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Sonhos não envelhecem
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Dreams don’t grow old
Issue # 2/13 |
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Flurin Bisig
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Conversa entre Marina Coelho e Flurin Bisig, em
19 de fevereiro de 2013, a propósito da exposição
realizada na KUNSTHALLE São Paulo, em Fevereiro
de 2013.
Conversation between Marina Coelho and Flurin
Bisig, on February 19, 2013, regarding the
exhibition held at KUNSTHALLE São Paulo on
February 2013.
Marina Coelho: Você gostaria de contar como sua
relação com a arte começou, e em que ponto você
decidiu tornar-se um artista e ir para a escola de
arte?
Marina Coelho: Would you like to tell me how your
relationship with art started, and at which point you
decided to become an artist and go to art school?
Flurin Bisig: Não é fácil de explicar, pois que há várias
explicações. Uma muito simples é que eu tinha um
professor de desenho na escola que realmente me
trouxe a idéia de que eu poderia estudar arte. Eu não
sabia que antes.
Então, eu me inscrevi para a escola de arte e fui
aceito, mas tranquei por um ano para vir para o Brasil
durante seis meses. Eu estava pensando na outra
noite que esta viagem ao Brasil pode ter tido uma
grande influência no porquê de eu não estudar design
gráfico, e em vez disso ter ido em direção às artes
plásticas.
MC: Então, na verdade, o Brasil teve uma grande
influência?
FB: Acho que sim, pelo menos, sobre a decisão ...
vendo a maioria das pessoas que aqui têm vidas tão
diferentes, com menos dinheiro e não tão focados
em uma carreira talvez. Há várias experiências que eu
sinto que me influenciaram a não ter mais medo de ir
nesta direção. Arte era muito incerto, e minha família
e as pessoas ao meu redor estavam dizendo “mas
como é que você vai sobreviver? Você tem que ter
um emprego! Se você gosta de desenhar, você pode
fazer arquitetura ou design gráfico, de modo que pelo
menos você tenha um emprego e, em seguida, você
pode fazer o que quiser.” Depois de vir aqui e viajar
aqui no Brasil eu percebi que eu deveria tentar.
MC: Porque você viu o jeito brasileiro de improvisar?!
FB: [risos] Sim! Foi esse “improviso” que foi muito
importante. E também não pensar no amanhã e no
dia seguinte, mas realmente sobre o presente. Isso
era algo que eu não estava familiarizado, vindo de
Flurin Bisig: It’s not easy to explain, because there are
several explanations. One very simple one is that I had
a drawing teacher at school who actually introduced
me to the idea that I could study art. I hadn’t
considered it before.
Then I applied for art school and was accepted, but
I deferred for one year and I came to Brazil for six
months. I was just thinking the other night that this
trip to Brazil might have had a big influence on why
I did not start studying graphic design, and instead I
went in the direction of fine art.
MC: So actually Brazil had a great influence?
FB: I think so, at least on the decision... seeing most
of the people here living such different lives, with less
money and without being so focused on a career
maybe. I don’t know. There are several experiences
that I feel have influenced me not to be scared
anymore to go in this direction. Art was very uncertain
and my family and people around me were saying
‘but how are you going to survive? You have to have a
job! If you like to draw, you can either do architecture
or graphic design, so that at least you have a job and
then next week you can do whatever you want.’ And
then coming here and traveling here I realized that I
should try it.
MC: Because you saw the Brazilian way of improvising!
FB: [laughs] Yeah, improvising. It was the improvising
I think that was very important, and also not thinking
about tomorrow and the day after, but really about
the present. That I think was very important. That’s
something I wasn’t familiar with, coming from a Swiss
culture where you come away from school with
everything planned.
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uma cultura suíça de onde você vem da escola com
tudo planejado.
MC: Foi muito intuitivo para você vir aqui, e isso
realmente abriu sua mente. E então, quando você
voltou, você foi direto estudar arte?
FB: Sim, exacto. Comecei o primeiro ano de
preparação na Suíça, durante o qual eu descobri que
eu não queria estudar na Suíça, que eu tinha que sair
de lá. Eu queria aplicar para escolas diferentes na
Europa - em Viena, Paris, Berlim, Dusseldorf. Berlim
teve a primeira data de aplicação, e eu levei isso como
um bom sinal quando eu apliquei e eles me quiseram
lá também. Eu pensei que era uma boa oportunidade
para ir para lá.
MC: Que tipo de trabalho fez você no começo quando
estava na escola de arte? Que caminhos você estava
seguindo, o que lhe interessou no início?
FB: Eu vim para a arte muito influenciado por Alberto
Giacometti, por seus desenhos e eu estava quase
desenho como ele. Quando eu comecei a escola de
arte eu tive que realmente me desprender de tudo,
eu tive que me livrar de todas essas idéias que eu
tinha sobre arte. Acho que durante os dois primeiros
anos, eu estava trabalhando em me livrar de todas
essas idéias.
Eu queria ser pintor, mas depois comecei a fazer
objetos, e eu percebi que eu sempre tive um problema
com a pintura, porque eu não sabia o que pintar. E
com a escultura eu tinha o mesmo, mas o que eu
realmente gostava na escultura é que você sempre tem
alguns problemas - você tem o problema estático de
como ela vai parar em pé. Você está no espaço, você
tem distâncias, você tem peso, você precisa ter os
materiais - de alguma forma você tem que organizar de
lá para lá, você tem que ter ferramentas. Você tem um
monte de problemas e eu gostava disso na escultura
- de alguma forma, eu comecei com uma coisa que
depois se desenvolveu por si só. No início eu tinha um
velho professor que fazia esculturas em pedra e ele me
apoiou muito em tudo o que eu estava fazendo.
Eu tentei um monte de coisas com esculturas.
Em algum momento eu comecei a tornar-se muito
MC: It was really intuitive for you to come here, and it
really opened your mind. Then when you came back,
did you go straight into studying fine art?
FB: Yes exactly. I started the preparation year first in
Switzerland, during which I found out that I did not
want to study in Switzerland, that I had to leave. I
wanted to apply for different schools in Europe – in
Vienna, Paris, Berlin, Dusseldorf. Berlin had the
earliest application date, and I took it as a good sign
when I applied there and they accepted me. I thought
it was a good opportunity to go there.
MC: What kind of work did you start doing while you
were at art school? What paths were you following
and what interested you in the beginning?
FB: I came to art very influenced by Alberto
Giacometti - I was very influenced by his drawings
and I was almost drawing like him. When I started
art school I really had to unpack everything, I had to
get rid of all these ideas I had about art. I think for
the first two years I was working on getting rid of all
those ideas.
I wanted to become a painter, but then I started
to make objects, and I noticed that I always had a
problem with painting because I didn’t know what to
paint. And with sculpture I had the same problem,
but what I really liked about sculpture is that you
always have some problems – you have the static
problem of how it is going to stand. Then you are in
the space, and you have distances, you have weight,
you need to have materials - somehow you have to
organize from there to there, you have to have tools.
So, you have a lot of problems and I liked that about
sculpture - somehow I started with something and
then it developed by itself. At the beginning I had an
old teacher that was making stone sculptures and he
was very supportive of whatever I was doing.
I tried a lot of things with sculptures. At some point –
which might be the link to the concept of what I am
doing today – I started to become very interested in
Joseph Beuys, because people in Berlin were talking
a lot about him. And there I had sculptures I made
but then I also started to just put down everything
that I started, all the materials. When you entered my
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Se preparando | Getting started
interessado em Joseph Beuys - o que pode ser o
elo com o conceito do que eu estou fazendo hoje
- porque as pessoas em Berlim estavam falando
muito sobre ele. E lá eu fazia algumas esculturas,
mas também comecei a simplesmente colocar no
chão tudo o que eu começava, todos os materiais.
