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Qunihico
HASHIMOTO
Symphony No. 1 in D
Symphonic Suite
‘Heavenly Maiden
and Fisherman’
Tokyo Metropolitan Symphony
Orchestra
Ryusuke Numajiri
Qunihico Hashimoto (1904-1949)
Symphony No. 1 • Symphonic Suite “Heavenly Maiden and Fisherman”
Qunihico Hashimoto was one of the leading Japanese
composers in the first half of the twentieth century. He
showed a chameleon-like talent, commanding a variety
of styles including romanticism, impressionism,
nationalism, jazz and atonality. He was also active as a
violinist, an accompanist, conductor and educator, but
his career was marked by tragedy, through the vagaries
of politics and war.
Hashimoto was born on 14th September, 1904, in
Tokyo. When he was still young, his family moved to
Osaka, where he came to know western music, playing
in the school band at elementary school. At his
secondary school he studied the violin with
Kichinosuke Tsuji, the most renowned teacher then in
Osaka, but he gradually turned his interests towards
composing rather than performance. In 1923 he entered
Tokyo Music School, the present Tokyo National
University of Fine Arts and Music, an establishment
with the best facilities for studying western music,
although his major study was the violin and conducting,
as the school had no composition faculty before the first
half of the 1930s. Composition students had to look for
teachers elsewhere or to teach themselves. Apart from
occasionally studying with Kiyoshi Nobutoki, a pupil of
Georg Schumann in Berlin, Hashimoto acquired his
ability as a composer virtually unaided. He was also a
proficient pianist.
Establishing himself as a popular composer in the
latter half of the 1920s, Hashimoto produced a variety
of concert songs. His pieces Kabi (Mould) and Hanmyo
(Tiger Beetle) were epoch-making in their
demonstration of a Japanese composer’s command of
the French Impressionists’ sense of harmony. Chansons
like Okashi-to-Musume (Cakes and a Girl) caught the
heart of urban people who longed for the modern
culture of Paris. Folk-song-like simple pieces FujisanMitara (Looking at Mount Fuji) and Taue-Uta (Rice
Planting Song) evoked nostalgia among those living in
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big cities, who, in the rapid course of urbanisation, had
been obliged to move there from the country. Mai
(Dance) succeeded in creating a Japanese version of
Schoenberg’s Sprechstimme by transferring the Joruri
style, with its blend of songs and narrative, to an
ordinary song style with piano accompaniment. The
atonal elements in the piano part of Mai led to his
reputation in Japan as an avant-garde composer. During
this period Hashimoto, like Kurt Weill in Berlin, strove
to break down the barrier between classical and popular
music by his intensive work on songs for film,
commercials, records and broadcasting, as well as
writing jazz songs, while introducing Alois Hába’s
microtonal music, such as his 1930 Etude for Violin and
Cello, and composing impressionistic pieces for piano
and orchestra. He enjoyed a reputation as an enfant
terrible, but at the same time he had to be a
representative of rigorous academicism, when he
assumed the position of professor at the Tokyo Music
School. He responded perfectly to this task by
composing his Cantata Celebrating the Birth of the
Prince in 1934, in the German romantic style of the
nineteenth century. In addition to his feat of
representing both modernism and academicism in
composition, Hashimoto was active as a violinist until
1934.
From 1934 to 1937, Hashimoto studied in Europe,
sent by the Ministry of Education. He spent a
considerable time in Vienna, where he studied with
Egon Wellesz, Schoenberg’s pupil, discussing with him
the future of music, nationalism or international
atonalism. Strongly impressed by Berg’s Wozzeck,
Hashimoto attended concerts by Furtwängler,
Toscanini, Walter, Weingartner and Erich Kleiber,
visited Respighi, associated with Alois Hába and Ernst
Kr̆enek, and met Schoenberg in Los Angeles before
returning to Japan.
After his return to Japan, however, there was little
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room allowed for Hashimoto to establish his career as a
free, uninhibited modernist. When Japan went to war
against China, he was expected to meet national
requirements, much as Shostakovich did in his
Symphonies No. 5 and No. 7, as a composer in his prime
from the national music school. What was immediately
useful to him was not his knowledge of the Second
Viennese School, but of German and Italian cultures
dominated by totalitarianism. He composed a
symphony celebrating the 2600th year of the Emperor,
cantatas dedicated to the dead in the Japanese-Chinese
war and the Pacific war, as well as a number of wartime
songs, including Song of the Japanese Navy, Song of
Dai Nippon, Students-Off-to-the-Front March and We
Are Victorious Young Patriots. Some of them were
songs of bravery and others of sadness. In addition to
writing music, he was busy conducting domestic and
foreign works, including his own pieces, in Japan,
Korea and China.
In the year following Japan’s defeat in 1945,
Hashimoto left the faculty of Tokyo Music School,
accepting responsibility for his wartime musical
activities. In this difficult period, however, he was to
write some masterpieces. Winter Suite for solo voice
and chamber ensemble depicts people despondent after
the war, while Three Prayers of Japanese Buddhists for
solo voice and orchestra, which strongly suggests the
music of Mahler, expresses the deep regret of
intellectuals for having misled many young people to
their deaths by their advocacy of patriotism. Despite
that, he was still expected to be a composer to represent
Japan and he wrote his optimistic Symphony No.2,
celebrating the democratic Constitution of Japan newly
established with America’s assistance.
