Untitled

EVERYTHING IN NATURE HAS A
LYRICAL ESSENCE, A TRAGIC
FATE, A COMIC EXISTENCE
kuratiert von / curated by Valerio Del Baglivo
Mounira Al Solh
Riccardo Giacconi
Sara Jordenö
Alice Kok
Mladen Miljanović
Jiří Skála
Pavel Sterec & Vasil Artamonov
28/01/2016 – 05/03/2016
Eröffnung / Opening
27/01/2016, 19.00
11/02/2016, 18.30
Kuratorenführung mit anschließender Diskussion mit dem Künstler
Riccardo Giacconi / Curator tour and public talk with artist Riccardo Giacconi
04/03/2016, 18.30
Finnisage – Performance von / by Jiří Skála
Everything in nature has a lyrical essence, a tragic
fate, a comic existence
Everything in nature has a lyrical essence, a tragic fate, a comic
existence ist keine historische Ausstellung oder eine Ausstellung
über Geschichte. Es handelt sich vielmehr um eine Anthologie
von Existenzen ganz gewöhnlicher Menschen, die ansonsten dem
Vergessen anheimfallen würden, Existenzen, die das Banale (und
dennoch Vertraute) in den erzählten Episoden eint. Es wäre zu
einfach, davon auszugehen, dass diese Lebensgeschichten lediglich
den zwingenden – und manchmal unlogischen – Verkettungen von
historischen Ereignissen unterliegen. Viel eher scheint es, dass
diese Leben von bestimmten Umständen und Vorfällen geprägt
sind, die ihre Wege unausweichlich (um)leiten. Man könnte
diese absonderlichen Facetten von Biografien als Ergebnis von
Initialzündungen sehen, die diese Menschen motiviert haben,
sich selbst zu reflektieren und dementsprechend zu handeln und
eine Auseinandersetzung zu führen; manche finden es vielleicht
unmöglich, diesen Menschen Verständnis entgegenzubringen;
andere wiederum würden sich einfach an der eigenen Würde dieser
normalen Verhaltensweisen und deren faszinierender ethnografischer
Ästhetik erfreuen; die Bruchstücke könnten auch als eine Abkehr
vom Heroischen und Spektakulären gelesen werden; und schließlich,
aus wieder einer anderen Perspektive, könnte man sie auch als
eine Möglichkeit interpretieren, die Auswirkungen der Geschichte
auf private Lebensläufe zu verstehen. Für mich persönlich ist keine
dieser Sichtweisen maßgeblicher als die andere. In all den vielfältigen
Lebensaspekten (die nur für die betreffende Person selbst und den
wenigen ihr Nahestehenden wichtig sind) suchen (und finden!)
die eingeladenen Künstler_innen lyrische Fragmente (den Pathos
der Protagonist_innen), die Tragödie (den unvermeidlichen Tod und
das ungewöhnliche Leid in manchen Situationen) sowie komische
Elemente (das Schicksal, das mit uns allen spielt).
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Wie jede erzählenswerte Geschichte hat die Ausstellung einen
Anfangspunkt: zwei Bücher, die sich auf unterschiedliche Weise dem
Genre der Biografie nähern, waren mir wichtige Inspirationsquellen
für das Projekt.
1. 1993 veröffentlichte der italienische Autor Giuseppe Pontiggia
Vom Leben gewöhnlicher Männer und Frauen, eine Sammlung
von Kurzbiografien fiktionaler Charaktere: 18 Kapitel, kurz wie eine
Erzählung, aber so lang wie 18 Leben. Entlang von Ankerpunkten
wie Geburt und Tod, Ort und Datum bilden die Kapitel Dossiers, die
kathartische Momente oder andere entscheidende Wendepunkte
in 18 Lebensgeschichten des letzten Jahrhunderts aufschlüsseln.
Mit anderen Worten macht sich Pontiggia die Form der Biografie
zunutze, um die Leben dieser gewöhnlichen Leute zu historisieren
und damit dem soziologischen Gefüge Italiens im 20. Jahrhundert
ein Denkmal zu setzen.
2. 1977 zeichnet Michel Foucault Das Leben der infamen
Menschen nach. Im Gegensatz zu Pontiggia verzichtet Foucault
in seinem Portrait von ganz realen (und trotzdem vergessenen)
frevelhaften, nichtigen Lebensgeschichten auf alle blumigen
Details. Er ist nur der Redakteur dieser Sammlung: Tatsächlich
stöberte er sie in Staatsarchiven, historischen Akten usw. auf. Es
sind Kurzbeschreibungen vom Leben infamer Menschen, die ins
Gefängnis gesteckt wurden oder brutale Einschnitte erfahren hatten.
„Ein Stück aus der Dramaturgie des Realen“, wie Foucault es nannte.
Was die Bücher gemeinsam haben, ist die „Ruhmlosigkeit“ der
beschriebenen Charaktere: unauffällig lebende Menschen, die
keine Spuren hinterlassen, weil sie nach Foucault „mit keiner
vorherbestimmten oder anerkannten Größe wie der von Geburt,
Reichtum, Genie oder Heldenhaftigkeit ausgestattet sind“.