Quando você entrava no meu estúdio, ele estava
cheio de obras inacabadas, obras acabadas,
desenhos… tudo misturado.
studio it was full of unfinished works, finished works...
it was all mixed up with drawings...
MC: And you didn’t have a specific theme or subject?
FB: No, I didn’t really. I can remember my classmates
asking me ‘yeah, it’s all nice, but what is this about?’
And I remember saying that I am really interested in life
- how life goes. But I couldn’t explain it further. I wanted
to make work that I felt was close to how life goes.
MC: E você não tinha um tema específico?
FB: Não, eu não tinha realmente. Lembro-me de
meus colegas me perguntando ‘sim, é tudo bom,
mas o que é isso?’ E eu lembro de dizer que estava
realmente interessado na vida - como a vida continua.
Mas eu não poderia explicar mais.
MC: Então, talvez você estava experimentando a
vida, e depois indo para o estúdio e tentando criar
algo com a energia que você sentia com a sua
experiência de vida?
MC: So maybe you were experiencing life, and then
coming to the studio and trying to create something
with the energy that you felt from your experience of
life?
FB: Yes, that was the kind of theory. But of course it
never works like that. I had a problem with sculpture
when it was so fixed, when it was just a thing there,
without any kind of movement, and this kind of being
involved as a viewer or as an artist, and having this
distance because it is finished.
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FB: Sim, essa era a teoria. Mas é claro que isso
nunca funciona assim. Eu tinha problemas quando
a escultura era demasiada fixa, quando era apenas
uma coisa parada ali, sem qualquer tipo de
movimento, e sem qualquer tipo de envolvimento
do espectador ou do artista, e tendo essa distância,
porque já estava acabada.
MC: Você se relaciona o seu trabalho com o tipo de
esculturas de Alexander Calder, os mobiles? Ele o
influenciou de alguma forma?
FB: Sim. Na verdade o que mais me influenciou foi o
seu circo. Eu o vi quando eu estava em Nova York,
em 2007, e eu fiquei realmente encantado. Eu fui
algumas vezes - não me lembro onde foi mostrado,
eu acho que no Whitney ou no MOMA. Há um filme
sobre ele também e é realmente incrível.
MC: E também William Kentridge trabalha um pouco
assim. Você poderia dizer que estas são as referências
para o seu trabalho, ou você tem algumas outras
referências que você poderia apontar?
FB: Não é tão fácil dizer ... Com certeza há
Richard Tuttle, a quem eu admiro muito. Ele é um
artista americano e vejo-o como vindo de uma
direção diferente. Eu vejo o seu trabalho como
uma espécie de expansão do plano de pintura.
Vindo da pintura para dentro do espaço. E eu sinto
que estou mudando da escultura para a pintura
de alguma forma. Eu sinto uma grande afinidade
com seu trabalho. Depois, há Vaclav Pozarek, que
segue um conceito construtivista de fazer arte. Os
construtivistas são muito importantes, e eu gosto
muito deles. E Vaclav Pozarek continuou fortemente
ligado a este legado, e eu o admiro muito.
MC: Você pode sentir a influência em seu trabalho?
FB: Sim, eu acho que na construção e algumas
questões formais, e também na idéia de construir
esse espaço imaginário. Talvez isso também é algo
que me ligue a El Lissitzky.
MC: Também para o aspecto arquitetônico do seu
trabalho. Nós sempre discutimos sobre a instalação
que El Lissitzky fez para a Feira Mundial de Nova York
MC: Do you relate your work to the sculptures of
Alexander Calder, the mobile? Did he influence you
work somehow?
FB: Yes. Actually what influenced me the most was
his circus. I saw it when I was in New York in 2007
and I was really blown away. I went a few times - I
don’t remember where it was showing, I think at the
Whitney or at MOMA. But there’s also a film about it,
and it was really great.
MC: And also William Kentridge works a bit this way.
Could say that these are references for your work, or do
you have some other ones that you could point to?
FB: It’s not so easy to say... For sure there is Richard
Tuttle, whom I admire a lot. He is an American artist
and I see him as coming from a different direction. I
see his work as a kind of expansion of the plane of
painting, so coming from painting into the space.
And I feel that I’m moving from sculpture into painting
somehow. I feel a close affinity with his work.
Then there is Vaclav Pozarek, who is following
a constructivist concept of making art. The
constructivists are very important, and I like them a
lot. And Vaclav Pozarek has continued very strongly
in that egacy, and I admire him very much.
MC: Can you actually feel the influence in your work?
FB: Yes, I think that in the construction and some
formal issues, and also in the idea of constructing this
imaginary space. Maybe that is also something that
links to El Lissitzky.
MC: Also to the architectural aspect of your work.
We always discuss the installation El Lissitzky did
for the 1939 New York World’s Fair, that had a big
influence on the work you showed at the Wäscherei.
FB: Yes, on the one hand, because I feel that it is very
much about the frame and the structure, and I have
had this idea for some time in my work. But I also feel
that it is going beyond the structure, I’m also always
looking for the energy – the controlled energy, and the
energy that we cannot control. That is stepping out of
this concept a little bit.
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1939, o que influenciou muito o trabalho que você
mostrou no Wäscherei.
FB: Sim, por um lado, porque eu sinto que é muito
sobre o quadro ea estrutura, e eu tive essa idéia há
algum tempo no meu trabalho. Mas também sinto
que vai além da estrutura, eu também estou sempre
procurando a energia - a energia controlada, ea
energia que não podemos controlar. Que está saindo
deste conceito um pouco.
MC: Talvez porque este, de caráter formal,
estruturado é muito racional e ligado ao pensamento
arquitetônico e os construtivistas.
FB: Eu não sei se é racional, mas eu sinto que pode
ser controlado talvez ou projetado. Eu sinto que os
construtivistas foram também à procura de algo
espiritual, entre o material, e me sinto muito próximo
a isso.
MC: Você gostaria de explicar sua pesquisa um
pouco, e talvez o caminho que o seu trabalho está
tomando. Quais são os seus interesses? Como você
lida com o espaço em geral? De que questões seu
trabalho trata?
FB: Eu acho que o meu trabalho é inacabado. Os
espectadores terminam o trabalho, eles fazem
realmente parte do trabalho, mas ninguém percebe
isso. Então esse é um aspecto dele no qual eu
estou muito interessado, especialmente quando
estou criando uma exposição. O que eu procuro é,
em algum momento, começar completamente de
novo, e não ter um objetivo ou uma idéia sobre o
que eu vou fazer, ou até mesmo o que realmente do
meu trabalho se trata. Eu sempre tento esquecer
tudo e, em seguida, começar de novo, em um novo
lugar. E depois, claro, quando eu o começo, todas
essas experiências voltam: as coisas que eu prefiro
e materiais que eu gosto de trabalhar com, como o
papelão ou a madeira, que eu posso trabalhar muito
rápido porque eu já os conheço.
Em algum momento, eu percebi que eu estou muito
interessado em criar algo em um espaço que, na
verdade, criar um novo espaço. Existe o espaço
que eu entro, e então eu crio algo com o que já
MC: Maybe because this formal, structured character
is very rational and connected to the architectural
thought and the constructivists.
FB: I don’t know if it is rational but I feel it can
be controlled maybe, or designed. I feel that the
constructivists were also looking for something
spiritual in between the material, and I feel very close
to that.
MC: Would you like to explain your research a little, and
maybe the path that your work is taking. What are your
interests? How do you deal with the space in general?
What questions does your work bring up?
