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Foto / Photo: Marina Coelho
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Dreams don’t get old
Ricardo Itabirito
Conversa entre Marina Coelho e
Ricardo Itabirito no atelier da Av.
São João, em 25 de setembro de
2012, a propósito da exposição
realizada na KUNSTHALLE São
Paulo, em Outubro de 2012.
Conversation between Marina
Coelho and Ricardo Itabirito at the
studio at Avenida São João, on
September 25, 2012, regarding the
exhibition held at KUNSTHALLE
São Paulo in October 2012.
Marina Coelho: Você gostaria
de contar um pouco como
começou sua historia com as artes
plásticas?
Marina Coelho: Would you like to
tell a little how your relationship
with arts began?
Ricardo Itabirito: Eu comecei
a andar, falar e a desenhar ao
mesmo tempo. Depois de adulto,
apesar de ter desenhado sempre,
a relação com a ideia de produzir
imagem mudou. Eu comecei um
processo diferente com a ideia
de pintar, que era uma coisa que
não me atraía. Eu não gostava da
imprecisão da pintura, eu preferia
a linha do desenho, que eu tinha
mais controle.
Eu fiz uma faculdade de desenho
industrial, onde havia uma relação
forte com o desenho. O primeiro
ano, por exemplo, era todo só com
Ricardo Itabirito: I started to walk,
talk and draw at the same time.
As an adult, despite having always
drawn, the relationship with the
idea of producing image changed.
I started a different process with
the idea of painting, which was
something that did not attract me.
I did not like the lack of accuracy
of the painting, I preferred the line
of the drawing, which I had more
control of.
I went to industrial design school,
where there was a strong
relationship with drawing. The
first year, for example, was all
with drawing disciplines: technical
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RI: É porque eu também
tinha um desejo de uma coisa
tridimensional, de fazer objeto, de
estar no ambiente, não na parede,
nem no computador.
MC: E depois de ter trabalhado
muitos anos com design você
resolveu então fazer artes
plásticas, foi isso?
RI: Eu fui perdendo a fé no
processo industrial. Umas das
coisas que não me agradam na
estrutura do processo industrial
são as relações humanas e a falta
de liberdade na hora de produzir,
de criar. Eu estava ali, trabalhando
com um monte de gente,
pensando processos para muitas
pessoas, mas sempre colocando
MC: And it’s funny because you
followed a career in product design
and not in graphic design.
RI: It’s because I also had a desire
for something three-dimensional,
to make objects, to be in the
environment, not on the wall, or on
the computer.
MC: After working many years with
design then you decided to study
fine arts, right?
RI: I was losing faith in the
industrial process. Some of
the things that I do not like the
structure of the industrial process
are the human relationships and
the lack of freedom to create when
producing. I was there, working
with a lot of people, thinking
processes for many people, but
always postponing what I wanted
to accomplish for myself. I think
I had a little family debt, a kind of
education that leads you to this
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MC: E é engraçado porque você
foi para o design de produto e não
para o design gráfico.
na gavetas as coisas que eu queria
realizar para mim. Acho que tinha
um pouco de dívida de família,
de uma criação que te conduz
para esse tipo de raciocínio não
artístico, de que você tem produzir,
tem que ter uma estabilidade
financeira, etc.
drawing, mechanical drawing,
expression drawing, observation
drawing. I had this curiosity of
studying all forms of drawing.
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matérias de desenho: desenho
técnico, desenho mecânico,
desenho de expressão, desenho
de observação. Eu tinha essa
curiosidade de estudar todas as
formas de desenho.
Ainda mais no interior de Minas
Gerais, a distância do cotidiano e
uma galeria de arte ou um museu é
muito grande. A cidade de Itabirito
tem hoje uns 40 mil habitantes,
mas houve um crescimento, e
quando eu era novo devia ter
uns 25 mil. É uma cidade que
vive de mineração, de indústria,
uma realidade mais operária, com
fábricas de tecido, curtumes, etc.
Então havia esse pensamento mais
pragmático.
Em casa, porém, tinha uma
relação um pouco diferente: tinha
projeção de super 8 na sala,
havia revistas e livros bons, com
imagens de artistas e pintores
famosos, ou caricaturistas, que
eu gostava de copiar. A família
do meu pai era de boa formação
intelectual, então chegavam coisas
kind of a not-artistic reasoning,
you have to produce, must have
financial stability, etc.. In the
country side of Minas Gerais
region, the distance from everyday
life and an art gallery or a museum
is very big. The city of Itabirito
has today something around 40
thousand inhabitants, but there
was an increase, and when I was
young it was about 25 thousand.
