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Guillaume Pilet
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Conversa entre Marina Coelho e Guillaume Pilet em
30 de Novembro de 2014, a propósito da exposição
«Síntese humanista», realizada na KUNSTHALLE São
Paulo, entre 28 de Novembro de 2014 e 03 de janeiro
de 2015.
Conversation between Marina Coelho and Guillaume
Pilet on 30 November 2014, on the occasion of
the exhibition «Síntese humanista», on view at
KUNSTHALLE São Paulo, from 28 November 2014 to
03 January 2015.
Marina Coelho: Guillaume, você gostaria de me contar
um pouco sobre sua formação artística e como a arte
entrou na sua vida?
Marina Coelho: Guillaume, would you like to tell me
a bit about your artistic background and how art
entered in your life?
Guillaume Pilet: Existem várias versões de como a
arte entrou na minha vida. A principal delas remonta
à minha infância, porque meu pai era um pintor.
Como eu era a quinta e última criança da família, e
era tranquilo, ele me deixava passar o tempo em seu
ateliê enquanto ele estava pintando. Então foi assim
que eu comecei a desenhar e eu gostava muito. Ele
morreu quando eu tinha cinco anos, e continuei a
desenhar, porque eu gostava. As pessoas me diziam
que eu tinha herdado o dom de meu pai, quase
que geneticamente, e que eu estava continuando o
que ele começara. Hoje eu acho que essa idéia me
impediu de tomar a decisão de ser um artista. Mais
tarde, com 8 anos, eu vi uma pintura de Modigliani
em Lausanne e foi uma espécie de revelação: neste
momento percebi que queria ser pintor, e que esse
deveria ser meu trabalho. Tive uma adolescência
muito solitária, passando a maior parte do tempo
experimentando com pinturas no meu estúdio na
casa dos meus pais. Mas a arte era algo que eu
podia compartilhar com meus colegas de classe e
que me manteve na vida social. Eu fazia isso para
mim mesmo. Era principalmente pintura e desenhos,
mas também fazia fotografia. Mais tarde, comecei
a trabalhar com vídeo e meu projeto para entrar na
escola de arte foi um vídeo.
Guillaume Pilet: There are several versions of how
art entered my life. The main one goes back to my
childhood, because my father was actually a painter.
As I was the 5th and last child of the family, and as
i was a quiet kid, I was allowed to spend time in his
studio while he was painting. So that’s how I started to
draw and I really liked it. He died when I was five and
I spontaneously continued to draw because I really
enjoyed it, but people were often telling me that I had
inherited a gift of art, almost genetically, from my father
and that I was continuing what he started. Nowadays
I think that this weird idea prevented me from deciding
to be an artist. I just was —or I had to. Later, at the age
of 8, I saw a painting show by Modigliani in Lausanne
and it was a kind of revelation: at this precise moment I
realized that I wanted to be a painter, and that it should
be job. I had a quite lonely adolescence, spending most
of the time experimenting on painting in the studio I had
at my parents house. But art was something I could
share with my classmates and that kept me in social
life. I was doing it for myself, it was mostly painting and
drawings, but I did also photography. Later I started to
work with video. My project to apply to the art schools
was actually a video.
MC: Quando você acha que seu trabalho começou
a ter um conceito específico, e você ter mais clareza
com do que ele se trata?
GP: Eu ainda não sei sobre o que minha prática
artística é, mas me lembro quando eu era estudante
na ECAL, tivemos um workshop com Valentin Carron,
e tivemos um momento especial vendo cada um de
nós de repente sendo singular em nossas próprias
práticas. Foi algo muito legal de observar.
MC: When do you think that your work started to have
a specific concept, and be clear of what it is about?
GP: I still don’t know what my art practice is about.
But I remember when I was student at ECAL, we
had a workshop with Valentin Carron. We had a very
special time, as we saw each of us suddenly being
singular in our own practice. It was something really
cool to observe.
MC: Soon you started to teach and also to organize
exhibitions. Would you like to tell me a lit about this?
