Abendprogramm

21.03.
2016 20:00
Grand Auditorium
Lundi / Montag / Monday
Grands orchestres
Los Angeles Philharmonic
Gustavo Dudamel direction
Sergio Tiempo piano
John Williams (1932)
Soundings (2003)
The Hall Awakens
The Hall Glistens
The Hall Responds
The Hall Signs
The Hall Rejoices
12’
Alberto Ginastera (1916–1983)
Concerto pour piano et orchestre N° 1 op. 28 (1961)
Cadenza e varianti
Scherzo allucinante
Adagissimo
Toccata concertata
25’
—
Andrew Norman (1979)
Play: Level 1
13’
Aaron Copland (1900–1990)
Appalachian Spring. Suite (1944)
Very slowly
Fast
Moderate
Quite fast
Still faster
Very slowly
Calm and flowing
Moderate
20’
Americana!
Franck Mallet
Venu de la côte ouest, le Philharmonique de Los Angeles – le
«L.A. Phil» comme il se nomme désormais –, a largement participé au renouveau de la musique classique depuis qu’en 2003,
sous la direction de son chef d’alors, le Finlandais Esa-Pekka
Salonen, il inaugurait le Walt Disney Concert Hall avec un programme qui, bien que peu révolutionnaire, prophétisait un
avenir radieux à la musique symphonique. Avec Lux aeterna de
Ligeti, La Question sans réponse de Ives et Le Sacre du printemps
de Stravinsky, c’était l’image même d’un 21e siècle qui, au-delà
des modes et des styles si bigarrés qui se superposaient au siècle
précédent – sans qu’aucun ne prédomine –, affichait la pétulance
d’une liberté reconquise. Tout en cultivant près de trois siècles
d’un répertoire du passé pour l’orchestre, le L.A. Phil s’est ouvert
à des sonorités neuves, issues non seulement de la «vieille»
Europe et ses contrées les plus reculées, mais également d’Asie,
sans oublier de relier les deux Amériques. En 2009, avec le successeur d’Esa-Pekka Salonen, Gustavo Dudamel, jeune Vénézuélien de vingt-six ans qui, au cours des trois saisons précédentes, avait déjà eu la possibilité de se familiariser avec la formation, l’Orchestre entrait dans une ère iconoclaste, s’attirant un
public plus jeune, friand de nouveautés et de raretés. En jouant
et enregistrant avec succès la musique de Bernard Herrmann à
la tête de l’Orchestre, Esa-Pekka Salonen montrait en outre que
la musique de film avait également sa place dans une lignée
symphonique, pourvu qu’on l’interprète avec autant d’exigence
qu’une partition du grand répertoire, de Beethoven à Mahler.
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La descendance de Herrmann
Complice du réalisateur Steven Spielberg depuis les années
soixante-dix, de Sugarland Express (1974) à The BFG («Le Bon Gros
Géant») – sortie prévue en 2016 –, en passant par Les Dents de la
mer, Rencontres du troisième type, Les Aventuriers de l’arche perdue,
E.T., Indiana Jones, Lincoln et tant d’autres, le compositeur, chef
d’orchestre et pianiste John Williams (né en 1932) est l’une des
figures du renouveau musical du cinéma hollywoodien. Son
atout? Un travail sur les masses orchestrales, avec un usage
généreux des cuivres, à l’instar de Herrmann. Sa formation musicale passe par la pratique d’un instrument, tout d’abord le piano,
puis le trombone, le tuba et la trompette. Dès l’âge de quinze
ans, il dirige sa propre formation de jazz et compose une première sonate pour piano à dix-neuf ans. Ses études musicales
le mènent du Los Angeles College à la Juilliard School de New
York. Arrangeur et pianiste de studio pour le cinéma et la télévision, il collabore avec de nombreux musiciens et comédiens de
cinéma, comme Vic Damone, Doris Day et Barbara Ruick – qu’il
épouse, en 1956. Dès 1971, son adaptation d’Un violon sur le toit,
classique du théâtre musical yiddish de Broadway des années
soixante, lui vaut un Oscar.
Parmi un abondant catalogue destiné au concert, Soundings a été
composé en 2003. Le compositeur en dirigea lui-même la création mondiale… à la tête de l’Orchestre philharmonique de
Los Angeles, au Walt Disney Concert Hall, le 25 octobre 2003.
Rétrospectivement, il écrivit qu’avec cette œuvre, il avait voulu
tester l’acoustique de la nouvelle salle de concert, en privilégiant
une grande variété de coloris. Bien qu’en un seul mouvement,
elle voit s’y succéder cinq sections. «La salle se réveille», la première, débute par quatre mesures de silence pour «symboliquement, signifier la salle au repos». Les flûtes brisent ce silence par un
murmure dans leur registre le plus bas, qui s’envole et s’amplifie
comme une nuée d’oiseaux –, suivi par une péroraison exacerbée des cors et des cuivres, puis un ample mouvement de cordes
à l’unisson.
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La section «La salle scintille» met en jeu un ensemble de percussions aux sonorités chatoyantes, suggérant d’étincelants éclairs
lumineux du soleil se réfléchissant sur les parois métalliques du
bâtiment – conçu par Frank Gehry. Dans la troisième section,
«La réponse de la salle», le compositeur a imaginé que le lieu luimême, grand volcan de métal, devenait l’interprète de la partition. Introduit par la flûte solo, l’orchestre répond de part et
d’autre de la salle, tandis que les quatre autres flûtistes partagent
et multiplient à l’infini le chant de leur collègue. Au cours de
la quatrième section, «La salle chante», le compositeur imagine
une suite d’accords harmonieux qui vibrent au-dessus du public,
autant qu’ils entrent en résonance avec la configuration particulière du lieu.
Pour la cinquième et dernière section, «La salle se réjouit», le
compositeur propage à tout l’orchestre le sonal qui retentit à
l’entracte, comme lui a suggéré Deborah Borda, présidente et
administratrice de l’Orchestre, pour signaler au public qu’il
est temps de reprendre sa place. Cinq appels distribués à toutes
les sections de l’orchestre, des cordes à la percussion, en passant
par les vents et les cuivres car nous sommes dans la descendance
de Bernard Herrmann, et l’orchestre est toujours à la fête avec
John Williams.
Des «sons mystérieux et magiques»
Avec Astor Piazzolla, Alberto Ginastera est le compositeur argentin le plus connu au-delà des frontières de l’Amérique latine. Né
à Buenos Aires, en 1916, il fut formé au Conservatoire national
avant d’y enseigner lui-même jusqu’en 1962. Influencé tour à
tour par Franck, Prokofiev, Stravinsky et Bartók, le compositeur
revendique également son appartenance au folklore national,
au point de distinguer au sein d’un catalogue constitué d’une
cinquantaine d’œuvres, trois périodes: la première, marquée par
un «nationalisme objectif» – celle où l’on perçoit avec le plus
d’évidence la prégnance du folklore –, la seconde, qualifiée de
«nationalisme subjectif» – qui s’ouvre sur le langage avant-gardiste
d’après-guerre – et la troisième, «néo-expressionniste», où le folklore devient source d’étrangeté sonore, conférant un aspect origi6
nal et fantastique à l’écriture. Le succès vint avec la création de
son premier ouvrage lyrique Don Rodrigo, créé à Buenos Aires
en 1964, puis repris deux ans plus tard aux États-Unis, suivi de
deux autres opéras, Bomarzo (1967) et Beatrix Cenci (1971), créés
à Washington.
Auteur de deux concertos pour piano, Ginastera voit la création
du premier, également à Washington, à l’occasion du second
InterAmerican Music Festival, en avril 1961. Au cours de cette
même manifestation fut créée sa Cantata para América mágica,
pour soprano et orchestre de percussion. Commande de la
Fondation Serge Koussevitzky, et dédié à la mémoire du chef
d’orchestre et de son épouse Nathalie, le Concerto pour piano N°1
est en quatre mouvements. À l’époque, le musicien note: «On ne
trouve pas ici de cellules mélodiques ou rythmiques d’inspiration populaire. Néanmoins, des éléments argentins typiques, tels que certains forte,
des rythmes obsessionnels et des adagios méditatifs, peuvent suggérer le
calme des Pampas. Un ensemble de sons mystérieux et magiques qui rappelle la nature spécifique du pays.» Avec l’indication «Tutte forza,
con bravura», l’entrée du piano au 1er mouvement «Cadenza
varianti» montre le souci esthétique de Ginastera, qui privilégie
une sonorité dramatique de l’instrument soliste, comme la voix
de l’un des protagonistes de ses ouvrages lyriques: d’ailleurs, la
sonorité du piano prime sur l’orchestre.
