Unconditional catalog

catalog #17
Pavelhaus | Pavlova hiša | pavel house
Unbedingt – Brezpogojno – Unconditional
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Walter Seidl
Unbedingt
Ausstellung | Exhibition | Razstava
Unbedingt
Brezpogojno
Unconditional
03 10 – 28 11 2009
Kurator | curator
Walter Seidl (A)
Künstlerinnen | artists | umetniki
Natalija Ribović (SRB/D/JP)
Toru Fujita (JP)
In ihren gemeinsamen Installationen verhandeln
Natalija Ribović und Toru Fujita unterschiedliche
kulturelle Kontexte, deren sprachliche Besonderheiten und mögliche Übersetzungsstrategien in
einer erweiterten Ost-Westdialektik. Ein wesentliches Merkmal ihrer Arbeiten ist ein spielerischer
Umgang mit Realität, der sich als bricolage im
postmodernen Sinn versteht und Elemente des
Alltags mit fiktionalen Momenten auflädt, die
meist als medienübergreifendes Gesamtkunstwerk die Räume füllen. Unterschiedliche kulturelle Versatzstücke werden mit poetischen Ansätzen verbunden und in einen Zusammenhang
gebracht, der eine Narrationskette von persönlichen, alltagsrelevanten aber auch utopischen
Szenarien darstellt.
Ribović verwendet vor allem in ihren Zeichnungen
einen sehr poetischen Ansatz, der ihre serbische
bzw. ruthenische Herkunft mit ihrer deutschen
Staatsbürgerschaft und dem aktuellen Wohnsitz in Tokio verbindet. Mythische Gestalten aus
Ribović’ Kindheit und dem Universum werden mit
japanischen Figuren verbunden, wodurch sich
Tradition und globaler Popkulturtransfer gleichzeitig einstellen. Das Überschreiten kultureller
und geografischer Grenzen vermischt sich in
Ribović’ Zeichnungen, in denen meist sehr bunte
Charaktere in allegorische Verhältnismäßigkeiten
treten. Geschichten aus Alltag und Mythologie
treffen Aussagen über Lebensmodelle und deren
Schicksale, die jedoch durch den zeichnerischspielerischen Ansatz überwunden zu sein scheinen. Als Gegenpol dazu dient das sehr abstrakt
gehaltene Video The Show Must Go On, in dem
Ribović in Art des japanischen Nō Theaters performativ ins Bild tritt. Gesänge und Schreie bestimmen das Geschehen, in dem die Künstlerin in
japanisch anmutender, minimaler Kleidung und
tänzerischer Gestik eine andersartige Methode
der Erzählung forciert. Die stilisierten Gebärden,
die auch im Nō eine wesentliche Rolle spielen,
machen auf den eigentlichen Gehalt des Tanzes
aufmerksam und fordern eine Konzentrierung auf
dessen Wesen, etwa ein Schamanen- oder Frauentanz. Letzteres verbindet den sich im Video offenbarenden mythologischen Raum mit jenem in
den Zeichnungen und bezeugt die gleichwertige
Gültigkeit unterschiedlicher Ausdrucksformen
hinsichtlich deren Inhalts- und Aussagekraft.
Die Fragen, die die von Ribović und Fujita inszenierten Raumkonstellationen aufwerfen, kreuzen
unterschiedliche Lebenswelten, die an ärmliche
Verhältnisse im ländlichen Serbien ebenso anknüpfen wie den Professionalitätsgedanken des
japanischen Alltagslebens, in dem gesellschaftliches Versagen öffentlich nicht thematisiert wird.
