MALEREI, BÖSE ZU WERKEN UND KÜNSTLERINNEN ABOUT

 MALEREI, BÖSE
ZU WERKEN UND KÜNSTLERINNEN
ABOUT THE WORKS AND ARTISTS
LYDIA BALKE
disarm, 2015
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
140 x 110 cm
ich sagte fick dich und meinte fick dich / i said fuck you and i meant fuck you, 2015
Öl auf Leinwand
40 x 30 cm
mrs. j. l. dahmer, 2015
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
194 x 120 cm
one of us cannot be wrong, 2015
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
85 x 63 cm
what you did when i did this (elektronische stühle), 2014
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
200 x 150 cm
Courtesy of the artist
Lydia Balkes Beschäftigung mit berüchtigten Serienmördern begann eher zufällig, aber schnell führte das anfängliche
Interesse an diesem Sujet zu einer intensiven Auseinandersetzung mit diesen Randfiguren unserer Gesellschaft, die
sich in ihren jüngsten Arbeiten widerspiegelt. Die klassisch komponierten und technisch anspruchsvoll gemalten
Gemälde sind von einer romantischen Melancholie durchzogen, die ihren Inhalten auf den ersten Blick entgegensteht.
Das Gruppenporträt disarm zeigt neben den Mördern auch eine Selbstdarstellung der Künstlerin. Eine weitere
Bedeutungsebene ihrer Arbeiten eröffnet in diesem Zusammenhang die wohl berühmteste Zeile aus dem titelgebenden
Stück der amerikanischen Alternative-Rockband The Smashing Pumpkins: „The killer in me is the killer in you.“ (Der
Killer in mir ist der Killer in dir.) Ihre Bilder von Schwerverbrechern sind nicht nur eine malerische
Auseinandersetzung mit den Abgründen der Menschlichkeit, sondern auch mit der eigenen Profession. Die
Kunstgeschichte ist durchzogen von Mythen und Legenden über geniale, aber psychisch gestörte und besessene
Protagonisten – Figuren außerhalb der Gesellschaft und dem, was als soziale Norm aufgefasst wird. Lydia Balkes
Arbeiten setzen diesen Grenzbereich ins Zentrum der Aufmerksamkeit und behandeln die inneren Widersprüche und
die Zerrissenheit unserer Gesellschaft, ihre Ängste, Psychosen und Abgründe.
Lydia Balke (*1987 in Dresden, lebt und arbeitet in Hamburg) hat unter anderem bei Jutta Koether Malerei an der
Hochschule für bildende Künste Hamburg studiert. Sie hat zuletzt im Kolbenhof, im Kontorhaus am Großmarkt sowie
im Kunsthaus in Hamburg ausgestellt.
Lydia Balke’s interest in infamous serial killers was awoken rather accidentally, but has soon developed into an
intensive examination of those margins of society, which is reflected in her latest works. The classically composed and
technically ambitious paintings are infused with romantic melancholia that contrasts with their content at first sight.
Amongst four murderers, the group-portrait disarm shows also a self-portrait of the artist. In this regard an extension
of meaning evolves considering the most prominent line from the eponymous song by American alternative rock band
The Smashing Pumpkins: “The killer in me is the killer in you.” Lydia Balke’s paintings are not only a pictorial reflection
on humanity’s abyss, but also on her own profession. Art history is full of myths and legends about brilliant, but also
mentally disturbed and obsessed protagonists – characters outside society and what is considered to be a social norm.
Lydia Balke’s works focus on that borderland and highlight society’s inherent contradictions and disruptions, its fears,
psychoses, and chasms.
Lydia Balke (*1987 Dresden, lives and works in Hamburg) studied under Jutta Koether at the University of Fine Arts
Hamburg. Her works have been show at Kolbenhof, Kontorhaus and Kunsthaus in Hamburg.