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Individual / solo show BABY I SWEAR IT’S DEJA VU, Espace Bellevaux, Lausanne, 2007
MC: Logo você começou a ensinar e também a
organizar exposições. Gostaria de me contar um
pouco sobre isso?
GP: Comecei a organizar exposições quando eu
ainda era um estudante, quase que por acaso. Fiz
primeiro exposições com obras de outros artistas, e
assim, além da minha própria prática, eu desenvolvi
uma espécie de autoria como curador, mesmo antes
de fazer minha primeira individual. Em 2006 ou 2007
eu fiz uma exposição em Genebra sobre o cinismo e
também uma publicação. As pessoas pensavam que
eu era cínico, mas eu realmente queria investigar o
que era o cinismo. Eu tinha uma prática muita crítica,
tentando empurrar os limites daquilo que é aceitável,
e também reconsiderando sistematicamente o que é
arte, ou o que eu poderia fazer como um estudante de
arte. Era um momento lúdico realmente experimental,
e as pessoas pensavam que eu estivesse zombando
da arte o tempo todo. Mas eu estava levando tudo
realmente a sério. Sempre considerei cada pintura
que eu fazia como uma espécie de manifesto. Ainda
GP: I started to organize shows when I was still a
student, almost by chance. I first made exhibitions
with works by other artists, aside of my own practice
but I totally developed a kind of authorship as a
curator, even before doing my first solo show. In 2006
or 2007 I did one show in Geneva about cynicism and
also a publication. People were thinking that I was
cynical, but I really wanted to consider what cynicism
was. I had a very critical practice trying to push the
limits of what is acceptable, and also systematically
reconsidering what is art or what I could do as an
art student. It was a really experimental, playful time,
and people thought I was mocking art all the time. I
was actually very serious. I always considered every
painting I was doing as a kind of manifest. I still think
that every painting is a manifest. It’s so radical and
fascinating to consider that you deal with a bare
surface on which everything is possible.
MC: Since a few years you started to do a very large
research on apes. Would you like to talk a little about
this project?
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HOP, Cerâmica / Ceramic, 2006; BRICKS, Vista da instalção / Installation view, Hotel Abisso, Centre d’art contemporain, Genebra / Geneva, 2013; LEARNING TO LOVE, Individual / Solo show, Kunsthaus Glarus, Suíça / Switzerland
acho que cada pintura é um manifesto. É tão radical e
fascinante considerar que você lida com uma superfície
nua em que tudo é possível.
MC: Há alguns anos você começou a fazer uma
grande pesquisa sobre os símios. Você gostaria de
falar um pouco sobre este projeto?
GP: Sempre fui fascinado por macacos, por seu status
na cultura, e pela idéia de animais tentando imitar seres
humanos. Durante o Renascimento italiano, os artistas
às vezes escreviam nas obras Ars simia naturae, que
significa a arte imita a natureza. É uma visão romântica
do artista como um copista. Sempre mantive minha
prática artística muito ampla, o que é bom, mas eu
senti que eu estava talvez me perdendo. Assim escolhi
o tema dos símios para me dar um limite rigoroso para
trabalhar. Assim, por um certo tempo decidi que iria
trabalhar apenas com os símios. Era uma espécie de
desafio para mim. Neste campo eu desenvolvi algo
muito diverso, e depois percebi que o que eu queria
era colocar a figura humana de volta no centro do meu
GP: I was always fascinated by apes, by their status
in culture and by the idea of animals trying to mimic
humans. During the Italian Renaissance, artists were
sometimes writing on the art works Ars simia naturae;
art is aping nature. It’s a romantic vision of the artist
as a copyist. I like this statement. I always keep my
practice open wide, which is nice, but I felt that I was
maybe loosing myself. That’s why I chose the ape
motif to get myself a strict frame to work with. So
for a certain time I decided I would only work with
apes. It was a kind of challenge to me. And in this
field I developed something very various, and after all
I realized that I really wanted to put the human figure
back in the center of my work. It’s funny that I used
apes in that purpose. Before, my work was mostly
referencing to art, the public, notions of bad and good
taste, high art, folk art, primitive art, etc… and all these
kind of things that I was putting in the shaker and giving
my own version of a very delirious museum.I have been
working for more than three years exclusively on apes.