Plus disert, l’orchestre dévide seul sa pelote au cours du second
mouvement, «Scherzo allucinante», avant que n’apparaisse le
piano, qui aussitôt réduit à quia la masse qui l’entoure. Avec
un minimum de moyens, Ginastera crée ce monde irréel et fantomatique grâce à la suavité d’un clavier qui passe d’un jeu
«piano» à «pianissimo». Le troisième mouvement, «Adagissimo»,
confronte le ruissellement du clavier au commentaire réservé
de l’orchestre. Le finale «Toccata concertata», peut-être le plus
éminemment «bartokien» des quatre, est un morceau de bravoure, tant pour le piano solo que pour l’orchestre, avec son
robuste rythme de danse – le «malambo» argentin –, distribué
aussi bien à la percussion du soliste qu’à celle de l’orchestre. Ici,
et seulement ici, on dialogue d’égal à égal, dans un corps-à-corps
sans vainqueur ni vaincu.
«Comme dans un rêve»
Né à Grand Rapids, dans le Michigan, en 1979, Andrew Norman
a étudié à l’Université de Californie du Sud (Los Angeles) ainsi
qu’à Yale (New Haven, Connecticut). Parmi ses professeurs, on
relève les noms d’éminents compositeurs tels Aaron Kernis
(Musica instrumentalis, Colored Fields, Symphony in Waves), Ingram
Marshall (Fog Tropes, Alcatraz, Kingdom Come) et Martin Bresnick
(Quatuor à cordes n° 2, The Bucket Rider, Be Just !). Architecturée
avec précision, son écriture brillante privilégie les rapports de
timbres, avec une touche humoristique – qualifiée par le L.A.
Times d’«esprit chaplinesque». En 2006, il obtient le Prix de Rome,
et trois ans plus tard, le Prix de Berlin. Après avoir été compositeur en résidence à New York («Young Concert Artists») et
Heidelberg (Allemagne), il est aujourd’hui attaché au programme
«Composer Fellowship» de l’Orchestre philharmonique de
Los Angeles. Soutenue par de prestigieuses formations, sa musique a bénéficié de la contribution de non moins fameux chefs
d’orchestre, tels que John Adams, Marin Alsop, Simon Rattle,
David Robertson et Gustavo Dudamel – qui dirigea justement à
la tête de son L. A. Phil la première mondiale de son concerto
pour piano Suspend, avec en soliste Emmanuel Ax, en mai 2014.
Destiné à un grand orchestre, Play: Level 1, créé à Boston, en
2013, est constitué de trois mouvements au rythme bigarré, dont
l’exubérance est à rapprocher de celle des jeux vidéo, comme le
précise le compositeur.
«J’aime l’idée que l’on puisse assister au processus de transformation du
son, ajoute-il à propos de Play: Level 1. Comme dans un rêve, où l’on
croit capter le sens de quelque chose alors que déjà l’idée s’est envolée ailleurs.»
Prière spirituelle ou blues nostalgique?
Puisant dans le langage vernaculaire qui l’entourait, Aaron Copland s’en servit abondamment, quitte à l’intégrer sans vergogne,
mais toujours avec goût, à son style. Issu d’une famille d’émigrés
juifs lituaniens, il étudie enfant le piano avec Victor Wittgenstein
et Clarence Adler. À partir de 1921, venu à Paris et à Fontainebleau suivre l’enseignement du pianiste Ricardo Viñes, il a la
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États-Unis d’Amérique, paysage des Appalaches
révélation de la musique française. Il devient ainsi l’un des premiers Américains à suivre les conseils de Nadia Boulanger:
«Je compris aussitôt que j’avais trouvé mon maître» dira-t-il, précédant
ainsi plusieurs générations d’Américains qui feront le voyage…
Outre la musique française, en particulier celle de Ravel, ses premières partitions sont également marquées par le jazz et le style
de Stravinsky des années trente. Qu’elle soit destinée à l’écran,
au ballet ou au concert, son œuvre est traversée de thèmes folkloriques qui reflètent l’immensité du territoire américain, d’El
Salon México à Appalachian Spring, de Billy the Kid à Rodéo.
Marqué par les œuvres de Kurt Weill et Bertold Brecht (Mahagonny Songspiel et l’Opéra de quat’sous) entendues lors de ses
voyages en Europe, entre 1927 et 1929, Copland, de retour en
Amérique, se lie au Group Theater de New York. Aux côtés de
personnalités aussi diverses que les dramaturges Maxwell Anderson et Clifford Odets, le comédien Lee Strasberg (futur fondateur de l’Actors Studio) et le cinéaste et homme de théâtre Elia
Kazan, il prend conscience d’un art ancré dans la réalité sociale
et politique spécifique de l’Amérique. Invité au Mexique, il est
marqué par les compositions de son confrère Carlos Chávez
(La Noche de los Mayas), inspiré par les rythmes populaires. Galvanisé par ce voyage et la polyrythmie qui pimente les partions
de celui-ci, il compose El Salón México, première pièce d’envergure
gorgée de mélodies et de rythmes mexicains. Associant langage
populaire et héritage moderniste européen, il prolonge ce style
en incluant dans son second ballet, Billy the Kid, des fragments
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de chansons de cow-boys. Désormais, c’est l’identité même de
l’Amérique qui façonne ses partitions, au point que souffle l’esprit du Far West sur cette écriture lumineuse, pleine de rythmes
et d’envolées lyriques.
Composée entre 1943 et 1944, et jouée pour la première fois
par l’Orchestre philharmonique de Los Angeles, sous la direction d’Alfred Wallenstein, en février 1946, la Suite d’Appalachian
Spring, étoffée pour grand orchestre par Copland en 1945, doit
son origine à un ballet pour treize instruments destiné à la danseuse et chorégraphe Martha Graham, qui souhaitait: «mettre en
scène une image mythique de la vie dans les régions reculées des EtatsUnis, avant la conquête de l’Ouest.» Commande de la célèbre
mécène Elizabeth Sprague Coolidge pour le festival de la Bibliothèque du Congrès, en 1944, l’œuvre abonde en mélodies généreuses, dont une seule, la chanson du vieux Shaker «Tis the gift
to be simple», n’est pas de la main de Copland. Le scénario original, dont le titre provient du cycle poétique The Bridge de Hart
Crane, et plus particulièrement du passage The Dance, fut considérablement modifié par la chorégraphe, qui déplaça l’action
dans le massif des Appalaches, en Pennsylvanie, pendant et après
la guerre de Sécession.
La Suite enchaîne huit sections sans interruption, autant d’épisodes festifs liés à l’achèvement de la maison d’un couple à la
veille de son mariage et la fondation d’une famille – chaque personnage renvoyant à des archétypes de la nation américaine,
mettant en jeu la notion de «pureté» face à la réalité de l’esclavage, des droits civiques des Noirs et de la guerre de Sécession.
Entre apaisement et réconciliation, le dénouement final évoque,
selon Graham:
«Une réunion de Shakers, avec ses mouvements étranges, comme hallucinés, ou bien l’église d’une communauté noire et le sentiment d’extase spirituelle qui y règne.» Prière spirituelle ou blues nostalgique? «C’est
mon passage préféré, déclarait Copland à la fin de sa vie: il faut une
sonorité très fine, sans archets, ronde et plaisante, sans distance, mais
doucement présente, comme un Amen.»
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An experimental piece
for Walt Disney Concert Hall
John Williams
First Los Angeles Philharmonic performance: October 25, 2003,
John Williams conducting (world premiere)
In writing Soundings, I’ve tended to think of it as an experimental piece for Walt Disney Concert Hall in which a collection of
colorful sonorities could be sampled in the Los Angeles Philharmonic’s new environment. The piece is in one extended movement and is divided into five sections.
In the first section, «The Hall Awakens», I decided to begin with
four measures of silence in order to, symbolically at least, capture the Hall in its quiescence. The flutes then break the silence
by murmuring softly in their lowest register. Horns and brass
sonorities follow, and an unaccompanied section of unison
strings allows us to test the Hall’s friendliness to that magnificent group.