Kunstverein in Hamburg
Klosterwall 23
20095 Hamburg
T +49 40 322158
F+49 40 322159
[email protected]
www.kunstverein.de
BIRGIT BRENNER
Anfang, 2015
Pappelsperrholz, Papier, Acryl / Poplar plywood, paper, acrylic
46 x 63 cm
Beast, 2015
Pappelsperrholz, Acryl / Poplar plywood, acrylic
34 x 46 cm
Das Boot, 2015
Pappelsperrholz, Acryl / Poplar plywood, acrylic
48 x 60 cm
Das alles gehört uns, 2015
Pappelsperrholz, Acryl, Polysterol, Lack / Poplar plywood, acrylic, polysteryne, varnish
150 x 230 x 30 cm
Ausgeheult, 2015
Pappelsperrholz, Acryl / Poplar plywood, acrylic
34 x 46 cm
Gleicher Fehler, 2015
Pappelsperrholz, Papier, Acryl / Poplar plywood, paper, acrylic
46 x 34 cm
Gib mir mehr, 2015
Pappelsperrholz, Acryl, Papier / Poplar plywood, acrylic
40 x 29 cm
Jetzt erst recht, 2015
Pappe, Acryl / Poplar plywood, acrylic
44 x 28 cm
Leben zwischen Wänden, 2015
Pappelsperrholz, Acryl / Poplar plywood, acrylic
46 x 59 cm
Meine Eigentümer, 2015
Pappelsperrholz, Acryl / Poplar plywood, acrylic
150 x 230 x 30 cm
Think big, 2015
Pappe, Acryl, Kunstharzlack, Heißkleber / Board, acrylic, synthetic resin, hot glue
53 x 43 cm
Valium helps to crash, 2015
Pappelsperrholz, Acryl, Kunstharzlack, Heißkleber / Poplar plywood, acrylic, synthetic resin, hot glue
40 x 60 cm
Was bleibt, 2015
Pappe, Acryl
28 x 34 cm
Courtesy of the artist, Galerie EIGEN + ART Leipzig/Berlin
Birgit Brenner reagiert in ihren jüngsten Arbeiten direkt auf die Bilder von Krieg, Gewalt, Folter und Flucht, die wir fast
täglich in den Medien sehen. Vor diesem Hintergrund stellt sie sich die Frage, welchen Nutzen und welche Aufgaben
die Kunst heute übernehmen kann. Brenner nutzt ihre Bilder, um ein typisches Problem unserer immer komplexer
werdenden Zeit zu beschreiben: die schiere Unmöglichkeit, die Zusammenhänge hinter dem Weltgeschehen zu
durchblicken und zu begreifen. Brenner malt Bausätze von Drohnen, Panzern, Waffen oder Sportwagen als Analogie
zu den Erklärungsmodellen im eigenen Kopf, die wir uns selbst schaffen, um nicht den Überblick zu verlieren. Diese
häufig in die Dreidimensionalität erweiterten Modelle ergänzt Brenner mit kurzen Textelementen, die an Werbe- oder
Wahlkampf-slogans erinnern. Zusätzlich vermengt sie schillernde Bildwelten aus dem Kosmos der Luxuswaren mit der
Brutalität von Kriegsmaschinerie oder kombiniert Alltagsgegenstände mit Armut und politischer Verfolgung. Die
Gleichzeitigkeit in den derzeitigen Lebensrealitäten ist absurd und Brenner weiß nur zu gut darum. So arbeitet sie mit
teils humoristischen und bitterbösen Überlagerungen und Parallelführungen in flachen Bildräumen, deren
Bedeutungszusammenhänge sich ebenso komplex gestalten wie unsere Gegenwart.
Birgit Brenner (1964 in Ulm, lebt und arbeitet in Berlin) hat Kommunikationsdesign und bildende Kunst an der
Hochschule Darmstadt und der Universität der Künste Berlin studiert. Sie war Meisterschülerin von Rebecca Horn.
Seit 2007 hat sie eine Professur an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart inne. Ihre Arbeiten
wurden zuletzt im Hudson Valley Center of Contemporary Art in New York, im Nikolaj Contemporary Art Center in
Kopenhagen und in der Kunsthalle Mannheim gezeigt.
With her newest works, Birgit Brenner reacts to the images of war, violence, torture, and refugees with which we are
confronted on a daily basis. Against this backdrop, she asks for the use and duty of art today. Brenner uses her
pictures to describe a typical problem in our increasingly complex times: the sheer impossibility to comprehend and see
through the interrelations behind the world events. Analogous to explanatory models which we create for ourselves in
our head to not lose track, Brenner paints construction kits for drones, tanks, weapons or sports cars. Those models,
often expanded into the third dimension, are complemented with short texts, which are evocative of advertising or
political slogans. In addition to that, Brenner mixes sparkling imagery of luxury brands with the brutality of war
machines and combines everyday goods with pictures of poverty and political persecution. The simultaneity in present
realities of life is abstruse and Brenner is aware of it. Hence, her works contain partially humorous and bitter figurative
overlaps and parallels, whose context and connections are as complex as our present times.
Birgit Brenner (*1964 Ulm, lives and works in Berlin) studied communication design and fine arts at Darmstadt
University of Applied Sciences and Berlin University of the Arts. She was a master student under Rebecca Horn.