Japan underwent a complete change of values after
the war. Living through these years, Hashimoto was
never free from continuing stress, which undermined
him both physically and mentally. In 1948 he was
diagnosed with cancer. While struggling against the
illness in bed, he converted to Christianity, and on 6th
May the following year he died in Kamakura. His pupils
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include some leading figures in the post-war Japanese
music scene, including Yasushi Akutagawa, Toshiro
Mayuzumi and Akio Yashiro.
Hashimoto’s Symphony No.1 in D (1940) was
written to celebrate the 2600th year of the Emperor.
When the United States asked Japan to open diplomatic
relations and trade in 1853, the Samurai régime, which
had kept the country closed for some two hundred
years, rapidly began to collapse, and a new government
by the Emperor, who had before been a mere titular
head, was established in 1868. Being aware of Japan’s
inferiority to the West in economics, politics, military
affairs, science and legislation, the new government
strove to promote modernisation and westernisation,
while anxious that this might bring a general feeling of
inferiority. To solve this problem, the government
adopted the Emperor year system in 1872. According to
this system, the years started in 660 B.C., when the first
Emperor Jinmu was enthroned, as mentioned in Nihon
Shoki, a chronicle assembled in 720 A.D. Modern
history puts the appearance of the first Emperor in the
fourth century, which means that the Emperor year
system is some thousand years out. This mattered little
to the new government, however, as they believed that
having their own history, 660 years longer than that of
the West, would help Japanese people keep their pride,
without feeling inferior to the West. From then on, this
system was to be used until 1945. Following the system,
the Western year of 1940 fell on the Imperial year 2600.
Considering that this was the best opportunity to boost
national prestige, the Japanese government made plans
for the Olympic Games and an international Exposition
in Tokyo. When they were cancelled because of the
war, the government turned the project to a domestic
purpose, to strengthen national solidarity. All kinds of
artistic fields were called upon and music was no
exception. Five composers from European countries
were commissioned to write festival music: Richard
Strauss’s Festmusik zur Feier des 2600 jährigen
Bestehens des Kaiserreiches Japan, Ibert’s Ouverture
de Fête, Pizzetti’s Symphony in A, Veress’s Symphony
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No.1 and Britten’s Sinfonia da Requiem. Four of them,
except for Britten’s work, which was considered
unsuitable for the festivity, were performed in
December in Tokyo, when Hashimoto conducted
Veress’s piece. This year also saw many festival
masterpieces by Japanese composers, including Kosçak
Yamada’s opera Yoake (Dawn) and symphonic poem
Kamikaze, Kiyoshi Nobutoki’s cantata Kaido-Tosei,
Yasuji Kiyose’s Japanese Dance Suite and Fumio
Hayasaka’s Overture in D.
Hashimoto’s Symphony No.1 was commissioned by
Kenkoku-Sai-Honbu (National Foundation Festival
Headquarters), an organization which held an annual
ceremony in honour of the Emperor on 11th February, a
national holiday Kigensetsu (National Foundation Day),
when the first Emperor is said to have been enthroned,
and was first performed on 11th June by the Tokyo
Music School Orchestra under the composer’s baton.
Hashimoto had to meet various requirements, as did the
old Soviet composers of socialist realism; the music
should be positive and nationalistic, as well as plain in
sound to be acceptable to a wide audience, while
maintaining the grandeur of the symphonic form, far
beyond a mere occasional piece. Surmounting such
difficulties, the work amounts to a masterpiece in Japan
in the first half of the twentieth century. Hashimoto was
a versatile composer and was able to use a variety of
styles, but he was essentially a lyrical melodist, which is
manifest in this large scale work, brimming with
melodies.
The first movement, Maestoso, is in sonata form,
incorporating the concept of Emakimono, a picture
scroll with narrative interspersed. The opening and the
closing parts of most Emakimonos are painted with
gradation effects, as if they were veiled in mist.
Hashimoto adapts this technique both to the
introduction and the epilogue, which frame the central
section in sonata form, where panoramic sounds
expressively depict Japan from time immemorial. The
introduction opens with a delicate canon by the first and
second violins. This is derived from Oibuki, a canonic
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technique often used in the opening of Gagaku,
Japanese traditional court music. The main section
immediately follows and the flowing, elegant first
theme, consisting of a three-note motif (D-E-A), is
introduced by the violin. As it grows in intensity, the
oboe and the flute present the lonely second theme,
which is based on Miyako-Bushi, one of the traditional
Japanese pentatonic scales, and strongly reflects the
vocal technique of the Utai style of Noh. This melody is
repeated, with a restless counter-melody on the lower
strings. The brief but tense development carries an
ephemeral festive mood, with various episodes,
including the March of Children, with side drum
accompaniment, and other episodes, and frantic brass
attacks appearing one after another, leaving the celesta
alone after the festival. The recapitulation recalls the
introduction and the exposition in reverse order. The
second theme, with the harp repeating the three-note
motif, precedes the first theme, leading to flamboyant
anthem-like music. Finally the motifs of the
introduction return and the music fades out solemnly
into the realms of antiquity.