Now I’m adding this chapter to the delirious, focusing
my practice more on human beings.
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Excuse Me While I Disappear, Vista da exposição / Exhibition view, 1m3, Lausanne, 2010
trabalho. É engraçado eu ter usado macacos para esse
fim. Antes, meu trabalho se referia à arte, ao público, a
noções de mau e bom gosto, a alta arte, a arte popular,
a arte primitiva… e todos estes tipos de coisas que eu
misturava e dava minha própria versão de um museu
delirante. Trabalhei mais de três anos exclusivamente
com os símios. Agora adiciono este capítulo ao delírio,
focando mais nos seres humanos.
MC: Também me lembro de uma coisa interessante
que você disse sobre como o primitivismo influenciou
o modernismo, e que você fica imaginando como os
primitivos receberiam a arte modernista.
GP: Esta é uma pergunta especulativa no centro das
minhas reflexões: sabemos bem como a Arte Primitiva
influenciou o início do Modernismo - mas eu sempre
me perguntei o que seria a Arte Primitiva se eles
tivessem conhecido o Modernismo.
MC: Talvez você possa me contar sobre sua
experiência no Brasil. Antes de deixar a Suíça, você
MC: I also remember something interesting that you
said about how primitivism influenced modernism, and
that you were imagining how primitive people would
see modernist art.
GP: This is a speculative question in the center of my
reflections : we know well how Primitive art influenced
the early Modernism — but I always wondered what
would Primitive art be if they had known Modernism.
MC: Maybe you can tell me about your experience
in Brazil. Before leaving Switzerland you already
researched a bit about things that interested you, such
as the modernist architecture.
GP: Yes. I knew I would find something about this
alternative modernism here. I knew Tarsila do Amaral
and for me she was the perfect example of a student
of Fernand Léger, who totally put this ‘tropical’
background to this machine imagery of modernism.
A perfect synthesis. She really learned the lesson,
but in a very cannibalistic way. I really wanted to learn
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Detalhe do / Detail of Sesc Pompéia e / and Casa de Vidro / Glass House de / by Lina Bo Bardi
já havia pesquisado um pouco sobre coisas que lhe
interessavam, como a arquitetura modernista.
GP: Sim. Eu sabia que iria encontrar algo sobre este
modernismo alternativo aqui. Conhecia a Tarsila do
Amaral e para mim ela foi o exemplo perfeito de um
estudante de Fernand Léger, que adicionou o seu
conhecimento tropical ao imaginário mecânico do
modernismo. A síntese perfeita. Ela aprendeu a lição,
mas de uma forma muito canibal. Eu queria aprender
mais sobre a arquitetura e como ela se desenvolveu
aqui no Brasil. Conversei com Susanne Neubauer, que
me contou sobre Lina Bo Bardi, e fiquei interessado em
seu trabalho e gostei muito de seu caráter carismático.
Gosto do fato de ela ser italiana, comunista, e ter se
mudado para o Brasil, onde pôde desenvolver suas
idéias de uma forma muito radical, já que o país era
progressista naquela época. Fiquei curioso com a cor
vermelha em seus edifícios, que não é habitual na
tradição modernista. Seus edifícios se adequam muito
bem à natureza, mas esta cor vermelha é para mim
muito contre-nature. Isso me remete ao seu passado
more about the architecture and how it has developed
here in Brazil. I had a few discussion with Susanne
Neubauer, and she told me about Lina Bo Bardi, who
I did not know before. I was interested in the work and
fascinated by the character. She was very charismatic.
I like the fact that she was Italian, communist, and that
she moved to Brazil where she had the opportunity to
develop her ideas in a very radical way, as the country
was totally progressist at that time.
I was very curisous about by the red color in her
buildings, which is not so usual in the modernist
tradition. All the buildings are very fitting the nature, but
this red color for me is very contre-nature. It reminds
me of her communist past which is also interesting
as a kind of manifest behind it. And of course there
is the social aspect of the buildings that is still very
interesting. MASP was always thought as a platform
with an intense life around it, not only showing the
collection. She made drawings showing a circus under
the museum, or showing nature invading the building in
a very entropic and poetic way.