Since 2007, she has taught as a professor at Stuttgart State Academy of Art and Design. Recently, her works have
been exhibited at Hudson Valley Center of Contemporary Art in New York, Nikolaj Contemporary Art Center in
Copenhagen and at the Kunsthalle Mannheim.
MARTIN EDER
Amnesia, 2015
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
150 x 100 cm
Courtesy of the artist, Galerie EIGEN + ART Leipzig/Berlin
Blut, 2015
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
225 x 150
Privatsammlung / Private collection
Licht ins Dunkel, 2015
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
150 x 100 cm
Privatsammlung / Private collection
Hinter dem Vorhang, 2014
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
80 x 60 cm
Privatsammlung / Private collection, Berlin
Vor keiner Macht zu Sinken, 2015
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
225 x 150 cm
Privatsammlung / Private collection, Dänemark / Denmark
Martin Eders neueste Arbeiten zeichnen sich durch altmeisterliche Farbgebung und einen hohen Grad an malerischer
Perfektion aus. Die weiblichen Figuren in ritterlicher Rüstung stellen auf den ersten Blick kunsthistorische Bezüge zu
den Präraffaeliten oder zur Ikonografie der Jeanne D’Arc her und stehen zugleich mit ihrem Traumbild-Realismus und
Hang zum Heavy-Metal-Kitsch an der Grenze zu dem, was heute als guter Geschmack empfunden wird. Neben der
historischen Konnotation schlagen sie auch eine Brücke in die gegenwärtige Popkultur, die mit der Fernsehserie
Game of Thrones, dem Onlinerollenspiel World of Warcraft oder den Verfilmungen von J.R.R. Tolkiens Der Herr der
Ringe gleich mehrere hocherfolgreiche Beispiele der sogenannten High-Fantasie und deren Einzug in den Mainstream
zu bieten hat. Auf diese Weise sind Eders Gemälde anachronistisch und zeitgenössisch zugleich; ein Oxymoron, das
mit dem gegenwärtigen Hang zum Fantastischen spielt und einen neuen Konservatismus dokumentiert.
Martin Eder (*1968 in Augsburg, lebt und arbeitet in Berlin) studierte als Meisterschüler von
Eberhard Bosslet Malerei an der Hochschule für Bildende Künste Dresden und an der Akademie der Bildenden
Künste Nürnberg. Zuvor absolvierte er ein Studium in Kommunikationsdesign an der Hochschule Augsburg. Neben
seiner Tätigkeit als Künstler ist Eder zudem auch Gründer der experimentellen Black Metal Band RUIN. Eders
Gemälde waren zuletzt im 21er Haus in Wien, in der Kunsthalle im Lipsiusbau in Dresden sowie in der Neuen
Nationalgalerie in Berlin zu sehen.
Martin Eder’s most recent works make remarkable use of coloring in the style of the old masters and show a high
degree of painterly proficiency. At first sight, the female characters in knight’s armor establish art historical references
to the Pre-Raphaelite Brotherhood and the iconography of Joan of Arc. At the same time, their fantasy realism and
tendency towards heavy metal kitsch play on the edge of what is considered to be good taste. Alongside their historical
connotation, the paintings connect with today’s popular culture which is heavily influenced by themes and topics of the
high-fantasy genre – visible in the huge success of the TV series Game of Thrones, the online role-playing game World
of Warcraft, or the movie trilogy based on J.R.R. Tolkien’s The Lord of the Rings. Thus, Eder’s paintings could be
described as a contemporary anachronism; an oxymoron that portrays today’s longing for a never-never land and
documents a new kind of conservatism.
Martin Eder (*1968 Augsburg, lives and works in Berlin) was a master student under Eberhard Bosslet at the
Academy of Fine Arts Dresden. Before, he had studied at the Academy of Fine Arts Nuremberg and at the Augsburg
University of Applied Sciences. Next to his artistic practice, he is also a founding member of the experimental black
metal band RUIN. Eder’s works have been shown at 21er Haus in Vienna, at the Kunsthalle im Lipsiusbau in Dresden
and at the Neue Nationalgalerie in Berlin.
