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CONTEMPORARY FINE ARTS
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“MAXIMALISM”
Borden Capalino (b. 1980, New York, USA)
Capalinos Arbeit wird beschrieben als eine Art forensischer Surrealismus. Sie setzt sich
mit Materialität, Umnutzung, Nachrüstung und letztendlich mit dem Leben von Objekten
durch das Verwenden von Materialien wie recyceltes Bauholz, Plastikplanen, Karton,
Fallholz und allgemein Geröll, auseinander. Sein Werk versucht den Minimalismus im
Kontext von Untergang, Verzweiflung und Verfall zu überprüfen.
Borden Capalino lebt und arbeitet in Brooklyn, NY. 2003 Abschluss am Oberlin College.
Ausstellungsbeteiligungen „Depression“ bei Francois Ghebaly, LA 2014, „The Open“ bei
Deitch Studios, Queens, NY 2009, „Pretty Ugly“ bei Gavin Brown's Enterprise &
Maccarone Gallery, NY 2008 und Ramiken Crucible, NY 2010. Einzelausstellungen bei
Ramiken Crucible, NY 2011 und 2014.
Capalino’s work has been described as a kind of forensic surrealism. It deals with
materiality, repurposing, retrofitting, and ultimately the life of objects by using materials,
such as recycled lumber, plastic tarps, cardboard, fallen wood and general detritus. His
work attempts to re-examine minimalism in the context of demise, desperation and
decay.
Borden Capalino lives and works in Brooklyn, New York. He graduated from Oberlin
College in 2003. Participated at group shows such as “Depression” at Francois Ghebaly,
LA in 2014, "The Open" at the Deitch Studios, Queens, NY in 2009, "Pretty Ugly" at Gavin
Brown's Enterprise & Maccarone Gallery, New York in 2008, and Ramiken Crucible, New
York in 2010. Solo shows with Ramiken Crucible, NY in 2011 and 2014.
Sachin Kaeley (b. 1982, Bedfordshire, UK)
Oberfläche, realer und virtueller Raum, digitale Abbildung und analoge Inszenierung
verdichten sich in Kaeleys Arbeit und stoßen zusammen. „Es mag pervers klingen zu
behaupten, dass Sachin Kaeleys tastbare Arbeiten, welche Abzeichnungen von Fingern
tragen, die sich tief durch Schichten von Acrylfarbe ziehen, etwas zu tun haben könnten
mit digitaler Bildherstellung,“ sagt Laura McLean-Ferris (Kaleidoscope, 25. Januar 2013)
und erklärt weiter: „Kaeley hebt die Furchen und Erhöhungen auf diesen Bildern mit
Sprühfarbe hervor, welches ihnen eine hyperreelle Qualität verleiht. Es erscheint dann als
ob ihre drei Dimensionen in Photoshop durch einen eifrigen Postproduktionsassistenten
überzeichnet wurden. Gelegentlich, wenn frontal angenähert, gibt ihnen das eine
ungewöhnliche fotographische Flachheit. (…) Das betont eine seltsame Biegsamkeit und
Spannung in der Struktur der Bilder selbst, als ob sie digital optimiert, von versteckten
Vektoren gezogen wurden. Es ist diese Formbarkeit, die den Eindruck von Leichtigkeit
und Anpassungsfähigkeit vermittelt, mit der wir an Bildbearbeitung rangehen, dabei ist
es nichts von dieser Art.“
Sachin Kaeley machte seinen Abschluss am Royal College of Art in London.
Einzelausstellungen bei Galerie Seventeen, London 2013 und Galerie Hussenot, Paris
2014. Ausstellungsbeteiligungen „Speculations on Anonymous Materials“ im
Fridericianum, Kassel 2013 und „Le Club sous L’eau“ im Palais de Tokyo, Paris 2013.
In Kaeley’s works, surface, real and virtual spaces, digital imaging and analog staging are
clashing and condensed. “It might seem perverse to suggest that Sachin Kaeley’s tactile
paintings, which bear the markings of fingers dragged deep into layers of acrylic paint,
might have something to do with digital image making,” says Laura McLean-Ferris
(Kaleidoscope, January 25 2013) and explains: “Kaeley picks out the furrows and ridges
on these paintings with spray paint, which lends them a hyperreal quality. It’s as though
their three dimensions were exaggerated in Photoshop by some keen post production
assistant. At times, when approached head on, this gives them an unusual photographic
flatness. (…) This emphasises an odd pliancy and tension in the structure of the paintings
themselves, as if they were digitally tweaked, pulled at by hidden vectors. It’s this very
malleability that creates the impression of the ease and adaptability with which we go
about image editing, and yet it’s nothing of the sort.”
Sachin Kaeley graduated at the Royal College of Art, London. Solo shows with Seventeen
Gallery, London in 2013 and Hussenot Gallery, Paris in 2014. Participated at group shows
such as “Speculations on Anonymous Materials” at the Fridericianum, Kassel, Germany in
2013 and “Le Club de sous L’eau” at the Palais de Tokyo, Paris, France in 2013.
Rosy Keyser (b. 1974 Baltimore, USA)
Durch das Nutzen von Reibungskräften manipuliert Rosy Keyser Oberflächen, entfernt
Gewebe und sammelt außerdem was im Allgemeinen als Abfall betrachten wird. An
Rauschenbergs „Combine Paintings“ erinnernd, integriert sie auf ihren Leinwänden
Materialien wie z.B. Eierschachteln, Sägespäne, Besen, Wellblech und Draht. Durch ihr
Interesse an „der Idee, dass Energie verändert werden kann aber nie ganz verschwindet“
gestaltet sie damit die Materialenergie neu.
Keyser machte ihren Master of Fine Arts an der School of the Art Institute of Chicago.