FB: I think that my work is unfinished. The viewers
finish the work - they are really part of the work, but
nobody sees it, it doesn’t exist actually. So that’s one
aspect that I’m very interested in it especially when I’m
creating an exhibition. What I’m always looking for at
some point is to start completely anew, without having
a goal or an idea about what I’m going to make, or
even what my work is actually about. I always try to
forget everything and then start anew, at a new place.
And then of course when I start all these experiences
come back: things that I prefer, materials that I like to
work with - cardboard or wood that I can work with
really fast because I know how it goes.
At some point, I noticed that I’m very interested in
creating something in a space that actually creates
a new space. There is the space I enter, and then
I create something with what is already there, but
also with what I place or add there. This creates a
new space. And this space has some very defined
qualities that are hard to speak about. There are a
lot of empty moments where somebody who comes
in and looks at it, starts to make an interpretation,
and starts to imagine things around what I have
done in this empty space. So if I had to define it in
clear terms, I think it would be about space creating
fragility, which seems to me very linked to how I
experience life.
MC: With fragility?
FB: Yes. And movement of course. Everything is
somehow in movement.
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está nele, mas também com o que eu adicionao.
Isso cria um novo espaço. E este espaço tem
algumas qualidades bem definidas que são difíceis
de falar. Há diversos momentos vazios onde alguém
que chega e olha para ele, começa a fazer uma
interpretação, e começa a imaginar as coisas que
eu fiz neste espaço vazio. Então, se eu tivesse que
defini-lo em termos claros, eu acho que seria sobre
o espaço criando fragilidade, que me parece muito
ligado à forma como eu experimento a vida.
MC: Com fragilidade?
FB: Sim. E movimento é claro. Tudo está de alguma
forma em movimento.
MC: Porque, mesmo eles sendo instalações estáticas,
eles estão sempre em equilíbrio.
FB: Eles estão em equilíbrio e, por vezes, há também
peças que se espalham pelo chão que têm juntas,
tendo assim o potencial de levantar-se para o
MC: Because even if they are static installations, they
are always in balance.
FB: They are in balance, and sometimes, there are
also pieces which lay on the floor that have joins in
them, having the potential to get up into the space.
This also speaks about this imaginary movement.
There is also the latest idea I came to in that exhibition
in Lucerne, where I made a film of the work, instead
of photographs, because I felt that the work is like a
mobile, but inverted, because it’s not the mobile which
moves, but the viewer.
MC: It really looks like a mobile. And with the film you
have the movement, because they are the stabile and,
with the film, become mobile.
FB: Exactly. And I really like that without the viewer
it is nothing, the work is not finished, there is a part
missing. It is the people who move and look at and
create the work.
Instalando a obra | Installing the sentence works
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espaço. Isto também fala sobre este movimento
imaginário.
Há também a última ideia que me veio na exposição
em Lucerna, onde eu fiz um filme do trabalho, em vez
de fotografias, porque eu senti que o trabalho é como
um mobile, mas transformado, porque não é o mobile
que se move, mas o espectador.
MC: Ele realmente se parece com um mobile. E com
o filme há o movimento, pois, na verdade, eles são
estáveis e com o filme, tornar-se mobile.
FB: Exatamente. E eu realmente gosto da ideia,
novamente, que sem o espectador ele não é nada,
o trabalho não está terminado, há uma parte que
falta. São as pessoas que se movem, olham e criam
o trabalho.
MC: Às vezes, agora você também está trabalhando
com frases. É a segunda vez que você está usando
isso. Você gostaria de explicar o porquê de ter ído
nessa direção?
FB: Eu devo te contar a história exata?
MC: Sim [risos].
FB: Começou durante uma residência em Outono
passado, no sul da Alemanha, onde o acordo era
que eu poderia ficar lá por três meses e deixar algo.
O “algo” foi mantido muito aberto. Eu me inscrevi
para ir para lá para fazer uma instalação grande,
mas isto foi de 1,5 anos antes de eu realmente
chegar lá. Quando eu cheguei lá, eu não estava mais
interessado em fazer uma instalação grande, ainda
mais porque eu senti que a instituição já estava cheia
de obras de arte, trabalhos muito representativos de
arte - pintura, escultura. E pela maneira com que o
dono da instituição estava lidando com as obras de
arte, eu senti que não poderia deixar alguma coisa
lá, como uma instalação grande - não era possível
porque não havia espaço para mim. Então, em algum
momento, peguei um trem para a Suíça e eu apenas
senti que havia esta frase vindo para mim: eu vejo
você me movendo. Eu apenas senti que eu queria
colocar a frase no espaço, e eu soube imediatamente
onde eu a queria por. Havia uma grande parede
MC: Sometimes now you are also working with
sentences and text. This exhibition is the second time
you have worked in this way. So would you like to
explain why you have gone in this direction?
FB: Should I tell you the exact story?
MC: Yes [laughs]
FB: So, it started during this residency last autumn in
the south of Germany, where the deal was that I could
stay there for three months and then leave something.
The “something” was kept very open. I applied there
to make a big installation, but this was 1.5 years
before I actually went there. And when I arrived there, I
wasn’t interested anymore in making a big installation,
even more, because I felt that this whole institution
was already so full of works of art, very representative
works of art - painting, sculpture. And the way that the
guy who ran the institution was treating the artworks, I
didn’t feel that I could leave something there, like a big
installation - it wasn’t possible because there was no
space for me.
Then, at some point I took the train to Switzerland
and I just felt that there was this sentence coming to
me: ‘I see you moving me’. I just felt that I wanted to
put the sentence in the space, and I knew right away
where I wanted to place it. There was a big white wall
at the entrance of the museum, and I felt I wanted to
install the sentence there, with white adhesive foil on
the white wall. So I did it, and it worked very well. You
almost didn’t see it. You really had to know that it was
there. From the side somehow and with very special
light you could see it. So I really liked that. But the
whole work somehow was also linked to this guy and
to the house. I wanted to give him this kind of work it felt right for me that it was a work that was almost
retreating from itself, not taking up space but going
away somehow, leaving.
MC: It was a way that you could find to have space
there?
FB: Exactly. That was the space I could find there. It
was a space that was retreating and very imaginary,
and very much ungraspable. The work in its form
wasn’t graspable really, because you almost couldn’t
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branca na entrada do museu, e eu senti que queria
instalar a frase lá, com papel adesiva branca na
parede branca. Então eu fiz isso, e funcionou muito
bem. Você quase não a vê. Você realmente tem que
saber que ele estava lá. Talvez olhando de lado com
uma determinada luz você poderia vê-la. Então, eu
realmente gostei. Mas todo o trabalho de alguma
forma, também foi associado com o dono e com a
instituição. Eu queria dar-lhe esse tipo de trabalho me parecia que era um trabalho que estava quase se
afastando de si mesmo, não ocupando espaço, mas
indo embora de alguma forma.
see it, and then the meaning of it was also very quiet.
It connects to the most beautiful moments that I have
experienced, or which have inspired an experience.
When I really see what’s moving me, I think that’s
the best that I can have, because then I really know
what’s going on, and who I am and where I am.
MC: Foi uma maneira que você pode encontrar para
ter espaço lá?
FB: And now I’ve also installed at your space.
MC: And why you are doing what you do.
FB: Exactly
MC: That’s very interesting
MC: It was a bit the same way.
FB: Exatamente. Este foi o espaço que eu poderia
encontrar lá. Era um espaço que recuava e era muito
imaginário, e não muito compreensível. O trabalho
em sua forma não era apreensível realmente, porque
quase não se podia vê-lo, e seu significado era
também foi muito tranquilo. Ele se conecta a um dos
FB: It was kind of the same way, because I didn’t
know where I could find space for myself there. But I
wasn’t scared. That was very different - the emotional
state I was in when I came here was very different from
how I felt in South Germany. I was scared there to
Testes de projeções | Projection tests
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momentos mais bonitos que vivi, uma experiência
inspirada. Quando eu vejo realmente o que está me
movendo em mim, eu acho que isso é o melhor que
eu posso ter, porque então eu realmente sei o que está
acontecendo, e quem eu sou e de onde eu estou.