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Vor diesem Hintergrund unternimmt die Ausstellung den Versuch,
diese Art der Narration metaphorisch weiterzuspinnen, wobei ein
wichtiger konzeptioneller Unterschied gemacht wird: Anstatt den
distanzierten und dokumentarischen Stil (den sowohl Foucault als
auch Pontiggia pflegen) zu replizieren, erfinden die teilnehmenden
Künstler_innen alle möglichen Kunstgriffe, Tricks und Scherze,
um diese Leben vor dem Vergessen zu retten. Sie entwerfen ein
anderes biografisches Genre, das ich „emphatische Biografie“
nennen würde, aus der jede objektive, nüchterne Narration verbannt
ist. Mit innovativen und persönlichen Zugängen werfen die Künstler_
innen ein neues Licht auf das Darstellen von durchschnittlichen
Existenzen und stellen sich selbst dem Dilemma jedes/r Biografen/
in: Was sind die bedeutendsten Momente eines ganzen Lebens,
die wert sind, überliefert zu werden? Manchmal werden die Leben
zur Gänze beschrieben, dann wieder werden sie in einem einzigen,
außergewöhnlichen Moment zusammengefasst. Aber immer
berührt die Begegnung zwischen Künstler_in und seiner/ihrer Figur
die Existenzen beider Protagonist_innen, auf persönlicher und
emotionaler Ebene.
Anstelle eines an theoretischen Bezügen orientierten kuratorischen
Formats interessierte mich letztlich die Idee einer Ausstellung,
die auf Berichten, Geschichten und anderen Narrationen aufbaut.
Everything in nature has a lyrical essence, a tragic fate, a
comic existence ist wie ein Roman: Es entfalten sich vielfältige
Handlungsstränge, die sich sowohl aus realen Tatsachenberichten
als auch Ausschmückungen oder modifizierten Aspekten
zusammensetzen. Und obwohl die visuelle Komponente (mit Filmen,
Fotos und Zeichnungen) vorherrschend ist, soll die Ausstellung
metaphorisch gesprochen wie ein Buch gelesen werden. In diesem
Sinn wird das Publikum stückweise in eine unendlichen Geschichte
verstrickt, in der ausgewählte Aspekte – vom scheinbar Banalen bis
zur potenziellen Offenbarung – zu einem fragilen und merkwürdig
intimen Portrait der gewöhnlichen Menschen zusammengefügt
wurden.
Die Besonderheiten der einzelnen Geschichten zwingen die
Künstler_innen, darin teilzunehmen: sie verbringen Zeit mit den
Charakteren (Mounira Al Solh), ermuntern sie dazu, FantasieBiografien zu erfinden (Sara Jordenö), entwickeln Beziehungen mit
ihren Figuren (Vasil Artamonov und Pavel Sterec), verschaffen ihren
unverwirklichten Vorhaben Gehör (Riccardo Giacconi), spielen sie
nach (Mladen Miljanović), helfen ihnen, ihre verlorenen Emotionen
wiederzufinden (Alice Kok) oder sie konstruieren die Narrationen
gemeinsam mit ihren Figuren (Jiří Skála). Und so erweisen sich diese
„emphatischen Biografien“ als eine Form der Meditation zwischen
dem Subjekt und dem/der Künstler_in. Aus zugleich konfliktvoller
Auseinandersetzung und Liebesaffäre entsteht ein symbiotisches
Beziehungsgeflecht aus ausgesetztem Urteilsvermögen, aus
Akzeptanz und Komplizenschaft, begleitet von Zusammenstößen,
Meinungsverschiedenheiten und manchmal auch Enttäuschung.
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Everything in nature has a lyrical essence,
a tragic fate, a comic existence
Everything in nature has a lyrical essence, a tragic fate, a comic
existence is neither a historical exhibition nor an exhibition about
history. It is rather an anthology of existences of non-illustrious men
otherwise destined to historical oblivion – existences united with
each other by the intrinsic banality (and nevertheless familiarity)
of the narrated facts. It would be simplistic to affirm that these
lives simply undergo the compulsory – and sometimes illogical
– concatenation of historical events. It would rather seem that
these lives get stuck in certain circumstances and accidents that
divert their courses inexorably. One could see these experimental
facets of biographies as acts of incitation that motivate these men
to describe themselves and consequently to react and struggle;
others would object to the existence of a certain compassionate
indulgence towards these men; and others might simply appreciate
the dignity of ordinary behaviour and its fascinating ethnographic
aesthetic; or these pieces could be read as the annihilation of the
heroic and spectacular; and finally, from another perspective it
could be interpreted as a way to understand the effects of history
on private lives. I personally believe that one of these views does
not prevail over the others. In all the various aspects of these lives
(which are no matter to anyone but the person concerned and
the few really close relations) the artists in the exhibition seek
(and find!) fragments of lyricism (the pathos of the protagonists),
tragedy (the inevitable death and the uncommon suffering in certain
events), and comedy (the fate and chance that play with all of us).