This is followed by «The Hall Glistens», in which a full battery of
percussion and fully scored shimmering effects suggest glittering flashes of light that might emerge as the sun is reflected off
Frank Gehry’s great exterior «sails».
Earlier, as I admired the Hall and studied its interior, I wondered
what it might be like if the building’s brilliant exterior surfaces
could be sounded and the Hall actually «sang» to us. These
thoughts suggested the third section, «The Hall Responds», in
which the Hall itself becomes a partner in the music making.
The orchestra sounds a vibrant low D, and the Hall reverberates
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and responds. Three other great sails are sounded as the orchestra, led by the solo flute, sends messages that are returned to us
from various locations in the Hall.
In the fourth section, «The Hall Sings», the four great sail notes –
D, E, C-sharp, and B – reach their maturation and freely move
about the Hall as the orchestra supports them. They eventually
ascend and vanish above us as these vibrating units of sound
return to take their fixed molecular place in the building structure… at least, in our imaginations.
The piece closes with the fifth section, «The Hall Rejoices», and
here the orchestra celebrates with its full voice. The motivic
material for this finale comes from the suggestion of Los Angeles
Philharmonic President and Chief Executive Officer Deborah
Borda that I write a sequence for carillon bells that would be
sounded in the lobby to signal the end of intermission. To
accomplish this I’ve suggested five «call» notes (F-sharp, D-sharp,
F-sharp, G-sharp, F-sharp) supported by clusters and a six-note
group (G, G, F-sharp, A, D, B) that gently remind us that it’s
time to conclude our conversations and return to our seats. These
sequences of notes form the basis of the finale and the piece
closes with the Hall itself «chiming in» at the celebratory conclusion.
I feel honored to have been asked to write a work for one of the
inaugural concerts in Walt Disney Concert Hall, and a more
inspiring subject for music can’t be imagined.
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About the works
by Ginastera and Copland
John Henken
Ginastera: Piano Concerto N° 1
First Los Angeles Philharmonic performance: February 7, 1974,
Sidney Harth conducting, with soloist Jerome Lowenthal
Ginastera composed brilliantly in most genres – concertos, songs,
string quartets, piano sonatas, and a number of film scores –
but is best known for his early ballets Panambí and Estancia and
the operas Don Rodrigo, Bomarzo, and Beatrix Cenci. Argentine
folk songs and dances inspired and informed much of his music,
whether in direct reference or in stylistic allusion. Later in his
career he began to incorporate 12-tone techniques and avantgarde procedures into his music, ultimately reaching a synthesis
of traditional and post-serial elements.
One of his early 12-tone, neo-expressionist works was the Piano
Concerto N° 1, written in 1961 and premiered at the Second InterAmerican Music Festival in Washington, D.C., in 1961, along
with his Cantata para América Mágica for soprano and percussion orchestra. (It was commissioned by the Serge Koussevitzky
Music Foundation at the Library of Congress and dedicated
to the memory of Koussevitzky and his wife Natalie.) Of this
period in his music, Ginastera wrote: «There are no more folk melodic
or rhythmic cells, nor is there any symbolism. There are, however, constant Argentine elements, such as strong, obsessive rhythms and meditative adagios suggesting the quietness of the Pampas; magic, mysterious
sounds reminding us of the cryptic nature of the country».
This was also the time when Ginastera began his opera projects,
and his obsession with dramatic impulses is reflected in his con19
current interest in concerto writing in the last decades of his
life: two piano concertos, two cello concertos, and one each for
violin and harp. The dramatic character of the First Piano Concerto is immediately evident – the soloist’s entrance is marked
«tutte forza, con bravura» and the opening movement is basically
an accompanied cadenza, followed by ten phantasmagorical
variations (with markings such as «misterioso» and «irrealmente»)
and a coda.
The Scherzo allucinante (hallucinatory scherzo) is as enchanted
by the extreme soft side of the dynamic spectrum as the cadenza
was by the fortissimo side, full of ghostly piping and rappings in
the orchestra and feathery patterned passage work for the soloist. Beginning with a solo viola incantation, the Adagissimo is
one of those mysterious meditations that Ginastera mentioned,
though it does rise to an impassioned climax. The concluding
Toccata concertata is a manic metrical game, almost non-stop
but for a brief breath-catching lull, that rides rhythm to a ferocious final catharsis.
Copland: Appalachian Spring
First Los Angeles Philharmonic performance: February 28, 1946,
with Alfred Wallenstein conducting
Some of Copland’s most populist «American» music was produced during the Depression and war years, including the
overtly patriotic morale boosters Lincoln Portrait and Fanfare
for the Common Man. Appalachian Spring capped a trilogy of
dance interpretations of the American frontier spirit, beginning
with Billy the Kid (1938) and continuing with Rodeo (1942). This
was music that created the concert and theater equivalent of the
poignant «high lonesome» bluegrass sound emerging at the same
time, music of open chords and spare textures that often drew
on traditional sources.
Appalachian Spring was commissioned by Elizabeth Sprague
Coolidge for Martha Graham. Copland began work on Graham’s
then-untitled scenario in Hollywood in June 1943, complet20
photo: Mathew Imaging
Andrew Norman
Andrew Norman
Born: 1979, Grand Rapids, Michigan
«I love the idea of one sound transforming itself into something
else and watching that process unfold. It’s like a dream where
just as soon as you can grab onto something and say, ‹This is
this,› it’s already on its way to being something else.»
A graduate of Yale and the University of Southern California,
Andrew Norman counts among his teachers Martha Ashleigh,
Donald Crockett, Stephen Hartke, Stewart Gordon, Aaron Kernis,
Ingram Marshall and Martin Bresnick. He is the recipient of
the 2006 Rome Prize and the 2009 Berlin Prize, and has served
as composer-in-residence for Young Concert Artists in New York
and for the Heidelberg Philharmonic, which premiered his Theremin Concerto. He is currently composer-in-residence for the Los
Angeles Chamber Orchestra and the newly appointed director
of the Los Angeles Philharmonic’s Composer Fellowship Program.
Further listening: recordings of many of Norman’s work can be
heard online at andrewnormanmusic.com.
ing the ballet a year later in Cambridge, Massachusetts. «After
Martha gave me this bare outline, I knew certain crucial things – that it
had to do with the pioneer American spirit, with youth and spring, with
optimism and hope», Copland later wrote.
Graham took the eventual title from a poem by Hart Crane,
though not the narrative of an Appalachian housewarming for
pioneer and his bride. Copland originally scored the ballet for
an ensemble of 13 instruments, since the premiere was in the
small Elizabeth Sprague Coolidge Auditorium at the Library of
Congress (with Graham herself as the Bride, Erick Hawkins as
the Husbandman, and Merce Cunningham as the Revivalist).
In the spring of 1945 he arranged a suite from the ballet for full
orchestra, which won the Pulitzer Prize for music that year.
The Suite is cast in eight uninterrupted sections. It opens with a
slowly blooming introduction, which unison strings burst into
in an elated Allegro. The scenes that follow move from a warm,
gentle duet for the pioneering couple, through fleetly fiddling
dances for a revivalist preacher and his followers, to an animated
dance of anticipation for the bride. A transitional interlude
recalls the opening, before the Suite’s climax, a set of variations
on the Shaker hymn «Simple Gifts», which supported scenes of
rustic domesticity in the choreography. In the coda, the married
couple is left alone in their new home, with tender music that
bookends and fulfills the opening expectations.
Graham told Copland that she wanted the dance to be «a legend
of American living, like a bone structure, the inner frame that holds
together a people», and the ballet and its music were immediately
understood as reflections of a national identity, of hope and fulfillment in a difficult time. «The Spring that is being celebrated is not
just any Spring but the Spring of America; and the celebrants are not
just half-a-dozen individuals but ourselves in different phases», John
Martin wrote in his New York Times review.