MC: E também o porquê de você estar fazendo o
que você faz.
FB: Exatamente.
MC: Isso é muito interessante
FB: E agora eu instalei uma no seu espaço também.
MC: Foi um pouco da mesma forma.
FB: Foi mais ou menos da mesma forma, porque eu
não sabia onde eu poderia encontrar espaço para
mim lá. Mas eu não estava com medo. Foi muito
diferente. O estado emocional que eu estava quando
cheguei aqui era muito diferente de quando estava no
sul da Alemanha. Eu estava com medo de deixar um
trabalho lá ou de instalar uma obra, porque tudo era
muito capitalista, e a arte estava sendo maltratada de
alguma forma. E eu não senti isso quando eu vim para
o seu espaço. Eu não estava com medo.
MC: Mas eu acho que no início você não conseguiu
encontrar o seu espaço, não só porque ainda havia
uma exposição, mas também porque o espaço era
realmente... pesado.
FB: Sim, o espaço já estava muito ocupado com a
exposição e por tudo o que estava lá dentro: o lugar
do café, a parede preta, a parede cinza.
E havia também essa cidade louca do lado de fora,
que eu realmente não sabia o que iria acontecer
comigo se eu saísse. O que eu notei primeiro
quando cheguei aqui foi que eu pensei que era muito
interessante o fato de não haver realmente uma porta
ou uma barreira que dividisse o espaço interior do
espaço exterior, porque a porta está sempre aberta.
Caminhar através da porta era menos abrupto do
que na Europa. É por isso que eu instalei a frase logo
acima da porta, porque eu senti que tanto para entrar
leave a work or to install a work, because it was very
capitalistic, and the art was being mistreated somehow.
And I didn’t feel that when I came to your space, at all. I
wasn’t scared at all.
MC: But I think at the beginning you couldn’t find
your space, not only because there was an exhibition
showing, but also because the space was heavy.
FB: Yes, the space was very occupied already by the
exhibition and by everything that was in there: the
coffee place, the black wall, the grey wall.
And there was this crazy city outside, that I didn’t
really know if I stepped out what was going to
happen. What I noticed first when I came here was
that I thought it was great that there isn’t really a
door or a barrier that divides inner space from outer
space, because the door is always open. To walk
through the door feels less of a step than in Europe.
So that’s why I installed my sentence right above the
door, because I felt that neither when going out nor
coming in, there is big boundary.
MC: What about the meaning?
FB: The meaning is again very cloudy. The sentence
reads: ‘I feel that it’s all there.’ I was writing something
and then this sentence came to me, and then I felt
that that was the motto for me here. But it also has to
do again with this inspired moment where you realize
‘it’s all there’ - you don’t have to drive yourself crazy
running after the whole world. Instead you really have
to be here and open your senses. When you achieve
this, you can change with very small interventions,
just by showing what is already there you can make
it. So specifically for the exhibition I was also thinking
about that - I didn’t bring anything except paper, and
instead of driving myself crazy about it and thinking
‘I’m never going to make an exhibition here, because
I have nothing with me, I could just enjoy myself and
say ‘it’s all here anyway’.
MC: You don’t need to have the stuff with you. You
can take the material that you find, and create.
FB: Exactly. I had never done it in such an extreme
way before, but ‘everything is there’ also means that
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quanto para não há uma grande barreira.
MC: E sobre o significado?
FB: O significado é também muito nebuloso. Está
escrito: “Eu sinto que está tudo lá.” Eu estava
escrevendo algo e então esta frase veio a mim, e
então eu senti que esse era o meu lema aqui. Mas
também tem a ver com este momento inspirado
no qual você percebe que ‘está tudo lá “- você não
tem que enlouquecer correndo ao redor do mundo.
Em vez disso você realmente tem que estar no aqui
e agora, e abrir os seus sentidos. Quando você
consegue isso, você pode mudar com intervenções
muito pequenas, apenas mostrando o que já está lá.
Assim, especificamente para a exposição eu também
estava pensando sobre isso - eu não trouxe nada
além de papel e, em vez de enlouquecer e pensar ‘Eu
nunca vou fazer uma exposição aqui, porque eu não
tenho nada comigo’, eu posso apenas me divertir e
pensar ‘está tudo aqui de qualquer maneira’.
MC: E também você não precisa do material com
you can always take some material with you, but in the
end, it’s not about the material. What I bring is what
there needs to be at the end: it’s my experience; it’s
how I feel the space. It just needs trust, to trust in your
own abilities.
MC: During the first few days you were creating these
little colorful works. Would you like to explain a little
about them?
FB: The paper works. I like to take paper with me
wherever I go, and sometimes I even make these little
works on the train, and whenever I get somewhere, I
like to have paper, and to do these works where I give
myself some very simple rules. The rule for this one was
first to use a stencil with three stripes cut out, so there
was a kind of a frame left over. Then, I have five pieces
of paper, and the rule is then to fold every piece of
paper twice from the left, and twice from the right. And
when you continue like this, it creates a composition.
So it’s based on very simple rules, but the outcome is
not quite controllable. So I really like making [things] like
Transformando o espaço | Space’s transmormation
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você, porque você pode obter o material que você
encontrar e criar.
FB: Exatamente. Eu nunca tinha feito tão extremo
assim, mas ‘está tudo lá’ também significa que você
pode sempre levar algum material com você, mas no
final, não é sobre o material. O que eu trago, e que
precisa ter é minha experiência, é como eu me sinto no
espaço. Só precisa de confiança em suas habilidades.
MC: Durante os primeiros dias você estava criando
pequenas obras coloridas. Você gostaria de falar um
pouco sobre elas?
FB: Os trabalhos em papel. Eu gosto de levar esses
papéis comigo onde quer que eu vá. Às vezes eu
faço isso no trem, e sempre que eu chego em algum
lugar, eu gosto de ter esses papéis, e fazer estes
trabalhos, onde eu me dou algumas regras muito
simples. A regra para este foi primeiro usar um stencil
com três listras cortadas, por isso é uma espécie
de um quadro. Eu tinha cinco pedaços de papel, e
em seguida, a regra era a dobrar cada pedaço de
papel duas vezes da esquerda, e duas vezes da
direita. E quando você continuar assim, ele cria uma
composição. É um trabalho baseado em regras muito
simples, mas o resultado não é muito controlável.
Então, eu realmente gosto de fazer coisas como
estas, porque é algo que eu posso fazer em
qualquer lugar, e ao mesmo tempo eu posso chegar
em algum lugar e me ocupar racionalmente com
isso, e nesse meio tempo eu ver onde eu sou e do
que está acontecendo.
MC: É uma maneira de entrar em alguns lugares
sendo você.
FB: Exatamente, porque este processo não é racional.
Se eu sentar no espaço e apenas estiver lá, acho que
eu seria muito racional, olharia para a altura e a largura
do espaço. Isso é tudo ok, mas no final, não é o que
realmente me ajuda a compreender a situação. Eu
tenho que me aproximar de uma forma muito irracional.
MC: Sim, é sobre começar a fazer alguma coisa e
seguir o fluxo. Há pouco, estávamos discutindo essa
residência que você fez no sul da Alemanha, na qual
this, because it’s something I can do anywhere, and
at the same time I can arrive somewhere and occupy
myself rationally with this, and in the meanwhile I see
where I am and what’s going on.
MC: It’s a way to enter some places being you.