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Detalhe do / Detail of Edifício Louveira e / and FAU-USP de / by Vilanova Artigasa
comunista, e é interessante como uma espécie de
manifesto por trás. E claro, há o aspecto social dos
edifícios que ainda é muito interessante. O MASP foi
pensado para ter um vida intensa ao seu redor, não só
para mostrar a coleção. Ela fez desenhos que mostram
um circo sob o museu, ou a natureza invadindo o
edifício de uma forma muito entrópica e poética.
MC: Durante nossas visitas aos edifícios modernistas
você mencionou algo interessante sobre o modernismo
ter se adequado muito bem aqui por causa do clima.
GP: Sim, eu me referia ao conceito Dom-ino do Le
Corbusier, que é remover todas as paredes e substituílas por colunas nos cantos. Na Europa, tivemos que
substituí-las por paredes de vidro, mas aqui pode-se
tê-las abertas, ou ter paredes com buracos (cobogós).
Este conceito encontra outra obviedade aqui.
MC: A arquitetura era um dos seus interesses, mas
também desde o início você também queria fazer o
herbário. Gostaria de dizer mais sobre ele?
MC: During our visits to the modernist buildings you
mentioned something interesting about the modernism
suiting very well here because of the climate.
GP: Yes, I was referring to this Dom-ino concept by
Le Corbusier, which is to remove all the walls and
replace them by columns on the corners. In Europe
we had to replace them by glass walls, but here
you can have them open, or you can have walls
with holes (cobogós). This concept finds another
obviousness here, in my opinion.
MC: Architecture was one of your interests, but
also from the beginning you also wanted to do the
herbarium. Would you like to say more about it?
GP: I like the form and idea of the herbarium. I have
been using plants in collages a few years ago. I
remember doing an herbarium as a child, and I like
the idea of collecting reality and making it dry and
becoming very flat. I think it is a metaphor of what
the artist is actually doing. Maybe this humanistic
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Detalhes do herbário a publicação / Details of the herbarium and the publication.
GP: Gosto da forma e ideia do herbário. Usei plantas
em colagens há alguns anos. Lembro-me de ter feito
um herbário quando criança, e gosto da idéia de
coletar a realidade, secá-la e torná-la plana. É uma
metáfora daquilo que o artista faz. Talvez essa síntese
humanista será uma espécie de ciclo que eu vá
trabalhar por algumas vezes. Eu queria colocar o ser
humano de volta no centro, e também essa ideia de ter
o conhecimento usado para o bem das pessoas.
MC: Outro elemento que você pensou para a
exposição foi a pintura da parede e também a
referência à arquitetura com as linhas pretas.
GP: Sim, mas vamos voltar ao início. Quando cheguei
em São Paulo, eu não tinha ideia da dimensão da
cidade e isso me perturbava. Não que eu tenha sentido
medo, mas apenas em uma dimensão antropométrica
eu precisava sentir qual era o meu lugar nesta cidade.
Você percebeu bem isso e me levou para um passeio
no primeiro dia, e então eu pude ter uma sensação
muito boa da cidade e sobre os muitos centros que
synthesis will be also a kind of cycle that I will work
on for a few times. I wanted to put the human back
in the center and also this idealistic idea of having
knowledge used for the good of the people.
MC: Another element that you have thought for the
show was the wall paintings and also the reference to
the architecture with the lines.
GP: Yes, let’s get back to the start. When I arrived in
São Paulo I had no idea of the scale of the city and it
was kind of disturbing me. Not that I felt afraid — but
just in an anthropometric dimension, I needed to feel
what was my place into this place. You understood it
very well and took me for a walk in the very first day
I arrived, so I could have a very good feeling of the
city and about the many centers that can coexist in
it. I knew then that I had no chance to know the city
but I could experience it without knowing it. Then
we realize that we walked for 20 kilometers! (laughs)
Quite good! I could have this architectural perception
that was very important to start working.