Like every worthy narration, this exhibition has a starting point:
two books that refer – with invariable differences – to the genre of
biography and have been steadfast resources for my proposal.
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1. In 1993 Italian author Giuseppe Pontiggia publishes Lives
of Non-Illustrious Men, an anthology of short biographies of
fictional characters: eighteen chapters, short like a tale, but
as long as eighteen lives. Bound by birth and death, place and
date, the chapters take the form of dossiers that enucleate
cathartic moments, or otherwise decisive junctures, of eighteen
existences throughout the last century. In other words, by
using the genre of the biography Pontiggia historicises the
lives of these non-illustrious men in order to immortalise
the sociological context of Italy in the last century.
2. In 1977 Michel Foucault compiles The Life of Infamous Men. In
contrast to Pontiggia’s book, Foucault banishes all fanciful elements
in his portrayal of just real, existing (and nevertheless forgotten)
wicked and lowly lives. He is only the editor of this collection: In
fact, he found them by sifting through state archives, historical
documents, and the like. They are short descriptions of the lives of
vicious men who were interned or experienced brutal interruptions.
“A piece in the dramaturgy of the real” as he would call them.
What associates the two books is the “non-fame” of the characters
described: obscured men that don’t leave any traces because they
are “not equipped of any of the predetermined and recognized
greatness, those of birth, fortune, genius or heroism” (Foucault).
Building upon these suggestive references, the exhibition aims to
metaphorically continue this narration. However, from a conceptual
point of view, Everything in nature has a lyrical essence, a tragic
fate, a comic existence introduces a significant difference: rather
than replicating the passive and documentary biographical style
(perpetuated by both Foucault and Pontiggia) the selected artists
conceive various types of stratagem, tricks and jokes to render these
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lives memorable. They propose a different biographical genre: what I
would call an “empathic biographism”, where objective, disenchanted
narrations are banned. With innovative and personal approaches,
the artists rigorously interrogate and investigate the portrayal of
ordinary existences by addressing the dilemma of every biographer:
What are the most meaningful moments of an entire existence
that are worth being handed down? In some cases the lives are
described in their entirety, while in other cases they are summarised
in one single, remarkable fact. But always the encounter between
the artist and his/her character touches on the existences of
both protagonists, personally and on an emotional level.
this sense, the audience is led into a never-ending story, from
piece to piece, where a selection of details – from the seemingly
banal to the potentially revelatory – are glued together into
fragile and strangely intimate portraits of ordinary men.
The immanent qualities of these stories force the artists to take
part in them: they spend time with the protagonists (Mounira
Al Solh), they stimulate the characters to invent imaginary
biographies (Sara Jordenö), they establish mutual relationships
with their characters (Vasil Artamonov and Pavel Sterec), they
give voice to their unrealised intentions (Riccardo Giacconi), they
play them (Mladen Miljanović), they help them to find their lost
affects (Alice Kok), and finally, they construct their narratives
with the protagonists (Jiří Skála). And thus these “empathic
biographies” emerge as a form of meditation between the
subject and the artist. It is, at once, a conflictual relation and a
love affair that triggers a symbiotic relationship of suspended
judgment, of acceptance and complicity, while generating
collisions, disagreement, and in some cases disappointment.
Finally, in contrast to a curatorial format bound to theoretical
references, I am interested in the idea of an exhibition based
on reports, stories, and narrations. Everything in nature has a
lyrical essence, a tragic fate, a comic existence is like a novel:
It reveals different plots composed of accounts of real facts as
well as embellished or altered aspects. And although the visual
component is predominant (with films, photos, and drawings),
metaphorically this is an exhibition to be read like a book. In
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Riccardo Giacconi
Controvena, 2015
Audio Installation
Riccardo Giacconi beschreibt häufig Geschichten von Menschen,
deren Leben aus dem einen oder anderen Grund unvollständig
erscheinen. Existenzen, die unvermeidlich von einem Unfall oder
einem anderen nebensächlichen Ereignis gekennzeichnet sind.
Controvena ist konzeptionell irgendwo zwischen einer mechanischen
Séance und einer Performance für eine Maschine verortet und
reagiert genau auf diese Formen von Arbeiten. Die Geschichte
handelt von Guido Tallei, Giacconis Urgroßvater. Guido Tallei war ein
Ingenieur: Er gestaltete und patentierte Dutzende von Maschinen,
von denen die meisten nie realisiert wurden. Primär hat es sich
dabei um Kriegsmaschinen (zum Beispiel einen Kampfpanzer)
und Transportmittel gehandelt. Beispielsweise gestaltete er eine
merkwürdige Mischung zwischen einem Flugzeugund einem
Zeppelin, die, obwohl es nie realisiert wurde, relativ bekannt wurde
und in deutschen und amerikanischen Magazinen publiziert wurde.