The second movement is in A-B-A’ form
(Allegretto - Scherzando - Allegretto). The A section
reflects music of the southern part of Japan. In the
southern islands, especially in Okinawa, cultural and
economic interrelations with China and Southeast Asia
gave birth to their own music, which is quite different
from that of the mainland. The singing theme of the A
section is based on a pentatonic scale from the southern
islands. Hashimoto repeats it over and over again in a
crescendo, like Ravel’s Boléro, until reaching the
climax, where he uses Nihon-Daiko, a Japanese big bass
drum. The process of developing music evokes Japan’s
“aspiration for the South”, both in politics and
economics. The B section is filled with the light-hearted
mood of folk-songs sung in feasts in the mainland. The
stress on the fourth beat reflects the fact that this type of
folk-song often accompanied shouts like “Heave-ho”.
The third movement consists of the theme,
variations and a fugue. The theme is made up of
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Kigensetsu, which was virtually a second national
anthem sung on 11th February every year by the whole
nation and therefore the most suitable for celebrating
the 2600th year of the Emperor. This Gagaku-like
anthem is based on three notes, D, E and A, from which
the motif of the first theme of the first movement is also
derived. Eight variations follow the exposition of the
theme. The cradle-like first variation in 5/8, played in
unison by the celesta and the harp, develops into a
powerful canon, which forms the second variation. The
third variation is consoling music over the soft pizzicato
of the strings. The fourth is a light dance, where the
flute plays the theme here and there. A cadenza-like
gesture by the clarinet introduces the singing fifth
variation, while in the sixth this wholesomeness
gradually darkens and leads to the sentimental seventh.
The dignified eighth variation serves as a prelude to the
following triple fugue, with the theme on the strings,
from Kigensetsu and the three-note motif, bringing the
lyrical symphony to a grandiose conclusion.
Heavenly Maiden and Fisherman was written
before Hashimoto left for Europe. It was his fourth
orchestral ballet score, preceded by Hydrangea Otaxa,
Yaya the Witch (both composed in 1927) and YoshidaGoten (Yoshida Palace, 1931). These four works were
all written for a woman dancer of Nihon-Buyo, although
they are called “music for ballet”. Nihon-Buyo is one of
the traditional dance forms developed after the
seventeenth century, keeping a close relationship with
Kabuki and Geisha. After 1920 this genre saw many
woman dancers who were influenced by the Western
ballet. They preferred the orchestra and the piano to
Japanese traditional instruments and adopted the
method of the Ballets Russes in choreography and sets.
Hashimoto was one of the most important composers to
work with them. Heavenly Maiden and Fisherman was
written for Sumi Hanayagi I and was first given in
Tokyo on 13th October, 1932, with Sumi Hanayagi
playing the Heavenly Maiden and San’nosuke
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Hanayagi the Fisherman. Recorded here is the concert
suite compiled by the composer the following year. The
story is based on folklore The Legend of Hagoromo,
passed down from generation to generation, becoming
the Noh play Hagoromo. A Heavenly Maiden descends
to earth and has her Hagoromo (a magic robe which
enables her to fly) stolen by an earthly man. They
marry, but after some years the Heavenly Maiden finds
her Hagoromo again and returns to Heaven. The story is
associated with that of the swan maiden, familiar all
over the world.
The work opens with impressionistic music
depicting dawn. The flute soon presents the theme of
the Fisherman quietly and the music gradually becomes
rhythmical, as if waking up from sleep. The
Fisherman’s Dance follows. On the morning beach,
fishermen are working, joking and sometimes
quarrelling, over Japanese percussion Yotsudake. They
soon disappear, leaving only one behind (represented by
the bassoon). He finds a Hagoromo on a branch of a
pine-tree and tries to take it home. Music expressing his
joy, combined with the theme of the Fisherman, grows
in excitement, when the Heavenly Maiden appears
(represented by a sentimental melody on the violin) and
implores him to return the Hagoromo. The Fisherman
promises to do so, on condition that she shows him a
heavenly dance. The solo violin plays the elegant and
delicate Heavenly Maiden’s Dance. Strongly impressed
the Fisherman returns the Hagoromo to her and the
Heavenly Maiden, led by the ascending notes on the
violin, departs for Heaven. The Heavenly Maiden’s
Dance is played once more, but powerfully this time,
and the curtain comes down. In this work, ancient
Japanese songs and dances mingle with the styles of
Dukas and Pierné.
Morihide Katayama
Translation: SOREL
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Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra
The Tokyo Metropolitan Government established the Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra in 1965. In April
1998 the well known conductor Gary Bertini was appointed Music Director. Past Music Directors include Tadashi
Mori, Akeo Watanabe and Hiroshi Wakasugi. Jean Fournet was appointed Honorary Conductor in 1989 and
Kazuhiro Koizumi was appointed Principal Guest Conductor in 1998. Tatsuya Yabe and Tomoshige Yamamoto
were appointed Solo Concertmaster and Concertmaster respectively. The Tokyo Metropolitan Symphony
Orchestra has also given many notable performances with renowned guest conductors such as Eliahu Inbal, Sir
Neville Marriner, Sergiu Comissiona and James Depreist. Annually the orchestra gives over 130 concerts
including Subscription Concerts, Promenade Concerts, Tokyo Metropolitan Art Space Series, special concerts,
school concerts, operas and recordings. These performances have led it to become one of the leading orchestras in
Japan. Tours abroad started in 1977 with a concert tour to the former Soviet Union and Eastern Europe. This was
followed by tours to Seoul in 1986 and twenty other cities in Western Europe including London, Paris and Berlin
in 1988. Subsequent concert tours in China, Finland and the United States in 1989, 1990, 1991, respectively, won
further success. In April 2002 the Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra was invited to the Third Beijing
International Arts Festival “Meet in Beijing” to mark the thirtieth anniversary of the normalisation of diplomatic
relations between China and Japan. The orchestra won the Kyoto Music Award in 1991 for its consistently
ambitious activities, including its Japanese Composers Series, and Hiroshi Wakasugi & TMSO / Mahler Series at
Suntory Hall. In April 2000, the Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra started a Mahler series, a five-year
project, under the baton of Gary Bertini at Saitama Kaikan and Yokohama Minato Mirai Hall.