It is a mining and industrial city,
with textile industry, tanneries,
etc.. Thus, there was this more
pragmatic thought.
At home, however, it was slightly
different: there were super 8
projections in the living-room,
there were some magazines
and good books with pictures
of famous artists and painters,
that I liked to copy. My father’s
family had a good intellectual
background, so good things
reached me. But I always had
this education to let go all that,
and I think that there was a family
concern to distract me from the
arts as I drew compulsively from
an early age. After fulfilling this
attempt to be an entrepreneur,
Issue # 1/12: Ricardo Itabirito 05
RI: Os dois primeiros anos eu
ainda tinha a fábrica e ainda
trabalhava no processo de
desenvolvimento dessa planta
industrial. Eu ficava me revezando,
até que eu decidi me desligar
completamente, pois eu não
poderia manter o trabalho para
ganhar dinheiro e pintar apenas
nas horas vagas, eu não queria
disso um hobby.
Quando eu entrei na escola eu
não comecei a pintar logo de cara.
Eu tinha umas ideias de vídeo,
MC: How was this process of
transition of leaving something that
was extremely rational and diving
for four years in fine arts school?
RI: During the first two years I still
had the factory and I worked in
the development process of this
industrial plan. I kept alternating
myself between both activities until
I decided to quit, because I could
not keep working to earn money
and just paint in my spare time. I
did not want it as a hobby. When
I entered the school I did not start
painting right away. I had some
ideas for video, film, installation,
I made some art direction with
the drama school that was
next to mine, I learned a bit of
scenography and performance, I
was art direction assistant for a film
and scenographist for a short film.
I only started painting when I
was in the second year of the
school. Before I was studying
sculpture disciplines, because I
knew it would be difficult to work
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MC: E como foi esse processo
da transição de algo que era
extremamente racional e mergulhar
durante quatro anos na faculdade
de artes plásticas?
I freed myself and gave me
indulgence. (Laughs)
Estudos em papel / Drafts in paper (Fotos / Photos: Ricardo Itabirito)
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boas até mim. Mas eu sempre
tive essa criação para abrir mão
de tudo isso, e acho que tinha
uma preocupação da família de
me desviar disso mesmo, pois
eu desenhava compulsivamente
desde pequeno. Depois de
cumprir essa tentativa de ser um
empresário, eu me libertei disso e
me dei indulgência. (Risos)
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de cinema, de instalação, fiz um
pouco de direção de arte com a
escola de teatro que era ao lado
da minha, aprendi um pouco de
cenografia e performance, fiz
assistência de direção de arte para
o cinema e um trabalho como
cenotécnico para um curta.
Eu só comecei a pintar quando
eu estava no segundo ano de
faculdade, pois antes eu estava
fazendo matérias da escultura,
porque eu sabia que seria difícil
trabalhar aquelas técnicas fora
those technics out of the school,
where I had all the equipment and
workshops available. We worked
with ceramics, wood, stone, metal,
doing a bit of everything, and then
we went to the workshop and
could direct our work to what we
liked better. Then I went to the
first sculpture workshop and there
were only two left to graduate in
sculpture. But, along the way, I
ended up taking painting as the
main study and sculpture was
something complementary. It was
when I started painting that this
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The disciplines are divided by
techniques: oil, acrylic, etc., and
I started painting following the
procedures in smaller formats.
In the second semester that I
was painting, the professor of
acrylic thought I was already in
the process of the workshop and
left me freer to I paint the way
I wanted. In the workshop the
professor assists you, bringing you
estudo principal e a escultura ficou
como uma coisa complementar.
Foi quando eu comecei a pintar
que se deu essa quebra de
verdade. Foi quando eu abandonei
o outro trabalho, e mergulhei na
pintura mesmo.
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Então, eu cheguei até o atelier 1 de
escultura, e faltavam dois ateliers
para eu me formar em escultura.
Mas no meio do caminho eu
acabei adotando a pintura como
break actually happened. That
was when I left the other job, and
dipped into painting.