Die hier entstehenden, konterkarierenden Welten
werden in einer Synthese zusammen geführt,
die jenen postmodernen Anything Goes Ansatz
in sich tragen und explizit divergierende Sozialitätsmuster miteinander verbinden, in denen sich
vermeintliche Widersprüche aufzuheben scheinen. Subversiv werden hier Elemente osteuropäischer Kulturtradition, etwa kyrillische Letter in
ein homogen wirkendes Japanbild der Bilder eingeführt und die Politik ubiquitärer Medien(kunst)
bilder hinterfragt. Die Sprach- und Bildelemente
sind daher selten in ihrer Gesamtheit für alle BetrachterInnen erfahrbar, da dies ein polyglottes
Lebensmodell bedingen würde, das nur schwer
zu bewerkstelligen ist. Dennoch wird das Unmöglich-Mögliche auf einer künstlerischen Ebene verhandelt – die überwiegend gemeinsame
Kommunikationssprache von Ribović und Fujita
ist übrigens deutsch, dieses mündet jedoch mal
ins Japanische und mal ins Serbische – vom
Englischen ganz abgesehen. Aus dieser linguistischen und von der Sozialisation der beiden
KünstlerInnen abgeleiteten Situation divergieren
auch die Elemente der Installationen, die von japanisch orientierten Nō-Theater Performances
bis zu traditionell Balkan-artigen Szenarien reichen. Die Ausstellungsinstallation im Pavelhaus
fordert somit nach einer Gleichberechtigung
unterschiedlicher ästhetischer als auch im Mainstream-Alltag verankerter Werte, die allesamt
einem demokratischen Lebensansatz folgen, der
einen Pluralismus an Möglichkeiten eröffnet und
unilaterale Denkansätze ablehnt. Die Unbedingtheit der geforderten Welten zeigt sich in einer
Vielschichtigkeit der Erzählstränge, die gegenwärtige Entwicklungen und zukunftsorientierte
Modelle miteinander verschränken.
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Walter Seidl
Brezpogojno
Ribović’ und Fujitas Installation im Pavelhaus verknüpft Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft in
einem Utopie-geladenen, Cartoon-artigen Szenario, das ebenso in der japanischen Manga Tradition gelesen werden kann, sowie hinsichtlich
jener Themen, die gleichgültig-gültige Identitätsmixe hervorkehren. Hierbei treffen drei Figuren
immer wieder aufeinander: die Großmutter als
Vertreterin der Natur, Giovanna als Vertreterin
des Kosmos und ein schwarzer Pop-Vinyl-Hase –
japanisch „Usagi“ – als Vertreter der Technologie.
Welche Gültigkeit besitzen die drei Kunstfiguren
als VertreterInnen universeller Momente, die im
Sinne des Leitmotivs des steirischen Herbstes
Fragen nach „Gleichberechtigung, Achtung vor
anderen kulturellen Werten, Lebensformen und
Kulturen, das Zurückstecken nur eigener Interessen, als soziales Anliegen, als Utopie, ebenso
wie als Alltagsforderung“ stellen? Diesen Fragen
gehen die Figuren vorwiegend in den Zeichnungen nach, indem sie auf die Komplexität der
drei Grundfunktionen rekurrieren: Natur als physikalisch biologistische Konstante, Kosmos als
nicht Erd-gebundene, extra-terrestrische Ebene
sowie Technologie, mithilfe der der Mensch versucht, die beiden vorangehenden Ebenen in Einklang zu bringen und auf sie Einfluss auszuüben.
Technologie gilt dabei stets als jenes Moment,
mit dem versucht wird, Zukunftsgedanken durch
menschlichen Fortschritt einzuholen und diese
mittels neuer Produktionstechniken und Verfahrensweisen zu etablieren. Der schwarze Vinylhase, Usagi, dient als Beispiel für ein surrealistisch anmutendes Szenario, in dem eine mehrere
Meter breite, mit höchster Präzision angefertigte
Plastikskulptur den Raum dominiert. Zunächst ist
es schwer, die Skulptur in ihrem Wesen auszumachen, jedoch lässt sich dieses bei genauerer Umgehung immer deutlicher erkennen. Es werden
Anlehnungen an Jeff Koons’ überdimensionale
Plastiken spürbar, jedoch handelt es sich hier
um kein Popidol oder Statussymbol, sondern um
jene Figur, die in Ribović’ und Fujitas Kunst eine
zentrale Rolle einnimmt. Spürbar ist auf jeden
Fall auch jenes japanische Überlegenheitsprinzip
hinsichtlich der technologischen Umsetzungsmöglichkeiten, das die westliche Welt spätestens
seit den 1980er Jahren kennt. Durch das Verbot
der Ein- und Ausreise für JapanerInnen und AusländerInnen während der Edo-Zeit von 1603 bis
1867 gelang es Japan mit Ende dieses Verbotes
und dem Beginn der Moderne ab 1868 innerhalb
eines Jahrhunderts sämtliche westliche Errungenschaften in unterschiedlichen Bereichen
aufzunehmen, diese aber noch weiter zu entwickeln und schließlich mit japanischem Perfektionsdrang zu elaborieren, was gegenwärtig innerhalb der japanischen Gesellschaft ein enormes
Stress- und Konfliktpotential erzeugt. Zahlreiche
Versuche der japanischen Pop-Kultur, in extreme
Welten abzudriften, die teilweise infantil behaftet
sind, bezeugen jenen Ausbruch aus der Realität
des harten Alltagslebens. Ribović’ und Fujitas
Welten starten ebenso in der Kindheit, jedoch
auch aufgrund der unterschiedlichen Herkunftsländer und Welten, die teilweise nur mehr schemenhaft zu erkennen sind. In diesem Sinn nimmt
die Großmutter einen wesentlichen Teil ein, der
für Erinnerung und kulturelles Gedächtnis steht,
während Giovanna und der Usagi die gegenwärtige Welt in Richtung Zukunft lenken.