2001, während Guido Talleis Mappen mit Papieren, Projekten
und Dokumenten geöffnet wurden, wurde der Entwurf eines
Briefes gefunden. Es handelte sich dabei um eine Mischung aus
einer Autobiografie, einer Kritik und einem Hilferuf. Nach seiner
Entschlüsselung stand fest, dass sein Empfänger wahrscheinlich
Benito Mussolini gewesen sein musste. Es ist unbekannt, ob der
Brief, 1942 datiert (mitten im Zweiten Weltkrieg), abgeschickt
wurde oder nicht. Die Arbeit Controvena basiert auf diesem Brief
und ist wie ein Radiostück konzipiert, in dem eine Stimme den Text
des Briefes wiederholt und eine Lichtinstallation die Szenerie der
Stimme folgend beleuchtet.
Riccardo Giacconi often describes stories of men whose lives seem
to be incomplete for one reason or another. Existences ineluctably
marked by an accident or a side event. Controvena is conceived as
something between a mechanical séance and a performance for a
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machine and responds precisely to these types of works. The story
concerns Guido Tallei, Giacconi’s great-grandfather. Guido Tallei was
an engineer: He designed and patented dozens of machines, most of
which have never been realised. These were primarily war machines
(for example, a battle tank) and means of transport. For example,
he designed a strange mix between an aircraft and an airship,
which, although never realised, became relatively well known and
was published in German and American magazines. In 2001, while
exploring Guido Tallei’s folders of papers, projects, and documents,
the draft of a letter was found. It was something between an
autobiography, a critique, and a call for help. After deciphering it,
it was concluded that the likely recipient of the letter was Benito
Mussolini. It is unknown if the letter, dated 1942 (in the middle of
World War II), was sent or not. Controvena is based on this letter and
takes the form of a radio play, where a voice repeats the text of the
letter and a light installation illuminates according to the voice.
Riccardo Giacconi, research materials for Controvena (2015): photograph of Guido
Tallei next to a model of his „Diri-Disc“, taken around 1926.
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Sara Jordenö
Location Interview, 2003
Film
Dieser Film ist als Interview-Situation konzipiert, in welcher die
Künstlerin fünf Einwanderer-Frauen bittet, Fragen wie „Woher
kommst du?“, „Woher kommen deine Eltern?“, und „Warum bist du
hergekommen?“ zu beantworten. Sobald die Frauen ihre Antworten
gegeben haben, stellt sie die gleichen Fragen ein zweites Mal, bittet
sie aber nun, andere Identitäten und Abstammungen zu erfinden.
Jordenö interessiert sich in ihrer Arbeit dafür, wie Fragen dieser
Art „Fremdheit“ erzeugen, gleichzeitig will sie auf die Befragungen
hinweisen, die bei Einwanderungs- und Einbürgerungsverfahren
durchgeführt werden. Im Film macht sie diese Prozesse explizit:
Ihre Stimme ist nicht versteckt und das Video führt schließlich zur
Offenlegung von Mechanismen der Identitätsfälschung.
Schließlich bittet sie eine der Frauen darum, still zu bleiben, während
die Kamera an ihr vorbeischwenkt. Jahre später findet die Künstlerin
heraus, dass gerade diese Frau eine sehr berührende, persönliche
Geschichte von großer Relevanz für das Projekt zu erzählen gehabt
This film is set up as an interview situation where the artist
asks five immigrant women to answer questions like “Where
are you from?”,“Where are your parents from?”, and “Why did
you come here?”. Once they have completed their answers,
she poses the same questions a second time, but now asking
the women to fabricate other identities and ancestries. Jordenö
was interested in how questions of this type create “otherness”,
but she also wanted to point to the interrogations taking place
in immigration and naturalisation procedures. In the film she
makes these processes explicit: her voice is not hid, and the
video results as an exposed mechanism of identity fabrication.
Finally, she asks one of the women to remain silent as the camera
sweeps by her. Years later she finds out that this woman has a
personal, very touching story of great relevance to the project. hätte.
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Sara Jordenö: The Silent Woman (2010)
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Alice Kok
Family Script
Film
Family Script erzählt die Geschichte des Phänomens einer
zunehmenden Einwanderung nach Indien. Für die meisten der
EinwanderInnen ist die Überquerung der Grenze zwischen Tibet und
Indien ein Punkt, von dem aus es kein Zurück mehr gibt. Alice Kok
reiste mehr als neun Monate lang zwischen Indien und Tibet hin und
her und nahm Video-Botschaften von mehr als 20 EinwanderInnen
nach Indien auf. Dann brachte sie diese Videos zu deren Familien
in Tibet, wo sie wieder andere Botschaften der Familien filmte
und diese zurück an die EinwandererInnen übermittelte, sodass
sie auf diese Weise verstreute tibetische Familien wieder
zusammenbrachte, die mehr als 20 Jahre getrennt gewesen waren.
So bekamen über die Video-Kunst Familien, die in entfernten
Regionen Tibets lebten, die Gelegenheit, von der Sehnsucht ihrer
Kinder zu hören, sie zu sehen und umgekehrt.