BERNHARD MARTIN
Das Innenleben neu möblieren, 2015
Öl auf Rohleinwand, gerahmt / Oil on linien, framed
65 x 55 cm
Engeneering Happiness, 2015
Öl auf Rohleinwand, gerahmt / Oil on linien, framed
145 x 135 cm
Gähnen und applaudieren im Orchestergraben, 2013
Öl auf Rohleinwand, gerahmt / Oil on linien, framed
170 x 190 cm
Innocence Empire, 2013
Öl auf Rohleinwand, gerahmt / Oil on linien, framed
145 x 135 cm
Temporäre Unregelmässigkeiten im Geschmacksverein, 2015
Öl auf Rohleinwand, gerahmt / Oil on linien, framed
235 x x175 cm
Courtesy of the artist
Warten auf das Andere, 2014
Öl auf Rohleinwand, gerahmt / Oil on linien, framed
235 x 175 cm
Courtesy Bernhard Martin, Galerie Thomas Schulte
Bernhard Martins jüngste Gemäldereihe besticht durch schillernde Farbgebung und handwerkliche Perfektion, mit
denen er surreal erscheinende, skurrile Kompositionen mit „Bling Bling-Ästhetik“ schafft. Nobel gekleidete Damen der
Upperclass, fadenscheinige Dandys oder elegant aufreizende Kokotten bevölkern seine Szenen der sogenannten
besseren Gesellschaft. Die Bilder sind geprägt von Dekadenz, Wollust, Überfluss und Völlerei – in und auf der
Leinwand. Seine Akteure sind autonome Figuren, die keinen Alltag haben; sie müssen weder schmutzige Wäsche
waschen, noch einkaufen oder telefonieren. Titel wie Gähnen und applaudieren im Orchestergraben oder Innocence
Empire beschreiben das Gezeigte mit Biss und Witz. Martin betont die Fassade, um den Abgrund dahinter zum
Vorschein zu bringen. Auf diese Weise hält er uns und der Kunst einen Spiegel vor, ohne jedoch dabei zu moralisieren.
Martin malt einfach, was ohnehin existiert, und das ohne Kompromisse; dafür aber umso mehr mit Lust und
Überschwang. Über seine Arbeiten sagt er selbst, es seien Bilder mit benutzerfreundlicher Oberfläche und
benutzerfeindlichem Inhalt. Martin kreiert seine eigenen Mythologien und Metaphern. Es sind Psychogramme vom
schönen Schein.
Bernhard Martin (*1966 in Hannover, lebt und arbeitet in Berlin) studierte bereits mit 16 Jahren an der Hochschule
für Bildende Künste in Kassel bei Harry Kramer. Er hatte in den vergangenen Jahren Lehraufträge in Genf und
Nürnberg inne. Martin ist der diesjährige Gewinner des Fred-Thieler-Preis für Malerei. Martins Arbeiten waren
zuletzt in der Berlinischen Galerie, im BWA Katovice und im FRAC Ile-de-France Le Plateau in Paris zu sehen.
Bernhard Martin’s latest series of paintings stands out through shimmering colors and technical perfection, used to
create seemingly surreal and bizarre compositions that evoke a certain “bling-bling-aesthetic.” Nobly dressed women
of the upper class, dubious dandies or tantalizingly elegant cocottes populate scenes of the so-called high society. The
pictures are full of decadence, voluptuousness, opulence, and gluttony – pictorially and figuratively. Martin’s
protagonists are autonomous figures outside of everyday life; they don’t need to do their laundry, nor grocery shopping,
nor do they have to make phone calls. Titles like Gähnen und Applaudieren im Orchestergraben (Yawning and
applauding in the orchestra pit) or Innocence Empire comment on the bitingly humorous settings. Martin emphasizes
the facade to unveil the abyss behind. And thus, without moralizing, he holds a mirror up to art and its audience. Martin
paints what’s already there, without compromise, but instead with all the more ardor and exuberance. He says about
his works, they were paintings with user-friendly surfaces and user-adversary content. Martin creates a mythology and
metaphors of his own – psychological profiles of the veneer.
Bernhard Martin (*1966 Hannover, lives and works in Berlin) was only sixteen years old when he began his studies
under Harry Kramer at the Kunsthochschule Kassel. Over the past few years, he has taught at École Supérieure des
Beaux-Arts in Geneva and at the Academy of Fine Arts in Nuremberg. His works have been shown at Berlinische
Galerie in Berlin, BWA Katovice and FRAC Ile-de-France Le Plateau in Paris. In 2015, he won the Fred-ThielerAward for painting.