FB: Exactly, because this process is not rational. If I sit
down in the space and just be there, just think, I would
be too rational, looking at the height and the width of
the space. That’s all ok, but in the end it’s not what
really pushes me further or what helps me to grasp
the situation. I have to somehow get close to it in a
very irrational way.
MC: Yes, it’s really about starting to do something
and then going with the flow. So, I was also
interested, because we were discussing this
residency that you did in South Germany, where
something you didn’t like was this capitalistic way of
treating art. So I’m wondering how you relate to the
art market. Have you shown in galleries and have you
sold your works?
FB: I have had exhibitions in galleries in Amsterdam,
in Milan - quite established galleries. And I have had
exhibitions in museums in Lucerne, and in a lot of
project spaces. It’s quite irregular...
MC: What I sense is that most of the time you create
works that are site-specific, so they won’t be for a
collector to buy probably. I think that your residency
was something really different. So how do you relate
to the art market? Maybe sometimes you win prizes?
FB: Yes, I won one prize - it’s not a big prize in
Switzerland, but it is actually a lot of money. And
sometimes I sell something, mostly these paper
works, and sometimes small sculptures. So how I
relate to the art market is that I do whatever I think is
right for me. I think as long as I can just do art I feel
very successful. That’s all the success I need.
MC: Because in some other spaces maybe
you would get a fee. Do they pay you a fee?
Because I know these big institutions like Migros
Museum, or Kunsthalle Zurich, they pay a fee maybe in Lucerne they paid you?
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você não gostou foi da forma capitalista de tratar
a arte. Então, eu gostaria de saber como você se
relaciona com o mercado de arte. Você já expôs em
galerias e vendeu suas obras?
FB: Eu tive exposições em galerias, em Amsterdam,
em Milão - galerias completamente estabelecidas. E
eu tive exposições em museus, em Lucerna, e em
muitos espaços independentes. É muito irregular.
MC: O que eu sinto é que a maioria das vezes você
criar obras que são site-specific, de modo que não
será para um colecionador comprar provavelmente.
Eu acho que neste caso da residência era algo
realmente diferente. Então, como você se relaciona
com o mercado de arte? Talvez às vezes você ganhe
prêmios?
FB: Sim, eu ganhei - não é um grande prêmio na
Suíça, mas é na verdade um monte de dinheiro. E
às vezes eu vendo algo, a maioria das vezes essas
obras em papel, e, por vezes, pequenas esculturas.
Então, eu me relacionar com o mercado de arte é eu
fazer o que eu acho que é certo para mim. Eu acho
que enquanto eu pude só fazer arte eu me sinto muito
bem sucedido. Esse é o sucesso que eu preciso.
MC: Em alguns espaços, talvez você receba uma
verba, não? Eu sei que essas grandes instituições
como Migros Museum ou Kunsthalle Zurich pagam
uma taxa para o artista. Talvez em Lucerna eles
tenham te pago algo.
FB: No, they didn’t. But I was part of an exhibition
that shows regional artists that they invite to exhibit
once a year.
I’m always surprised in Switzerland that there are so
many good institutions, but in the end, it’s all quite
well established, what’s shown there. There are a few
young artists, mostly not from Switzerland but from all
over Europe, but most of them are quite established.
Generally, they have a very established program.
But at the moment, what I really appreciate is to work
in all these different circles. You see that the conditions
are so different if I work here now with you in your
space, or in a gallery in Milan for example, or in this
museum in Lucerne. In this museum I couldn’t even
eat or drink, I couldn’t do anything that would leave
any dust. So you are in the museum and think ‘finally,
I’m so happy to finally exhibit a big sculpture or a big
installation, so let’s go!’, and then the first thing that
happens when you enter is they say ‘it’s forbidden
to eat or drink here, you shouldn’t do anything that
creates dust, and you can arrive at 8am, but you have
to leave at 5 in the afternoon.’ So actually the worst
conditions I ever had were there.
MC: Yes, because in your work you use the space sort
of as your studio.
FB: Yes and it needs my presence there.
MC: Yes, it’s impossible not to make dust and to
starve in the space!
FB: Não, eles não fizeram. Mas eu era parte da
exposição que mostra artistas regionais que eles
convidam para apresentar uma vez por ano. Sou
sempre surpreendido na Suíça por existirem tantas
boas instituições, mas, no final, tudo o que é mostrado
lá é muito estabelecido. Há às vezes alguns artistas
jovens, a maioria não da Suíça mas de toda a Europa.
Mas a maioria deles já são muito estabelecidos.
FB: [Laughs] Exactly! It’s good to go through all these
things, because again you think, actually if I had
enough money, if I could choose, I know exactly where
I’d like to exhibit, and it’s not in the big institutions,
it’s not in the galleries - it’s really in spaces like yours,
because there you can really work, and it’s really about
the artwork and spending time together.
Mas, no momento, o que eu realmente aprecio é
trabalhar em todos esses diferentes círculos. Vejo que
as condições são tão diferentes entre eu trabalhar
aqui agora com você no seu espaço, ou em uma
galeria em Milão, por exemplo, ou neste museu em
Lucerna. Neste museu eu não podia nem comer ou
MC: Yes, because the thing about independent
spaces is that it’s really about letting the artist do
what they want to do, because usually these [bigger]
institutions say ‘no, you can’t do that because it’s
against our policy’ and the galleries will say ‘no,
that’s not sellable’.
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beber, eu não poderia fazer poeira. Você está feliz por
finalmente exibir uma grande instalação, em no museu
e a primeira coisa que acontece quando você entra é
que eles dizem ‘é proibido comer ou beber aqui, você
não deve fazer nada que crie poeira, e você pode
chegar às oito horas, mas você tem que sair às 5 da
tarde. Na verdade, as piores condições de trabalho
que eu já tive foram lá.
FB: Exactly, they have the pressure from the market.
Yes, there are different conditions.
MC: Sim, porque o seu trabalho está em utilizar o
espaço como se fosse o seu estúdio.
FB: Yes definitely, because that’s the hot point for
me right now, for me to think further about what I will
do in the future. I think so far, I have been very much
concerned about what I was going to do in the space.
Now, because of the period of time that I stayed – it
is was longer, for example, than at the Wäscherei
in Zurich. At the Wäscherei there were no opening
hours actually - people wouldn’t drop in just like that.
Although it happened, but not like here where the
space is really open. So I feel through how it is and
how it was until now, it needs much more from me, to
be there and be available to talk to people. And I feel
this goes in the direction of Joseph Beuys.
FB: Sim, e ele precisa da minha presença ali.
MC: Sim, e é impossível não fazer poeira e morrer de
fome no espaço!
FB: [Risos] Exatamente! É bom passar por todas
essas coisas, porque se eu realmente tivesse
dinheiro suficiente, se eu pudesse escolher, eu sei
exatamente onde eu gostaria de expor, e não seria
nas grandes instituições, não nas galerias, mas seria
realmente em espaços como o seu, porque lá você
pode realmente trabalhar, e se trata da obra e de
passar o tempo juntos.
MC: Sim, porque a característica dos espaços
independentes é realmente deixar os artistas fazerem
o que eles querem fazer, porque normalmente estas
instituições maiores dizem ‘não, você não pode fazer
isso porque é contra as nossas políticas’ e os galerias
vai dizer ‘não, isso não é vendável’.
FB: Exatamente, eles têm a pressão do mercado. As
condições são diferentes.
MC: Eu também gostaria de saber como tem sido
a sua experiência aqui em São Paulo com pessoas
entrando e saindo, porque estávamos realmente
preocupados sobre isso ser relevante ou não. Você
gostaria de falar um pouco sobre isso?