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Ryusuke Numajiri
Born in Tokyo in 1964, Ryusuke Numajiri studied piano and conducting, with teachers that included Seiji Ozawa
and Tadaaki Otaka, at the prestigious Toho Gakuen School of Music. While still a student and until his departure
to study with Hans-Martin Rabenstein at the Berlin University of Fine Arts and Music, he acted as assistant to Seiji
Ozawa at the New Japan Philharmonic. In 1990 he won the 40th Besançon International Conducting Competition,
an honour that brought him immediate attention in the classical music world. His international performances have
drawn the attention of audiences, critics and orchestras alike and he has conducted a number of orchestras
throughout Europe and in Israel, including appearances in 1998 with the Orchestra Sinfonica di Milano “Giuseppe
Verdi” at the Evian Festival and in the same year his first concerts with the London Symphony Orchestra, followed
by a further appearance with the orchestra in January 1999, when he recorded Gubaidulina’s Concerto for Cello,
Two Percussion and Chorus with Mstislav Rostropovich, who also collaborated with him in the Shostakovich
Festival presented by the New Japan Philharmonic. Ryusuke Numajiri has also appeared with other renowned
artists, including Anne-Sophie Mutter, Zoltan Kocsis, Bruno-Leonardo Gelber, Jean-Philippe Collard, Karl
Leister, Michel Béroff, Cyprien Katsaris and Frank Peter Zimmermann. In April 1999 he was appointed Principal
Conductor of the Tokyo Philharmonic Orchestra and he is a popular guest conductor with the other major Japanese
orchestras, with appointment from 2001 as Principal Conductor of the Nagoya Philharmonic Orchestra. From 1993
until early 1998, he held the post of Chief Conductor of the Japan Shinsei Symphony Orchestra, the youngest ever
to be appointed to the position. During his tenure there, in 1995, he led the orchestra on a most successful tour
through Europe. His 1995, 1996 and 1998 recordings of Toru Takemitsu’s works have been highly praised. In
1995, he founded the Tokyo Mozart Players, an ensemble with which he performs regularly in Tokyo in the
concert hall and recording studio, and in 1997 he made his début as an opera conductor, continuing with an
operatic repertoire that ranges from Mozart to Zemlinsky. Known also as a pianist and as a composer, he has
developed a special interest in contemporary music and has introduced works by Górecki, Ligeti, Lutoslawski,
Berio, Dutilleux and Matthews to the Japanese public. His career continues with engagements with leading
orchestras in Japan and abroad. Ryusuke Numajiri currently bases his activities in both Tokyo and Berlin.
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Qunihico Hashimoto (1904-1949)
Sinfonie Nr. 1 · Sinfonische Suite „Das himmlische Mädchen und der Fischer“
Qunihico Hashimoto war einer der führenden
japanischen Komponisten in der ersten Hälfte des
zwanzigsten Jahrhunderts. Er besaß eine geradezu
chamäleonartige musikalische Verwandlungskunst und
beherrschte eine Vielfalt von Stilrichtungen. Neben
seinem kompositorischen Schaffen betätigte er sich
auch als Violinist, Klavierbegleiter, Dirigent und
Pädagoge. Hashimotos Karriere war allerdings durch
seine künstlerischen Aktivitäten während des Zweiten
Weltkriegs negativ belastet und fand durch sein
Krebsleiden ein tragisches, abruptes Ende.
Hashimoto wurde am 14. September 1904 in Tokio
geboren. Er wuchs in Osaka auf, wo er bereits im
Orchester der Grundschule westliche Musik kennen
lernte. Während seiner Gymnasialzeit studierte er
Violine bei Kichinosuke Tsuji, dem renommiertesten
Lehrer der Stadt, aber im Laufe der Zeit begann er sich
mehr und mehr für Komposition zu interessieren. 1923
ging er an die Musikschule in Tokio (der heutigen
Nationaluniversität Tokio für Bildende Künste und
Musik), ein Institut, das die besten Möglichkeiten für
ein Studium der abendländischen Musik bot. Dort
studierte Hashimoto jedoch hauptsächlich Violine und
Orchesterleitung, da Komposition erst ab Mitte der
1930er Jahre als Fach angeboten wurde.
Kompositionsstudenten mussten sich andernorts nach
Lehrern umsehen oder sich im Selbststudium fortbilden.
Mit Ausnahme gelegentlicher Unterrichtsstunden bei
Kiyoshi Nobutoki, der bei Georg Schumann in Berlin
studiert hatte, erlangte Hashimoto seine Fähigkeiten als
Komponist weitgehend ohne fremde Hilfe. Er war
darüber hinaus ein vorzüglicher Pianist.