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Ein Konzertsaal erwacht
John Williams: Soundings
Guido Fischer
Am 23. Oktober 2003 hatten L.A.’s Society-Reporter alle Hände
voll zu tun. Denn zur Gala-Eröffnung der von Star-Architekt
Frank O. Gehry entworfenen Walt Disney Concert Hall hatten
sich zahlreiche Hollywood-Stars angesagt. Dennis Hopper,
Steven Spielberg, Tom Hanks, Liza Minelli, Catherine Zita-Jones,
Warren Beatty – sie alle waren gekommen, um das neue Domizil
der Los Angeles Philharmonic mit seinen 2.200 Plätzen in
Augen- und Ohrenschein zu nehmen. Doch auch musikalisch
wurde natürlich aus dem Vollen geschöpft. Die große Jazz-Sirene
Dianne Reeves eröffnete den Konzertsaal mit der amerikanischen Hymne «Star-Spangled Banner». Und der damalige Chefdirigent und Vorgänger von Gustavo Dudamel, Esa-Pekka Salonen, hob mit seinem L.A. Philharmonic zwei Orchesterwerke aus
der Taufe, die zwei amerikanische Großmeister für diesen Anlass
komponiert hatten. Neben The Dharma at Big Sur von John Adams
stand Soundings von John Williams und damit von jener Komponistenlegende auf dem Programm, die mit ihren unzähligen
Soundtracks Filmmusikgeschichte geschrieben hat. Ob mit Star
Wars, Schindlers Liste, E.T., Der weiße Hai oder Indiana Jones. «Jeden
Film, den wir zusammen gemacht haben, hat John verwandelt und erhöht»,
so Steven Spielberg einmal über seinen Lieblingskomponisten.
Die L.A. Philhamonic und Williams kennen sich nicht nur dank
gemeinsamer Konzerte, bei denen er immer wieder als Dirigent
gastiert. Viele der Orchestermusiker haben auch bei seinen Soundtracks mitgespielt. Dementsprechend vertraut waren dem Orchester die 1001 schillernden bis opulenten Klangfarben, mit denen
Williams 2003 sein Orchesterstück Soundings gespickt hatte.
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John Williams
Dieses einsätzige, in fünf Abschnitte gegliederte Werk ist ein musikalisches Porträt der Walt Disney Concert Hall mit ihrer einzigartigen Architektur und beeindruckenden Akustik. Im ersten
Abschnitt «The Hall Awakens» erwacht der Konzertsaal aus einem
vier Takte langen Moment der Stille. Erst sind es die Flöten, die
mit sanftem Murmeln erklingen. Bevor sich die Blechbläser und
die Streicher hinzugesellen und quasi die Saalakustik einer ersten
großen Belastungsprobe unterziehen. Bei «The Hall Glistens» (dem
zweiten Teil) trumpft das Schlagzeug auf – wobei es immer wieder zu blitzartigen Klangeffekten kommt, für die sich Williams
von den Sonnenlicht-Reflexionen auf der äußeren Hülle des
Gehry-Baus inspirieren ließ. Auf den dritten Abschnitt «The Hall
Responds», in dem Williams die Innenarchitektur musikalisch
abtastet und beleuchtet (eine markante Rolle spielt die Solo25
Querflöte), folgt «The Hall Sings». Und dem vom ganzen Orchester ausgekosteten finalen Abschnitt «The Hall Rejoices» liegt ein
aus elf Noten bestehendes Glockenspiel-Motiv zugrunde, das
seitdem regelmäßig als Pausenzeichen in der Walt Disney Concert Hall zu hören ist.
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Stampede für zwei Hände
Alberto Ginastera:
Konzert für Klavier und Orchester N° 1 op. 28
Guido Fischer
«Komponieren bedeutet meiner Ansicht nach, eine Architektur zu schaffen… In der Musik entsteht diese Architektur in der Zeit… Wenn Zeit
vergangen ist, wenn das Werk sich entwickelt hat, bleibt im Geist ein Gefühl innerer Vollkommenheit zurück. Erst dann kann man sagen, dass
dem Komponisten die Schöpfung jener Architektur gelungen ist.» Dieses
künstlerische Selbstverständnis hat einmal der argentinische
Komponist Alberto Ginastera abgelegt. Und wie es sich für einen
Musiker gehörte, der verschiedenste Einflüsse schöpferisch verarbeitete, fielen seine Klangarchitekturen im Laufe seines reichen
Komponistenlebens immer wieder unterschiedlich aus.
Der 1916 in Buenos Aires geborene und 1983 in Genf verstorbene Komponist blieb zwar Zeit seines langen und produktiven
Lebens mit Herz und Seele Argentinier. Doch so intensiv und
fast standesgemäß er sich mit dem argentinischen Nationalstil
beschäftigte, so ungemein neugierig schaute er zugleich über die
Landesgrenzen hinaus und sog regelrecht die aktuellsten Musikströmungen aus Nordamerika und Europa auf. Zunächst sollte
die klassische Moderne um Debussy, Strawinsky und Bartók
wegweisend für seine Entwicklung werden.
Nach Kompositionskursen, die Ginastera ab 1945 im amerikanischen Tanglewood bei Aaron Copland belegt hatte, wurde er
in seiner Heimat immer mehr vom Geist der «Zweiten Wiener
Schule» sowie der Avantgarde infiziert. So finden sich in seiner
Oper Bomarzo (1966/67) neben mikrotonalen und aleatorischen
Passagen auch großflächige Klangballungen, die durchaus von
György Ligeti stammen könnten. Und als Gründer und Leiter
29
Alberto Ginastera um 1960
des Centro Latinamericano de Altos Estudios Musicales konnte
er als Dozenten gar Messiaen, Nono und Xenakis gewinnen.
Das Eintrittsbillet in diese Neue Musik-Szene hatte Ginastera 1958
mit seinem Zweiten Streichquartett komponiert und damit seine
dritte Schaffensperiode eingeläutet. Auf einen unmittelbar die
Volksmusik zitierenden «objektiven Nationalismus» (1937–1948)
und den «subjektiven Nationalismus» als eine Art Folklore Imaginaire (1949–1957) folgte eine nicht-nationale Periode, in der
sich Ginastera u.a. mit Polyrhythmik sowie Mikro- und Atonalität beschäftigte. In diese Phase fiel auch das Konzert für Klavier
und Orchester N° 1 op. 28, das im Auftrag der amerikanischen
Koussevitzky Foundation entstand und Serge und Natalie Koussevitzy gewidmet ist. Das im April 1961 in Washington uraufgeführte Konzert erinnert mit seiner robusten Rhythmik und elementaren Wildheit immer wieder auch an den Barbarismus eines
Serge Prokofjew und Béla Bartók.
Der Eröffnungssatz präsentiert sich ab den ersten Takten vollkommen ungestüm: Das Zwölf-Ton-Thema wird vom Orchester
mit aller Fortissimo-Macht vorgestellt, vom Klavier aufgegrif30
fen und mit auch irrwitzig virtuoser Pranke weiter- und ausgesponnen. Als nicht weniger spektakulär entpuppt sich das nachfolgende Scherzo allucinante, das sich in ständiger Bewegung und
Rasanz befindet – wenngleich es sich bis auf sporadische Explosionen doch nahezu durchgehend im Pianissimo-Bereich aufhält.
In vollends geheimnisvollere, dramatischere Tiefen taucht das
Adagissimo ab. Fast wie ausgedörrt wirkt nun nicht nur der Klavierpart. Auch der Streicherapparat versiegt jetzt im vierfachen
Pianissimo in einem Nichts.
Mit der Toccata concertata scheinen sodann endgültig alle Dämme
zu brechen. Klavier und Orchester befinden sich hier in einem
abenteuerlich aufregenden Kampf und Konflikt, der mit rigoroser und perkussiver Heftigkeit ausgekostet wird. Diese Toccata
sollte übrigens ein Jahrzehnt später zu ungewöhnlich neuen
Ehren kommen. Es war die die englische Progressive-Rockband
Emerson, Lake & Palmer, die in den 1970er Jahren mit einer
Rock-Fassung dieses Satzes erfolgreich die Festivals beschallte.
Und selbst Alberto Ginastera zeigte sich begeistert von dieser
Version. «Formidable» soll er ausgerufen haben, als Keith Emerson
ihm sein Arrangement vorgespielt hatte.
31
And the winner is…
Andrew Norman: Play: «Level 1»
Guido Fischer
Traditionell findet die jährliche Verleihung eines des weltweit
wichtigsten Musikpreises in Los Angeles statt. So auch 2016 am
15. Februar. Und weil bei den Grammy-Awards nicht nur PopSternchen ausgezeichnet werden, bekam jetzt Andrew Norman
in der Kategorie «Beste zeitgenössische klassische Komposition»
eine Trophäe überreicht. Das Boston Symphony Orchestra hatte
von ihm das dreisätzige Orchesterwerk Play eingespielt, das einen
furiosen Einblick in das Getriebe und Räderwerk eines riesigen
Orchesterapparates bietet.
