ole-skovsmose
www.artguidedenmark.
dk/OleSkovsmose
Ole Skovsmose’s paintings balance sublimely between hesitation and ecstatic release. They are at once exalted, delicate, and vibrant.
Ole Skovsmose tries to convey the experience of perceiving something for the
very first time. We become captivated by forms created right in front of us, by
light and colors merging, moving, and metamorphosing in a split second.
Ole Skovsmose shows us the world at the moment of creation, in a vacuum
between chaos and form, between a non-figurative ocean of colours and an
emerging recognition of a physical body.
With Ole Skovsmose we engage with an artist who combines a completely
open-minded and pristine approach to the creative process with a fierce passion and life-affirming curiosity about seeing, learning, and recognition.
In this way Tom Jørgensen, the editor the Danish art journal Kunstavisen,
presents Ole Skovsmose’s paintings in the book 101 Kunstnere (101 Artists),
published in 2011.
Ole Skovsmose is born in Denmark, but is now living much of his time in
Brazil. He has made exhibitions in galleries and museums in Brazil, England,
Germany, Finland, Sweden, The Netherlands, Norway, Bulgaria and Denmark.
Ole Skovsmose is member of Associação Internacional de Artistas Plásticos;
The Danish Association of Visual Artists; Hotel Havnefruen, Denmark; Aalborg
Kunstpavillon, Denmark; and Sindicato Nacional dos Artistas Plástico, SP,
Brazil.
O traço de Ole Skovsmose nasce do equilíbrio sublime entre a hesitação e o
cumprimento de uma sentença. Suas pinturas são, ao mesmo tempo, exaltadas, delicadas e vibrantes.
Ole Skovsmose busca permitir a experiência do perceber em estado nascente, e somos cativados pelas formas que se criam, diante de nós, na fusão
movente de luz e cores, numa metamorfose que não cessa.
Ole Skovsmose nos mostra o mundo no momento da criação, no vácuo entre
caos e forma, entre um oceano de cores difusas e o reconhecimento de um
corpo que dele emerge.
Ole Skovsmose combina um processo criativo plasmado numa visão franca,
aberta e pura à ferocidade apaixonada com que defende e afirma a vida e a
curiosidade pelo ver, aprender e reconhecer.
Desta maneira Tom Jørgensen, editor do jornal Kunstavisen (www.kunstavisen.dk/) escreveu sobre as pinturas de Ole Skovsmose no livro 101 Kunstnere (101 Artistas), publicado em 2011.
Ole Skovsmose nasceu na Dinamarca e nos últimos anos passa a maior parte
do tempo no Brasil. Fez várias mostras em galerias e museus na Inglaterra,
Alemanha, Finlândia, Suécia, Holanda, Noruega, Bulgária, Brazil e na Dinamarca.
Ole Skovsmose é membro da Associação Internacional de Artistas Plásticos;
Associação Dinamarquesa de Artistas Pláticos; Grupo de arte “Hotel Havnefruen”, Dinamarca; Conselho do Pavilhão de Arte de Aalborg (Aalborg Kunstpavillon), Dinamarca; e Sindicato Nacional dos Artistas Plásticos, São Paulo,
Brasil.
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2011
Through my images I communicate my inner thoughts.
My works are parallel with the transitions between lighter
and darker parts of life.
The natural meets the abstract, the evil meets the good.
Areas of light trickle through a curtain of darkness. The inner
meet the external, obstacles meet possibilities.
This is how I’ve chosen to work with my paintings. The technique is mostly oil, but I also use watercolor and drawing.
Lena Nyström
Solberg
I work with layers of paint in order to create various shades
of lightness and darkness to communicate a certain feeling
to the observer.
lena_solberg57@
hotmail.com
www.lenanystrom
solberg.se
Através das minhas imagens eu comunico meus pensamentos mais profundos. Meus trabalhos são paralelos com as
transições entre as partes da vida clara e escura.
O natural encontra o abstrato, o mal encontra o bem. Áreas
de luz encontram um caminho através de uma cortina de
escuro. O interno encontra o externo, obstáculos encontram
possibilidades.
Foi assim que escolhi para trabalhar com minhas pinturas. Óleo é meu material mais utilizado, mas também uso
guache e desenhos.