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da escola, onde eu tinha os
equipamentos e as oficinas
disponíveis. A gente trabalhava
com cerâmica, madeira, pedra,
metal, fazia um pouco de cada
coisa e depois, entrava para o
atelier e podia direcionar seu
trabalho para aquilo que você
gostasse mais.
Atelier (detalhe) / Studio (detail) (Foto / Photo: Marina Coelho)
As matérias são divididas por
técnicas: óleo, acrílica, etc, e
eu comecei a pintar seguindo
os procedimentos em formatos
menores. No segundo semestre
em que eu estava pintando, o
professor da matéria de acrílica
achou que eu já estava num
processo de atelier, e me deixou
mais livre para eu pintar do jeito
que eu queria. Pois no atelier
o professor mais te dá uma
assistência, ele pontua e te traz
literatura, do que diz exatamente o
que você tem que fazer.
No fim desse primeiro ano eu
comecei a experimentar formatos
grandes mesmos. Apareceram
algumas encomendas, eu fiz um
painel para um bar e um cenário
para um bale, que eram coisas
que eu tinha que pintar grande.
Eu comecei a fazer muitos
literature, commenting your work,
instead of exactly saying what you
have to do.
At the end of that first year I started
to experience really big formats.
I received some commissions,
a panel for a bar, and a stage
for a ballet, which were things
I had to paint in large formats.
I started to do a a lot of works
mixing all techniques as well. It
was a period of two years of much
experimentation: painting the
canvas on the wall, then turning it
upside down, or laying on the floor,
.etc. I work a lot the same canvas.
MC: At what point did you get
to this type of painting that you
developed for the exhibition?
RI: It was in the last semester of
school, when we start to prepare
the works that will be part of our
conclusion paper. It was the first
time that I thought of a series, that
I started to review my references,
what I had studied, and tried to
establish a direction for this work.
And then, it was clear to me that
the work was with the figure, what
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RI: Foi no último semestre da
faculdade, na última etapa, que
é o atelier 4, quando a gente
começa a preparar as pinturas que
MC: Would you like to talk a little
about the relationship of the figure
contrasted with that background
that is not really a background?
RI: This relates to cave paintings,
where there is no background. The
person used to draw the figure
Figura Figura 1, 2, 3 e Figura Acontece (estudo/draft) (Fotos / Photos: Marina Coelho)
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MC: Em que momento você
chegou nesse tipo de pintura
que você desenvolveu para a
exposição?
interested me was the depiction of
the figure. Although it has gotten a
very abstract nature, this structure
is very clear, also because of the
human scale idea. I came to the
conclusion that I wanted it to have
a presence which was equivalent
to the human body.
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trabalhos misturando as técnicas
todas também. Foram dois anos
de muita experimentação, de
pintar a tela de pé, depois virar
do outro lado, ou no chão, passar
esmeril. Eu trabalho muito a
mesma tela.
vão compor nosso trabalho de
conclusão de curso. Foi a primeira
vez que eu pensei uma série, que
eu comecei a rever as referências,
aquilo que eu tinha estudado, e
tentar apurar um pouco um rumo
para esse trabalho.
on the cave wall, sometimes they
were filled, and sometimes they
were just outlines. There was no
difference in the reasoning of what
is draw and what is painting,
nor even of what is figure and
background.
E então, ficou claro para mim
que o trabalho era com a
figura, o que me interessava
era a representação da figura.
Embora ele tenha ganhado um
carácter bem abstrato, fica bem
nítida essa estrutura, inclusive a
ideia da escala real. Eu cheguei
a conclusão que eu queria
que houvesse uma presença
equivalente ao corpo humano.
MC: Você gostaria de falar um
pouco sobre essa relação da figura
contrastada com esse fundo que
não é fundo?
I did not want the Renaissance
thought in which one draws limiting
all things with an outline, marking
the volumes, the perspective,
the background, and then paint.
I wanted a primitive thinking, in
which I did not have to think about
the background. And then I came
up with this paper background,
because a blank paper does not
mean the same thing as a blank
canvas, it is a different sign. It is
very neutral. A blank canvas brings
an information of something that
is unfinished, and a blank paper is
not unfinished.
RI: Isso volta na história das
pinturas de caverna, onde não há
um fundo. A pessoa desenhava
a figura na parede da caverna, às
vezes eram figuras preenchidas,
às vezes eram apenas contornos.
