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Força
na peruca
Alfa Siqueira
Anna Bella Geiger
Batman Zavareze
Bruno Veiga
Cabelo
Denise Araripe
DENISE MORAES
Gabriela Gusmão
Guilherme Secchin
Jefferson Svoboda
Toz
Força
na peruca
curadoria
Christina Martins
MAURO TRINDADE
4
5
Tradicional acessório da moda, objeto integrante de rituais
­religiosos, símbolo de poder para reis e juízes, a peruca ganha
uma nova importância e se preenche de outros significados ao
ser tema e objeto de interesse dos artistas presentes nesta mostra.
Ao apresentar ao público carioca a exposição Força na peruca, a
CAIXA Cultural reafirma sua função de estimular a discussão e a
disseminação de ideias e possibilitar o acesso gratuito à produção
artística contemporânea.
Como uma das principais patrocinadoras da cultura no Brasil, a
CAIXA destina, anualmente, mais de R$ 80 milhões de seu orçamento para patrocínio a projetos culturais diversificados. Entre as
áreas beneficiadas estão o artesanato brasileiro, diversos festivais
de teatro e dança pelo país, além da ocupação dos espaços da
CAIXA Cultural.
Os projetos são escolhidos por meio de seleção pública, uma opção
da CAIXA para tornar mais democrática e acessível a participação
de produtores e artistas de todo o país, e mais transparente para a
sociedade o investimento dos recursos da empresa em patrocínio.
*Lit. ‘strength in the wig’, expression meaning
‘don’t give up’
CAIXA ECONÔMICA FEDERAL
A traditional fashion accessory, integral
object of religious rituals and symbol
of power for kings and authority
figures, today the wig has developed
new meanings and interpretations —
carefully chosen by artists presented
in this exhibition.
“Força na peruca”*, presented by the
CAIXA Cultural, aims to reinforce and
stimulate debate whilst spreading new
ideas via free access to contemporary
artistic productions.
As one of the main cultural sponsors
in Brazil, CAIXA assigns more than
R$ 80 million of its budget to sponsor
range cultural initiatives. Amongst the
­beneficiaries are Brazilian arts and
crafts projects, diverse theatre and
dance festivals as well as activities
within CAIXA Cultural itself.
Projects are chosen via public selection
in order to ensure that participants are
democratically selected, the involvement
of producers and artists throughout
the country and so that the sponsor
company´s investment is applied
transparently.
C A I X A E C O NÔ M I C A F E DE R A L
7
Apresentação
Introduction
Christina Martins
C h ristina M artins
A ideia da exposição Força na peruca
surgiu em 2012, quando fiz o P
­ rofessional
Fellows Program, um intercâmbio nos
­Estados Unidos, e visitei projetos de empoderamento feminino a convite do governo
de estado americano. Em Northampton,
­Massachusetts, conheci uma instituição
que produzia próteses para seios. Lá, ganhei o calendário Show us your bra, feito
pela Breast Form Fund. Achei o projeto de
sutiãs customizados por artistas plásticos
fantástico. O clique veio na hora: por que
não fazer o mesmo com perucas?
The idea for the exhibition “Força
na peruca” was born in 2012,
when I did the Professional
Fellows Program, an exchange
program in the USA, and visited
some empowering projects for
women, invited by the Federal
Government. In Northampton,
Massachusetts, I went to an
institution that produced breast
prosthesis. In there, I received a
copy of the “Show us your bra”
calendar, made by the Breast
Form Fund. I thought that the
project of customized bras by
plastic artists was fantastic.
Right there my mind clicked,
why not doing the same thing
with wigs?
De volta ao Brasil, comecei a elaborar
o projeto da exposição. Não se tratava
apenas de pegar várias perucas e chamar
artistas para criarem suas obras a partir
delas. Era preciso outro contexto, dar mais
espaço para a criação. Aos poucos, o projeto Força na peruca foi surgindo, visando
a unir arte e solidariedade, cultura e ação
social, criatividade e autoestima.