In ihrer Installation Unbedingt verwendet das
KünstlerInnenduo unterschiedliche Materialien,
Zeichnung, Video und Sound sowie jenen überdimensionalen schwarzen Usagi, der den Raum
buchstäblich zu sprengen droht und auf einem
fliegenden Teppich bestehend aus buntem Vinylklebeband zu entkommen versucht. Diese Geste setzt sich bewusst mit Japan als Inselstaat
auseinander, der nur die natürliche Grenze des
Meeres kennt und deshalb auch Jahrhunderte
lang vom Rest der Welt abgeschottet bleiben
konnte, da im Gegensatz zu Europa nicht in Abständen von wenigen hundert Kilometer neue
Landes- und Staatsgrenzen existieren. Andererseits verweist der fliegende Teppich auch auf
osteuropäische Mythologiewelten, die hier zur
Sprache gebracht werden. Dies geschieht visuell
als auch akustisch, indem Musik aus dem Balkan
aus dem Off ertönt und kyrillische Letter an der
Wand zu sehen sind. Am Ende des Raumes findet sich der Hase schließlich in einem Video wieder, in dem er die serbische Großmutter in Novi
Sad besucht. Die materialgeladene Szenerie, die
im Ausstellungsraum skizziert wird, lädt zu Re-
flektionen über die Überschreitungen von Raum
in einem geografischen und mentalen Sinn ein,
die voll von Widersprüchen, Angst aber auch von
träumerischen Momenten sein können und in der
Installation in Harmonie gebracht werden. Zahlreiche künstlerische Versatzstücke in der Ausstellung bieten die Möglichkeit, sich Gedanken
über unterschiedliche Formen der Koexistenz
zu machen, die auch als performatives Element
die Installation begleitet und nach dem kulturell
Gleichen ebenso wie dem Anderen fragen - und
welche Differenzierungsmöglichkeiten uns in Bezug auf diese Fragestellungen überhaupt noch
zur Verfügung stehen.
V skupnih instalacijah obravnavata Natalija Ribović in Toru Fujita različne kulturne kontekste,
njihove jezikovne posebnosti in možne strategije
prevajanja v razširjeni dialektiki vzhoda in zahoda. Bistvena značilnost njunega dela je igrivo
občevanje z realnostjo, ki se razume kot bricolage v postmodernem smislu in elemente vsakdana napolni s fikcionalnimi momenti, ki polnijo
prostore večinoma kot medijsko prehajajoča
celostna umetnina. Različne kulturne kulise se
povezujejo s poetičnimi zasnovami in so postavljene v kontekst, ki predstavlja narativno verigo
osebnih, vsakdanje pomembnih pa tudi utopičnih
scenarijev.
Natalija Ribović uporablja predvsem v svojih risbah zelo poetično zasnovo, ki povezuje njen srbski oz. rusinski izvor z nemškim državljanstvom in
aktualnim bivališčem v Tokiu. Mistični liki iz njenega otroštva in univerzumase povezujejo z japonskimi figurami, s čimer sta tradicija in globalni
popkulturni transver v sočasju. Prehajanje kulturnih in geografskih meja se meša v njenih risbah,
v katerih večinoma nastopajo zelo pisani značaji
in alegorične sorazmernosti. Zgodbe iz vsakdana
in mitologije srečajo izjave o življenjskih vzorcih in
njihovih usodah, ki pa skozi risarsko-igriv pristop
izgledajo kot premoščene. Kot nasprotni pol k
temu služi zelo abstrakten video The Show Must
Go On, v katerem se Ribovićeva pojavi performativno v načinu japonskega teatra Nō. Petje in kričanje določajo dogajanje, v katerem umetnica v
dozdevno japonski, minimalistični obleki in plesni
gestiki forsira drugačno metodo pripovedi. Stilizirane kretnje, ki igrajo tudi v Nō bistveno vlogo,
usmerijo pozornost na dejansko vsebino plesa in
zahtevajo koncentracijo na njegovo bistvo, morda šamanski ali ženski ples. Slednji združuje v videu razodet mitološki prostor s tistim v risbah in
dokazuje enakovredno veljavo različnih izraznih
oblik glede na vsebinsko in sporočilno moč.