Trabalho com camadas de pintura para assim criar diferentes tons de claro e escuro comunicando um certo sentimento ao observador.
Back to the Jungle
2011
130 x 130 cm
Ceramic artist and sculptress who has found her own exciting niche.
Increasingly requested in prestigious circles in Europe. Currently she
is exhibiting at Carrousel du Louvre in Paris, and has a busy calendar
over the next couple of years…
“To develop ones own method of expression catches the attention of
others“
Ylva nearly stumbled on her talent in a ceramics course, and was catapulted into a rocketing career as a sculptress in the region she lives,
and is now gaining increasing recognition throughout Scandinavia and
Europe.
Ylva Storm
[email protected]
Her hand-built or moulded ceramic objects are burned in her own
hand-made wood fired kilns in her garden. The works are her truly
unique niche of torsos, classical shapes with imprinted lace patterns,
and some with an almost mystical element of angels wings. Her work
also include her very characteristic birds which has a loving quality.
Her concepts are ever developing, making this artist one to keep a
close eye on. She was born in Bollnäs, 1967. In 1983 she moved to
Årjäng in the beautiful region of Värmland in west Sweden, where she
lives with her family and has her ceramics studio.
www.ylvastorm.se
Ceramista e escultora que encontrou seu próprio nicho emocionante.
Cada vez mais procurado em areas de prestígio na Europa. Atualmente, ela está expondo no Carrousel du Louvre, em Paris, e tem um
calendário ocupado ao longo dos próximos dois anos ...
“Desenvolver seu próprio método de expressão captura a atenção dos
outros”
Ylva quase tropeçou em seu talento em um curso de cerâmica, e foi
catapultada para uma carreira vertiginosa como escultora na região
ela vive, e agora está ganhando reconhecimento cada vez maior em
toda a Escandinávia e Europa.
Mão-construído ou moldado objetos de cerâmica são queimadas em sua
madeira feitos à mão própria disparou fornos em seu jardim. As obras
são verdadeiramente seu nicho original de torsos, formas clássicas com
padrões impressa, e algumas com um elemento quase místico de asas
de anjos. Seu trabalho também incluem suas aves muito característica, que tem uma qualidade amorosa. Seus conceitos estão sempre em
desenvolvimento, tornando este um artista de manter um olhar atento
sobre. Ela nasceu em Bollnäs, 1967. Em 1983 ela se mudou para Årjäng na bela região de Värmland no oeste da Suécia, onde vive com
sua família e tem seu ateliê de cerâmica.
Louvren Angel
Handmade ceramic sculpture woodfired
72 x 55 cm
I discovered papermaking after having worked
with textile. Years of experience have released
my own expression. The “second skin” appearance as a result of the shrinkage from well
hydrated pulps gives me endless possibilities
for my works.
Kerstin Svanberg
kerstinsvanberg
@hotmail.com
In this exhibition I show an installation of my
shields with dots, sometimes surrounded by
a network of hexagons - for sure in dialogue
with the hexagonal glucose molecules building
up the cellulose fibres. Modern life demands
protective shields.
www.kerstinsvanberg.se
Descobri fabricação de papel depois de ter trabalhado com têxteis. Anos de experiência lançaram
minha própria expressão. A “segunda pele” aparência como resultado da retração de polpas bem hidratado me dá infinitas possibilidades de minhas obras.
Nesta exposição eu mostro uma instalação do meu
escudos com pontos, às vezes cercado por uma
rede de hexágonos - com certeza em diálogo com
as moléculas de glicose edifício hexagonal até as fibras de celulose. A vida moderna exige escudos de
proteção.
Shields
2006 - 2009
Installation of seven objects
Handmade linen paper, pigments
203 x 125 x 5 cm
Hipócrates, ‘pai da medicina’, uma das figuras mais importantes da
história da saúde, escreveu: “Que seu remédio seja seu alimento,
e que seu alimento seja seu remédio”.
Adriana Tabalipa
[email protected]
A arte contemporânea alimenta-se, ora também do cotidiano subjugado à sensação de que o mundo da natureza, como espaço
de reconhecimento primitivo, passa ao largo dos movimentos e
sensações do corpo inserido ao seu espaço real, hoje tecnológico
e hiper-comunicativo. A realidade sensível ultrapassa a fronteira
do reconhecimento do indivíduo em sua esfera comunicável e de
domínio, seja interior ou externa.