Os artistas foram convidados por suas variadas formas de expressão artística. Mesmo
sem saberem direito o que seria esta mostra,
aceitaram e embarcaram nesta jornada. O
curioso é que, por acaso, os artistas e membros da equipe escolhidos tinham casos de
câncer na família ou algum amigo próximo.
Aos nove artistas iniciais somaram-se
mais dois e um coletivo. A força estava
Back in Brazil, I started to design
the project for the exhibition. It
was not as simple as getting
some wigs and calling some
artists to create their works
with them. There was a need for
another context, in order to give
more space to creation. Little
by little, the project “Força na
peruca” was raised, aiming to
unite art and solidarity, culture
and social action, creativity and
self-esteem.
We invited the artists based on
their diverse artistic expressions.
Without a clear idea of what this
exhibition would be like, they
accepted and got on board in this
journey. The curious part was that,
just by chance, all the chosen
artists and members of the team
had cases of cancer within either
their families or some close friend.
To the initial nine artists we added
11
na peruca e o entusiasmo com o projeto
levou artistas como Alfa Siqueira a criar
mais de uma obra. Ao longo do processo,
cada artista envolvido trouxe uma lição,
um elemento agregador. Foi assim que
chegamos à peruqueira Divina Lujan, do
Theatro Municipal do Rio de Janeiro, que
abraçou a exposição e preparou as perucas
que mostram a evolução do acessório ao
longo da história. Foi assim também com
a família Scarpa, que emprestou seus
apliques e inúmeras histórias divertidas
sobre perucas.
A Jak Bell foi outra parceira que se uniu ao
projeto. A empresa começou trabalhando
com perucas artesanalmente para atender
a produções de show e de teatro, há mais
de 60 anos. Com o passar do tempo, a
­empresa foi mudando seu perfil — sem
deixar de lado o trabalho artesanal —
para incorporar a criação de próteses
capilares, visando a saúde e atuando
como parceira da F
­ undação Laço Rosa
na confecção de perucas.
Em meio a esse turbilhão de novos
parceiros, a gente ainda se surpreende
com a história da Fundação Laço Rosa que,
desde 2011, com o seu banco de perucas
on-line, vem ajudando pessoas de todo
o país a recuperar a autoestima e dar um
novo fio condutor a suas vidas.
Tudo começou com um desejo de Aline
­Lopes, uma das pessoas mais otimistas
que já conheci. Dona de uma vitalidade
única, ela trazia consigo um alto astral e
era difícil vê-la resmungando. Quando a
vida lhe deu uma rasteira e lhe apresentou
12
two more and a group. The
“strength was in the wig” and the
enthusiasm with the project made
some artists, like Alfa Siqueira,
to create more than one piece.
As the project went on, each
involved artist brought back a
lesson, adding an element. This
way we got to the hairdresser
Divina Lujan, from the Theatro
Municipal do Rio de Janeiro, who
embraced the exhibition and
prepared the wigs that show the
accessory’s evolution throughout
history. The same way was with
the Scarpa Family that lent
us their rugs and many funny
stories about wigs.
Jakbell was another partner
that joined the project. The
company started working with
handmade wigs for shows and
theatre productions, more than
60 years ago. As time went by,
the company changed its profile,
incorporating the creation of
capillary prostheses, and started
a partnership with the Laço Rosa
Foundation to produce wigs.
Between all these new partners,
we are still amazed with the story
of the Laço Rosa Foundation that,
since 2011, with their online bank
of wigs, helps people around
the country to regain their selfesteem and find new meanings
for their lives.
The story of this foundation tells
that it all started with a wish of
Aline Lopes, one of the most
optimistic people I have ever met.
With a unique vitality, she was
always in a good mood and was
very rare to see her muttering.