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Sessão fotográfica / Photo shooting
podem coexistir nela. Sabia que eu não tinha chance
de conhecer a cidade, mas que poderia experimentála assim mesmo. Depois percebemos que tinhamos
andado uns 20 km! (risos) Muito bom! Eu pude ter essa
percepção arquitetônica que foi muito importante para
começar a trabalhar.
Eu estava curioso em colocar o meu novo projeto
de pintura, relativa a Op Art, na arquitetura da
KUNSTHALLE. É por isso que eu usei esse linhas
muito simples para sublinhar a arquitetura interior do
espaço. Eu queria experimentar esse padrão como
uma pintura de parede. Quando estive pesquisando a
obra da Tarsila, vi algumas afinidades entre Op Art e os
elementos naturais que ela pintava. Então, tive a ideia
de usar o meu padrão abstrato como uma espécie de
natureza. É por isso que eu usei esses tons de verde.
Como muitos artistas que vêm aqui, fiquei atraído com
este padrão preto e branco na calçada. Vi isso como
uma réplica dos meus próprios padrões. Em seguida,
falando sobre eles, você me mostrou os padrões
I was curious to put my new painting project, relating
to Op Art, into the architecture of the Kunsthalle.
That’s why I used this very simple lines to underline
the architecture inside of the space. I really wanted to
experiment this pattern as a wallpainting. When I was
looking back at Tarsila’s work, I saw a few affinities
between Op Art and these natural elements she
was painting. So I got this flash of using my abstract
pattern as a kind of nature. That is why I used this
green shades.
As many artists coming here, I was very attracted
with this black and white pattern on the sidewalk.
I saw it as a replica of my own patterns. Then
talking about them, you showed me the geometrical
patterns from the Xingu indigenous tribes, which are
abstractions of elements in the nature. It was really
interesting to see how a totally geometrical pattern
really comes from nature. And then also how it can
go back to human beings when painted of the body.
In the art field, body painting is something terrible,
totally kitsch, but here the very simple geometrical
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Sessão fotográfica / Photo shooting
geométricos das tribos indígenas do Xingu, que são
abstrações de elementos da natureza. Foi interessante
ver como um padrão totalmente geométrico realmente
vem da natureza. E, em seguida, como também ele
pode voltar para os seres humanos quando pintado
no corpo. No campo da arte, a pintura corporal é algo
terrível, totalmente kitsch, e aqui com este padrão
geométrico muito simples em cores naturais é incrível.
Reagi rápido contratando o performer e fazendo a
pintura corporal para as fotografias e para o vídeo.
Esse padrão me deu uma nova percepção da minha
pintura. Volltamos à idéia da antropometria. Eu estava
lendo “Le Modulor” do Le Corbusier antes de vir, e
estou interessado na forma humanista de pensar o
ambiente à escala do corpo. Tudo se uniu: pintura,
corpo, arquitetura, espaço, natureza e conhecimento. É
uma boa síntese de fato. (risos)
patterns in natural colors is really amazing. I reacted
really fast hiring the performer and doing the body
painting for the photographs and the video. It gave
me a new perception of my own painting, as it went
further than my expectations at a certain point. We
are back to the anthropometric idea. I was reading
“Le Modulor” by Le Corbusier before coming and
I am totally into the humanistic way of thinking the
environment at the scale of the body. Everything was
coming together: painting, body, architecture, space,
nature and knowledge. I think it is a good synthesis
actually. (laughs)
MC: Na exposição tudo isso está presente, e no
final, você teve uma experiência extra de sofrer uma
cirurgia em um hospital público brasileiro. Você
gostaria de falar um pouco sobre essa experiência?
GP: All this experience in Brazil was so intense,
so rich. I had a lot of thoughts in my mind when
I came here, but then I found so many answers
and possibilites. It was also because of your very
MC: Yes, in the show all that is present, and also in the
end you had an extra experience having a surgery in a
Brazilian public hospital. Would you like to talk about
this?