Mit einer Vielzahl von Konzertliedern erlangte
Hashimoto in der zweiten Hälfte der 1920er Jahre
Bekanntheit. Seine Stücke Kabi und Hanmyo waren für
einen japanischen Komponisten geradezu epochal in
der Demonstration französischer impressionistischer
Harmonien. Chansons wie Okashi-to-Musume
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eroberten die Herzen der Stadtbevölkerung, die sich
nach der modernen Pariser Kultur sehnte. Einfache
volksliedartige Stücke wie Fujisan-Mitara und TaueUta ließen bei den Bewohnern der großen Metropolen,
die im Zuge einer sich in raschem Tempo vollziehenden
Urbanisierung gezwungen waren, vom Land in die
Stadt zu ziehen, Nostalgie und Heimweh aufkommen.
In Mai gelang es Hashimoto, eine japanische Variante
des Schönbergschen Sprechgesangs zu kreieren, indem
er den Joruri-Stil mit seiner Mischung aus Liedern und
Erzählung in einen normalen Gesangsstil mit
Klavierbegleitung übertrug. Die atonalen Elemente im
Klavierpart von Mai brachten ihm in Japan den Ruf
eines Avantgarde-Komponisten ein. Wie Kurt Weill in
Berlin versuchte Hashimoto in dieser Periode die
Grenzen zwischen klassischer und leichter Musik zu
durchbrechen, indem er intensiv an Songs für Film,
Werbung, Schallplatte und Rundfunk arbeitete.
Daneben schrieb er Jazz-Lieder, experimentierte mit
Alois Hábas mikrotonaler Musik, z.B. in seiner 1930
entstandenen Etüde für Violine und Violoncello, und
komponierte impressionistische Stücke für Klavier und
Orchester. Während er sich einerseits in dem Ruf eines
Enfant terrible gefiel, musste er andererseits einen
rigorosen Akademismus vertreten, nachdem er eine
Professur an der Tokioter Musikschule übernommen
hatte. Dieser Pflicht entledigte er sich mit großem
Können in seiner Kantate zur Feier der Geburt des
Prinzen von 1934, einem im deutschen romantischen
Stil des neunzehnten Jahrhunderts geschriebenen Stück.
Neben der Aufgabe, in seinen Kompositionen sowohl
die Moderne als auch die traditionelle akademische
Schule zu vertreten, war Hashimoto bis 1934 auch als
Violinist aktiv.
Von 1934 bis 1937 studierte er als Stipendiat des
japanischen Unterrichtsministeriums in Europa. In
Wien war Schönbergs Schüler Egon Wellesz sein
Lehrer, der mit ihm die Zukunft der Musik diskutierte.
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Hashimoto begeisterte sich für Alban Bergs Wozzeck
und besuchte Konzerte von Furtwängler, Toscanini,
Walter, Weingartner und Erich Kleiber. Er machte die
Bekanntschaft von Respighi, Alois Hába und Ernst
Kr̆enek und traf vor seiner Rückkehr nach Japan in Los
Angeles mit Schönberg zusammen.
In Japan ergab sich dann jedoch kaum eine
Möglichkeit, eine Karriere als freischaffender
Komponist der Moderne zu beginnen. Als Japan gegen
China in den Krieg zog, erwartete man von ihm
vielmehr nationalistische Anstrengungen, wie sie
Schostakowitsch etwa mit seinen Sinfonien Nr. 5 und 7
erbrachte. Was sich ihm dabei als unmittelbar hilfreich
erwies, waren nicht so sehr seine Kenntnisse der
Zweiten Wiener Schule, sondern die der von totalitären
Systemen dominierten deutschen und italienischen
Kultur. Er komponierte eine Sinfonie zur Feier des
2600. Kaiserjahres, eine den Gefallenen des japanischchinesischen Kriegs gewidmete Kantate sowie eine
Reihe von Kriegsliedern, u.a. das Lied der japanischen
Marine, das Lied des Dai Nippon, den Studenten-andie-Front Marsch und Wir sind siegreiche junge
Patrioten. Neben seiner kompositorischen Tätigkeit trat
er als Dirigent eigener und fremder Werke in Japan und
im besetzten Korea und China auf.
1945, nach Japans Kapitulation, verließ Hashimoto
seinen Posten an der Tokioter Musikschule und
übernahm mit diesem Rücktritt die Verantwortung für
seine musikalischen Aktivitäten während der
Kriegsjahre. In dieser schwierigen Periode seines
Lebens sollte er jedoch einige Meisterwerke
komponieren. In der Winter-Suite für Solostimme und
Kammermusikensemble beschreibt er die
Niedergeschlagenheit der Menschen nach dem Krieg,
während die Drei Gebete japanischer Buddhisten für
Solostimme und Orchester, die an die Musik Gustav
Mahlers erinnern, das tiefe Schuldgefühl der
Intellektuellen ausdrücken, mit ihrem Patriotismus
junge Menschen in den Tod geschickt zu haben. Doch
trotz allem erwartete man nach wie vor von ihm, sein
Land zu repräsentieren, und so komponierte er seine
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optimistische Sinfonie Nr. 2 anlässlich der mit Hilfe der
USA erarbeiteten neuen demokratischen Verfassung.
Nach dem Zweiten Weltkrieg setzte sich in Japan
eine total neue Werteordnung durch. Die andauernden
Anfeindungen, denen sich Hashimoto in diesen Jahren
ausgesetzt sah, griffen seine geistige und körperliche
Gesundheit an, und 1948 wurde bei ihm eine
Krebserkrankung diagnostiziert. Vor seinem Tod – er
starb am 6. Mai des darauf folgenden Jahres in
Kamakura – konvertierte er zum Christentum. Zu
seinen Schülern gehörten führende Persönlichkeiten der
musikalischen Nachkriegsszene Japans wie Yasushi
Akutagawa, Toshiro Mayuzumi und Akio Yashiro.