FB: Sim, definitivamente, porque esse é agora o
ponto para eu pensar mais sobre o que vou fazer
no futuro. Eu acho que, até agora, eu estive muito
preocupado com o que iria fazer no espaço. O
período de tempo que eu já passei no espaço
foi mais longo, por exemplo, do tempo que eu
MC: I also would like to know how your experience
has been here in Sao Paulo with people coming in,
because we were really concerned about whether it
was relevant or not. Would you like to talk a little bit
about that?
MC: Why?
FB: Why? Because of this concept of leaving the
work open and introducing people and letting them
influence it. It is something very social. When I’m
there I work like somebody on a theatre stage, like
a performer, and then people can watch. Of course
you can do it like this, but often my experience is that
nothing happens in the end. They come, they are
surprised, or even find that they can’t deal with it,
and then they leave again. But it’s different when you
start to talk together.
MC: Do you mean when they ask something about
the work?
FB: Yes. They ask something and I start to explain.
I just have the feeling that there is more potential, if
you start to talk with people and to let them influence
you personally by talking and coming together, than
if I just worked further [by myself] and they are just
a viewer from the outside. I think this conversation
involves the people much more, and I’m not quite
sure how far I would like to take this, but I’m very
interested in it.
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passei na Wäscherei em Zurique. Na Wäscherei
não havia horário de funcionamento, e as pessoas
não apareceriam assim a qualquer hora. Embora
isso tenha acontecido, não era como aqui, onde
o espaço é realmente aberto. O que eu sinto até
agora, é que isso exige muito mais de mim, estar lá
e estar disponível para falar com as pessoas. E eu
sinto que isso vai em direção a Joseph Beuys.
MC: Por que?
FB: Por que? Devido a este conceito de deixar o
trabalho aberto e introduzir as pessoas e deixá-los
influenciar no resultado. É algo muito social. Quando
eu estou lá eu trabalho como alguém que está em
um palco de teatro, como uma performance, e então
as pessoas podem assistir. Claro que você pode
fazê-lo assim, mas muitas vezes a minha experiência
é que nada acontece no final. Eles vêm, eles são
surpreendidos, ou até acham que não podem lidar
com aquilo, e então saem de novo. Mas é diferente
quando você começa a conversar.
MC: But maybe it takes you away from what you
are interested in doing, because you have to stop
and explain when people don’t follow. It’s different
when they arrive and see the inspiration and they
participate in viewing. It’s the participating before it’s
ready, so trying to explain something to them that will
come up, and this conversation will have an influence
on what is going to happen. It is one more thing to
add to the equation, this conversation - you know
what I mean? You told me before that sometimes you
prefer to stay quiet in the space, and that you are not
a performer.
FB: Yes... I don’t really have a solution for it, I just feel
that there is this potential, that I could just go for it and
then the exhibition would probably change, because I
would be much more focused on this interaction, with
people coming and talking together. It is something
that provokes me.
MC: What do you feel about their reaction to the
works?
Obras em papel | Paper works
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MC: Você quer dizer quando perguntam algo sobre o
trabalho?
FB: Sim. Eles perguntam alguma coisa e eu começo
a explicar. Eu tenho a sensação de que há mais
potencial, se você começa a falar com as pessoas e
os deixá-lo influenciar pessoalmente, conversando e
se aproximando, do que se eu trabalhasse sozinho e
eles fossem apenas um espectador do lado de fora.
Eu acho que essa conversa envolve as pessoas muito
mais, e eu não estou muito certo do quão longe quero
levar isso, mas eu estou muito interessado.
MC: Mas talvez isso te desvia do que você está
querendo fazer, porque você tem que parar e explicar
quando as pessoas não entendem. É diferente quando
eles chegam e vêem a inspiração e participam apenas
vendo. Esse participar antes que esteja pronto, o
tentar explicar a eles o que está por vir, essa conversa
terá uma influência naquilo que vai acontecer. Essa
conversa é mais uma coisa a acrescentar à equação
- você sabe o que quero dizer? Você me disse antes,
que às vezes você prefere ficar quieto no espaço, e
que você não é um performer.
FB: Sim ... Eu realmente não tenho uma solução
para isso, eu sinto que existe este potencial. Eu
poderia entrar de cabeça nisso, mas a exposição
provavelmente mudaria, porque eu seria muito mais
focado nesta interação com pessoas, em conversar.
Isso é algo que me provoca.
MC: O que você sente sobre a reação deles às
obras?
FB: A maioria do público só veio uma vez, e eu
senti muita decepção. Não é tão fácil para mim
lidar com isso. Eu consigo lidar com isso quando
o meu trabalho está terminado, e as pessoas
não conseguem lidar com ele ou sentem-se
decepcionados por ele não ser algo representativo.
Mas, então, eu sei que esse é o meu trabalho e eu
não posso fazer isso de forma diferente para atendêlos. Quero provocá-los ao extremo, quero que algo
aconteça. E enquanto está no meio do processo eu
me sinto muito vulnerável.
FB: Most of the public just came once, and I felt
a lot of disappointment. It’s not so easy for me to
deal with that. I can deal with it when my work is
finished, and people can’t handle it, or they are
disappointed because they don’t get to see something
representative. But then, I know that that is my work,
I can’t change it, I can’t make it differently to serve
them. I’m not there to serve them in this way. I want
to provoke them to the extreme - I want something to
happen. And as long as it’s in this in between state,
I’m very vulnerable.
MC: Because then you also start to question if
it’s worthy. Because if you are out there working
and people are not grasping, well then, why am I
doing it?
FB: Exactly! Why are we here now? You know it’s
going to be different, and then I think, how would
I be if I entered such a space? I would see some
cardboard on the floor, and I would meet the guy
who says it’s going to be different, and that this is
the concept. You can’t see it yet, but it will happen.
I would feel disappointed I think. It needs trust that
people will follow this, and that they will come back.
There are too many interesting things going on in the
city, for people to go and see such a quiet process
when they don’t even know what it’s going to be.
People need to feel that this is interesting for them,
they need to trust me. And those are very high
expectations for a first meeting.
MC: Yes, and also for a space that is brand new,
it’s a challenge. So I also have a question about the
materials that you use. What are the materials that you
like to use besides cardboard and wood?
FB: I think so far I have mostly been working with
wood and cardboard, and almost always I would paint
it. Sometimes I use found objects, ready-mades, or
even existing sculptures that I incorporate into new
sculptures. But I mostly work with wood. I think it has
something to do with how I grew up, surrounded by
wood, and it feels kind of natural to use it. Last year
I started to broaden the materials I use: writing the
text on the wall, the sculptures I’ve started making in
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MC: Porque então você também começa a
questionar se ele vale a pena. Porque você está lá
trabalhando e as pessoas não estão entendendo,
então ‘o que estou fazendo?’.
FB: Exatamente! Há muitas coisas interessantes
acontecendo na cidade, para que as pessoas vão
e vejam um processo tão calmo quando eles não
sabem mesmo como vai ser. As pessoas precisam
sentir que isso é interessante para eles, eles precisam
confiar em mim. E essas são expectativas são muito
altas para um primeiro encontro.
MC: Sim, e também para um espaço que é novo,
é um desafio. Há também uma questão sobre os
materiais que você usa. Qual material você gosta de
usar além de papelão e madeira?
FB: Até agora eu estive trabalhando principalmente
com madeira e papelão, e quase sempre eu os
pinto. Às vezes, eu usei objetos encontrados, readymades, ou até mesmo esculturas existentes que eu
incorporava em novas esculturas. Mas a maior parte
de trabalho foi sempre em madeira. Acho que tem
relação com a forma como eu cresci, cercado por
madeira, e me parece bastante natural usá-la. No
ano passado, eu comecei a ampliar os materiais:
escrevendo o texto na parede, fazendo esculturas
em alumínio, e trabalhando com gesso.