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Sessão fotográfica / Photo shooting
GP: Essa experiência no Brasil foi tão intensa, tão
rica. Eu tinha muitas coisas na minha cabeça quando
cheguei, mas depois eu encontrei muitas respostas e
possibilidades. Foi também por causa de sua maneira
curatorial de mostrar a cidade e a cultura. Tivemos uma
conversa contínua durante duas semanas, o que não é
muito habitual entre artista e curador. Esta metodologia
é muito interessante nesse projeto. Essa experiência
intensa não podia acabar com uma abertura que no
final poderia ter acontecido em qualquer lugar, e com
as mesmas pequenas conversas habituais. Tinha que
voltar para algo mais humanista..! (risos)
Foi uma boa resposta ao projeto o fato de eu não
estar presente na abertura, e que eu estava meio
inconsciente em um hospital público à espera de
uma cirurgia com pessoas com quem eu não podia
me comunicar e que foram tão gentis comigo. Foi
interessante experimentar o sistema de saúde, que é
lento, porque é muito cheio, mas que no final é muito
eficiente. E você sabe o que é muito interessante:
etimologicamente “curadoria” vem de cuidar. (risos)
interesting curatorial concept of touring me into the
city as well as into the culture. We had a continuous
conversation for two weeks, which is not so usual
to happen between the artist and the curator. This
methodology is very interesting about this project. I
think this intense experience could not end up with
an opening that at the end could have happened
anywhere, and with the same usual small talks. It had
to be back to something more humanistic… ! (laughs)
I think it was a good response to the project that
I was not present at the opening and that I was
half conscious in a public hospital waiting for a
surgery, talking to Brazilians whom I could not really
communicate and that were so kind to me. Also
experiencing the health system that is very slow,
because it is very crowded, but at the end is very
efficient. It was in the flow of the humanistic idea, and
not caring about the body as an abstract concept, but
just a reality that you cannot deny. And you know what
is very interesting: etymologically “to curate” means to
take care of. (laughs)
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Síntese humanista
Guillaume Pilet é um artista eclético e curioso, cujas
obras escapam estilos e referências, variando entre
esculturas, cerâmicas, pinturas, performances,
instalações, vídeos, e pinturas de parede. Através de
suas obras polimórficas, que à primeira vista podem ser
tomadas como ingênuas ou até mesmo feitas por um
artista amador, Pilet questiona criticamente o status da
obra de arte e o cinismo existente no mundo da arte.
Guillaume Pilet is a very eclectic and curious
artist, whose works escape styles and references,
encompassing sculptures, ceramics, paintings,
performances, installations, videos, wall paintings.
Through his polymorphic works, which at a first glance
can appear naive, as if produced by an amateur artist,
Pilet critically questions the status of the artwork and
the cynicism that often exists in the art world.
Muito influenciado pela ideia de Gilles Deleuze sobre
“devir minoritário”, as obras de Pilet parecem que
foram criadas para e no lugar de alguém de fora
do mundo da arte, mas que ao mesmo tempo,
aludem à história da arte como algo que assombra a
humanidade, “uma história de fantasmas para adultos”,
como colocado pelo historiador de arte alemão Aby
Warburg. Fascinado pelas coisas que para ele são
esteticamente estranhas e o kitsch, o artista incorpora
em sua prática artística elementos da cultura popular,
formas infantis, pintura corporal, representações de
objetos do cotidiano, figuras emblemáticas, crítica
institucional, Pop Art, o primitivismo e sua influência
nos movimentos modernistas.
Very much influenced by Gilles Deleuze’s idea of
“becoming minority”, Pilet’s works resemble to
be created for and in the place of someone from
outside the art world, but at the same time, allude
to art history as something that haunts humanity:
“a ghost story for adults”, as German art historian
Aby Warburg wrote. Fascinated by things that he
finds aesthetically strange and kitsch, the artist
incorporates into his joyful and free artistic practice
elements from popular culture, childish shapes, batik,
body painting, representations of objects from daily
life, emblematic figures, institutional critique, Pop
Art, and primitivism and its influence in the modernist
movements.