When life knocked her down
with a breast cancer during her
pregnancy, she studied on the
internet and decided to create
a foundation to offer more
information about this subject to
um câncer nos seios durante a gravidez,
ela foi para internet estudar e decidiu
criar uma fundação para oferecer mais
informações sobre o assunto a outros
pacientes e seus familiares.
A única coisa que mexeu com a jovem
mulher foi quando, durante a quimioterapia
— depois do nascimento do pequeno
Bento, um garoto esperto hoje com oito
anos — ela começou a perder os cabelos.
Foi justamente isso que impulsionou o
conselho da recém-criada Fundação
Laço Rosa a seguir em frente após seu
falecimento e criar o primeiro banco
de perucas on-line do país, doando
perucas aos pacientes em tratamento de
quimioterapia, como uma ferramenta para
ajudar na recuperação da autoestima.
Hoje, olhando para a exposição Força na
peruca, percebo a importância do acessório e seu papel na história da humanidade.
Do Egito a Hollywood, de Louis XIV à Lady
Gaga, as perucas encantam e seduzem
nobres e plebeus, ressurgindo de tempos
em tempos, sempre poderosas, mesmo em
situações de fragilidade.
other patients and their families.
The only thing that really struck
this young woman was when
she started to lose her hair
during chemotherapy — after
the birth of her son Bento, a
bright young boy that today is
eight years old. That was exactly
what impelled the board of the
newborn Foundation Laço Rosa
to continue, even after her
death, and to create the first
on-line wig bank in the country,
donating wigs to chemotherapy
patients, as a tool to help
recuperate their self-esteem.
Today, looking at the exhibition
“Força na peruca”, I see the
importance of this accessory
and its role in human history.
From Egypt to Hollywood, from
Louis XIV to Lady Gaga, wigs
marvel and entice both noble and
plebeian, resurrecting from time
to time, always powerful, even in
fragile situations.
Because of all of this, we
understand that força na peruca
is much more than a simple
expression, it is a state of mind.
Com tudo isso, a gente acaba descobrindo
que “força na peruca” é muito mais do que
uma expressão. É um estado de espírito.
13
Fios da vida
Life threads
mauro trindade
mauro trindade
Há uma certa condescendência irônica, para não dizer antipatia, em relação
às mostras de arte beneficentes, quase
sempre associadas a bazares de caridade organizados por centros comunitários,
templos ou paróquias de bairro. Poucos esperam identificar em suas paredes e mesas
objetos de Arte — com “a” maiúsculo — e,
se encontrarem, certamente estarão escondidos sob colchas de fuxicos, gatinhos de
cerâmica, pinturas de paisagem e cinzeiros
artesanais com a singela mensagem que
alguém esteve em Itapuranga e se lembrou
de você. Esse universo híbrido e amadorístico da pequena burguesia foi criticado por
uma teoria purista de arte que defendia “a
fonte do valor estético na estruturalidade
intrínseca à sua própria técnica”1, cujo
caráter essencialista iria dominar a arte
moderna e a manteria em sua “área de
competência”2.
There is a certain ironic
condescendence—not to say
antipathy—related to goodwill art
exhibitions, generally associated
to charity bazaars promoted by
community centers, temples or
neighborhood parishes. Few
expect to identify in its walls and
tables Art objects—with a capital
‘a’—and, if so, certainly they will
be hidden under patchwork quilts,
ceramic cats, landscape paintings
and handmade ashtrays with the
innocent message that someone
was in some small town and
thought of you. A purist theory
of Art criticized that bourgeois
amateur hybrid universe by
defending “the font of aesthetic
value in the intrinsic structure of
its own technique”1 where its
own essentialist character
would dominate Modern Art
and would keep it in its own
“area of competence”2.