Adriana Tabalipa sob a perspectiva do resíduo e da síntese imagética, da referência de caixas e “blísteres” de medicamentos
farmacêuticos, formula o campo da Arte a fim de que a ‘dose’ de
sua inserção à vida seja precisa e não se torne veneno. Constrói
espaço à reflexão formulada também por Hipócrates de que ‘a arte
é longa e a vida é breve’, ainda que o fim da arte nos sonde de
perto nas reflexões de Hans Belting e Arthur Danto.
Nestas obras, conceito e expressão formal são flexionados para
construir e materializar vida em arte e vice-versa, pois no refugo da
sobra que é também excesso, encontramos a pertinente “quimera”
do equilíbrio espelhado e luminoso do papel ‘estanhado. Ou será
‘estranhado’?
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AjAx Afonso José Afonso
Formado em Direito pela Pontifícia Universidade Católica do Paraná
(PUC/PR). Esspecialista em Direito Público. Cursou História pela
Universidade Federal do Paraná (UFPR). É Pós-graduando em
História da Arte Moderna e Contemporânea pela Escola de Música
e Belas Artes do Paraná (EMBAP).
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In a time of abundance, clutter and cacophony, the void gets
a meaning.
Annika Thörn Legzdins’ relation to photography is direct.
She uses it to convey a feeling, a story, a personal reality
reasonably based on autobiographical material.
Many of her works originate from nature. She focuses on
our view of nature as a virgin state, a primitive state. There
is a certain link in her work that can be traced back to landscape painting in the Nordic romantic tradition. Much as it was
some two hundred years ago, she attempts to investigate the
mysteries of human existence, using nature as a basis.
Annika Thorn
Legzdins
Annika Thörn Legzdins was born 1965 and lives and works
in Stockholm, Sweden. She has an MFA from the University
College of Arts, Crafts and Design in Stockholm. She is represented by Swedish Photography in Berlin.
Born 1965 in Stockholm, Sweden
[email protected]
www.legzdins.se
Em um momento de desordem, abundância e cacofonia,
o vazio é um significado.
Relação Annika Thorn Legzdins ‘para a fotografia é direta.
Ela usa-o para expressar um sentimento, uma história, uma
realidade pessoal razoavelmente com base no material
autobiográfico.
Muitas de suas obras são provenientes da natureza. Ela
concentra-se em nossa visão da natureza como um estado
virgem, um estado primitivo. Há um determinado link em seu
trabalho que pode ser rastreada até a pintura de paisagem na
tradição nórdica romântico. Tanto quanto era cerca de duzentos anos atrás, ela tenta investigar os mistérios da existência
humana, usando a natureza como uma base.
Annika Thorn Legzdins nasceu 1965 e vive e trabalha em
Estocolmo, Suécia. Ela tem um MFA da University College of
Arts, Crafts e Design, em Estocolmo. Ela é representada pela
fotografia sueco, em Berlin.
State of Decomposition
2011
C-print on aluminium
120 x 120 cm, edition of 5 + 2 AP
Inger Thurfjell
[email protected]
www.inger.thurfjell.se
After high school I wanted to apply for art schools. But it took some
years and some training for me to get there. I work primarily twodimensionaly with oil painting, enamel, graphics, fabric printing and
screen printing. I was Born 1958 in Gällivare and raised in Piteå.
Since adulthood I have lived in Luleå. I am a mix of forest Sami,
farmers in the Torne Valley and fishermen / boat builders from the
coast. I have always had dogs around me, among many things
because I like their social interactions and straight honest
communication. Therefore I have two king poodles, they are among
my best friends. My artistic expression focuses on the existential
processes of life and living. For me image creation has a symbolic
meaning, it resembles a communicative process that runs through
lifes various inner rooms.
Together We Are The Same
2012
147 x 147 cm
Mirkka Tiirinen
[email protected]
www.mirkkatiirinen.net
All existence and human life still amaze me. I observe experiencing of life, feeling the experience, different standpoints
in life and existence, different truths and realities. What kind
of reality do we believe in or want to believe? My works are
connected with each other in some respect, as in living organism
every particle is connected as a whole. At first small fragments
may seem to be separate, but in the end they form continua.