Family Script narrates the story of the growing phenomenon of
Tibetan immigration to India. For most of them crossing the border
between Tibet and India is a point of no return. Travelling between
India and Tibet for more than nine months, Alice Kok shot video
messages of more than 20 immigrants in India and delivered these
videos to their families in Tibet. Then she recorded other messages
from the families and delivered them back to the immigrants, thus
re-uniting scattered Tibetan families, which have been separated for
more than 20 years. Through the means of video art, families living
in remote areas of Tibet had the chance to see and listen to their
children’s expression of longing from India and vice versa.
Alice Kok, Family Script, photo taken at the shooting of Family Script, photo by
Zhang Oi
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Mladen Miljanović
Do You Intend To Lie To Me?
Multimedia Installation
Für den Film Do You Intend to Lie to Me? beförderte Miljanović die
Zusehenden mit bestimmten Taktiken in die Welt einer brutalen
Realität. Mitglieder eine Spezialeinheit der Polizei stürmen ein Café,
verhaften einen Mann und führen diesen in Handschellen in eine
Polizeistation, während die gesamte Operation von Hubschraubern
aus überwacht wird. Es folgt eine Befragung. Details des Lebens
des Verdächtigen werden in 26 Fragen offenbart. Das Publikum
fühlt sich, als befände es sich auf der anderen Seite eines Ein-WegSpiegels in der Befragungszelle. Die Antworten des Verdächtigen
sind hörbar und es ein kurzer Blick auf die Ergebnisse des
Lügendetektors ist möglich. Der Verdächtige ist Veso Sovilj: ein
Künstler und Professor an der Kunstakademie in Banja Luka und
Mentor des Künstlers dieser Arbeit. Die Simulation von Soviljs
Verhaftung und Befragung, die Miljanović hier aufnahm, spielt in der
kommunistischen Ära.
Um den Film so realistisch wie möglich zu gestalten, entschied
sich Miljanović dafür, mit professionellen Mitarbeitern zu arbeiten:
in diesem Fall mit Mitgliedern der Spezialeinheit der Polizei der
Republik Srpska. Der Professor des Künstlers war über das Projekt
nicht informiert und wusste auch nicht, dass er eine Hauptrolle
spielen würde. Nach Beendigung des Films betrat Miljanović die
Befragungszelle und erklärte, dass der Zweck des Projekts darin
bestünde, 30 Jahre der künstlerischen Arbeit seines Mentors
auszuzeichnen. Als Sovilj Miljanovićs Erklärung hörte, war er
begeistert.
For the film Do You Intend to Lie to Me? Miljanović used certain
tactics to push the viewer into the world of brutal reality. Members
of a special police unit stormed a café, arrested a man, and escorted
him to a police station in handcuffs, while the entire operation was
monitored from above by helicopters. An interrogation ensues.
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Details of the suspect’s life are revealed through 26 questions. The
audience feels as if they are standing on the other side of a one-way
mirror in the interrogation room. They can hear the suspect’s replies
and are offered a brief look at the lie detector results. The suspect is
Veso Sovilj: an artist and professor at the Art Academy in Banja Luka
and the artist’s mentor. Miljanović recorded a simulation of Sovilj’s
arrest and interrogation, which happened during Communist Era.
To make the film as realistic as possible Miljanović decided to
work with professionals: in this case, members of the Republic
of Srpska Special Police. The artist’s professor was not informed
about the project nor was he aware that he would have a leading
role in the film. After filming was completed, Miljanović entered
the interrogation room and explained that the purpose of the
project was to mark 30 years of his mentor’s artistic work.
Upon hearing Miljanović explanation, Sovilj was thrilled.
Mladen Miljanović, Do You Intend To Lie To Me? (2011), movie set, photo taken by
Drago Vejnovic
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Jiří Skála
Two Families of Objects, 2007
14 Colour Photographs
In dieser Arbeit beobachtet Jiří Skála die sozialen und
wirtschaftlichen Transformationen, die in der tschechischen Republik
in den letzten 20 Jahren stattgefunden haben, durch die sich
wandelnde Beziehung zwischen ArbeiterInnen und ihren Maschinen.
2005, im südwestlichen Teil Tschechiens, ging eine Fabrik, in der
der Künstler Anfang der 1990er-Jahre gearbeitet hatte und in der
seine Eltern mehrere Jahrzehnte lang beschäftigt gewesen waren,
bankrott. Die meisten Maschinen wurden an neue BesitzerInnen
verkauft– KleinhändlerInnen oder große Fabriksanlagen in Indien
und Mexiko. Jiří Skálas Eltern kauften ebenfalls eine davon. Diese
unerwartete Entscheidung regte den Künstler zu seiner Idee
für diese Arbeit an: Er suchte nach ähnlichen Fällen und ließ die
neuen BesitzerInnen ihre Maschinen fotografieren. So ermöglichte
er ihnen, mit der Kameralinse ihre Beziehung zu ihrem eigenen
Arbeitswerkzeug zu erfassen und auf diese Weise herauszufinden,
warum sie einen jener Stahlgiganten überhaupt gekauft hatten, die
sich durch eine solch spezifische Ästhetik auszeichnen wie grüne
Farbe, überall präsente Schmiere und den penetranten Geruch nach
Stahlstaub. Mehr als jedes andere Ausstellungsstück erzählt Skála
seine Geschichten auf die kürzest mögliche Weise und konzentriert
seine Aufmerksamkeit auf einen einzigen Aspekt: die persönliche
Beziehung zum Arbeitskontext, der unsere Leben tagtäglich
beeinflusst. Und plötzlich, mit einer einzigen Aufnahme, wird ein
gesamtes Leben voller Opfer erzählt.