Não existia a diferença de
MC: For me, your figures are
as beings, to which you do not
give names, nor eyes, but that
are there, with an energetic
presence, like entities, perhaps.
Would you like to talk a little
about these figures?
RI: They have no eyes, no mouth
neither nose, because I do not
want to talk about someone, it is a
not picture, and I do not want it to
refer to any kind of identity thought.
This is to speak of relationships,
generic understandings, thoughts
about what it is to be alive. It is
an idea of bringing the sensation,
because it is difficult to put it in
words. I have my sensations in life
and I bring them to the studio and
elaborate them while painting.
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raciocínio daquilo que é desenho
e daquilo que é pintura, nem
daquilo que é fundo e figura. Eu
queria que não houvesse esse
pensamento renascentista de
desenhar limitando todas as coisas
com um contorno, demarcando os
volumes, a perspectiva, o fundo,
e depois pintar. Eu queria um
raciocínio primitivo, que eu não
tivesse que pensar no fundo. E
então eu cheguei nesse fundo de
papel, pois o papel em branco não
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Atelier da Av. São João / Studio at Av. São João (Fotos / Photos: Marina Coelho)
significa a mesma coisa que uma
tela em branco, ele é um signo
diferente. Ele tem uma neutralidade
própria. A tela em branco traz uma
informação de que aquilo está
inacabado, o papel em branco não
está inacabado.
MC: These figures are a
representation of what you see, as
if you could see people’s energy?
MC: Para mim, as suas figuras
são como seres, que você não dá
nome nem olhos, mas que estão
aí, com uma presença energética,
como entidades, talvez. Você
gostaria de falar um pouco sobre
essas figuras?
MC: So, tell me a little about your
references.
RI: Elas não tem olhos, boca nem
nariz, porque eu não quero falar
de alguém, não é um retrato, e eu
não quero que remeta a nenhum
tipo de raciocínio de identidade.
Isso é para falar de relações,
de entendimentos genéricos,
de pensamentos sobre o que é
estar vivo.
É uma ideia de trazer a sensação,
pois é difícil verbalizar isso. Eu
tenho minhas sensações na vida
e trago isso para dentro do atelier
e vou elaborar essas questões
pintando.
RI: I think it dangerous to declare
that… (Laughs). Giacometti speaks
very well of these things.
RI: When I started doing these
figures, obviously that the
professors told me that I had to
see Alberto Giacometti. He says:
- I paint to eat, to get fatter to
have more strength to paint, to
live more and more to paint. His
figures do not have identity also,
because there is no need to have
an identity. His painting is very
beautiful and very deep, even
more than some of his sculptures.
One of the things I liked the most
was to have had contact with the
texts of the artists themselves.
Just as the text “Giacometti
Portrait,” a text that influenced
me a lot, in which the author
describes the daily life in the
artist’s studio, Matisse speaks a
Issue # 1/12: Ricardo Itabirito 13
MC: Então, me fale um pouco
sobre as suas referências.
RI: Quando eu comecei a fazer
essas figuras, lógico que os
professores da universidade
falaram que eu tinha que ver o
Alberto Giacometti. Ele fala: – Eu
pinto para comer, para ficar mais
gordo para ter mais força para
pintar, para viver mais e para
pintar mais. As figuras dele não
têm identidade também, pois
não precisa ter uma identidade.
A pintura dele é muito bonita e
muito profunda, até mais do que
algumas das suas esculturas.
Uma das coisas que eu mais
gostei foi de ter tido contato com
os textos dos próprios artistas.
Assim como o texto “Retrato de
Giacometti”, um texto que me
MC: Who looks at your works
realizes the strength ot these
figures, as if they wanted to talk.
RI: The first series I did in school
was for engraving discipline and
it was called “The contained
word.” I think that this is is a work
that is still latent in the things I
do. It is an expression through
the image, with a reasoning
made of color and space, it is
gestural and has little to do with
a composition that depart from
the word. The work of Duchamp
and Magritte depart from the
idea of the sentence, a wordplay.
MC: Maybe we can say that your
works are not to be understood in
a cognitive way, but sensorially. It is
a more direct relationship.