Im Laufe seiner beachtlichen Karriere hat der 1979 in Michigan
geborene Komponist das Wesen und den Organismus eines
Orchesters nicht zuletzt dank Kooperationen mit den besten
Klangkörpern kennenlernen und studieren können. So hat er etwa
Werke für die Philharmoniker in Berlin, New York und Los Angeles, aber auch für das Züricher Tonhalle Orchester geschrieben.
Die drei symphonischen Play-Sätze sind in Anlehnung an ein
Videospiel mit «Level» betitelt. Ingesamt dauert die Aufführung
des gesamten Zyklus rund 45 Minuten. Aber laut Andrew Norman
können zumindest «Level 1» und «Level 3» einzeln aufgeführt
werden. Außerdem hat Norman folgende Anmerkungen der
Komposition zur Seite gestellt: «Ich bin davon fasziniert, wie auch
der körperliche Akt des Spielens geradezu eine theatralische Kraft entwickelt, wie man sie im Konzertsaal unmittelbar miterleben kann. Daher
bin ich stets begeistert, wie ein riesiges Orchester mit seinen vielen beweglichen Teilen und Gruppen sich in einem ständigen Mit- und Gegeneinander befindet. Bei Level 1 geht es vor allem darum, wer mit wem spielt. So
34
verbringen etwa die Schlagwerker viel Zeit damit, das restliche Orchester
zu ‹spielen› (so wie das Orchester vom Dirigenten ‹gespielt› und dieser
wiederum von der Partitur ‹gespielt› wird). Bestimmte Schlagzeuginstrumente fungieren dabei als eine Art Zügel, die dafür sorgen, dass ihre
Orchesterkollegen leiser oder lauter, schneller oder langsamer spielen.
Sie sorgen somit dafür, dass die Musik ständig in ihrer Erzählstruktur
hin und her, nach vorne und dann wieder zurück springt.» Daraus entwickelt sich ein atemberaubend packendes, vielschichtiges und
fulminant instrumentiertes Orchesterklanglabyrinth, auf das
man sich eben nicht nur als Ohren-, sondern unbedingt auch als
Augenzeuge einlassen sollte.
35
Eindeutig Made in USA
Aaron Copland: Appalachian Spring
Guido Fischer
Manchmal holt einen der Erfolg von gestern ungewollt wieder
ein. Wie im Fall von Aaron Copland, der sich seit Anfang der
1950er Jahre von seinen populärsten Werken distanziert und sich
auf das wenig breitenwirksame Parkett der Avantgarde gewagt
hatte. Als aber 1976 seine bereits 1942 komponierte Fanfare for
the Common Man bei den Olympischen Sommerspielen erklang,
war er plötzlich in aller Munde. Ein Jahr später landete dann die
Rockband Emerson, Lake & Palmer ebenfalls mit ihrem Arrangement der Fanfare einen weiteren Coup und garantierte Copland
über die sprudelnden Tantiemen einen finanziell noch sorgloseren Lebensabend. Denn im Grunde war der gebürtige New
Yorker mit seinen Werken aus früher Zeit nie ganz von den Konzertprogrammen verschwunden. Im Gegenteil. Nicht zuletzt mit
den von Jazz und Country infizierten Ballettmusiken Billy the
Kid (1938), Rodeo (1942) und Appalachian Spring (1944) waren
Copland Stücke geglückt, die beim Publikum wie bei der Kritik
gleichermaßen dauerhaft gefeiert wurden.
Speziell Appalachian Spring hat sich längst zu einer Art AllzeitHit der amerikanischen Moderne entwickelt. Den Anstoß für
dieses Werk hatte die amerikanische Mäzenin Elizabeth Sprague
Coolidge gegeben, die 1942 bei Copland ein neues Werk für die
berühmte Choreographin Martha Graham bestellte. Die Komposition zog sich jedoch hin, da u.a. Graham sich mit der Story
für das Ballett Zeit ließ. Am 29. Oktober 1944 konnte es endlich in Washington über die Bühne gehen. Wobei das Ballett erst
einen Tag zuvor seinen endgültigen Titel bekam. Copland hatte
bis dahin das Werk «Ballet for Martha» genannt. Graham ent36
Aaron Copland
schied sich nun für «Appalachian Spring». Der Titel geht auf eine
Gedichtzeile des amerikanischen Lyrikers Hart Crane zurück und
hat mit der Handlung des Balletts so gar nichts zu tun.
Die ursprünglich für 13-köpfiges Ensemble komponierte, erst
1954 auf Wunsch von Eugene Ormandy für großes Orchester
arrangierte Ballettmusik spielt zu Beginn des 19. Jahrhunderts
in den Hügeln von Pennsylvania, wo ein junges Paar ein neues
Heim bezieht. Mit einer sanften Melodie wird das Werk zum
Leben erweckt und trumpft fortan mit schmissigen Volkstanzrhythmen, idyllischem (Mahler-)Melos, hymnischer Weite und
sogar – in «Doppio movimento: Variations on a Shaker hymn» – mit
einer originalen Quäker-Melodie auf. Übrigens soll sich Copland
stets amüsiert gezeigt haben, wenn Zuhörer ihn für seine stimmungsvollen Klänge lobten, mit denen er die Atmosphäre in
den Appalachen eingefangen habe.
37
Los Angeles Philharmonic
Gustavo Dudamel
Music & Artistic Director
Walt and Lilly Disney Chair
Esa-Pekka Salonen
Conductor Laureate
Bing Wang
Associate Concertmaster
Mark Baranov
Assistant Concertmaster
Philharmonic Affiliates Chair
Akiko Tarumoto
Michele Bovyer
Mirga Gražinytė-Tyla
Assistant Conductor
John Adams
Creative Chair
Deborah Borda
President and Chief Executive
Officer
David C. Bohnett Presidential
Chair
First Violins
Martin Chalifour
Principal Concertmaster
Marjorie Connell Wilson Chair
Nathan Cole
First Associate Concertmaster
Ernest Fleischmann Chair
38
Rochelle Abramson
Camille Avellano
Elizabeth Baker
Minyoung Chang *
Vijay Gupta
Mischa Lefkowitz
Edith Markman
Judith Mass
Mitchell Newman *
Stacy Wetzel
Cheryl Norman Brick **
Aroussiak Baltaian **
Grace Oh **
Second Violins
Lyndon Johnston Taylor
Principal
Dorothy Rossel Lay Chair
Mark Kashper
Associate Principal
Kristine Whitson
Johnny Lee
Dale Breidenthal
Ingrid Chun
Jin-Shan Dai
Chao-Hua Jin
Nickolai Kurganov
Guido Lamell
Varty Manouelian
Paul Stein
Yun Tang
Suli Xue
Jason Uyeyama **
Ashoka Thiagarajan **
Violas
Carrie Dennis
Principal
John Connell Chair
Dale Hikawa Silverman
Associate Principal
Ben Ullery
Assistant Principal
Cellos
Robert deMaine
Principal
Bram and Elaine Goldsmith Chair
Ben Hong
Associate Principal
Sadie and Norman Lee Chair
Assistant Principal (Vacant)
Jonathan Karoly
David Garrett
Barry Gold
Jason Lippmann
Gloria Lum
Tao Ni
Serge Oskotsky
Brent Samuel
Basses
Dennis Trembly
Principal
Christopher Hanulik
Principal
Dana Lawson
Richard Elegino
John Hayhurst
Ingrid Hutman
Michael Larco
Hui Liu
Meredith Snow
Leticia Oaks Strong
Minor L. Wetzel
Oscar M. Meza
Assistant Principal
David Allen Moore
Jack Cousin
Brian Johnson
Peter Rofé
Frederick Tinsley
Joseph McFaddan **
39
Flutes
Denis Bouriakov
Principal
Virginia and Henry Mancini Chair
Andrew Lowy
David Howard
Amanda McIntosh **
Catherine Ransom Karoly
Associate Principal
Mr. and Mrs. H. Russell Smith
Chair
E-Flat Clarinet
Andrew Lowy
Elise Shope Henry
Sarah Jackson
Piccolo
Sarah Jackson
Oboes
Ariana Ghez
Principal
Bass Clarinet
David Howard
Bassoons
Whitney Crockett
Principal
Shawn Mouser
Associate Principal
Michele Grego
Patricia Kindel
Marion Arthur Kuszyk
Associate Principal
Anne Marie Gabriele
Carolyn Hove
English Horn
Carolyn Hove
Clarinets
Principal (Vacant)
Burt Hara
Associate Principal
40
Contrabassoon
Patricia Kindel
Horns
Andrew Bain
Principal
John Cecil Bessell Chair
Associate Principal (Vacant)
Gregory Roosa
William and Sally Rutter Chair
Amy Jo Rhine
Loring Charitable Trust Chair
Herbert Ausman
Jörgen Van Rijen **
Bass Trombone
John Lofton
Brian Drake
Reese and Doris Gothie Chair
Ethan Bearman
Assistant
Bud and Barbara Hellman Chair
Anna Spina **
Julie Erdmann **
Trumpets
Thomas Hooten
Principal
M. David and Diane Paul Chair
James Wilt
Associate Principal
Christopher Still
Ronald and Valerie Sugar Chair
Stéphane Beaulac
Trombones
Principal (Vacant)
James Miller
Associate Principal
Abbott and Linda Brown Chair
Tuba
Norman Pearson
Timpani
Joseph Pereira
Principal
Cecilia and Dudley Rauch Chair
Nicholas Stoup **
Percussion
Raynor Carroll
Principal
James Babor
Perry Dreiman
Alex Frederick **
Brent Kuszyk **
Gary Smith **
Keyboards
Joanne Pearce Martin
Katharine Bixby Hotchkis Chair
Gavin Martin **
43
Harp
Lou Anne Neill
Katie Kirkpatrick **
Librarians
Kazue Asawa McGregor
Kenneth Bonebrake
Stephen Biagini
Personnel Manager
Jeffrey Neville
Conducting Fellows
Matthew Aucoin
Adrien Perruchon
Jamie Phillips
* not on tour
** extra musician on tour
The Los Angeles Philharmonic string section utilizes revolving seating
on a systematic basis. Players listed alphabetically change seats
periodically.