A concepção de uma vanguarda artística
intocada nos templos brancos dos museus
e galerias se contrapôs à arte e à l­iteratura
The conception of an untouched
artistic vanguard in the white
temples of museums and galleries
was opposed to popular art and
literature, comics, Hollywood’s
cinema, radio music, pulp
fiction, and every little thing
1A
RGAN, Giulio Carlo. Arte moderna. São Paulo:
Companhia das Letras, 2004, p. 81.
2 GREENBERG, Clement. Modernist painting. Disponível em
http://cas.uchicago.edu/workshops/wittgenstein/files/2007/10/
Greenbergmodpaint.pdf. Acessado em 3/8/2009.
1A
RGAN, Giulio Carlo. Arte moderna.
São Paulo: Companhia das Letras,
2004, p. 81.
2 GREENBERG, Clement. Modernist
painting. Available in http://cas.
uchicago.edu/workshops/wittgenstein/
files/2007/10/Greenbergmodpaint.pdf.
Accessed in August 3rd, 2009.
17
populares, aos quadrinhos, ao cinema
hollywoodiano, à música do rádio, a pulp
fiction e a toda a quinquilharia produzida
em massa para a decoração de casas e
escritórios. Em uma passagem célebre, o
crítico Clement Greenberg classifica esse
universo kitsch como uma “experiência por
procuração e sensação falsificadas” e o
“epítome de tudo o que há de espúrio na
vida de nossos tempos”3.
A divisão entre Alta e Baixa Cultura, tão
cara ao modernismo, faz pouco sentido
na atualidade, após décadas de descategorização da arte, na qual os objetos e as
práticas artísticas prescindem de longevidade e materiais nobres que assegurem
sua estabilidade conceitual. E o que resta
dessa Alta Cultura parece estar mais
associada a questões do mercado do que
a uma compreensão do que seja arte, com
ou sem caixa alta. Como nos ensina o romancista português Valter Hugo Mãe, uma
hierarquia sinistra se esconde na distinção entre letras grandes e pequenas, que
sinalizam o poder das instituições e, em
especial, dos Estados.
Sabemos hoje que a formação do público de arte não se deve unicamente às
Academias e seus Salões. As fair ladies
3G
REENBERG, Clement. Vanguarda e kitsch, in CONTRIM, Cecilia
& FERREIRA, Glória. Clement Greenberg e o debate crítico. Rio
de Janeiro: Funarte/Jorge Zahar Editor, 1997, p. 32-33.
18
mass-produced for home and
office decoration. In a famous
quote, the critic Clement
Greenberg classifies those kitsch
objects as “vicarious experience
and faked sensations” and the
“epitome of all that is spurious in
the life of our time”3.
The division between High and
Low Culture, a high price to
modernism, makes little sense
today, after decades of declassifying Art, where objects and
artistic practices have renounced
to longevity and noble materials
that secure their conceptual
stability. What is left of that
High Culture seems to be more
related to market issues than to
an understanding of what Art
might be, with or without labels.
As the Portuguese novelist
Valter Hugo Mãe teaches, the
distinction between “the big and
the small letters” hides a sinister
hierarchy that signal the power
of institutions and, specially, the
power of States.
In the present, we know that the
education of the public for the
arts is not an exclusive result of
the Academies and their salons.
The fair ladies from England
and the United States—that
later spread as far as Australia—
helped to establish new concepts
about what was or not artistic
and created a market for that art,
even in the beginning of the XIX
3G
REENBERG, Clement. Vanguarda
e kitsch, in CONTRIM, Cecilia &
FERREIRA, Glória. Clement Greenberg
e o debate crítico. Rio de Janeiro:
Funarte/Jorge Zahar Editor, 1997,
p. 32-33.
da ­Inglaterra e dos Estados Unidos —
mais tarde espalhadas até a Austrália —
­ajudaram a estabelecer novos conceitos
a respeito do que era ou não artístico e a
criar um mercado para essa arte ainda no
início do século XIX. Essas feiras de caridade administradas por senhoras de sociedade influenciaram em especial a cultura
norte-americana e alteraram as formas de
exibição, consumo e percepção de objetos
artísticos de diferentes épocas e latitudes.