decades, went bankrupt. Most of the machines were sold to new
owners ­­– small tradesmen or large manufacturing complexes in
India and Mexico. The parents of Jiří Skála also bought one of the
machines. This unexpected decision gave the author an idea: to
search for similar cases and have their new owners photograph the
machines; thus, to allow them to capture, through a camera lens,
their relationship to their own manufacturing tool and in this way to
find out why they bought one of those steel giants that possesses
such specific aesthetics of green paint, ubiquitous grease, and the
pungent smell of steel dust. More than any other pieces exhibited,
Skála narrates his stories in the shortest possible way, concentrating
his attention on one single aspect: the personal relation with
the working context that affects our lives on a daily basis. And
suddenly, in one single shoot, an entire life of sacrifice is narrated.
In this work Jiří Skála observes the social and economic
transformations taking place in the Czech Republic in the past 20
years through the metamorphosing relationship of workers and their
machines. In the year 2005, in the southwestern part of the Czech
Republic, a factory, where the author had worked at the beginning
of the 1990s and where his parents were employed for several
Jiří Skála, Two Families of Objects (2007), 14 photographs, Lamda print, 50 x 40 cm
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Mounira Al Solh
The Sea is a stereo, 2008-ongoing
Video Installation
The Sea is a Stereo ist eine fortlaufende Serie von Reflexionen über
eine Gruppe von Männern, die jeden Tag an der Küste in Beirut
schwimmen gehen, ganz egal unter welchen äußeren Bedingungen:
Regen, Wind, Krieg usw. Sogar während wir dies lesen, könnte
es sein, dass die Männer gerade schwimmen oder sich darauf
vorbereiten. Dieser „lebendige Organismus“ verändert sich
abhängig von den Leben der beschriebenen Menschen. Er wächst
und erweitert sich ständig und nimmt neue Geschichten, mehr
Anekdoten und mehr Elemente auf. Konzeptionell beschreibt er eine
Gruppe von Männern, die sich weigern, ihre tägliche Alltagsroutine
zu leben und sich stattdessen in das Blau des Ozeans flüchten, um
dieser Routine für den Augenblick zu entkommen. Die Arbeit besteht
aus unterschiedlichen Elementen: einer Anzahl Videos, Foto-Collagen,
einem Vortrag und anderen Materialien. Mounira betrachtet diese
Elemente als unterschiedliche Möglichkeiten, das Werk The Sea is
a Stereo als unendliche Arbeit zu realisieren – wie das Ritual der
Männer in Beirut, die nie zu schwimmen aufhören werden.
The Sea is a Stereo is an ongoing series of reflections on a group
of men who swim everyday at the beach in Beirut no matter the
circumstances: rain, wind, war, etc. Even as we read this, the men
might be swimming or preparing themselves to do so. This “living
organism” changes according to the lives of the persons described.
It constantly grows and expands, acquires more stories, more
anecdotes, more elements. Conceptually, it describes a group of
men that refuse to live their daily condition, escaping into the blue of
the ocean, to momentarily interrupt their everyday routine. The work
consists of different elements: a number of videos, photo-collages,
a lecture, and other materials. Mounira sees these elements as
different possibilities to manifest The Sea is a Stereo as a neverending work – like the men in Beirut who will never stop swimming.
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Mounira Al Solh, The Sea is a stereo (2008 – ongoing), courtesy by the artist and
Sfeir-Semler Gallery, Beirut & Hamburg
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Pavel Sterec and Vasil Artamonov
A Record of Events in the Region, 2010
Multimedia Installation
2010 besuchten die tschechischen Künstler Pavel Sterec und Vasil
Artamonov verschiedene Kleinstadtchronisten in der tschechischen
Republik und überredeten diese, ihren Besuch genauso wie ihre
künstlerische Performance, die in der Region stattfand, in der
lokalen Chronik zu verzeichnen (jede Stadt ist gesetzlich verpflichtet,
eine Chronik zu unterhalten). Die Aktion stellte nicht einfach
den ironischen Wunsch oder Trick dar, sich selbst in die offizielle
Geschichte einzuschreiben, sondern bot die Gelegenheit, Interviews
mit den Chronisten aufzuzeichnen, Information über ihre Arbeit
und ihr Leben zu sammeln und die Strategien herauszufinden, die
bestimmen, welche Ereignisse für die Zukunft gesichert werden.