I feel like an explorer who attempts to survey unknown ways
of being, unknown districts and languages. Telling about those
entities may give more joy, hope or understanding for the
listener – and maybe wake up or remind to listen to life again,
openly, without made up theories, humbly before the versatility
of existence. What is human’s place in all this, in this infinity?
Everything in life is breathing and changing. Likewise I want to
use different materials and techniques that seem to fit the best
for each work. I mingle with and about abstract and figurative
art, without forgetting language and symbolism.
Collection I
2010
Series of 4 objects, plexiglass, canvases, fishing-line, iron wire, pins
á 15,5 × 15,5 x 15,5 cm
Introduction about my art
Wilma Touru
[email protected]
www.kuvataiteilijamatrikkeli.fi/fi/taiteilijat/1786
To me the painting process is holistic, involving all aspects
of my being. The intensity of my paintings and presence
in the works is both sensed and recognised. Painting is a
natural choice for me, through which I speak to people, based
on my own life experiences. A spontaneous, intuitive approach is
essential to me as an artist.
Gilt On Grey
Acrylic
50 x 50 cm
Timo Partanen
[email protected]
www.timopartanen.info
In the beginning I recall things and circumstances. After a while
the recollection will turn hazy and I won’t pay too much attention
to it. The world feels like new: things I have seen and things I have
imagined overlap and come together. That’s my creative moment.
A quiet world at twilight.
My drawings and paintings are often dark. They represent landscapes or parts of them reduced to their simplest idioms. The work
presented at the BELA 2012 originates from a series of indian ink
drawings. This technique allows me to experiment both drawing and
painting, which I often combine in my works.
Maisema
2007
Indian ink
105 x 125 cm
Swedish painter Åsa Peck lives and works in Västerås, Sweden.
Åsa Peck
She is fascinated by structure, layers and rhythm. Her paintings are
nature inspired abstractions that often give a feeling of the woods in
the middle of Sweden that she explored as a child. Another part of
her interest is to mix old memories with new layers of paint and let
structure and nature make a new expression.
[email protected]
www.asapeck.se
Åsa Peck é pintor sueco e vive e trabalha em Västerås, Suécia.
Ela é fascinada pela estrutura, camadas e ritmo. Suas pinturas
são da natureza abstrações inspiradas que muitas vezes dão uma
sensação de floresta no meio da Suécia que ela explorou como uma
criança. Outra parte do seu interesse é mix memórias mais antigas
com novas camadas de tinta e deixe estrutura e natureza fazem
uma nova expressão.
Dammen / The Pond
Mixed media
110 x 140 cm
Carla Perli, is a Brazilian artist, born in São Paulo, 1976.
From an early age she showed aptitude for arts, and attended
courses in drawing and painting. After graduating in Architecture and Urbanism, she moved to Barcelona, where decided
to dedicate herself to painting. Back to São Paulo, started contemporary painting lessons at MUBE - Brazilian Museum of
Sculpture – and later at Collegio das Artes, with Paulo Whitaker, Eduardo Werneck and other exponents of Brazilian contemporary painting.
Carla Perli
[email protected]
Carla works with the fusion of monochromatic paintings, figurative objects and abstract expression. In her canvases, it`s
possible to see the formation of architectural elements, structures, spaces, places and physical sensations that reflects her
routine, her experience of life and her moments of creative
insight.
www.saatchionline.com/
carlaperli
Carla Perli é brasileira nascida em 1976, São Paulo. Desde
muito cedo demonstrou aptidão para as artes plásticas e frequentou cursos de desenho e pintura. Após a graduação em
Arquitetura e Urbanismo, muda-se para Barcelona onde decide dedicar-se mais à pintura. Na volta a São Paulo passa
a frenquentar as aulas de pintura contemporânea no MuBE
– Museu Brasileiro de Escultura – e, posteriormente, no Collegio das Artes, com Paulo Whitaker, Eduardo Werneck entre
outros expoentes da pintura contemporânea brasileira.