Vprašanja, ki jih sprožajo inscenirane prostorske
instalacije Natalije Ribović in Toru Fujita, križajo različne življenjske svetove, ki se navezujejo
tako na revne razmere v podeželski Srbiji kot na
poklicno mišljenje japonskega vsakdana, katerega družbeni neuspeh se v javnosti ne temati-
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Walter Seidl
Unconditional
zira. Tukaj nastajajoči, nasprotujoči si svetovi se
povezujejo v sintezo, ki jo nosi v sebi tisti postmoderni zasnutek Anything Goes, v katerem se
domnevna protislovja izničijo. Subverzivno so
tukaj elementi vzhodnoevropske kulturne tradicije, kot cirilica, vstavljeni v homogeno delujoč
japonski pogled slik in gledajo v ozadje ubikvitarne medijsko(umetniške) politike. Jezikovni in
slikovni elementi so zato redko doživeti v svoji
celoti za vse opazovalce, saj pogojujejo poliglotski življenjski model, ki ga je le težko doseči.
Vendarle je nemogoče-mogoče obravnavano na
umetniškem nivoju – prevladujoč skupni komunikacijski jezik Natalije Ribović in Toru Fujita je sicer nemščina, ki pa včasih preide v japonščino in
včasih srbščino – če odmislimo angleščino. Iz te
lingvistične in iz socializacije obeh umetnic izpeljane situacije divergirajo tudi elementi instalacij,
ki segajo od japonsko orientiranih performansev
teatra Nō do tradicionalno balkanskih scenarijev.
Razstavna instalacija v Pavlovi hiši terja torej po
enakopravnosti estetskih kot tudi v vsakdanu
mainstreama zasidranih vrednot, ki skupaj sledijo
demokratičnemu življenjskemu vzorcu, ki odpira
en pluralizem možnosti in odklanja unilateralne
miselne vzorce. Brezpogojnost zahtevanih svetov se kaže v mnogoplastnosti pripovedne striktnosti, ki pričujoč razvoj in modele, usmerjene v
prihodnost, drugega z drugim prekriža.
Instalacija Natalije Ribović in Toru Fujita v Pavlovi
hiši povezuje preteklost, sedanjost in prihodnost
v utopično nabit, risanki podoben scenarij, ki ga
je mogoče videti v japonski tradiciji Manga, kot
tudi glede na tiste teme, ki poudarjajo ravnodušne-veljavne identitetne mešanice. Pri tem se vedno znova srečajo tri figure: babica kot predstavnica narave, Giovanna kot predstavnica kozmosa
in črn pop-plastični-zajec – po japonsko „Usagi“
– kot predstavnik tehnologije. Kakšno veljavnost
imajo te tri umetniške figure kot predstavnice univerzalnih momentov, ki v smislu vodilnega motiva
Štajerske jeseni postavljajo vprašanja o „enakopravnosti, spoštovanju drugačnih kulturnih vrednot, življenjskih oblik in kultur, odmikanju od le
lastnih interesov, kot socialne potrebe, kot utopije, prav tako kot zahtev vsakdana“? Ta vprašanja sledijo figuram pretežno v risbah, tako da se
navezujejo na kompleksnost treh osnovnih funkcij: narave kot fizikalne biologistične konstante,
kozmosa kot nenavezanega na zemljo, ekstra-terestičnega nivoja kot tudi tehnologije, ob pomoči
katere poskuša človek oba prejšnja nivoja spraviti v soglasje in nanju vršiti vpliv. Tehnologija velja
pri tem kot tisti moment, s katerim se poskuša
ujeti zamisli prihodnosti skozi človeški napredek
in te uveljaviti ob pomoči novih produkcijskih tehnologij in postopkov. Črni plastični zajec, Usagi,
služi kot primer za surrealistično domnevni scenarij, s tem, da kot več metrov široka, s skrajno
preciznostjo izdelana plastična skulptura dominira prostor. Sprva je težko odkriti skulpturo
v njenem bistvu, toda ob natančnem obhodu jo
je mogoče vedno bolje prepoznati. Občutiti je
naslonitev na predimenzionirane plastike Jeffa
Koonsa, vendar tukaj ne gre za pop-idol ali statusni simbol, temveč za tisto figuro, ki v umetnosti
Natalije Ribović in Toru Fujita zavzema centralno
vlogo. Zaznati je vsekakor tudi japonsko nadmoč