FOLD HERE
RI: Eu acho perigoso declarar
isso... (risos). O Giacometti fala
muito bem dessas coisas.
marcou muito, no qual o autor
descreve o dia a dia no atelier do
artista, Matisse fala muito em seus
textos sobre o que que é pintar,
sobre o dia a dia do trabalho,
dismistificando esse glamour de
que a pintura é uma coisa mágica,
e mostra que o pintor trabalha
por horas e horas, e vai para casa
pensando no seu trabalho, assim
como todo mundo que leva seu
trabalho a sério.
lot in his writings about what it
is to paint, about the daily work,
demystifying this glamour that
painting is a magical thing, and
shows that the painter works for
hours and hours, and goes home
thinking about his work, as well
as everyone who takes his job
seriously.
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MC: Essas figuras são a
representação daquilo que você
vê, como se você enxergasse a
energia das pessoas?
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MC: Quem olha o seu trabalho
percebe a força dessas figuras,
como se eles quisessem falar.
RI: A primeira série que eu fiz
na escola foi para a matéria de
gravura e se chamou “A palavra
contida”. Acho que isso é um
trabalho que ainda está latente nas
coisas que eu faço.
É uma expressão pela imagem,
com um raciocínio feito de cor e
de espaço, de gestualidade e tem
pouco a ver com uma composição
que parte da palavra. Os trabalho
de Duchamp ou Magritte partem
da ideia da frase, do jogo de
palavras.
RI: Maybe. I think so. Each one will
establish a different relationship
with it. And the word is something
very restricted.
MC: The strength of your work
is this energetic presence, like in
these big works “Fonte Figura” and
“Figura Acontece,” which we used
refer to as waterfalls, and where
one sees the force of the water.
RI: The waterfall is an important
thing in my life, because I come
from a region where there are
many waterfalls. Bathing in a
waterfall is not a simple thing,
like jumping in a pool. When you
told me about Shintoism, I was
reading “Notes on Painting” of
Bitter Pumpkin Monk, a Chinese
painter of the seventeenth
century, who wrote a treatise on
painting, which ends a tradition of
a thousand years. He studied to
be monk, studied Buddhism and
Taoism, but he ended up being
a painter. Chinese painters used
to adopt pseudonyms, and one
of his pseudonyms was Bitter
Pumpkin Monk, which became his
artistic name. He speaks about
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the strength of each stroke, that
each stroke must have the correct
energy, fluidity, rhythm, and that the
painting is a philosophical process,
it is a time of reflection, elaboration
of the world understanding.
RI: Talvez. Acho que sim. Cada
um vai estabelecer uma relação
Besides that, in traditional Chinese
painting there are the traditional
diferente. E a palavra é uma coisa
que restringe muito.
MC: A força do seu trabalho está
nessa presença energética, como
nesses trabalhos grandes “Fonte
Figura” e “Figura Acontece”, que
antes chamávamos de cachoeiras,
onde percebe-se a força da água.
DOBRE AQUI
FOLD HERE
MC: Talvez possamos dizer
que as suas obras não são
para serem entendidas de
maneira cognitiva, mas sim
sensorialmente. É uma relação
mais direta.
Figura Figura 6, 7, 8 (Foto / Photo: Marina Coelho)
RI: A cachoeira é uma coisa
importante na minha formação,
pois eu venho de uma região
onde há muitas cachoeiras. E
tomar banho de cachoeira não é
uma coisa à toa, como pular em
uma piscina.
Quando você me falou do
Shintoísmo, eu estava lendo
“Anotações sobre pintura” do
Monge Abóbora-Amarga, um
pintor chinês do século XVII, que
escreveu um tratado de pintura,
que encerra uma tradição de mil
anos. Ele estudou para ser Monge,
estudou budismo e taoísmo, só
que ele virou pintor. Os pintores
chineses adotavam pseudônimos,
e um dos pseudônimos dele era
Monge Abóbora-Amarga, que se
tornou o seu nome artístico.
themes: the waterfall, the tree, the
mountain, which has a symbolism
of strength, depth, etc..
I think these things are mixed in
my work. It also has a relationship
with the abstract expressionism of
Pollock, the speed, the shamanic
ritual, in , I see it all as one.
All these people who have
dedicated themselves to painting
thought about this, about every
stroke, every gesture, the
strength, and what the picture
you’re painting, brings, be it
figurative or not. They tried to
imprinting strength, vitality in
these images.