Ao mesmo tempo, as causas sociais nas
quais feiras, bazares e exposições estiveram envolvidas — abolicionismo, sufragismo, manutenção de hospitais, auxílio a
órfãos e feridos de guerra etc — promoveram um papel mais ativo e politizado das
mulheres no século retrasado, ao preparar
a transição feminina dos ambientes domésticos para o campo público. As fair ladies
favoreceram a mulher como artista, cujas
obras tinham saída rápida e eram bastante
apreciadas pelos consumidores. Dessa
forma, a ideia de que o trabalho feminino
e caseiro era menor passou a ser contestada e, com o tempo, os próprios padrões
artísticos foram repensados. Bazares e
exposições beneficentes tornaram-se o espaço social da emancipação das mulheres
artistas e lhes deram visibilidade para que
suas obras fossem avaliadas criticamente
Na atual exposição, quatro mulheres estão
presentes com obras que se utilizam da
imagem de peruca e cabelos em variados
contextos, somados ao trabalho de Divina
Lujan, peruqueira do Theatro Municipal do
Rio de Janeiro responsável pela caracterização do elenco de inúmeras óperas e
century. Those charity venues
administrated by high society
women, particularly influenced
American culture, and changed
the ways to exhibit, consume and
perceive art objects from different
times and latitudes.
At the same time, the social
causes that involved the fairs,
bazaars and exhibitions—
abolitionism, female vote, hospital
maintenance, assistance to
wounded and orphans of war,
etc.—promoted a more active and
politic role for women in the XIX
century, and prepared the female
transition from the domestic
environment to public domain.
The fair ladies also favored
women as artists, their work
was sold easily and was quite
appreciated by the consumers.
This way, the idea that the
homemade and feminine work
was less important was protested
and with time even the artistic
patterns were reconsidered. Artist
women found their social field
for emancipation in benevolence
bazaars and exhibits, where their
work gained visibility and critical
evaluation.
On this exhibition, four women
are present with works that
show wigs and hair in various
contexts, in addition to the work
of Divina Lujan, hairdresser at
the Theatro Municipal of Rio
de Janeiro and responsible
for the cast characterization
in many operas and ballets.
Next, in a less objective activity,
Gabriela Gusmão draws
parallels between Nature and
Culture with “Strenght of the
leaves”. In this work the fragility
of Japanese paper and the
brief existence of plants, reveal
the poetics of vain things: the
sensitive and impermanent
of the ukiyo-e, the fluctuating
19
balés. Em uma atividade menos objetiva,
Gabriela Gusmão traça paralelos entre
Natureza e Cultura com Força das folhas,
cuja delicadeza do papel japonês e efemeridade das plantas revelam uma poética
das coisas vãs: o sensível e impermanente
do ukiyo-e, o mundo flutuante prestes a
se desfazer como as ondas de Katsushika
Hokusai ou as cenas da vida privada de
Hozumi Harunobu.
O trabalho da artista com o coletivo Filhos
da Mãe alude a outras questões do âmbito
feminino. O uso da linha de tricô é costumeiramente associado ao trabalho doméstico, enquanto o manto de fios de cobre de
Maria associa-se a uma iconografia que se
estende ao bizantino, com representações
da Virgem que incluem o manto externo
(maphorion) vermelho que tantas vezes
recobre o himation celeste. Ações colaborativas como a desse coletivo revelam
o interesse menos voltado para o valor de
mercado e mais para a experiência artística.
Maria não possui sequer uma forma definitiva e seu desenho desvela-se conforme o
local de sua exibição, como uma invocação
portadora de beleza divina sempre em
transformação.