Hashimotos Sinfonie Nr. 1 D-Dur (1940) entstand
zur Feier des 2600. Jahres des Kaisers. Als die
Vereinigten Staaten von Amerika 1853 mit Japan
diplomatische und Handelsbeziehungen aufnahmen,
begann das Samurai-Regime, welches Japan
zweihundert Jahre lang von der restlichen Welt isoliert
hatte, allmählich in sich zusammenzubrechen, und 1868
erhielt Japan eine neue Regierung unter der Führung des
Kaisers, der bis dahin nur dem Titel nach
Staatsoberhaupt gewesen war. Die neue Regierung war
sich bewusst, dass Japan dem Westen in
wirtschaftlicher, politischer, militärischer und
wissenschaftlicher Hinsicht unterlegen war und betrieb
eine Modernisierung nach westlichem Muster, während
man sich gleichzeitig realisierte, dass ein solches
Eingeständnis von Japans Schwäche zu einem
Minderwertigkeitsgefühl in der Bevölkerung führen
könnte. Als Ausweg aus diesem Dilemma führte die
Regierung 1872 das Kaiserjahrsystem ein, nach dem die
Zählung mit dem Jahr 660 v. Chr. begann, als der erste
Kaiser Jinmu inthronisiert wurde, wie aus der NihonShoki-Chronik von 720 A.D. hervorgeht. Nach
moderner Geschichtsschreibung erfolgte die
Inthronisation des ersten Kaisers jedoch erst im vierten
Jahrhundert, also ca. eintausend Jahre später. Daran
schien sich die neue Regierung jedoch wenig zu stören:
wichtiger für sie war, dass nach ihrer Zählung Japan
nun auf eine um 660 Jahre ältere Geschichte als die des
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Abendlandes zurückblicken konnte, wodurch die eigene
Bevölkerung ihren historischen Stolz bewahren konnte
und sich dem Westen gegenüber nicht länger
minderwertig zu fühlen brauchte. Die neue Zählung
blieb bis 1945 in Kraft. Nach diesem Kalender fiel das
westliche Jahr 1940 in das japanische Kaiserjahr 2600.
In der Überzeugung, dass dies die beste Gelegenheit sei,
Japans Prestige in der Welt zu erhöhen, machte man
Pläne für Olympische Spiele und für eine
Weltausstellung in Tokio. Als diese Vorhaben wegen
des Krieges aufgegeben werden mussten, ließ die
Regierung sie zur Stärkung der Solidarität innerhalb der
Bevölkerung in ein großes nationales Festspielprojekt
einfließen. Alle Künste waren aufgerufen, einen Beitrag
zu liefern, und die Musik machte keine Ausnahme. An
fünf europäische Komponisten wurden Aufträge für
Festmusiken vergeben: Richard Strauss schrieb seine
Festmusik zur Feier des 2600-jährigen Bestehens des
Kaiserreiches Japan, Ibert komponierte eine Ouverture
de Fête, Pizzetti die Sinfonia in la, Veress bedankte sich
für den Auftrag mit seiner Sinfonie Nr. 1, und Britten
komponierte seine Sinfonia da Requiem für den Anlass.
Mit Ausnahme von Brittens Beitrag, den man für
unpassend hielt, gelangten alle Werke im Dezember in
Tokio zur Aufführung, wobei Hashimoto die VeressSinfonie dirigierte. Auch Festkompositionen von
japanischen Musikern wurden bei diesem Kulturfestival
aufgeführt: Kosçak Yamadas Oper Yoake und seine
sinfonische Dichtung Kamikaze, Kiyoshi Nobutokis
Kantate Kaido-Tosei, Yasuji Kiyoses Japanische TanzSuite und Fumio Hayasakas Ouvertüre D-Dur.
Hashimotos Sinfonie Nr. 1 entstand als
Auftragswerk für Kenkoku-Sai-Honbu, die Zentrale der
nationalen Festspielstiftung – eine Organisation, die
alljährlich zu Ehren des Kaisers eine Zeremonie am 11.
Februar veranstaltete, dem Nationalfeiertag
(Kigensetsu) zur Erinnerung an die Inthronisation des
ersten Kaisers. Das Werk wurde vom Orchester der
Musikschule Tokio unter der Leitung des Komponisten
uraufgeführt. Hashimoto musste in seiner Sinfonie
verschiedene Voraussetzungen erfüllen, vergleichbar
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etwa mit den offiziellen Anforderungen an die
sowjetischen Komponisten des sozialistischen
Realismus. Die Musik musste Optimismus ausstrahlen,
nationalen Charakter tragen und so umkompliziert sein,
dass sie von einem breiten Publikum verstanden werden
konnte; gleichzeitig sollte sie eine weit über ein
Gelegenheitswerk hinausgehende sinfonische
Großartigkeit besitzen. Hashimoto überwand diese
Schwierigkeiten und machte die Sinfonie zu einem
Meisterwerk der japanischen Musik. Er war ein
wandlungsfähiger Komponist, der eine Vielfalt von
Stilen beherrschte, aber in erster Linie war er – wie
diese Sinfonie beweist – ein lyrischer Melodiker.