MC: Is there any particular reason
for these figures to be made over
doors?
RI: They are wooden structures
that are conceived on the basis of
the human body size, they have
the size to serve the body. What
also interests me is because they
have a presence that supports
volumetric and who are on the
ground.
Issue # 1/12: Ricardo Itabirito 17
Todas essas pessoas que se
dedicaram à pintura pensaram
isso, cada pincelada, cada
gesto, a força, e o que traz a
imagem que você está pintando,
sendo ela figurativa ou não. Eles
tentaram imprimir força, vitalidade
nessas imagens.
MC: Existe algum motivo especial
para as figuras terem sido feitas
RI: This video was made in
February 2010. It began to interfere
in the drawings and paintings I was
doing and all these things started
to speak to with each other. These
works are a set of thoughts of the
same aesthetic experience of how
to represent the figure, the human
body, transposing it to an image.
MC: Your professors also
commented to you about
relationship of your video with Bill
Viola’s work, right?
RI: Before seeing the video,
Rodrigo Borges, who is an artist
and professor at the University,
told me of Bill Viola when he saw
a painting of mine in the studio. At
this point, I was already editing the
video, but he never saw the video.
MC: And now, do you have a new
project for after this exhibition?
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Eu acho que essas coisas vão
se misturando no meu trabalho.
Tem também a relação com
o expressionismo abstrato do
Pollock, da velocidade, do ritual
xamânico, na verdade eu vejo tudo
isso como uma coisa só.
MC: In the exhibition there will also
be an installation, which is a video
featuring people and water, which
resembles the work “Fonte Figura.”
Would you like to talk a little about
this work?
DOBRE AQUI
Ele fala dessa força de cada
pincelada, que cada pincelada tem
que ter a energia correta, a fluidez,
o ritmo, e que a pintura é um
processo filosófico, é um momento
de reflexão, de elaboração do
entendimento do mundo. Além
disso, na pintura tradicional chinesa
existem os temas tradicionais: a
cachoeira, a árvore, a montanha,
que tem uma simbologia de força,
de profundidade, etc.
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Figura Figura 9, 10, 11, 12 (Foto / Photo: Marina Coelho)
sobre portas?
RI: Elas são estruturas de
madeira que são pensadas a
partir do tamanho do corpo,
elas têm essa dimensão para
servir ao corpo. O que me
interessa também é por serem
suportes que têm uma presença
volumétrica e que estão no chão.
MC: Na exposição haverá também
uma instalação, que é um vídeo
com água e pessoas, que se
RI: There is an immediate job,
which is remap Minas Gerais
region for an exhibition, that will
take place in Rio de Janeiro in
January of next year, at the post
office building. It will be a group
show that will dialogue with the
production of an English explorer,
who was in Brazil in the midnineteenth century, and made
seventy watercolors depicting
the region from Rio de Janeiro
to Diamantina, which they are
now calling the Royal Road. It is a
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Da esquerda para direita / From left to
right: Fonte Figura e/and Segunda Figura
Acontece (Fotos / Photos: Marina Coelho)
RI: Esse vídeo foi feito em fevereiro
de 2010. Ele passou a interferir
nos desenhos e pinturas que
eu estava fazendo e as coisas
começaram a dialogar umas com
as outras. Esses trabalhos são
um conjunto de raciocínios da
mesma experiência estética, a de
como representar a figura, como
representar o corpo humano,
transpondo-o para uma imagem.
RI: Tem um trabalho imediato que
é remapear Minas Gerais para
uma exposição que vai acontecer
no Rio de Janeiro, em janeiro
do ano que vem, no prédio dos
correios. Será uma coletiva que irá
dialogar com a produção de um
explorador inglês que esteve no
Brasil na metade do século XIX, e
fez setenta aquarelas retratando
a região do Rio de Janeiro até
Diamantina, que estão chamando
agora de Estrada Real. É um
trabalho que veio de encontro a
um desejo que eu tinha de viajar
por Minas Gerais na função de
desenhar e pintar. Esse era um
projeto que eu tinha na gaveta,
que é pegar a estrada e ficar dois
meses produzindo em campo,
levar o material e desenhar e pintar.
E a exposiçao será em Janeiro no
Rio de Janeiro.
the exhibition will be in January in
Rio de Janeiro.
MC: Muito interessante. Boa sorte
então e obrigada!