MC: Há alguma razão por trás das cores que você
escolheu?
FB: As razões são emocionais. Escolhi essas cores
porque pareceram-me apropriadas para o Brasil. As
cores são a parte divertida do trabalho, porque são tipo
de vestígios que coloco e então vejo o que vira.
MC: E a sua relação com a arquitetura? Você disse
que ela é importante para você. Você gostaria de falar
sobre a relação que você tem com a arquitetura, e
essa necessidade que você tem de recriar o espaço,
para torná-lo vazio e branco?
FB: Eu li um livro de Kenya Hara sobre o branco, que
trouxe à tona coisas que eu me interesso há algum
tempo. O que eu realmente gosto sobre arquitetura
é que há sempre algo que já é dado. Quando eu
aluminum, and working with plaster. But until recently it
was mostly just paper, cardboard and wood.
MC: Is there any reasoning behind the colors that
you chose?
FB: Again, the reasons are emotional. I chose these
colors because they seemed to me fitting of Brazil this yellow, this kind of green. The colors are the fun
part of the work, because there are kind of traces I
put and then I see what comes. I just use colors to
set some dots.
MC: What about your relation to architecture? You
said that it’s really important to you now, especially
now that you are reading about this emptiness in the
white. Would you like to talk about the relationship that
you have with architecture, and this need to recreate
the space, to make it empty and white?
FB: I read this book by Kenya Hara about the white,
and it just brought up some things that I’ve been
interested in for a while. What I really like about
architecture is that there always something that
is already given when I arrive at the place. I really
admire that something is given. When I come to a
space and I add something, I would like to create a
3rd space that is overlapping between what I have
added and what is already there.
Here with your space I felt that I had to clear it to a
certain extent, because I felt that I wouldn’t have had
the chance to set something in the space that would
create this 3rd space, because over the architecture
there were colors and too many layers. I had the
feeling that I had to clear it out a little bit, in order to be
able to work in the space and let this new space come
through. I think I approach space in a very intimate
way, and not like an architect. I don’t see through the
walls and how things are constructed, but I care more
about the atmosphere.
MC: And what is your impression of the architecture
in Brazil?
FB: I think I feel very close to it in my work, this kind
of improvised or executed plan, and then if it doesn’t
work you take it down and there is something leftover,
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Progresso da exposição | Exhibition progress
chego a um espaço e eu coloco alguma coisa nele,
eu tento criar um terceiro espaço.
Aqui com o seu espaço, senti que tinha que limpálo, pois eu não teria como colocar algo nele que
criasse esse terceiro espaço. Em cima da arquitetura
havia cores e muitas camadas. Precisei limpá-lo para
poder trabalhar no espaço e deixar este novo espaço
surgir. Eu abordo o espaço de uma maneira muito
íntima, e não como um arquiteto. Eu não vejo através
das paredes e como as coisas são construídas, mas
me preocupo mais com a atmosfera.
MC: E qual é a sua impressão sobre a arquitetura no
Brasil?
FB: Há muito movimento acontecendo e
você realmente não tem uma visão geral da
arquitetura. Tudo é construído e derrubado muito
frequentemente. Para mim é inspiador não ter uma
visão geral sobre a cidade. É sempre maior do que
você pode imaginar.
and you do something new again. There is a lot of
movement going on and you don’t really have an
overview. That’s what I think is very inspiring for me
here, that you never have an overview of the city. It’s
always bigger than you can imagine. You are really in
the city, but it always tends to escape somehow.
MC: Yes, even if when you fly over the city you don’t
see the end. You fly for minutes until it is gone! So, the
last question I want to put to you is about the future.
Do you have any new projects, or something on your
mind, or a path that you would like to follow, or maybe
something you have seen that you’d like to get more
in touch with?
FB: I think before I arrived here it was very clear to
me that I need a studio again. I haven’t had one for
three years now, and after the residency I noticed
that I must have a studio. How this is going to
eventuate I don’t know; if it’s going to be another
residency, or if I go to Berlin and rent a space; or
if I come here and rent a space... I just feel that for
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Progresso da exposição | Exhibition progress
MC: Sim, mesmo quando você voa sobre a cidade,
você não vê o fim dela. Bom, a última pergunta seria
sobre o futuro. Você tem novos projetos, ou algo em
mente, ou um caminho que gostaria de seguir? Talvez
algo que você tenha visto e que você gostaria de
entrar mais em contato?
FB: Está claro para mim que eu preciso de um estúdio
novamente. Eu não tenho um há três anos, e depois
de a residência notei que eu preciso ter um estúdio.
Como é que isto vai ser eu não sei: se vai ser mais
uma residência, ou se eu vou alugar um espaço em
Berlim. Eu sinto que, é importante que nos próximos
dois anos eu tenha um estúdio em algum lugar. E
agora, com essa experiência, eu também acho que
eu gostaria de pensar mais sobre Joseph Beuys e
esta “escultura social” e essas idéias.
MC: Você pode explicar mais sobre isso?
FB: Isso está ligado a essas experiências que eu
tive, e também à residência. Há um espaço político
the next two years it’s important that I have a studio
somewhere. And now with this experience, I also
think I would like to think more about Joseph Beuys
and ‘social sculpture’ and those ideas.
MC: Could you explain more about him? I think the
reader will like it.
FB: It’s connected to these experiences I’ve had, and
also the residency - you can see that this residency
was actually very important for me. There is a political
space and a political sphere that everybody has
the potential to fill out, and either you fill it out and
take over the responsibility – politically I mean – and
you set yourself conditions, for yourself and for the
community. Before this I always thought ‘politics?
I’m not interested in that!’ But during the residency I
noticed that politics means that you really deal with
the people around you, and the people who might
have power over you, or who have something to give
to you, and that you have something to give back
to them. So you are in a political situation, where
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Da fora para o dentro | From the outside in
que todo mundo tem o potencial para preencher.
Antes disso, eu sempre pensei: ‘Política? Não
me interessa’. Mas durante a residência notei
que política significa você realmente lidar com as
pessoas ao seu redor, e as pessoas que possam ter
poder sobre você, ou que têm algo para dar para
você, e que você tem algo para dar de volta para
elas. Você tem que lidar com isso de forma a criar
boas condições para si mesmo, melhores do que se
você não lidar com isso.
Isso me liga a Beuys. Deixar de apenas fazer obras
de arte em um mundo de arte fechado, e passar a
trabalhar com novos materiais, usar a conversa e
como suporte para criar algo que serão melhores
condições do que antes. Trata-se de expandir a idéia
de fazer arte para você em um estúdio, em partilhar
algumas maneiras sobre como lidar com as coisas.
Isso faz sentido?
Estou interessado em criar atitude que torna as coisas
possíveis. Beuys tenta provocar uma atitude. Por
you have to deal with this in order to create good
conditions for yourself – better ones than if you don’t
deal with it.
So this is what is connecting me to Beuys – to shift
a little bit from making art pieces in a very closed art
world – with a market, with galleries that say what’s
good and what’s not good – to shift it a little away
and open it to other fields, where you don’t only work
with material, but you start also with the medium
of talking and spending time together to create
something better conditions than before. It is about
expanding the idea of making art for you in a studio,
into sharing some ways about how to deal with
things. Does that make sense?
I am interested in creating an attitude that makes
things possible. Beuys tried to provoke an attitude.