DAWN MELLOR
Art Critic (Glenn Close), 2013
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
102 x 76 cm
Art Handler (Firmine Richard), 2013
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
102 x 76 cm
Art Historian (Hattie McDaniel), 2013
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
102 x 76 cm
Chief Financial Officer (Bette Davis), 2013
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
102 x 76 cm
Chief Operating Officer (Helen Mirren), 2013
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
102 x 76 cm
Front Desk Manager (Whoopi Goldberg), 2013
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
102 x 76 cm
Head of Acquisitions (Siobhan Finneran), 2013
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
102 x 76 cm
Head of National and International Strategies (Billie Holiday), 2013
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
102 x 76 cm
Magazine Editor (Billie Whitelaw), 2013
Öl und Filzstift auf Leinwand / Oil on canvas
102 x 76 cm
Independent Curator (Mia Farrow), 2013
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
102 x 76 cm
Museum Director (Judith Anderson), 2013
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
102 x 76 cm
Strike a Pose, 2007
Öl auf Leinwand / Oil on canvas
245 x 305 cm
Courtesy of the artist
Mellors Arbeiten thematisieren mit den Mitteln der Persiflage Orthodoxien unserer Gesellschaft sowie ausgrenzende,
normative Systeme wie Geschlecht, Status und Hautfarbe. Ihre häufig affektgeladenen Sujets entfalten sich in einer
aggressiven Malsprache, die trotz der Bezüge zu klassischen Genres wie dem Porträt oder der Historie keinen Platz
für Erhabenheit lässt.
Für ihre Serie The Austerians (2013) schlüpft Mellor in die Rolle einer Langzeitpraktikantin, welche die Mitglieder
eines fiktiven Kollektivs selben Namens porträtiert. Die Gruppe war ein Zusammenschluss von Fachfrauen aus der
Kunstwelt, die gegen das stetigen Wachstum des Dienstleistungssektors demonstrierten und gegen die Tatsache,
dass der Kunst in den Ausstellungsräumen mehr Aufmerksamkeit gewidmet werde, als ihnen hinter den Kulissen - so
die fingierte Biografie. Zu ihrem Markenzeichen wurden Dienstmädchenuniformen aus dem frühen 20. Jahrhundert.
Als reale Vorlage für die Porträts dienen Mellor Schauspielerinnen, die allesamt berühmte Rollen als Hausangestellte
spielten.
Strike a Pose (2007) liegt eine Propaganda-Fotografie einer chinesischen Plakatwerkstatt der 1960er Jahre
zugrunde. Das Gemälde verwebt traditionelle und popkulturelle Ikonografie zu einer zeitgenössischen Historie. Statt
anti-kapitalistischer Botschaften werden Madonna-Song-Zitate mit dem Blut der Pop-Ikone auf Banner gemalt. Der
verstümmelte und von Pinseln durchbohrte Leib der Sängerin verweist auf den Heiligen Sebastian und zugleich auf
sexuelle Gewalt. Die Arbeiter tauscht Mellor gegen das besessene Mädchen Regan aus dem Horrorfilm Der Exorzist
aus, die grüne Galle über die Szene speit. Auf ihrer Armbinde steht „black balled“ geschrieben, was soviel wie
„ausgegrenzt“ bedeutet.
Dawn Mellor (*1970 in Manchester, lebt und arbeitet in London) schloss ihr Studium am Royal College of Art in
London ab. Mellor unterrichtet am Goldsmiths College der University of London bildende Kunst. Ihre Arbeiten waren
zuletzt im Migros Museum für Gegenwartskunst in Zürich, dem Studio Voltaire in London und dem Witte de With
Center for Contemporary Art in Rotterdam zu sehen.
Using means of persiflage, Dawn Mellor’s works address orthodoxies of our society and excluding normative
categories like class, gender and race. Her aggressive style of painting reflects the often emotionally and politically
charged content. Though referencing classical genres like portrait or historical painting, Mellor’s paintings avoid being
pious or sublime.
For her series The Austerians (2013), Mellor plays the role of a long-term intern who paints the members of the
eponymous, fictional collective. The group consisted of art-world professionals, who – as far as their faked biographies
read - protested against the rise of service industry jobs, and the fact that the art in the gallery space gained more
attention than the workers backstage. As a trademark and expression of their opposition they wore Edwardian maid
uniforms. As models for her portraits, Mellor uses real actresses who have played famous parts as servants during
their career.
Strike a Pose (2007) is based on a propaganda-photograph of a Chinese poster-workshop in the 1960s. As a
contemporary historical painting, the picture combines traditional and pop cultural iconography. Instead of anticapitalist slogans, quotes from Madonna songs are drawn on banners with the pop-icon’s blood. Her mutilated body,
pierced with paintbrushes, refers to the Saint Sebastian and, at the same time, points to sexual violence. Mellor swaps
the original workers with the possessed little girl Regan from the horror film The Exorcist, who vomits bright green
color all over the scene. On her brassard the words “black balled” are written.
Dawn Mellor (*1970 Manchester, lives and works in London) graduated from the Royal College of Art in London.
Mellor is Lecturer in Fine Art at Goldsmiths College of the University of London. Her works have been shown at the
Migros Museum for Contemporary Art in Zurich, Studio Voltaire in London and at the Witte de With Center for
Contemporary Art in Rotterdam.