MC: Very interesting. Good luck
and thank you then!
RI: Obrigado.
IR: Thank you.
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FOLD HERE
assemelha aos trabalhos “A Figura
Acontece”. Você gostaria de falar
um pouco sobre esse trabalho?
MC: Os seus professores
comentaram com você também
sobre a relação do seu vídeo com
o Bill Viola, não foi?
RI: Antes de ver o vídeo, o Rodrigo
Borges, que é artista e professor
da Universidade, me falou do
Bill Viola quando viu uma pintura
minha no atelier. Nessa altura eu já
estava editando o vídeo, mas ele
nunca viu o vídeo.
MC: E agora, você já tem um
projeto novo para depois da
exposição?
commission that meets a desire
I had of traveling through Minas
Gerais to draw and paint. This was
a project I had in the drawer, which
is to hit the road for two months
producing in the field. I will take the
material and draw and paint. Then,
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Ricardo Itabirito
Por mais longe que se vá,
é preciso começar por um simples passo
Shi Tao, artista chinês do século
XVII conhecido pelo pseudônimo
Monge Abóbora-Amarga,
descreve no texto “Anotações
sobre pintura” o ato de pintar
como um processo filosófico,
um momento de reflexão e de
Continuing the series Processes,
KUNSTHALLE São Paulo,
presents the first solo exhibition of
Brazilian artist Ricardo Itabirito (*
1974). With a career which began
in industrial design, Ricardo
developed his work emphasizing
the process of execution of his
works, the relationship with
matter, the act of painting, the
gestures of each stroke, the
color choices, and so forth. Such
issues are more important for him
than the search for a possible
theme or conceptual content.
Shi Tao, Chinese artist of the
seventeenth century known by
the pseudonym Bitter Pumpkin
Monk, describes in the text “Notes
on Painting” the act of painting
as a philosophical process, a
time of reflection and elaboration
of one’s world understanding. In
the sentence “No matter how far
DOBRE AQUI
Dando continuidade à série
Processos, a KUNSTHALLE
São Paulo, apresenta a primeira
exposição individual do artista
mineiro Ricardo Itabirito (*1974).
Com uma trajetória que se
iniciou com o desenho industrial,
Ricardo desenvolve seu trabalho
dando ênfase ao processo de
execução das obras, à relação
com a matéria, ao ato de pintar, à
gestualidade de cada pincelada,
à escolha da paleta de cores, e
assim por diante. Tais questões,
são para o artista mais importantes
do que a busca de um possível
tema ou conteúdo conceitual.
FOLD HERE
No matter how far you go,you must begin with a single step
elaboração do entendimento do
mundo. Na frase “Por mais longe
que se vá, por mais alto que se
suba, é preciso começar por um
simples passo” – inspiração para
o título da exposição de Ricardo
Itabirito – Shi Tao considera esse
primeiro passo como sendo o
que ele chama de “Único Traço
de Pincel”, “um simples traço de
pincel que é o canal privilegiado
pelo qual se exprime o ‘ritmo
espiritual’, o único intermediário
capaz de transmitir a visão do
espírito no universo das formas.”1
Nesse tratado sobre a pintura,
o artista fala da importância e
da força de cada pincelada, que
deve ter a energia, a fluidez, e o
ritmo corretos.
De forma análoga, para Ricardo
Itabirito o pintar e o repintar,
com centenas de pinceladas,
imprimem em suas obras uma
força, uma presença energética,
que pode ser visualizada nas
figuras sugeridas. Apresentadas
em escala humana, essas
figuras não têm rostos, não têm
olhos, nem bocas, pois não
estão ali para representarem
you go, how high you climb, you
must begin with a single step” inspiration for Ricardo Itabirito’s
exhibition title - Shi Tao considers
this single step as being what
he calls a “Single Brush Stroke”,
“a simple brush stroke, which is
the privileged channel through
which one expresses the ‘spiritual
rhythm’, the only intermediary
capable of transmitting the vision
of the spirit in the world of forms.”
1 In this painting treaty, the artist
speaks of the importance and
strength of each brush stroke,
which must have the correct
energy, fluidity and rhythm.