Die Arbeit besteht aus zwei Elementen: Kopien der Chroniken
mit handgeschriebenen Aufzeichnungen des Besuchs und AudioInterviews mit den persönlichen Geschichten der Chronisten.
Dadurch, dass sie die staatliche Rhetorik und ihre Obsession für die
Archivierung von Tatsachen und Episoden ironisieren, initiieren die
Künstler einen stufenförmigen, reziproken Prozess, im Lauf dessen
die Aufzeichnung ihrer Handlungen die Möglichkeit darstellt, die
Leben dieser noch unbekannten Staatsbeamten zu thematisieren.
Die soziale Funktion dieser Beamten besteht paradoxerweise
darin, die Leben anderer Menschen festzuhalten. Und gleichzeitig
kommentiert das Stück auf ironische Weise, wie KünstlerInnen
versuchen, von den Rändern aus, von wo aus der Erfolg leichter fällt,
in die Geschichtsbücher zu gelangen.
In 2010 the Czech artists Pavel Sterec and Vasil Artamonov
visited several small town chroniclers in the Czech Republic
and persuaded them to record their visit as well as their artistic
performance carried out in the region in the local chronicle (every
town must have a chronicle as a duty by law). It was not merely
intended as an ironic act or trick to inscribe themselves into
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official history; it was also an opportunity to record interviews
with the chroniclers, collect information on their work and lives,
and to find out the strategies which determine what events are
secured for the future. The work consists of two elements: copies
of the chronicle books with handwritten records of the visit and
the audio interviews with the chroniclers’ personal stories.
By ironicising state rhetoric and its obsession for archiving facts and
episodes, the artists initiate a cascade reciprocal process in which
the recording of their actions represents an occasion to talk about
the lives of these unheard-of state officers whose social function
is, paradoxically, to record other people’s lives. And at the same
time the piece ironically comments on how artists try to get into
history books from the margins, where it is easier to succeed.
Pavel Sterec and Vasil Artamonov, A Record of Events in the Region (2010)
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CVs
Riccardo Giacconi studied fine arts at IUAV University in Venezia,
at UWE in Bristol and at New York University. His work has been
exhibited in various institutions, such as tranzitdisplay (Prague),
MAXXI (Rome), Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Turin) and
in the “Résonance” section of the Lyon Biennale. He was artistin-residence in Viafarini (Milan), Lugar a Dudas (Cali, Colombia),
MACRO Museum of Contemporary Art of Rome and La Box
(Bourges). He presented his films at several festivals, including
the Rome Film Festival, the Torino Film Festival and the FID
Marseille International Film Festival, where he won the Grand Prix
of the International Competition in 2015. In 2007 he co-founded
the collective Blauer Hase, with which he curates the periodical
publication ‘Paesaggio’ and the ‘Helicotrema’ festival.
Sara Jordenö is a visual artist based in New York. She often
engages in durational projects in collaboration with communities
that takes 3 - 10 years to complete. Jordenö's work has been shown
internationally at venues such as the Modern Museum, Stockholm,
The Gothenburg International Biennial of Contemporary Art,
Bildmuseet, Umeå, the Kitchen and MoMA PS1, New York and has
been featured in New York Magazine, Paletten and Modern Painters
Magazine. Jordenö's work has been commissioned by Printed
Matter, LMCC, MoMA PS1, Muscarnok Kunsthalle, Budapest,
among others. Jordenö is a researcher and lecturer in the MFA Fine
Art Programme at Valand Academy. She is a 2013 Art Matters Award
recipient.
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Born in 1978 in Macau, Alice Kok is currently living in Macau
and Tibet. She has worked as the Editor of the bilingual (English
& Chinese) magazine Macau CLOSER, visiting professor at the
University of Science and Technology, University of St. Joseph and
the Institute of Tourism in Macau. Currently working as a full-time
artist, she is also a freelance writer, curator and art teacher. Her film
“Yet in Exile – Family Script” was selected in the Ten Finalists for
Asian Award at the Hong Kong Independent Film and Video Award in
2009. Later “Family Script” was selected in the Gwangju Biennale,
South Korea (2010. Her work “Passing-Green Island” has been
selected to represent the Macau Pavilion at the 54th Venice Biennale
of Art in Italy (2011).
Mladen Miljanović belongs to a group of young artists on Banja
Luka’s new art scene dealing with a fluid geopoilitical situation,
a so far failure of Bosnia Herzegovina’s economy and conflicting
ideologies in a post-socialist era.
Among his numerous solo exhibitions: The MC Gallery, New York
(2013), A+A Gallery, Venice (2012), Antje Wachs Gallery, Berlin (2011),
MUMOK, Museum Moderne Kunst Stiftung Ludwig Wien (2010),
National Gallery of B&H – Sarajevo (2010) and Neue Galerie Graz
(2007). Miljanović was the official artist selected for the Pavilion of
Bosnia Herzegovina at the 55th Venice Biennale in 2013. In 2010
Miljanović won the prestigious Henkel Art Award.