Denise Araripe convoca a História da
Arte de forma mais irônica e incisiva. Sob
as aparentes camadas de referências
do universo pop que povoam suas telas
de grandes formatos, realiza misturas —
mashup, no jargão contemporâneo — que
colapsam seus sentidos originais em um
novo contexto crítico. Em seu trabalho,
texto e imagem se equivalem e sua tela adquire valor digital, na qual ambos tornam-se
20
world about to dissolve as the
Katsushika Hokusai waves or the
Hozumi Harunobu’s private life
scenes.
The artist work with the group
­Filhos da Mãe refers to another
kind of feminine matter. The use
of knitting thread generally is
related to domestic work whereas
“Maria”’s mantle, knitted in
copper wire, is associated to an
iconography that extends to the
Byzantine, with representations
of the Virgin that include an
external purple veil (maphorion)
that many times covers the
celestial himation. This kind of
collaborative actions show less
interest in market value and more
in the artistic experience. “Maria”
does not even have a definitive
shape and its design reveals
itself accordingly to the exhibition
venue, like an invocation carrier of
always transforming divine beauty.
Denise Araripe summons Art
History in a more ironic and
incisive way. Under the apparent
layers of references of pop
universe that fill her big size
canvas, she mixtures—mashup,
in contemporary slang—where
the original senses collapse in a
new critical context. In her work,
text and image are equivalent
and her canvas acquire a digital
value, where both become icons,
visual interfaces in a random
logic that implodes any attempt
of historicity over the same
blank slate without a past nor
future. Araripe emphasizes that
conceptual emptiness with black
backgrounds in her canvas, a
metaphor for the digital space
where everything reduces to the
limit of the bit. To accentuate that
impact, the oil sticks used in the
painting with a dark background
create a tridimensional effect if
they are seen with 3D glasses.
ícones, interfaces visuais de uma lógica
randômica que implode qualquer tentativa
de historicidade sobre uma tábula rasa
sem passado ou futuro. Araripe estimula o
vazio conceitual com telas de fundo negro,
metáfora do espaço digital onde tudo se
equivale ao ­limite do bit. Para acentuar
esse impacto, os bastões de óleo usados
na pintura sobre o fundo escuro criam um
efeito tridimensional se vistos com óculos
3D. A pintura de Denise Araripe consegue
dialogar tanto com o cinema e a internet
quanto com a tradição pictórica mais remota e, dessa forma, alcança espectadores
de diferentes universos culturais, em um
trabalho que se aproxima da lógica da Comunicação. A pintora costuma dizer que a
obra não está em suas telas, mas em algum
ponto virtual entre objeto e espectador.
Por isso mesmo sua The wig game é
um jogo da peruca e a grande tela — na
verdade, quatro delas, o que explica o
tamanho do trabalho — é transformada em
um enorme tabuleiro, no qual os espectadores-participantes percorrem um sinuoso
caminho até chegar à vitória. Personagens
do mundo real, da literatura e dos quadrinhos, como Freud, Einstein, Picasso, Andy
Warhol, o Ênio dos Muppets e seu patinho
de borracha e até o Abaporu de Tarsila do
Amaral, “comentam” o jogo que termina
com o vencedor vestindo uma cabeça de
isopor com uma peruca.
Alfa Siqueira aproxima-se de Denise
Araripe quanto à exuberância de referências, porém de forma inteiramente distinta.
Enquanto esta opera um esvaziamento de
conteúdos, Siqueira realiza uma costura
The painting of Denise Araripe
is able to dialogue with the
cinema and the internet, and at
the same time, with the most
remote pictorial tradition and,
this way, it reaches spectators
from different cultural universes,
in a work that approximates to
the Communication logic. She
uses to say that her work is not
in her canvas, but in some virtual
point between the object and the
spectator.
For this reason, her “The wig
game” is a game between the wig
and the big canvas—in truth, four
of them, which explains the size
of the work—, transforms into an
enormous board, in which the
spectators-participants follow a
sinuous path up to victory. Real
world characters and others from
literature and comics, such as
Freud, Einstein, Picasso, Andy
Warhol, or Ernie and his rubber
duck from the Muppets or Tarsila
de Amaral’s “Abaporu”, “comment”
on the game until it finishes with
one of the participants dressed
up with an Styrofoam head with
a wig.