Similarly, for Ricardo Itabirito the
act of painting and repainting, with
hundreds of strokes, imprints in
his works a force, an energetic
presence, which can be viewed in
the suggested figures. Presented
on human scale, these figures
have no faces, no eyes, no
mouths, because they are not
there to represent someone, an
identity, but to raise universal
issues of the human condition, to
question the representation of the
being, and most importantly, to
Freely distributed digital publication
Like in cave paintings, Itabirito’s
works feature figures with no
backgrounds, breaking with the
Renaissance painting tradition,
in which one draws delimiting
with lines, establishing volumes,
thinking of perspective and
background.
Fundamental for the artist to
achieve the primitiveness of these
figures, was to find in the paper
the solution for the lack of the
background, because, unlike
an unpainted canvas, which
may have the connotation of an
unfinished work, a white paper is
a different sign, which enables this
experience.
The papers are fixed on wooden
bases, which stand directly on
the ground, giving to the pieces a
volumetric presence equivalent to
a human body.
In addition, three other works
that compose the exhibition,
extend the idea of the energetic
FOLD HERE
Assim como nas pinturas
rupestres, as obras de Itabirito
apresentam figuras sem fundo,
que rompem com o raciocínio
renascentista de pintura, no qual
se desenha delimitando com
contornos, demarcando volumes,
pensando na perspectiva e no
fundo. Fundamental para o artista
alcançar essa primitividade das
figuras, foi encontrar no papel a
solução para a inexistência do
fundo, pois, diferentemente de
uma tela não pintada, que talvez
tenha a conotação de uma obra
inacabada, o papel em branco é
um signo diferente que possibilita
essa experiência. Os papéis estão
fixados em bases de madeira
apoiadas diretamente no chão,
o que confere às peças uma
presença volumétrica equivalente
à de um corpo humano.
create a communication through
sensation, and not through words.
DOBRE AQUI
alguém, uma identidade, mas
sim para tocar em questões
universais da condição humana,
questionar a representação do
ser, e principalmente, criar uma
comunicação que se dá através
da sensação, e não através da
palavra.
Somados a esses, outros três
trabalhos, componentes da
exposição, ampliam a ideia
de presença energética ao
incluir e relacionar a força da
água – como a de cachoeiras,
que pelos orientais são tidas
como entidades de adoração
– às sugestões de figuras, que
acontecem dentro de imagens
realizadas em pinturas e em vídeo.
__
1. Ryckmans, Pierre. As Anotações
sobre pintura do Monge AbóboraAmarga. Ed. Unicamp, 2010.
Montagem / Making of
(Foto / Photo: Marina Coelho)
presence by including the power
of water - like waterfalls, that are
considered by eastern cultures
as entities of worship - to the
suggested figures, which appear
from within the images made in
paintings and video.
__
1. Ryckmans, Pierre. Les propos
sur la peinture du moine Citrouilleamère (translation and comments,
1970).
Freely distributed digital publication
SOBRE / ABOUT
O projeto também promove
encontros para a análise e crítica
de portfólios de artistas pela
curadora Marina Coelho, e a
organização de uma exposição
coletiva anual com trabalhos
selecionados durante os
encontros, funcionando como
um catalisador para a entrada de
artistas no circuito da arte.
The project also promotes
meetings for artists’ portfolios
review and critique by curator
Marina Coelho, and the
organization of an annual group
exhibition featuring works selected
during the meetings, functioning,
thus, as a catalyst for the entry of
artists in the art circuit.
www.kunsthallesaopaulo.com
www.kunsthallesaopaulo.com
Through the publication the
reader can better understand the
work, the paths and the creative
process of the artists shown at the
KUNSTHALLE São Paulo.
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FOLD HERE
The freely distributed digital
publication SONHOS NÃO
ENVELHECEM (Dreams don’t get
old) is part of a cultural project,
developed by the curatorial
platform KUNSTHALLE São Paulo,
which aims to encourage young
artists or beginners to persist in
developing their work.
DOBRE AQUI
A publicação digital para
download SONHOS NÃO
ENVELHECEM faz parte de um
projeto cultural, desenvolvido
pela plataforma curatorial
KUNSTHALLE São Paulo, que
tem como objetivo o incentivo
a artistas jovens ou iniciantes a
persistirem no desenvolvimento
de seu trabalho. Através da
publicação o leitor pode melhor
entender a obra, os caminhos
percorridos e o processo criativo
dos artistas que expõem na
KUNSTHALLE São Paulo.
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