glede na tehnološke možnosti izvedbe, ki jo zahodni svet pozna najkasneje od 80. let. Skozi prepoved vstopa in izstopa za Japonce in tujce med
obdobjem Edo od 1603 do 1867 je uspelo Japonski s koncem prepovedi in z začetkom moderne
od 1868 v roku enega stoletja vsrkati vse zahodne pridobitve na različnih področjih, le-te pa še
naprej razviti in jih končno elaborirati z japonsko
potrebo po popolnosti, kar sedaj povzroča znotraj japonske družbe enormen stresni in konfliktni
potencial. Številni poskusi japonske pop-kulture
izgubiti smer v ekstremnih svetovih, ki so deloma
infantilno obremenjeni, dokazujejo pobeg iz realnosti trdega vsakdana. Svetovi Natalije Ribović
in Toru Fujita štartajo prav tako v otroštvu, toda
na podlagi različnih dežel izvora in svetov, ki jih je
deloma prepoznati le še v obrisih. V tem smislu
zavzema babica bistven del, ki predstavlja pomnjenje in kulturni spomin, medtem ko Giovanna
in Usagi sedanji svet usmerjata v prihodnost.
V svoji instalaciji Brezpogojno uporablja umetniški duo različne materiale, risbe, video in zvok
kot tudi predimenzioniranega črnega Usagija, ki
dobesedno grozi, da bo razgnal prostor in poskušal zbežati na letečem tepihu iz plastičnih
lepilnih trakov. Ta gesta se zavestno ukvarja z
Japonsko kot otoško deželo, ki pozna le naravno
mejo morja in je lahko zato stoletja ostala izolirana pred ostalim svetom, v nasprotju z Evropo,
kjer v razdaljah nekaj sto metrov obstajajo nove
deželne in državne meje. Po drugi strani opozarja
leteči tepih tudi na vzhodnoevropske mitološke
svetove, ki jih je tu potrebno omeniti. To se zgodi vizualno kot tudi akustično, tako da glasba iz
Balkana doni iz ozadja in je cirilica vidna na steni.
Na koncu prostora se ponovno pokaže zajec v
videu, na obisku pri babici v Novem Sadu. Materialno nabita scenerija, skicirana v razstavnem
prostoru, vabi k refleksijam o prekoračitvi prostora v geografskem in mentalnem smislu, ki so
lahko polne protislovja, strahu, pa tudi sanjavih
momentov in so v instalaciji v harmoniji. Številne
umetniške kulise na razstavi ponujajo možnost
misliti o različnih oblikah koeksistence, ki tudi kot
performativni element spremljajo instalacijo in
sprašujejo tako po kulturno enakih kot drugačnih
– in kakšne možnosti diferenciacije so nam glede
na ta vprašanja sploh še na voljo.
In their collaborative installations, Natalija
Ribović and Toru Fujita take on various cultural
contexts and their corresponding linguistic peculiarities and possible translation strategies as
part of an expanded East-West dialectic. A central feature of their work is a playful way of dealing with reality, understood as a sort of bricolage
in a postmodern sense; they invest everyday elements with fictional aspects which typically fill
spaces as multimedia total works of art. Poetic
approaches are used to bring together and relate
to one another various cultural bits and pieces,
so as to represent a narrative chain of personal,
everyday-relevant and even utopian scenarios.
It is in her drawings, above all, that Ribović uses
a highly poetic approach to connect her Serbian
and Ruthenian roots with her German citizenship
and her current home of Tokyo. Mythical figures
from Ribović’s childhood and from the cosmos
at large are linked to Japanese figures, simultaneously invoking both tradition and the global
transfer of pop culture. Cultural and geographic
borders are crossed in Ribović’s drawings, giving
rise to a mixed and typically very colorful cast of
characters who take up allegorical relationships.
Stories from everyday life and mythology meet
up with statements about life models and their
fates-fates, which seem to be overcome, however, by the strategy of creating playful drawings.