He approached normal things with an attitude that
was open, and he tried to approach it differently,
instead of always going in the same way. For
example, you could have a business meeting where
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Sonhos não envelhecem
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Dreams don’t grow old
Issue # 2/13 | 21
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Quase lá | Almost there
exemplo, em uma reunião de negócios está claro
que todos querem lucrar ou ganhar com a situação,
e inevitavelmente, alguém vai perder. Mas você
pode abordar isso de forma diferente, onde todos se
reúnem, todos dão e todos recebem alguma coisa.
Não se trata de ganhar ou perder, mas sim de dar a
mão um ao outro.
it is clear that everybody involved wants to profit or
gain from the situation, and so inevitably, somebody
is going to lose. But you could also approach this
very differently, where everyone comes together,
contributes something, gains something, and gives
something away. That it’s not about winning or
losing, but it’s about giving each other a hand.
MC: Mas você não acha que é um pouco utópico?
MC: But don’t you think that’s a bit utopian?
FB: É muito utópico. É completamente utópico.
FB: It’s very utopian. It’s completely utopian.
MC: Não é realmente a natureza dos seres humanos.
Os seres humanos estão sempre tentando ganhar ou
levar alguma vantagem.
MC: It’s really not the nature of human beings.
Humans are always trying to win or to gain an
advantage.
FB: Eu sei! Mas esse é exatamente o ponto. Por que
você deve aceitar isso? Enquanto você vive, você
pode tentar fazer diferente, e depois com o tempo as
coisas serão diferentes, e será um sucesso!
FB: I know! But that’s exactly the point. Why should
you accept this? As long as you live you can try and
make it different, and then in time things will work
differently, it will be a success!
MC: Bom, acho que era isso. Muito obrigada.
MC: So, we are done! Thank you very much.
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Sonhos não envelhecem
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Dreams don’t grow old
Issue # 2/13 | 22
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LX92 #1 Flurin Bisig
The seismographical back
A KUNSTHALLE São Paulo inicia o projeto LX92 com
o artista suíço Flurin Bisig (Samedan, Suíça. 1982),
que apresenta o projeto The seismographical back.
Seu trabalho consiste numa pesquisa sistemática que
transforma materiais e objetos encontrados na rua
em estruturas precariamente equilibradas, geralmente
feitas de madeira e papelão e com traços de cores
fortes. Ao longo do período de residência do artista na
cidade essas estruturas evoluem, criando a obra de
arte e alterando o espaço expositivo da galeria.
A forma e a história do espaço expositivo, as relações
entre artista, curadora, visitantes da exposição,
e todas as pessoas envolvidas no processo são
elementos que influenciam a realização da obra e o
caminho pela qual será desenvolvida. Finalmente, o
trabalho será constituído a partir de uma leitura da
curva sismográfica gerada por todas essas esferas
de relacionamentos, gerando uma instalação para
o espaço e um livro de artista. O artista poderá ser
visto trabalhando no espaço durante todo o período
da exposição e a instalação final será apresentada no
último dia da mostra (24/02/2013), juntamente com o
lançamento da edição do livro do artista.
Sobre Flurin Bisig
Flurin Bisig (Samedan, Suíça. 1982), vive e trabalha
entre a Alemanha e a Suíça. Estudou na Universität
der Künste Berlin e na Hochschule für Gestaltung
und Kunst de Lucerna. Entre as exposições que
participou estão: Jahresausstellung, no Kunstmuseum
Lucerne (2012); Werkbeiträge 2011, na Kunsthalle
Lucerne; Zentralschweizer Kunstszenen, na
Kunstmuseum Lucerne (2010), todas em Lucerna,
Suiça; Pursue Other Avenues, no Corner-College
(2012); a individual Mit dem Rücken zum Publikum,
na Wäscherei, Kunstverein Zurich (2011), ambas em
Zurique; About Abstraction, no KTV-Club (2011); Wir
können auch anders!, na Bourouina Gallery (2010),
ambas em Berlim; In the fall of twothousandandten
To launch the project LX92, KUNSTHALLE São
Paulo invites swiss artist Flurin Bisig (Samedan,
Switzerland,1982) to present his project The
Seismographical Back. Bisig’s work is developed
through a systematic method of inquiry which turns
materials and objects, found on the street, into
precariously balanced structures, usually made out of
raw wood and cardboard with the element of bright
colour introduced. As the exhibition evolves during the
period of his residency in the city, it brings a changing
aspect to the gallery space.
During this work-in-progress exhibition, the shape and
the story of the space, and the relationships between
artist, curator and all others involved, will create an
atmosphere that will have a great impact on the
works which result from this process. Finally, the work
will trace a seismographic curve of these spheres,
resulting in an installation in the space, and with the
publishing of an artist notebook edition.
The artist can be viewed working in the space
throughout the entire exhibition period, and the final
installation will be presented at the finissage, together
with the launch of the edition.
About Flurin Bisig
Flurin Bisig (Samedan, Switzerland, 1982), lives
and works between Germany and Switzerland.
He graduated from the Universität der Künste
Berlin and at the Hochschule für Gestaltung und
Kunst of Lucerne. Some exhibitions in which he
has participated include: Jahresausstellung, at
Kunstmuseum Lucerne (2012); Werkbeiträge 2011,
at Kunsthalle Lucerne (2011); Zentralschweizer
Kunstszenen, at Kunstmuseum Lucerne (2010), all in
Lucerne; Pursue Other Avenues, at Corner-College
(2012); the solo show Mit dem Rücken zum Publikum,
at Wäscherei, Kunstverein Zurich (2011), both in
Zurich; About Abstraction, at KTV-Club (2011); Wir
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Sonhos não envelhecem
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Dreams don’t grow old
Issue # 2/13 | 23
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Instalação final | Final installation
we flowed upstream and had nothing to eat, na
Gallery Suzy Shammah (with Mickael Marchand)
(2010), em Milão; e a individual The first Rendez-Vous,
na Playstation at Gallery Fons Welters (2010), em
Amsterdam.
Sobre LX92
O projeto LX92 consiste em uma série de exposições
de artistas estrangeiros na KUNSTHALLE São Paulo,
e tem como objetivo criar um diálogo internacional
entre a capital paulistana e a Suíça, ampliando a
cena artística local para as idéias que estão sendo
discutidas naquele país e promovendo os artistas
de diversas nacionalidades que nele residem.
Da mesma forma, os artistas que realizam suas
exposições na KUNSTHALLE São Paulo, têm a
chance de experimentar um contato com a cultura
brasileira enquanto instalam suas obras, que na
maioria das vezes são desenvolvidas para o espaço
exclusivamente. O título do projeto é uma referência ao
número do vôo direto que liga Zurique a São Paulo.
können auch anders!, at Bourouina Gallery (2010),
both in Berlin; In the fall of twothousandandten we
flowed upstream and had nothing to eat, at Gallery
Suzy Shammah (with Mickael Marchand) (2010),
in Milan; and the solo show The first Rendez-Vous,
at Playstation at Gallery Fons Welters (2010), in
Amsterdam.
About LX92
The project LX92 consists of a series of exhibitions of
foreign artists at KUNSTHALLE São Paulo, and aims
to create an international dialogue between São Paulo
and Switzerland, expanding the local art scene by
introducing the ideas that are being discussed in that
country and by promoting Swiss artists. In exchange,
artists who have their shows at KUNSTHALLE São
Paulo have a chance to experience Brazilian culture
while installing their works, which in the majority of
cases are developed for the space specifically. The
project title is a reference to the direct flight which
connects Zurich to Sao Paulo.
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Sonhos não envelhecem
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Issue # 2/13 | 24
Dreams don’t grow old
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Credits
Fotografia / Photograpy
Marina Coelho & Flurin Bisig
Textos / Texts
Marina Coelho & Flurin Bisig
Design Gráfico / Graphic Design
Adela Zverina
Apoio / Supported by
the Swiss Arts Council Pro Helvetia
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