In those sections where there are two principals the musicians share
the position equally and are listed in order of length of service.
The musicians of the Los Angeles Philharmonic are represented
by Professional Musicians Local 47, AFM.
44
Los Angeles Philharmonic
photo: Vern Evans
Interprètes
Biographies
Los Angeles Philharmonic
Sous la direction artistique et musicale de Gustavo Dudamel,
le Los Angeles Philharmonic connaît un renouveau en combinant œuvres phares et répertoires inexplorés. Aux États-Unis
et à l’étranger, l’orchestre se montre pionnier en matière de
répertoire innovant. 2015/16 marque sa 97e saison. Plus de 250
concerts sont joués ou présentés chaque année par l’orchestre
dans ses deux lieux emblématiques que sont le Walt Disney
Concert Hall et le Hollywood Bowl. Pendant sa saison d’hiver
de 30 semaines au Walt Disney Concert Hall, le LA Phil crée
des festivals, des résidences d’artistes et des programmes thématiques destinés à promouvoir la musique symphonique. Il
explore aussi l’œuvre de certains artistes ou compositeurs. Les
œuvres nouvelles sont présentes tout au long de la saison, au
sein de la très stimulante série Green Umbrella et dans les multiples commandes passées par le LA Phil. Depuis 2003, le LA
Phil siège dans l’incroyable Walt Disney Concert Hall conçu par
Frank Gehry, qui incarne l’énergie, l’imagination et l’esprit innovant de la ville de Los Angeles et de son orchestre. La salle est
vantée tant pour son architecture que pour son acoustique.
L’implication de l’orchestre dans la ville de Los Angeles va bien
au-delà des seuls concerts symphoniques puisque la formation
se produit aussi dans des écoles, des églises et dans des quartiers rassemblant diverses communautés. Parmi ses multiples
initiatives en matière pédagogique, citons le Youth Orchestra LA
(YOLA), inspiré par le révolutionnaire programme pédagogique
vénézuélien El Sistema. Le LA Phil et ses partenaires fournissent des instruments gratuitement, des cours de musique
47
intensifs et un soutien pédagogique à plus de 700 étudiants de
quartiers défavorisés. Toujours avide d’élargir son offre culturelle, le LA Phil propose chaque saison des concerts avec des
artistes de grande renommée, en récital, dans le domaine du
jazz et de la musique du monde; il accueille aussi des orchestres invités en plus des concerts spéciaux et des séries de musique de chambre, de récitals d’orgue et de musique baroque.
Grâce à un partenariat avec Deutsche Grammophon, l’orchestre
compte un catalogue conséquent de concerts disponible en
ligne. En 2011, le Los Angeles Philharmonic et Gustavo Dudamel ont reçu le Grammy de la meilleure prestation orchestrale pour leur enregistrement de la Quatrième Symphonie de
Brahms. Le Los Angeles Philharmonic a été fondé par William
Andrews Clark, Jr., fondateur du premier orchestre permanent
de la ville en 1919. Walter Henry Rothwell en est devenu le premier directeur musical, poste qu’il a occupé jusqu’en 1927.
Depuis, dix chefs d’orchestre réputés ont occupé ce poste:
Georg Schnéevoigt (1927–1929), Arthur Rodzinski (1929–1933),
Otto Klemperer (1933–1939), Alfred Wallenstein (1943–1956),
Eduard van Beinum (1956–1959), Zubin Mehta (1962–1978),
Carlo Maria Giulini (1978–1984), André Prévin (1985–1989), EsaPekka Salonen (1992–2009) et Gustavo Dudamel (depuis 2009).
Los Angeles Philharmonic
Unter der künstlerischen und musikalischen Leitung von Gustavo
Dudamel erlebt das Los Angeles Philharmonic eine entscheidende Erneuerung in der Erarbeitung von musikalischen Meilensteinen in Kombination mit unbekannten Werken. In den USA
ebenso wie im Ausland leistet der Klangkörper Pionierarbeit
bezogen auf das Repertoire. Die aktuelle Spielzeit ist die 97. des
Orchesters, das jährlich 250 Konzerte an seinen angestammten
Spielstätten anbietet, in der Walt Disney Concert Hall und in der
Hollywood Bowl. In seiner 30-wöchigen Wintersaison in der
Walt Disney Concert Hall, präsentiert das LA Phil Festivals,
Künstler Residencies und thematische Programme mit dem Ziel
der Verbreitung symphonischer Musik. Der Klangkörper wendet
sich auch der Entdeckung von Werken ausgewählter Künstler
48
und Komponisten zu. Im Rahmen der sehr ambitionierten Reihe
Green Umbrella werden die gesamte Saison über neue Werke
vorgestellt, darunter Kompositionsaufträge des LA Phil. Seit 2003
hat das LA Phil seinen Sitz in der unglaublichen von Frank Gehry
entworfenen Walt Disney Concert Hall, in der sich Energie, Fantasie und innovativer Geist der Stadt Los Angeles und seines
Orchesters spiegeln sollen. Gepriesen wird der Saal gleichermaßen für seine Architektur wie für seine Akustik. Die Ausstrahlung des Orchesters in die Stadt Los Angeles erfolgt nicht allein
über symphonische Konzerte, sondern wirkt auch direkt in Schulen, Kirchen und ganze Stadtviertel unterschiedlichen sozialen
Charakters hinein. Unter den diversen pädagogischen Initiativen
des Klangkörpers findet sich das Youth Orchestra LA (YOLA),
das inspiriert ist durch das in Venezuela entwickelte El Sistema.
Das LA Phil und seine Partner stellen etwa 700 Kindern aus sozial benachteiligten Vierteln kostenlos Musikinstrumente zur Verfügung, bieten Workshops und pädagogische Unterstützung.