Carla trabalha a fusão entre monocromia, objetos figurativos e
expressão abstrata. Em suas telas vemos a formação de espaços, estruturas, elementos arquitetônicos, lugares e sensações físicas refletindo seu cotidiano, sua experiência de vida
e seus momentos de introspecção criativa.
Horizonte / Horizon
2004
Charcoal and acrylic on canvas / Carvão e acrílico sobre tela
140 x 112 cm
Tarciso Viriato is a color designer - his brush writings go from A to Z, passing through
the most diverse chromatic level, leaving behind concerns or consistencies imposed
by the academy in the way. His paintings are abstract explosive maps, embroidered
patches
strengthened with black lines that define the tension, providing the sensations of
multiple forms of perception.
With the large arrangements he manages to amplify even more the striking wildness
caused by the uninhibited (but controlled) way of his mind rainbow. The crosses are
traces that have become a pattern in almost all his art pieces and that in the set of
works rise almost like an obsession.
It’s in the name of the sign of the cross that the artist finds a way for another personal
visual maneuver. He doesn’t worry if the crosses may evoke crucifixion, death or any
other symbol from emblematic cultures. We cannot forget that he lies in the cross of
modernity that Lúcio Costa invented – in these lines of axis and small scissors are the
place where Tarciso sees himself crucified and where the inspiration for building his
burnings poems comes from.
Tarciso Viriato
tarciso@
tarcisoviriato.com
From his work set is evident how his inventive universe turns out to be latent, always
with the eyes opened to its time.
Glenio Lima, visual artist
www.tarcisoviriato.com
Tarciso Viriato é um desenhista da cor – sua escrita com os pinceis vão de A a Z,
transitando nos diversos níveis cromáticos sem se importar com regras ou coerências
impostas pela academia. Sua pintura são mapas abstratos explosivos, são retalhos
bordados reforçados com linhas negras que definem as tensões e permitem as sensações de múltiplas formas de percepção.
Com os grandes formatos ele consegue ampliar ainda mais a _selvageria_ impactante
causada pela maneira exacerbada (mas controlada) do seu arco-íris mental. As cruzes
são uma marca que se tornou uma constante em quase tudo que faz e que nesse conjunto de obras surgem quase como uma obsessão.
É em nome do sinal da cruz que o artista acha um jeito para mais uma de suas manobras visuais. Ele não se inquieta se as cruzes possam suscitar crucificação, morte ou
qualquer outro símbolo de emblemáticas culturas. Não podemos esquecer que ele
habita na cruz
da modernidade que Lúcio Costa inventou – são nessas linhas de eixos e tesourinhas
que Tarciso se vê crucificado e de onde retira a inspiração para a construção de suas
poesias incandescentes.
A partir do conjunto de suas obras fica evidente o quanto seu universo inventivo se
mostra latente, sempre com olhos aberto para o seu tempo.
Glenio Lima, artista plástico
S
2011
Acrylic on wood and canvas / Acrilico e madeira sobre tela
150 x 150 cm
Joonas Vähäsöyrinki
joonas.vahasoyrinki
@dnainternet.net
www.joonas
vahasoyrinki.com
Joonas Vähäsöyrinki, M.A. (Art and Design), lives in
Oulunsalo in northern Finland. He works as a freelance
artist and art teacher in Oulu. Vähäsöyrinki studied art
in the Faculty of Art and Design, University of Lapland,
Rovaniemi. He gained his Master’s degree in1998. Joonas
Vähäsöyrinki was invited to present his work in the biennial
TAITEILIJAT-2010 exhibition in Tampere, which is
one of the most significant forums of modern art in
Finland. Vähäsöyrinki is a candidate member of Finnish
Painters´Union and a member of Oulu Artists’ Association.
Joonas Vähäsöyrinki paints, draws, engraves and designs.
His works often combine several techniques of visual art.
They are based on solid drawing enhanced by painting.
Some of the works are three-dimensional. The artist finds
his motifs in nature, in the built environment and in people.
For Vähäsöyrinki, light is an element for visual representation. He is inspired by light, shadow, rhythm, colour and
atmosphere. In painting human beings, the artist is
intrigued by the challenge of portraying likeness as well
as feelings and thoughts. He has painted many formal
portraits. Vähäsöyrinki also paints vignettes about the
everyday life of families and children.