Alfa Siqueira is similar to
Denise Araripe about the
references’ exuberance, but in a
completely different way. While
the second works emptying
contents, Siqueira makes a
syncretic sewing of the most
diverse cultural elements, in
an unlimited and true symbolic
universe. “Panacea” is a
sculpture of a Greek column
incorporated to the head it
sustains, thanks to the same
patern textile that covers both.
With that, the column returns
to its anthropomorphic origins
and the combination acquires a
dimension of totem that, besides
being a cult object, offers the
possibility of generalization of
21
sincrética dos mais variados elementos ­culturais, em um universo simbólico
­ilimitado e verdadeiro. Panaceia é uma
escultura na qual uma coluna de evocação greco-latina se incorpora à cabeça
que sustenta, graças ao tecido de mesma
padronagem que recobre uma e outra.
Com isso, a coluna retorna às suas origens
antropomórficas e o conjunto adquire a
dimensão de totem que, além de objeto de
culto, oferece a possibilidade de universalização de valores em constante atualização.
Nada está imóvel na cultura e as imagens e
seus significados são cambiantes e cumulativos conforme contextos e experiências.
Aqui a Vênus de Boticelli e a Vênus de
Willendorf são patuás, enquanto a cabeleira feminina é representada por um acúmulo
de tecidos e referências que dão à cabeça
um sentido xamânico, capaz de promover
curas e cruzar dimensões, pois no universo fantástico de Alfa Siqueira a realidade
não é estável, mas porosa, permeável à
ação do artista-feiticeiro. Caixa preta, por
sua vez, retorna ao mito do nascimento
de Vênus em tempos de islamismo, com
a deusa envolta na sua burca-cabelo que
não consegue esconder a personagem e
termina por revelá-la.
Entre os múltiplos sentidos da peruca, talvez os mais recorrentes estejam associados
à alegria e à beleza. Ao rastrear e selecionar trechos de filmes e clipes musicais com
homens e mulheres de peruca — que se
torna um atributo, um valor qualificativo e
não apenas um complemento, como seria
“com peruca” —, a cineasta Denise Moraes
criou uma obra cíclica que, pela própria repetição, reitera o caráter festivo do ­adereço.
22
values in a constant actualization.
In Culture, nothing is motionless
and images and their meanings
are ever changing and
cumulative just as the context
and experiences. Here Boticelli’s
and ­Willendorf’s Venuses are
amulets when feminine hair
is represented for a bunch of
cloths and references that give
the head a shamanic meaning,
able to perform cures and
cross dimensions, since in
the fantastic universe of Alma
Siqueira, reality is not stable, but
porous, permeable to the action
of the artist-sorcerer. “Black
box”, returns to the birth of
Venus myth in times of Islamism,
with the Goddess wrapped
in her burqa-hair that cannot
hide the character and ends
up revealing it.
Between the multiple meanings of
the wig, maybe the most recurrent
are associated to joy and beauty.
When tracking and selecting film
and music videos sections with
men and women with wigs—that
becomes a skill, a value of
qualification and no longer just
a complement, like how would it
be “with a wig”’—the film director
Denise Moraes has created
“Wig Star”, a cyclic work that
through repeating itself, reiterate
the festive character of the
adornment. The seizure practice
used in her work is secular,
since the first experiences of
cubism and Dadaism, but here
the discontinuity characteristics
of the digital universe are
highlighted, provoking a
wider comprehension about
the concept of author and
artistic object in contemporary
production. The web, plot
and text metaphors are the
characteristics of a production
not centered in the author figure
that allow and offer the spectator/
A prática de apreensão utilizada em seu
trabalho já é secular, desde as primeiras
experiências do cubismo e do dadaísmo,
mas aqui são ressaltadas as características
da descontinuidade do universo digital, que
provocam uma compreensão mais ampla
sobre o conceito de autoria e de objeto
artístico dentro da produção contemporânea. As metáforas de rede, trama e textualidade são características de uma produção
descentrada na figura do autor e que permitem e oferecem ao espectador/usuário uma
leitura mais breve, imediata e fragmentária.