Der erste Satz, Maestoso, steht in Sonatenform und
bedient sich des Emakimono-Konzepts, einer Art
Bildfolge mit eingestreuten erzählerischen Abschnitten.
Beginn- und Schlussteil der meisten Emakimonos
werden mit Stufeneffekten gemalt, was den Bildern
einen gewissen Nebeleffekt verleiht. Diese Technik
adaptiert Hashimoto sowohl für die Introduktion als
auch für den Epilog. In den panoramischen Klängen des
Zentralabschnitts beschwört der Komponist ein Japan
längst vergangener Zeiten. Die Introduktion beginnt mit
einem zarten Kanon in den ersten und zweiten Violinen.
Es handelt sich hier um eine Variante des Oibuki, einer
kanonischen Technik, die häufig am Beginn des
Gagaku, der traditionellen höfischen Musik Japans,
verwendet wird. Der Hauptteil schließt sich unmittelbar
an: ein elegant fließendes, aus einem Dreitonmotiv (DE-A) bestehendes Thema wird von der Violine
eingeführt. Während es an Intensität gewinnt, stellen
Oboe und Flöte das einsame zweite Thema vor, das auf
dem Miyako-Bushi (einer der traditionellen japanischen
pentatonischen Skalen) basiert und unüberhörbar von
der Vokaltechnik des vom Noh-Theater her bekannten
Utai-Stils beeinflusst ist. Dieses Thema wird zu einer
Gegenmelodie in den tieferen Streichern wiederholt.
Die kurze, aber intensive Durchführung ist von einem
festlichen Gestus geprägt und besteht aus verschiedenen
Episoden, einschließlich einem Kindermarsch mit
Trommelbegleitung
und
einer
Reihe
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aufeinanderfolgenden Blechattacken, nach denen die
Celesta allein zurückbleibt. In der Reprise kehren
Introduktion und Exposition in umgekehrter
Reihenfolge zurück. Das zweite Thema, mit der
Wiederholung des Dreitonmotivs durch die Harfe, geht
dem ersten Thema voraus und führt zu einem
großartigen hymnischen Aufschwung. Schließlich
kehren die Motive der Introduktion zurück und lassen
die Musik in einer feierlichen Sphäre der Vergangenheit
verklingen.
Der zweite Satz, in A-B-A-Form, besteht aus den
Abschnitten Allegretto, Scherzando und Allegretto. Der
A-Teil besteht aus Anklängen an die Musik des
südlichen Japan. Auf den Inseln des Südens, vor allem
in Okinawa, entstand durch kulturelle und
wirtschaftliche Beziehungen zu China und Südostasien
eine eigene Musik, die sich von der Musik der
Hauptinsel stark unterscheidet. Das gesangliche Thema
des A-Teils basiert auf einer von den südlichen Inseln
stammenden pentatonischen Leiter. Hashimoto lässt es,
wie in Ravels Boléro, in einem Crescendo ständig
wiederholen, bis es einen Höhepunkt erreicht, an dem
das Nohon-Daiko, eine große japanische Basstrommel,
erklingt. Der B-Teil verbreitet die Stimmung fröhlicher
Volkslieder, wie sie bei festlichen Anlässen auf der
Hauptinsel gesungen werden. Die Betonung auf dem
vierten Schlag unterstreicht die Tatsache, dass diese Art
von Volksliedern oft von Rufen wie ‚He-ho’ begleitet
werden.
Der dritte Satz besteht aus Thema, Variationen und
Fuge. Das Thema basiert auf dem Kigensetsu, einer Art
zweiter Nationalhymne, die von der ganzen Nation am
11. Februar gesungen wurde und sich damit
hervorragend für die Feier des 2600. Kaiserjahres
eignete. Diese Gagaku-ähnliche Hymne basiert auf drei
Tönen, D, E und A, aus denen auch das Motiv des
ersten Themas des ersten Satzes abgeleitet ist. Acht
Variationen folgen der Themenexposition. Die
wiegenliedartige erste Variation im 5/8-Takt, unisono
von Celesta und Harfe vorgetragen, entwickelt sich zu
einem kraftvollen Kanon, der die zweite Variation
11
bildet. Die dritte Variation besteht aus tröstender Musik
über einem sanften Streicher-Pizzicato. Die vierte ist
ein Tanz, dessen Thema an verschiedenen Stellen in der
Flöte erklingt. Eine kadenzähnliche Floskel in der
Klarinette leitet die gesangliche fünfte Variation ein,
während sich in der sechsten die positive Stimmung
eintrübt und zu einer wehmütigen siebten Variation
führt. Die würdevolle achte Variation dient als Vorspiel
zur anschließenden Tripelfuge mit ihrem vom
Kigensetsu und dem Dreitonmotiv abgeleiteten
Streicherthema, die diese lyrische Sinfonie zu einem
grandiosen Schluss führt.