Immer bestrebt, sein kulturelles Angebot zu erweitern, bietet
das LA Phil Saison für Saison Konzerte mit herausragenden Interpreten in Form von Recitals, aber auch Jazz- und WeltmusikProjekte; es empfängt Gastorchester in speziellen Konzertreihen,
präsentiert Kammermusik- und Orgel-Zyklen ebenso wie Reihen,
die sich speziell der Barockmusik zuwenden. Dank der Zusammenarbeit mit dem Label Deutsche Grammophon kann das Orchester auf einen umfänglichen Katalog von online-verfügbaren
Konzerten verweisen. 2011 erhielten das Los Angeles Philharmonic
und Gustavo Dudamel für ihre CD mit Brahms Vierter Symphonie
den Grammy für die beste Orchestereinspielung. Das Los Angeles Philharmonic wurde 1919 als erstes permanentes Orchester
am Ort durch William Andrews Clark, jr., gegründet. Walter Henry
Rothwell war der erste musikalische Leiter. Diesen Posten bekleidete er bis 1927. Zehn renommierte Chefdirigenten haben
inzwischen die Geschichte des Orchesters geprägt: Georg Schnéevoigt (1927–1929), Arthur Rodzinski (1929–1933), Otto Klemperer (1933–1939), Alfred Wallenstein (1943–1956), Eduard van
Beinum (1956–1959), Zubin Mehta (1962–1978), Carlo Maria
Giulini (1978–1984), André Prévin (1985–1989), Esa-Pekka Salonen (1992–2009) und Gustavo Dudamel (depuis 2009).
50
Gustavo Dudamel direction
L’infatigable engagement de rendre la musique accessible
à tous est devenu l’une des marques de fabrique de Gustavo
Dudamel. Tant dans le domaine symphonique que lyrique, il
enthousiasme les auditeurs de tous âges sur quatre continents.
Il est actuellement directeur musical et artistique du Los Angeles
Philharmonic, ainsi que directeur musical du Simón Bolívar
Orchestra of Venezuela. Même si ces deux postes occupent
la majeure partie de son temps, il est également invité à diriger dans le monde entier, des institutions musicales majeures
comme les Wiener Philharmoniker. Cette saison, son calendrier inclut plusieurs grandes productions lyriques: après La
Bohème à la Scala avec le Simón Bolívar Symphony Orchestra
en août dernier, il fera son retour à la Berliner Staatsoper
avec une nouvelle production des Noces de Figaro avant ses
débuts, en avril 2016, à la Wiener Staatsoper où il dirigera une
nouvelle production de Turandot. Au cours de sa septième
saison en tant que directeur artistique et musical du Los Angeles Philharmonic, il a vu son contrat prolongé jusqu’en 2021/22.
Sous sa direction, le Los Angeles Philharmonic a considérablement élargi le champ d’action de ses projets, nombreux
et variés, notamment grâce au Youth Orchestra Los Angeles
(YOLA) établi sur le modèle d’El Sistema au Venezuela. Avec
le YOLA, Dudamel apporte la musique à des enfants issus de
quartiers défavorisés de Los Angeles et impulse sans relâche
des projets similaires aux États-Unis et en Europe. Il entame
sa 17e saison en tant que directeur musical de l’ensemble du
projet El Sistema au Venezuela. C’est à ce titre qu’il dirige le
Simón Bolívar Symphony Orchestra au Venezuela ainsi qu’en
tournée. Sous contrat depuis 2005 chez Deutsche Grammophon, Gustavo Dudamel peut se prévaloir de nombreuses captations sous ce label, de même que de productions vidéo et
DVD qui immortalisent des moments décisifs de sa vie de
musicien. Il a également produit une intégrale de Wagner et
des symphonies de Beethoven avec le Símon Bolívar Orchestra, exclusivement disponibles en téléchargement. Dudamel
fait partie des chefs d’orchestre les plus récompensés de sa
génération. Parmi les nombreuses distinctions qu’il a reçues,
51
citons, récemment, le Leonard Bernstein Lifetime Achievement
Award for the Elevation of Music in Society der Longy School
en 2014, le titre de «Musician of the Year» décerné par Musical America en 2013 et le Gramophone Hall of Fame, l’Eugene
McDermott Award in the Arts au MIT 2010, le titre de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres 2009 ou encore le classement dans les «100 most influential people» par le Time Magazine. Au-delà de plusieurs titres de docteur honoris causa, il a
reçu le «Q Prize» de la Harvard University. Né au Venezuela en
1981, il a fait de l’idée de rendre la musique accessible à tous
sa pierre angulaire, autant que son credo artistique et sa philosophie de vie.
Pour plus d’informations: www.gustavodudamel.com.
Gustavo Dudamel Leitung
Sein unermüdlicher Einsatz dafür, Musik allen zugänglich zu
machen, ist zu einem Markenzeichen Gustavo Dudamels geworden. Sowohl im symphonischen Bereich als auch in der Oper
begeistert sein Musizieren Hörer aller Altersgruppen auf vier
Kontinenten. Aktuell ist er Music & Artistic Director des Los
Angeles Philharmonic und Music Director des Simón Bolívar
Orchestra of Venezuela. Während die mit diesen beiden Posten
verbundenen Verpflichtungen den größeren Teil seiner Zeit binden, ist Dudamel dennoch als Gastdirigent an den bedeutendsten Musikinstitutionen der Welt zu erleben, wie am Pult der
Wiener Philharmoniker. In dieser Saison weist sein Terminkalender gerade im Bereich der Oper herausragende Projekte aus –
begonnen bei einer Produktion von La Bohème an der Mailländer Scala mit dem Simón Bolívar Symphony Orchestra im vergangenen August, gefolgt von einer Rückkehr zur Berliner Staatsoper mit einer Neuproduktion von Die Hochzeit des Figaro und
im April 2016 schließlich sein Debüt an der Wiener Staatsoper
mit dem Dirigat einer Neuproduktion von Turandot. In seiner
siebten Spielzeit als Music & Artistic Director des Los Angeles
Philharmonic wurde Dudamels Vertrag jüngst bis zur Spielzeit
2021/22 verlängert. Unter seiner Leitung hat das Los Angeles
Philharmonic den Wirkungsradius seiner vielen und vielseitigen
52
Gustavo Dudamel
photo: Gerardo Gómez, Fundamusical
Projekte merklich erweitert, namentlich mit dem Youth Orchestra Los Angeles (YOLA) nach dem Modell des in Venezuela
entwickelten El Sistema. Mit YOLA bringt Dudamel Musik zu
Kindern in sozial benachteiligten Stadtteilen von Los Angeles
und gibt immer wieder den Anstoß für vergleichbare Initiativen
in den USA und Europa. Bereits die 17. Spielzeit ist er musikalischer Leiter des gesamten El Sistema-Projektes in Venezuela.
In dieser Position leitet er das Simón Bolívar Symphony Orchestra in Venezuela ebenso wie auf Tournee. Seit 2005 bei der Deutschen Grammophon unter Vertrag, kann Gustavo Dudamel auf
zahlreiche Einspielungen bei diesem Label verweisen, ebenso
wie auf Video/DVD-Produktionen, die die Spannung entscheidender Momente seiner Musikerbiographie festhalten. Unabhängig davon hat er eine Wagner-Gesamteinspielung und die
Einspielung sämtlicher Beethoven-Symphonien mit dem Símon
Bolívar Orchestra exklusiv für digitalen Download produziert.
Dudamel gehört zu den meist geehrten Dirigenten seiner Gene53
ration. Unter den zahlreichen Auszeichnungen finden sich in jüngerer Zeit der Leonard Bernstein Lifetime Achievement Award
for the Elevation of Music in Society der Longy School im Jahre
2014, der von Musical America verliehene Titel «Musician of the
Year» 2013 und die Aufnahme in die Gramophone Hall of Fame,
der Eugene McDermott Award in the Arts at MIT 2010, der Titel
eines Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres 2009 und die
Ernennung zu einem der «100 most influential people» durch
das Time Magazine sowie neben zahlreichen Ehrendoktorwürden die Verleihung des «Q Prize» durch die Harvard University.
1981 in Venezuela geboren, macht die Idee, allen Menschen
den Zugang zur Musik zu ermöglichen, den Eckstein sowohl
seiner künstlerischen als auch seiner Lebensphilosophie aus.
Weitere Informationen: www.gustavodudamel.com.