The antithesis to this is represented by the very
abstract video The Show Must Go On, in which
Ribović herself performs in the style of Japanese Nō Theater. Sung passages and screams
determine the action, in which the artist-dressed
in Japanese-seeming, minimalistic clothing and
using dance-like gestures-forces a different kind
of narrative method. Her stylized gestures, which
also play an important role in Nō itself, draw
one’s attention to the actual content of the dance
and focus one’s concentration on its essential
character, which might be that of a shaman’s or
women’s dance. The latter connects the mythological space revealed in the video to that of the
drawings, testifying to the equal validity of various forms in terms of their content and expressivity.
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The questions evoked by the spatial constellations created by Ribović and Fujita combine different realms of experience, having to do both
with impoverished living conditions in rural Serbia and with the idea of professionalism inherent in Japanese everyday life, in which societal
failure is not discussed openly. The contradictory worlds created here are brought together in
a synthesis imbued with that postmodern “anything goes” approach, explicitly connecting divergent patterns of sociality in which supposed
contradictions seem to be negated. Elements
of Eastern European cultural tradition such as
Cyrillic lettering are introduced subversively
into a seemingly homogenous image of Japan
presented by the pictures, and the politics of
ubiquitous media (art) images is questioned. The
linguistic and pictorial elements, therefore, can
seldom be experienced by all observers in their
totality, since this would require a polyglot lifemodel that is quite difficult to put into practice.
Even so, the impossibly possible is dealt with
on the artistic level-the main mutual language
of communication used by Ribović and Fujita is
German, by the way, but this occasionally gives
way to Japanese or Serbian, as well as to English.
It is in accordance with this linguistic constellation, as well as with the two artists’ respective
socializations, that the elements of the installation also diverge-they range from Japaneseoriented Nō theater performances to traditional
Balkan scenarios. The installation created for the
exhibition at the Pavel House thus proposes the
equality of the most disparate aesthetic values
and values anchored in mainstream everyday life,
all of which follow a democratic approach to life
which opens up a pluralism of possibilities and
rejects unilateral approaches to thought. The unconditionality of the proposed worlds is shown in
the multi-layered nature of the narrative strands,
which weave together current developments and
future-oriented models.
Ribović’s and Fujita’s installation at the Pavel
House connects the past, the present and the
future in a highly utopian, cartoon-like scenario
which can be read equally well both in the Japanese manga tradition and with regard to those
themes having to do with indiscriminately valid
identity mixes. In the process, three figures meet
up again and again: the “Grandmother” as a
representative of nature, “Giovanna” as a representative of the cosmos, and a black, pop-art
rabbit made of vinyl-called “Usagi” in Japaneseas a representative of technology. What validity do these three artificial figures possess as
representatives of universal concepts, which
pose questions-in keeping with the motto of the
steirischer herbst festival-as to “equal rights, respect for other cultural values, ways of life and
cultures, making concessions regarding purely
self-serving interests, as social a mission, as
a utopia, and as an everyday demand?” These
questions are pursued by the figures mainly
in the drawings, in which they refer back to the
complexity of the three basic functions: nature
as a physical and biological constant, cosmos
as a non-earthbound, extraterrestrial level, and
technology, which humans use in their attempt to
both reconcile and influence the two preceding
levels. In doing so, technology is always the factor via which the attempt is made to use human
progress to catch up with ideas about the future,
establishing these via new production techniques
and processes. The black vinyl rabbit, Usagi,
serves as an example of a seemingly surreal scenario in which a plastic sculpture, several meters
wide and made with the highest degree of precision, dominates the room. At first it is difficult
to grasp the essence of the sculpture, but this
essence can be recognized with more and more
clarity as one walks around it. One gradually becomes aware of references to Jeff Koons’ oversized sculptures, although what we have here
is not a pop idol or a status symbol, but rather
that figure that claims a central role in Ribović’s
and Fujita’s art. One certainly also senses that
Japanese principle of superiority with regard to
technological means of execution, an idea with
which the Western world has been familiar since
the 1980s. Due to the ban on emigration and immigration for Japanese and foreigners during the
Edo era from 1603 to 1867, it was only after this
ban was lifted and with the attendant onset of
modernism in 1868 that Japan (successfully) absorbed the West’s achievements in all manner of
areas within a mere century; these they then proceeded to develop further, eventually elaborating
them with typically Japanese perfectionism and
finally giving rise to the currently high potential
for stress and conflict in Japanese society. Numerous attempts within the realm of Japanese
popular culture to drift off into extreme worlds,
some of them quite infantile in nature, bear witness to a need to break out of the hard realities
of everyday life. Ribović’s and Fujita’s worlds are
likewise rooted in childhood, not least due to the
artists’ different countries and worlds of origin,
some aspects of which can be recognized only
as traces. In this sense, the Grandmother claims
a significant amount of space for her representation of remembering and of cultural memory,
while Giovanna and the Usagi guide the presentday world towards the future.