Para a exposição «Síntese humanista», Guillaume
Pilet propõe um canibalismo em sentido inverso:
se – como descrito no Manifesto Antropofágico do
artista modernista Oswald de Andrade – os artistas
antropofágicos “comiam” as influências européias,
digeriam-nas, e regurgitavam coisas novas, Guillaume
Pilet agora “come” a arquitetura modernista, o
movimento de arte concreta, a exuberante natureza
verde, os estudos etnográficos dos povos indígenas,
e livremente cria sua própria arte a partir deles.
For the exhibition «Síntese humanista», Guillaume Pilet
proposes a cannibalism in reverse: if – as described
in the Manifesto Antropofágico of Brazilian modernist
artist Oswald de Andrade – the Anthropophagic artists
were “eating” the European influences, digesting
them, and throwing out new things, Guillaume Pilet
now “eats” the modernist architecture, the concrete
art movement, the exuberant green nature, the
ethnographic studies of indigenous people, and freely
creates his own art out of them.
A exposição é criada a partir da idéia de reunir
diferentes conhecimentos e sintetizá-los em vários
elementos. A pintura de parede, que se refere à
arquitetura modernista, cria uma ilusão de ótica da
existência de outros espaços nas paredes do espaço
The exhibition has been created by bringing together
different concepts, and synthesizing them into several
elements. A wall painting, that references modernist
architecture, creates the optical illusion that other
spaces exist within the walls. These illusionary
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Vista da exposição / Exhibition view
expositivo. Esses espaços ilusórios têm suas paredes
pintadas com um padrão desenvolvido pelo artista em
continuação àqueles realizados em telas de diferentes
formatos e que aludem à Op Art. Mas agora esse
padrão é subvertido por Pilet em um desenho feito à
mão livre referindo-se ao psicodelismo da Tropicália.
Esse mesmo padrão aparece na pintura corporal
– realizada em colaboração com um performer,
referindo-se à prática indígena de pintura corporal.
Na região do Xingu, cada povo indígena tem seus
próprios padrões, que são abstrações de padrões
de animais, tais como a pele da onça-pintada ou
os desenhos do casco da tartaruga. Ao usar esses
padrões na prática da pintura corporal, os indígenas
representam esses animais em rituais cosmológicos.
Pilet fotografou e filmou o performer interagindo com
as linhas estruturais da pintura da parede, antes
de adicionar o padrão pscicodélico. O vídeo da
performance é apresentado na exposição e as fotos
foram adicionadas à publicação que o artista produziu
exclusivamente para a exposição.
inner spaces have their walls painted with a pattern
developed by the artist as a continuation of his shaped
canvas paintings, which allude to Op Art. But now this
pattern is subverted by Pilet in a free hand drawing,
responding to the psychedelic imagery of Tropicalia.
The same pattern appears in the body painting – a
new element that the artist add to his practice –
realized in collaboration with a performer to refer
to the practice of indigenous body painting. In the
Brazilian Xingu region, each indigenous tribe has
its own patterns, which are abstractions of animal
patterns, such as the spotted skin of the jaguar, or
the shapes that can be seen in a turtle’s shell. By
using these patterns in the body painting practice,
they represent those animals in cosmological
rituals. Pilet photographed and filmed the performer
interacting with the structural lines of the wall painting,
before adding the patterns to them. The video of
the performance can be seen at the exhibition and
the photographic images have been added to the
publication that the artist has produced for the show.
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Vista da exposição / Exhibition view
A publicação inclui também parte do herbário que o
artista criou com plantas por ele coletatadas durante
seus primeiros dias em São Paulo. O herbário reflete
sobre a tradição humanista de coletar e catalogar
plantas, a fim de produzir conhecimento e mapear o
ambiente onde os seres humanos vivem.
Por fim, o artista apresenta um barril de lata
vermelho, um ready-made que ele usa como um
plinto para o espaço, representando Lina Bo Bardi,
a arquiteta italiana que muito bem empregou os
conceitos modernistas em seus projetos no Brasil.