Sergio Tiempo piano
Décrit par le magazine Gramophone comme «un coloriste
amoureux des multiples sonorités offertes par la piano», Sergio
Tiempo est devenu l’un des pianistes les plus originaux et stimulants de sa génération. Il s’est fait connaître à l’international
dès son plus jeune âge, en jouant à l’âge de 14 ans au Concertgebouw Amsterdam, une prestation rapidement suivie par
une tournée aux États-Unis et une série d’engagements dans
toute l’Europe. Depuis, il s’est produit avec les orchestres et
les chefs majeurs du monde entier, et est invité régulièrement
par les plus grands festivals. Né à Caracas au Venezuela, Sergio
Tiempo a commencé le piano à 2 ans avec sa mère, Lyl Tiempo,
avant de faire ses débuts en concert l’année suivante. À la
Fondazione per il Pianoforte de Côme, il a travaillé avec Dmitri
Bashkirov, Fou Ts’ong, Murray Perahia et Dietrich Fischer-Dieskau. Il a bénéficié à plusieurs reprises des conseils de Martha
Argerich, Nelson Freire et Nikita Magaloff, et s’est régulièrement produit avec son compatriote et ami Gustavo Dudamel, notamment lors de concerts du Simón Bolívar Symphony
Orchestra. Il a participé à plusieurs enregistrements salués et
récompensés. Sous le label EMI Classics «Martha Argerich Presents», il a gravé les Tableaux d’une exposition de Moussorgski,
54
Gaspard de la nuit de Ravel et trois Nocturnes de Chopin. Pour
Deutsche Grammophon, il a enregistré plusieurs disques avec
Mischa Maisky, notamment un disque Rachmaninov qui a
obtenu cinq étoiles de Classic FM et du BBC Music Magazine,
ce dernier l’ayant également érigé au rang d’enregistrement
de référence. En juin 2010, Sergio Tiempo a créé une nouvelle
œuvre pour deux pianos et orchestre, Tango Rhapsody, du compositeur argentin Federico Jusid, avec Karin Lechner et le RSI
Lugano dirigé par Jacek Kaspszyk au Martha Argerich Festival
de Lugano où il est invité chaque année. Récemment, il a sorti
un disque de musique française pour deux pianos avec Karin
Lechner, «La Belle Époque», sous le label Avanti Classic. Ses
derniers concerts ont inclus ses retrouvailles avec l’Orchestre
Philharmonique de Radio France à Paris et en tournée en Amérique du Sud, avec le Singapore Symphony et une prestation
aux Music Days du Festival de Lisbonne, ainsi que ses débuts
avec le BBC Symphony, le City of Birmingham Symphony, le
Royal Northern Sinfonia, le Queensland Orchestra et l’Auckland
Philharmonia. Dernièrement, il a donné des récitals, dans le
cadre d’un concert à guichet fermé, au Queen Elisabeth Hall
de Londres où il a fait ses débuts dans le cadre des International Piano Series, ainsi qu’au Wiener Konzerthaus, au Wigmore
Hall (London), à la Berliner Philharmonie et à l’Edinburgh International Festival. Il s’est également produit en récital à l’Oslo
Chamber Music Festival et au Festival Chopin de Varsovie. Plus
récemment, il a donné deux concerts avec le Los Angeles Philharmonic dirigé par Gustavo Dudamel et Nicholas McGegan,
et a joué avec le Queensland Symphony Orchestra, le Buenos
Aires Philharmonic Orchestra en tournée européenne et a fait
ses débuts avec le Zürcher Kammerorchester, le Brussels Philharmonic et l’Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música. Il a
donné des récitals en tournée à Séoul, en Italie et en Amérique
du Sud. Cette saison, il collaborera avec le Los Angeles Philharmonic avec lequel il donnera huit fois le Concerto pour piano N° 1
de Ginastera, sous la baguette de Gustavo Dudamel. Il jouera
aussi aux côtés du St Petersburg Philharmonic, du Queensland
Symphony, du Stavanger Symphony Orchestra et il sera en tournée en Chine.
55
Sergio Tiempo Klavier
Das Magazin Gramophone bezeichnete ihn als einen «Klangmaler, der mit Liebe die Möglichkeiten auskostet, die das Klavier
bietet». Längst zählt Sergio Tiempo zu den originellsten und
inspirierendsten Pianisten seiner Generation. Mit nur 14 Jahren
machte er sich bereits international einen Namen, als er im
Concertgebouw Amsterdam spielte. Diesem Auftritt folgten
rasch eine Tournee durch die USA und Engagements in ganz
Europa. Seither tritt er mit den bedeutendsten Orchestern und
Dirigenten der ganzen Welt auf und ist regelmäßig Gast der
größten Festivals. Geboren in Caracas in Venezuela begann
Sergio Tiempo zweijährig zunächst unter Anleitung seiner Mutter Lyl Tiempo mit dem Klavierspiel, um nur ein Jahr später sein
Konzertdebüt zu geben. In der Comer Fondazione per il Pianoforte arbeitete er mit Dmitri Bashkirov, Fou Ts’ong, Murray
Perahia und Dietrich Fischer-Dieskau. Mehrfach konnte er von
den Hinweisen Martha Argerichs, Nelson Freires und Nikita
Magaloffs profitieren. Regelmäßig tritt er mit seinem Freund
und Landsmann Gustavo Dudamel auf, namentlich im Rahmen
von Konzerten des Simón Bolívar Symphony Orchestra. Er war
an mehreren gefeierten und preisgekrönten Einspielungen beteiligt. Beim Label EMI Classics «Martha Argerich Presents»
spielte er Mussorgskis Bilder einer Ausstellung, Ravels Gaspard
de la nuit und drei Nocturne von Chopin ein. Für Deutsche
Grammophon nahm er verschiedene CDs mit Mischa Maisky
auf, namentlich mit Werken Rachmaninows. Diese Aufnahmen
erhielten fünf Sterne von Classic FM sowie vom BBC Music
Magazine und werden als Referenzaufnahmen angesehen.
Im Juni 2010 wirkte Sergio Tiempo an der Uraufführung des
Werkes für zwei Klaviere und Orchester Tango Rhapsody des
argentinischen Komponisten Federico Jusid mit – an der Seite
von Karin Lechner und dem RSI Lugano unter Jacek Kaspszyk
beim Martha Argerich Festival von Lugano, auf dem er jährlich
zu Gast ist. Kürzlich brachte er zusammen mit Karin Lechner
beim Label Avanti Classics die CD «La Belle Époque» mit französischer Musik für zwei Klaviere heraus. Seine jüngsten Konzerte beinhalten die Wiederbegegnung mit dem Orchestre Philharmonique de Radio France in Paris und auf Südamerika-Tour56
nee, mit dem Singapore Symphony und einen Auftritt bei den
Music Days des Lissabon Festivals ebenso wie seine Debüts
beim BBC Smphony, der Royal Northern Sinfonia, dem Queensland Orchestra und der Auckland Philharmonia. Ausverkaufte
Recitals spielte er in der Londoner Queen Elisabeth Hall, wo er
im Rahmen der International Piano Series debütierte, ebenso
wie im Wiener Konzerthaus, der Londoner Wigmore Hall, der
Berliner Philharmonie und beim Edinburgh International Festival. Mit Recitals war er auch beim Oslo Chamber Music Festival und beim Warschauer Chopin-Festival zu erleben. Kürzlich
spielte er zwei Konzerte mit dem Los Angeles Philharmonic
unter Gustavo Dudamel und Nicholas McGegan und konzertierte ebenfalls mit dem Queensland Symphony Orchestra, dem
Buenos Aires Philharmonic Orchestra auf Europatournee und
gab seine Debüts beim Zürcher Kammerorchester, dem Brussels Philharmonic und dem Orquestra Sinfónica do Porto Casa
da Música. Recital-Tourneen führten ihn nach Seoul, Italien und
Südamerika. In dieser Saison konzertiert er mit dem Los Angeles Philharmonic. Acht Mal spielt er mit diesem Klangkörper
unter Leitung von Gustavo Dudamel das Erste Klavierkonzert
von Ginastera. Darüber hinaus spielt er mit dem St Petersburg
Philharmonic, dem Queensland Symphony, dem Stavanger
Symphony Orchestra und wird auf Tournee in China unterwegs
sein.
57
La plupart des programmes du soir de la Philharmonie sont
disponibles avant chaque concert en version PDF sur le site
www.philharmonie.lu
Die meisten Abendprogramme der Philharmonie finden
Sie schon vor dem jeweiligen Konzert als Web-PDF unter
www.philharmonie.lu
your comments are welcome on
www.facebook.com/philharmonie
Partenaire officiel:
Partenaire automobile exclusif:
Impressum
© Établissement public Salle de Concerts
Grande-Duchesse Joséphine-Charlotte 2016
Pierre Ahlborn, Président
Stephan Gehmacher, Directeur Général
Responsable de la publication: Stephan Gehmacher
Design: Pentagram Design Limited
Imprimé au Luxembourg par: Imprimerie Centrale
Tous droits réservés.
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