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Jiří Skála was born in the town of Susice in the Czech Republic in
1976. He lives and works in Prague. His works have been exhibited
at numerous international exhibitions, including the Tirana Biennale
(2001), the Palais de Tokyo (2003), the Prague Biennale (2005, 2007),
the UBS Gallery, New York (2007), The Other Tradition exhibition at
the Wiels Contemporary Art Centre, Brussels (2011), People and
Things at Galeria Arsenal, Bialystok (2013). Recent solo exhibition
project was organized at Foksal Gallery in Warsaw (2014).
Mounira Al Solh (1978) born in Beirut, Lebanon, lives and works
in Amsterdam and in Beirut. Her work has been displayed in
exhibitions at the Venice Biennale; Sfeir-Semler Gallery, Beirut;
Kunsthalle Lisbon, Portugal; Art in General, New York; The New
Museum, NY; Lebanese Pavilion at the Venice Biennial; Homeworks,
Beirut; The New Museum, New York; Haus Der Kunst, Munich;
Manifesta 8, Murcia, Spain; The Guild Art Gallery, Mumbai; Stedelijk
Museum Bureau Amsterdam, The Netherlands; Al Riwaq Art Space,
Manama, Bahrain; Kunst-Werke Institute for Contemporary Art,
Berlin and the 11th International Istanbul Biennial. She is Uriôt Prize
winner at the Rijksakademie, and was nominated for the Volkskrant
Award in the Netherlands in 2009. Most recently she has been
shortlisted for the Abraaj Group Art Prize, 2015. In 2013, Al Solh initiated noa language school in collaboration with
curator Angela Serino, a temporary research platform to think about
language in relation to immigration. 28
Pavel Sterec & Vasil Artamonov
Pavel Sterec was born in 1985 in Prague, where he still lives and
works. His work has been exhibited in International Institutions
such as Gallery of Fine Arts in Zlín (2015), PLATO, Ostrava (2014),
Among his solo exhibitions are Autocenter, Berlin (2014), Futura,
Prague (2014), Tranzit, Bucharest (2013), Moravian Gallery in Brno
(2013), Astrup Fearnley Museet, Oslo(2014), Tranzit, Bratislava (2014),
National Museum, Prague (2013), Czech centre, Berlin (2013), The
Australian Centre for Contemporary Art, Melbourne (2011). In 2011
and 2015 he was finalist of the Jindrych Chalupecky Prize. In 2013 he
was artist in residency at Museumsquartier, Vienna and the Czech
Centre, Tel Aviv. He is a founder member of the artistic group POLE.
Vasil Artamonov, born 1980, is a Prague-based artist. Select solo
exhibitions include: Desert – Fotograf Gallery, Prague (2013); Material
Basis – Svit Gallery, Prague (2012); Socialism – Bohemian National
Hall, New York (2011); The Clay Flag – Cripta 747 Gallery, Turin (2009);
Symmetric Response – Stereo Gallery, Poznan (2009); Silence
Please – Kisterem Gallery, Budapest (2008); Fire In The Library,
The Demonstration, The Globe and others – Jeleni Gallery, Prague
(2007); The way we helped… – ETC. Gallery, Prague (2006). Select
group exhibitions: How You Become Who You Are – BWA Tarnow
(2013); The Situation – special project for 3rd Moscow Biennale
of Contemporary Art, Moscow (2009); Move On – Futura Gallery,
Prague (2008); We Came From Beyond – Starter Gallery, Poznan
(2007); Simple Living – Muzeul National Brukenthal, Bucharest
(2007); Invisible Things – Trafo Gallery, Budapest (2007). He was
awarded the following scholarships: Residence – Impex Gallery,
Budapest (Visegrad Fund) in 2008; Residence – MuseumsQuartier,
Vienna (Erste Bank / Tranzit) in 2007.
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Impressum / Imprint
EVERYTHING IN NATURE HAS A LYRICAL ESSENCE,
A TRAGIC FATE, A COMIC EXISTENCE
Kunsthalle Exnergasse
WUK Werkstätten- und Kulturhaus
Währinger Straße 59 / 1090 Wien / Vienna, Austria
[email protected]
www.kunsthalleexnergasse.wuk.at
T +43 (0)1 401 21 41/-1570
Di – Fr / Tue – Fr 13.00 – 18.00
Sa / Sat 11.00 – 14.00
Limitierte Barrierefreiheit. Für Informationen rufen Sie bitte
Limited building accessibility. Please call: +43 (0)1 401 21 41/-1570
© bei den Künstler_innen / by the artists
Cover: Mounira Al Solh, The Sea is a Stereo, 2008-ongoing
Übersetzung / translation: Christine Schöffler & Peter Blakeney, Dörte Eliass
Kunsthalle Exnergasse
Andrea Löbel, Christoph Hudl, Ernst Muck, Klaus Schafler, Lisa Schneider
Dank an / Special thanks to: TELEPRINT Wien