A interação social possibilitada pela arquitetura
modernista brasileira é um aspecto muito humanista
ao qual Guillaume Pilet presta homenagem. O
ready-made refere-se ao icónico edifício do Centro
Cultural Sesc Pompéia e seus elementos vermelhos
que outrora fora uma fábrica de barris, antes de ser
reformado pela arquiteta.
Curadoria de Marina Coelho
This publication also includes part of the herbarium
that the artist created with plants he collected during
the first days of his visit to São Paulo. The herbarium,
which is also on display on the exhibition, reflects on
the humanistic tradition of collecting, and cataloging
plants in order to produce knowledge and map the
environment where humans live.
And last but not least, the artist presents a red barrel,
a ready-made that he uses as a plinth for the space,
representing Lina Bo Bardi, the Italian architect
who very well employed the modernist concepts
in the design of several constructions in Brazil. The
social interaction enabled by the Brazilian modernist
architecture is a very humanistic aspect to which
Guillaume Pilet pays tribute to. This ready-made refers
to the iconic Sesc Pompéia cultural center and its
red elements, a building which functioned as a barrel
factory before later being renovated by the architect.
Curated by Marina Coelho
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Issue # 9/14 | 15
PROFILE
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Vista da exposição / Exhibition view
Sobre o artista
About the artist
Guillaume Pilet (*1984, Payerne, Suíça). Vive e
trabalha em Lausanne. Estudou artes visuais na
ECAL - école cantonale d’art de Lausanne, na
Suíça. Entre as exposições em que apresentou
seus trabalhos, estão: a individual Learning to Love,
Kunsthaus Glarus (2014); Fire it up: Ceramic as
Material in contemporary sculpture, Dienstgebäude
(2013), Zurique; a individual Biologie de l’Art,
Forma (2013), Lausanne; Hotel Abisso, Centre d’art
contemporain (2013), Genebra; La Jeunesse est un
art, Kunsthaus Argauer (2012), Aarau; a individual
Learning from aping: le cabinet préliminaire, La
Placette (2011), Lausanne; a individual L’art de la
Fugue, Rotwand Galerie (2011), Zurique; a individual
A decade of Art, Galerie Valérie Bach (2010),
Bruxelas; Swiss Art Award 2010, Basileia. Entre os
prêmios que recebeu estão: Kiefer Hablitzel (2013);
Swiss Art Award 2010; Cahiers d’artiste Pro Helvetia
2010; and Swiss Art Award 2009.
Guillaume Pilet (*1984, Payerne, Switzerland). Lives
and works in Lausanne. He has studied visual arts
at ECAL – école cantonale d’art de Lausanne, in
Switzerland. Among the exhibitions in which he
presented his work are: the solo show Learning to
Love, Kunsthaus Glarus (2014); Fire it up: Ceramic as
Material in contemporary sculpture, Dienstgebäude
(2013), Zurich; the solo show Biologie de l’Art,
Forma (2013), Lausanne; Hotel Abisso, Centre d’art
contemporain (2013), Geneva; La Jeunesse est
un art, Kunsthaus Argauer (2012), Aarau; the solo
show Learning from aping: le cabinet préliminaire, La
Placette (2011), Lausanne; the solo show L’art de
la Fugue, Rotwand Galerie (2011), Zurich; the solo
show A decade of Art, Galerie Valérie Bach (2010),
Brussels; Swiss Art Award 2010, Basel. Among the
awards he was granted are: Kiefer Hablitzel (2013);
Swiss Art Award 2010; Cahiers d’artiste Pro Helvetia
2010; and Swiss Art Award 2009.
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PROFILE
Issue # 9/14 | 16
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Créditos / Credits
Fotografia / Photography
Marina Coelho
Guillaume Pilet
Textos / Texts
Marina Coelho
Assitente de produção /
Production assistant
Suzanne Lima
Apoio / Supported by
the Swiss Arts Council Pro Helvetia
KUNSTHALLE São Paulo
Rua dos Pinheiros, 411
Pinheiros - 05422-010
São Paulo - SP - Brazil
+ 55 11 2339 8586
[email protected]
kunsthallesaopaulo.com
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