Das himmlische Mädchen und der Fischer entstand,
bevor Hashimoto nach Europa ging. Es war seine vierte
orchestrale Ballettpartitur, der Haydrangea Otaxa, Die
Hexe Yaya (beide von 1927) und Yosida-Goten (1931)
vorausgingen. Diese vier Werke wurden alle für eine
Tänzerin des Nihon-Buyo geschrieben, obwohl sie den
Untertitel ‚Musik für Ballett’ tragen. Nihon-Buyo ist
eine der traditionellen, nach dem siebzehnten
Jahrhundert entstandenen Tanzformen und ähnelt
Kabuki und Geisha. Nach 1920 traten in diesem Genre
zahlreiche vom westlichen Ballett beeinflusste
Tänzerinnen auf. Sie zogen das Orchester und das
Klavier den traditionellen japanischen Instrumenten vor
und imitierten die choreographischen Methoden der
Ballets russes. Hashimoto war einer der bedeutendsten
Komponisten, der mit ihnen zusammenarbeitete. Das
himmlische Mädchen und der Fischer wurde für Sumi
Hanayagi I. komponiert und am 13. Oktober 1932 von
Sumi Hanayagi in der Rolle des himmlischen Mädchens
und San’nosuke Hanayagi als Fischer uraufgeführt. In
dieser Einspielung erklingt die vom Komponisten 1933
zusammengestellte Konzertsuite. Die Geschichte
basiert auf der von Generation zu Generation tradierten
Hagomoro-Legende, aus der das Noh-Schauspiel
Hagomoro entstand. Ein himmliches Mädchen steigt
zur Erde hinab. Ein irdischer Mann entwendet ihr den
Hagomoro (ein Zaubergewand, das ihr das Fliegen
ermöglicht). Sie heiraten, aber nach einigen Jahren
findet das Mädchen ihren Hagomoro und kehrt zum
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Himmel zurück.
Die Suite beginnt mit impressionistischer Musik,
die den Tagesanbruch beschreibt. Danach erklingt in
der Flöte das ruhige Thema des Fischers, aus dem sich
allmählich ein Rhythmus, das Aufwachen des Fischers
darstellend, herausbildet. Es folgt der Tanz der Fischer.
Am Ufer arbeiten, scherzen und streiten die Fischer,
begleitet
vom
japanischen
YotsudakeSchlagzeugrhythmus. Bald verschwinden sie, und nur
einer bleibt zurück (dargestellt vom Fagott). Auf dem
Zweig einer Pinie findet er einen Hagomoro und will
ihn mit nach Hause nehmen. Da erscheint (begleitet von
einer traurigen Violinmelodie) das himmlische
Mädchen und fleht ihn an, ihr den Hagomoro
zurückzugeben. Der Fischer verspricht es ihr unter der
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Bedingung, dass sie ihm einen himmlischen Tanz
vorführt. Die Solovioline spielt den eleganten und
zarten Tanz des himmlischen Mädchens. Der Fischer ist
von ihrem Tanz begeistert und gibt ihr den Hagomoro
zurück, worauf sie, begleitet von aufsteigenden
Violinfiguren, gen Himmel schwebt. Noch einmal
erklingt der Tanz des himmlischen Mädchens, danach
senkt sich der Vorhang. In diesem Werk vermischt
Hashimoto alte japanische Lieder und Tänze mit dem
Stil eines Dukas und Pierné.
Morihide Katayama
Deutsche Fassung: Bernd Delfs
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Playing Time
67:03
HASHIMOTO
(1904-1949)
Symphony No.1 in D major (1940)
46:25
3
4
5
6
7
8
9
0
!
@
Maestoso
Allegretto
Tema con variazioni e fuga: Moderato
Tema
Var. I
Var. II
Var. III
Var. IV
Var. V
Var. VI
Var. VII
Var. VIII
Fuga
16:20
11:06
19:00
1:47
0:43
0:48
0:53
0:33
2:08
1:24
2:03
3:25
5:15
#
$
%
^
&
*
(
Introduction
Dawn
Fishermen’s Dance
The Fisherman’s Solo Dance
The Fisherman and The Heavenly Maiden’s Dance
The Heavenly Maiden’s Dance
The Heavenly Maiden’s Ascent to Heaven
1
2
Symphonic Suite: Heavenly Maiden and Fisherman (1933)
20:38
1:10
2:23
5:10
1:02
4:00
4:39
2:13
Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra • Ryusuke Numajiri
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Recorded at Tokyo Metropolitan Art Space from 24th to 26th July, 2001
Producer: Peter Newble • Engineer: Tony Faulkner • Booklet Notes & Artistic Advisor: Morihide Katayama
Cover Painting: Reminiscence of the Tempo- Era by Takeji Fujishima
(Ishibashi Museum of Art, Ishibashi Foundation)
This recording has been recorded and edited at 24 bit resolution.
h & g 2003 HNH International Ltd.
Booklet notes in English • Kommentar auf Deutsch
Made in Canada
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HASHIMOTO: Symphony No. 1 • Heavenly Maiden and Fisherman
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www.naxos.com
NAXOS
DDD
HASHIMOTO: Symphony No. 1 • Heavenly Maiden and Fisherman
Qunihico
NAXOS
One of the leading Japanese composers in the first half of the twentieth century, Qunihico Hashimoto
studied with Egon Wellesz in Vienna and associated with Alois Hába and Ernst Křenek, before meeting
Schoenberg in Los Angeles when he was returning to Japan. His music reflects elements of late
romanticism, expressionism and impressionism, as well as of the traditional music of Japan. His
Symphony No.1 was written in celebration of the 2600th anniversary of the foundation of Japan, with a
first movement depicting the long history of the country, a second making insistent use of a folk-melody,
and a third consisting of variations and a fugue on material derived from a Gagaku-like ceremonial
song. The ballet music Heavenly Maiden and Fisherman is based on material from a Noh play.