In their installation Unbedingt, the two artists
use various materials, drawing, video and sound,
as well as that outsized, black Usagi who, while
quite literally threatening to explode the room,
attempts to escape on a flying carpet made of
colorful vinyl tape. This gesture is a conscious
reference to Japan‘s being an island nation. It
was able to remain isolated from the rest of the
world for centuries since, unlike in Europe, there
were no provincial and national borders every few
hundred kilometers-Japan knew only the natural
borders formed by the ocean. On the other hand,
the flying carpet also refers to the Eastern European worlds of mythology, which are addressed
here. This takes place both visually and acoustically, with music from the Balkans playing offstage and Cyrillic lettering visible on the wall. At
the end of the room, the rabbit finally reappears
in a video in which it pays a visit to the Serbian
grandmother in Novi Sad. The material-laden
scenery sketched out in the exhibition space invites one to reflect upon the transcendence of
space in a geographic and mental sense, a sort
of transcendence that can be full of contradictions and fear, but also of dreamy elements. The
installation brings all this into harmony. The numerous artistic bits and pieces employed in this
exhibition present an opportunity to muse about
various forms of coexistence, an opportunity
which also inhabits the installation’s performative elements and gives rise to questions as to
the culturally “same” and “different”-and as to
what avenues of differentiation regarding these
questions are still available to us at all.
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Natalija Ribović (SRB/D/JP) or Toru Fujita (JP)
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Natalija Ribović (SRB/D/JP) or Toru Fujita (JP)
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Natalija Ribović (SRB/D/JP) or Toru Fujita (JP)
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Natalija Ribovic
1976, geboren in Novi Sad/Vojvodina/Serbien
lebt und arbeitet zwischen Japan und Europa.
Visual Media Earth-ist Gründer von OAK – to all
relations/art cultural platform Tokyo
Aussbildung:
2005-2006
CCA- Center for Contemporary Art Kitakyushu,
research program, Japan
2003-2004
Politecnico di Milano, Facolta di Architettura e
Societa, Mailand 2000-2005
Universität fuer Angewandte Kunst, Visuelle
Mediengestaltung, Wien/Prof. Brigitte Kowanz 1995-1998
Deutsche Meisterschule für Mode und- Kommunikations Design, München
Ausstellungen:
2009/ 27. Juli
POWWOW-aeaa/ RECK GO TO AFRICA, Tokyo
Big Site fair, Tokio 2009/ 8. August TOUCH THE
TRUTH, Aichi Art Center, Nagoya 2009/ 3. Oktober UNBEDINGT, Steierischer Herbst- Pavel
Haus- Pavlova Hiza, Radkesburg/ Laafeld VERSCHWINDICHKEIT, Galerie Zweigstelle, Berlin
2008
DO MORE WITH LESS, Spiral space
Omotesando,Tokio SIRKUS, Icelandic Pavillion, Art Frieze Fair, London THIS IS A CIRCLE,
Dvergur Gallery, Reykjavik YES-NO Denkmal
PIKADON, Hiroshima Strassenbahn Galerie in
Potsdam, Brandenburg OCTO_HASI, H2- Zentrum fuer Zeitgenoessische Kunst im Glaspalast, Kunstsammlungen Augsburg TWINS Cow
Parade- Tokyo, Marunochi & Otemachi Public
Space, Tokio OCTO_HASI BALKAN PICNIC, Tokyo Wonder Site, Center of Contemporary Art,
Tokio POWWOW-aeaa, “Earth Kids Movement”
/ 7 Nature Usagi, The North Face Cultural Plat-
form, Tokio (Workshop and Installation in Fukuoka, Sapporo, Fujiyama, Tokio, Nagano) COMMUNICATION TOOL ANIMALI & AMORPH, public
space Tama House, Tokio
2007