Einzelausstellungen bei Galerie Peter Blum, New York. 2014 Projekt bei KARMA, NY. 2015
Einzelausstellung bei Galerie Michele Maccarone, NY. Gruppenausstellungen „Painter
Painter“ im Walker Art Center, Minneapolis 2013, „Pink Caviar“ im Louisiana Museum,
Dänemark 2012, „Painting from the Zabludowicz Collection: Part II“ in der Zabludowicz
Collection, London 2013.
By using the instrument and force of friction, Rosy Keyser manipulates surfaces, removes
texture and collects what is usually considered waste. Recalling Rauschenberg's
"Combine Paintings”, her canvases incorporate materials, such as egg cartons, sawdust,
broomstick brush, corrugated metal, and wire. She thus reconfigures materials’ energies
being interested in "the idea that energy can be changed but never disappears
completely."
Keyser received her MFA from The School of the Art Institute of Chicago. Solo shows with
Peter Blum Gallery, New York. Project at KARMA, New York in 2014. Upcoming solo show
with Michele Maccarone Gallery, New York in early 2015. Participated at group shows
such as “Painter Painter” at The Walker Art Center, Minneapolis in 2013, “Pink Caviar” at
the Louisiana Museum, Denmark in 2012 and “Painting from the Zabludowicz Collection:
Part II“ at The Zabludowicz Collection, London in 2013.
Sam Moyer (b. 1983, Chicago, USA)
Sam Moyers expandierende Werke changieren zwischen dem Erhabenen und dem
Dekorativem. Die Künstlerin selbst nennt diese „wall-sculptures“ (Wandskulpturen),
bezogen auf den physikalischen Prozess ihrer Entstehung: sie färbt ein großes Stück Stoff
(ca. 9 Meter), faltet und beeinflusst es ohne Farbe aufzutragen („Ich besitze keine
Pinsel“). Zur selben Zeit sind die Werke fotographischer Art da sie draußen hergestellt
werden, abhängig von Wetter und Licht. Danach werden sie flachgedrückt und auf Tafeln,
die zwischen 1 und 3 Metern groß sind, an die Wand montiert. Ihre Werke ähneln sehr
vergrößerten schwarz-weißen Luftaufnahmen von bergigen Topographien und
produzieren eine Illusion zwischen Oberfläche und einem Raum von ungewisser,
möglicher unendlicher Tiefe.
Sam Moyer machte 2007 ihren Abschluss an der Yale School of Art, New Haven.
Einzelausstellungen in den Galerien Rachel Uffner, NY 2014, Rodolphe Janssen, Brüssel
2013 und Société, Berlin 2012. Gruppenausstellungen „Front Room Gallery“ im
Contemporary Art Museum St. Louis 2009, “Greater New York” im P.S.1 des MoMA 2010.
Sam Moyer’s expansive works oscillate between the sublime and the decorative. The
artist herself calls them “wall-sculptures” due to the very physical process of making
them: she dyes a large piece (30 feet) of fabric, folds and manipulates it without
involving any paint (“I don’t own any paintbrushes”). At the same time they’re
photographic in nature since they were made outside, dependent on the weather and
light. Afterwards, they are flattened out and mounted on the wall on panels whose
dimensions range from about 5-10 feet. They resemble much enlarged, black and white
aerial photographs of mountainous topographies and produce an illusion between surface
and space of uncertain, possibly infinite depth.
Sam Moyer graduated in 2007 from Yale School of Art, New Haven. Solo shows with
Rachel Uffner Gallery, New York in 2014, Galerie Rodolphe Janssen, Brussels in 2013 and
Société, Berlin in 2012. Participated at group shows such as “Front Room Gallery” at the
Contemporary Art Museum St. Louis in 2009 and “Greater New York” at the P.S.1 at
MoMA in 2010.
Kaari Upson (b. 1972, San Bernardino, USA)
Kaari Upsons gegossene Silikonmatratzen, für welche sie die Vorlage in den Straßen von
Los Angeles findet, wirken wie Alltagsgegenstände, jedoch vermitteln sie dem Betrachter
einen Sinn von Unruhe, Instabilität und Perversion. Tief im menschlichen Geist versteckt,
treten unsere unausgesprochenen Träume durch die durchscheinende Oberfläche und die
mysteriöse Physikalität / Körperlichkeit von Upsons Arbeiten hervor. Matratzen nutzen
wir zum Schlafen, Lesen, Fernsehen, Liebe machen und uns von Krankheiten zu erholen
– Aspekte, die in Upsons Werke reflektiert werden.
Kaari Upson machte 2007 am Cal Arts, Valencia, ihren Master of Fine Arts.
Einzelausstellungen im Hammer Museum 2007, mit Overduin and Kite, LA 2011, Massimo
de Carlo, London 2012 und Mailand 2013. Gruppenausstellung September 2014 „The Los
Angeles Art Project“ Ullens Center, Peking.
Kaari Upson’s cast silicon mattresses, for which she finds the molds in the streets of Los
Angeles, appear as everyday objects, however, they give the viewer a sense of turmoil,
instability and perversion. Hidden deeply into the human spirit, our most unmentionable
dreams emerge from the translucent surfaces and the mysterious physicality of Upson’s
works. Mattresses are where we sleep, read, watch TV, make love, and recover from
illness – aspects that are reflected in Upson’s work.
Kaari Upson studied art at Cal Arts, Valencia, where she received her MFA in 2007. Solo
shows at the Hammer Museum in 2007, with Overduin and Kite, LA in 2011, Massimo de
Carlo in London in 2012 and Milan in 2013. Will participate at group show “The Los
Angeles Project” at Ullens Center, Beijing in September 2014.