Spectators
2011
100 x 100 cm
Brita Weglin
[email protected]
www.britaweglin.se
Female Comforter (detail)
Serigraph & Embrodery
100 x 215 cm
AIDÊ ZOREK is undergraduate in Painting by the School of
Music and Fine Arts of Paraná (EMBAP – Escola de Música e
Belas Artes do Paraná) and attends graduate specialization in
History of Modern and Contemporary Arts at the same institution.
The trajectory of the artist, in the last six years, demonstrates
her commitment and constant efforts to produce art, as
evidenced by the participation in national and international
salons, shows and exhibitions, where her work has been
recognized through awards obtained in several of those events.
Aidê Zorek
Her research is based in the search of the impression of
an image realized as an insight, the snapshot that will not
repeat, since, in the time line, it becomes part of the past. This
search uses the concepts of random and impromptu, allowing
in the gesture of her painting, through spots and interventions,
unique moments to be translated. In the view of the artist, these
moments only can be felt and experienced for that particular
image in that particular instant.
[email protected]
http://davincigallery.net/
art/aide_maria_zorek.html
AIDÊ ZOREK é formada em Pintura pela Escola de Música e
Belas Artes do Paraná (EMBAP) e cursa Especialização em
História da Arte Moderna e Contemporânea na mesma instituição.
A trajetória da artista, nos últimos seis anos, demonstra seu
comprometimento e empenho constante em produzir arte,
como fica evidenciado pela participação em salões, mostras e
exposições nacionais e internacionais, onde seu trabalho tem
sido reconhecido através de premiações obtidas em diversos
desses eventos.
Sua pesquisa se baseia na busca da impressão de uma imagem percebida como em um insight, o recorte instantâneo que
não se repetirá já que, na linha do tempo, passa a fazer parte
do que já existiu. Essa busca utiliza os conceitos de acaso
e improviso, permitindo que na gestualidade de sua pintura,
através de manchas e intervenções, sejam traduzidos momentos únicos. Na visão da artista, esses momentos só podem ser
sentidos e vividos para aquela imagem em particular naquele
determinado instante.
O Sim
120 x 90 cm
José Antonio de Lima pintava, amassava diversos materiais,
turava, modelava, costurava, esculpia com papel e arame,
tecido, terras ou limalhas de ferro; mas um dia estas formas
num momento anterior, tinham saído do plano para o espaço
mensional da escultura e dos volumes, quiseram alçar vôo.
miscom
que,
tridi-
Suas formas lhe solicitavam espaço, o grande espaço ao ar livre, e
foi assim, em 2002, que o artista liberou tudo isso as colocando na
liberdade total do espaço aberto; como nuvens, eram recortes brancos no céu azul, refletidas no espelho d’água de um lago. O artista
que já havia dialogado com o tempo, agora conquistava o espaço.
José Antionio de Lima
O espaço é fluido, multiforme em eterna metamorfose, escravo do
tempo. Nesta exposição, José Antonio pretende buscar a perenidade da forma no espaço, as (im)permanências. Os papéis, os tecidos, os materiais vulneráveis, dão lugar aos metais, ao alumínio, ao
latão ou ao ferro galvanizado. Nada se perdeu do processo contínuo de seu trabalho, estamos agora numa outra etapa. As metamorfoses mostram que tudo pode se transformar em tudo em direção a
um centro do “inespacial” e do intemporal, talvez do invariável também; mas aqui ele mostra que tudo é temporal e só podemos perceber as coisas através da mediação do espaço e do tempo (Kant).
Se por um lado ele obedece às exigências de sua obra, por outro,
recusa o discurso retórico; o que lhe interessa é a simplicidade das
modulações do espaço entre os cheios e os vazios, dada pelo tecido tensionado nas estruturas de ferro. “Do casulo à borboleta”, diz o
artista. Um silêncio vivo em escala monumental, agora solidificado
pelo metal.
Fernando A. F. Bini
Associação Brasileira de Críticos de Arte (ABCA/PR)
Julho de 2011
INTERNATIONAL ART BIENNAL
Rua Dom Manuel II Jardins do Palacio - Porto, Portugal

GALERIA DO PALACIO

Transcrição

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