Kunstförderpreis der Stadt Augsburg 2007 im
Bereich: Bildende Kunst
TOPOSCAPES, Pavel Haus- Pavlova Hiza, Radkersburg, Oesterreich-Slowenien SUNDAY IS
MONDAY, Herrmann & Wagner Galerie, Open
Studio, Berlin PIKADON Tokyo-Berlin project, im
Kultur-Rahmen der Asian Pazifik-Wochen, Japan
Now und OAK-to all relations, Berlin-Tokio KOKORO MUSCLE, Ono -Gallery Ginza, Tokio
Toru Fujita
1973, geboren in Tokio/Japan lebt und arbeitet
zwischen Japan und Europa
Cultural Intergrator und Earth-ist Gruender von
OAK - to all relations/art cultural platform Tokyo
Aussbildung:
1994 Tamagawa University- Tokyo- art education
& International cultural relation, Tokio
Ausstellungen:
2009/ 27. Juli
POWWOW-aeaa/ RECK GO TO AFRICA, Tokyo
Big Site fair, Tokio 2009/ 8. August TOUCH THE
TRUTH, Aichi Art Center, Nagoya 2009/ 3. Oktober UNBEDINGT, Steierischer Herbst- Pavel
Haus- Pavlova Hiza, Radkesburg/ Laafeld VERSCHWINDICHKEIT, Galerie Zweigstelle, Berlin
2008
THIS IS A CIRCLE, Dvergur Gallery, Reykjavik YES-NO Denkmal PIKADON, mobility train
Potsdam, Brandenburg TWINS Cow Parade- Tokyo, Marunochi & Otemachi public space, Tokio POWWOW-aeea, „Earth Kids Movement“,
Project co-producer, The North Face-cultural
Platform, Tokio (Workshop and Installation in Fukuoka, Sapporo, Fujiyama, Nagano, Tokyo, Aug-
sburg, Reykjavik) OCTO_HASI BALKAN PICNIC,
Tokyo Wonder Site -Hongo, Center of Contemporary Art, Tokio
2007
TOPOSCAPES group exhibition, curated by
Marina Grzinic, Walter Seidl, Pavel Haus, Radkersburg, Oesterreich- Sowenien PIKADONTOKYO-BERLIN Project in kollaboration mit
Asien Pazifik-Wochen and Japan Now, Seitaro
Kuroda,Toshinori Kondo und OAK-to-all-relations
Berlin-Tokio SUNDAY IS MONDAY, Herrmann
&Wagner Open Studio Gallery,Berlin
2006
END AND, installation exhibition, Ikebukuro Triennale Tokio SHIODOME ART VILLAGE, drawing
installation, Tokio WENN ICH WUESSTE WORAN
DAS LIEGT (Si yo supiera a que se debea) with Cristina Martin Lara by Centroguerrero Gallery, Granada LUCKY HILL drawing -performance ceremony,
The north face & Gas, Fukuoka OAK - to all relations, art cultural platform, Tokyo- Berlin Projects
Walter Seidl
Walter Seidl was born in Graz, Austria, in 1973,
and is based in Vienna. He works as a curator,
art critic and artist. As an art critic, Seidl writes
for various international art magazines such as
Camera Austria, contemporary, springerin or
Život umjetnosti. His curatorial work has included
projects in Austria, Bulgaria, Germany, Hungary,
Serbia, Slovakia, Slovenia, Hong Kong, and the
US. Since 2004, Seidl has been building up the
art collection of Erste Bank Group.
Walter Seidl wurde 1973 in Graz geboren. Diverse
kuratorielle Ausstellungsprojekte in Österreich,
Bulgarien, Deutschland, Hongkong, Serbien, der
Slowakei, Slowenien, Ungarn und den USA. Seidl
publiziert regelmäßig in österreichischen und
internationalen Kunstzeitschriften wie Camera
Austria, contemporary, springerin oder Život umjetnosti. Seit 2004 betreut er die Kunstsammlung
der Erste Bank-Gruppe. Der Autor, Kurator und
Künstler lebt in Wien.
ISBN ??????
Pavelhaus | Pavlova hiša | pavel house
Published by:
Elisabeth Arlt, Susanne Weitlaner &
Michael Petrowitsch
Pavelhaus | Pavlova hiša | pavel house
Laafeld/Potrna 30
8490 Radkersburg-Umgebung, Austria
[email protected]
www.pavelhaus.at
© 2009
Koproduktion steirischer herbst,
Koproduktionspartner
ENGLISH LANGUAGE EDITING:
Christopher Roth
Design:
Roman Klug – 2.U.S.2 / [email protected]
Photography:
© PAVELHAUS, The Artists
Bundeskanzleramt-Volksgruppenförderung