Localizado na parte mais alta e privilegiada do corpo, a peruca adquiriu sentidos
honoríficos no Antigo Egito em contiguidade com a própria coroa — a khau sejemty,
ela própria um símbolo sincrético do poder
do Alto e do Baixo Nilo. São incontáveis
as citações de perucas na longa história
daquele império, que se misturam com
outros adornos e marcas de poder, como o
disco solar sobre a cabeça e o uraeus — a
imagem da serpente em posição de ataque
— que representavam a autoridade divina.
Por isso mesmo os deuses e faraós eram
costumeiramente representados com elas.
Sekhmet, deusa da vingança e dos portais
entre as dimensões, tem um rosto de leoa
e exibe a cabeça coberta por uma longa
juba que mais se assemelha a uma peruca.
Osíris, deus do mundo do além, também
carrega uma elaborada peruca. Outras
divindades têm perucas e cabelos muitas
vezes azulados por lápis-lazúli ou carbonato de cobre, a cor dos seres solares.
Anna Bella Geiger elegeu como
personagens para a obra Sobre o rio Nilo
user a brief, immediate and
fragmented reading.
Located in the higher and most
privileged part of the body, the
wig acquired honorary meanings
in Ancient Egypt, when it fused
with the crown—the khau
sejemty, a syncretic symbol of
power by itself in Upper and
Lower Nile. There are countless
references to wigs in the long
history of that empire, which
mix with other decorations and
symbols of power, including the
solar disc over the head and
the uraeus—the image of the
serpent in attack position—that
represented the divine authority.
Therefore, gods and pharaohs
were normally represented
wearing them. Sekhmet, goddess
of vengeance and the portals
between dimensions, has a
lioness face and shows her
head covered by a long mane
that seems like a wig. Osiris,
God of the afterlife, also has an
elaborated wig. Other divinities
have wigs and hair many times
painted in blue with laps-lazuli or
copper carbonate, the color of
solar beings.
Anna Bella Geiger chose
Akhenaten and his wife, ­Nefertiti
as characters for her piece
“About Nile river”. This is not a
random choice. This work is a
continuation of the research
started with the installation
“Circa”, presented by the artist
in 2006, plenty of reflections
about time and memory. Since
its rediscovery by the English
expeditions in 1890, Akhenaten is
called “the first prophet” and “the
first individualist” (Hauser), when
creates the model of the raising
middle-class hero from the M
­ iddle
Kingdom that rebelled against
the powerful clergy extinguishing
the polytheism and force a single
23
o faraó Akhenaten e sua mulher Nefertiti.
A escolha não é aleatória. A obra atual é
continuação das pesquisas iniciadas com a
instalação Circa, que a artista apresentou
em 2006, plena de reflexões sobre tempo
e memória. Desde sua redescoberta por
expedições inglesas em 1890, Akhenaten
tem sido saudado como “o primeiro
profeta” e “o primeiro individualista”
(Hauser), ao criar um modelo de herói de
uma nascente classe média do Império
Médio que se revolta de forma inédita
contra o poderoso clero ao extinguir o
politeísmo e obrigar a todos ao culto único
de Aton, o disco solar. Nesse contexto, o
surgimento de A
­ khenaten é avaliado como
um rompimento com a tradição visual de
uma sociedade repressora. Tais análises,
porém, são favorecidas pela documentação
lacunar que a História Antiga apresenta
e que permitem grande diversidade de
interpretações.
É essa incerteza que alimenta Sobre o
rio Nilo, cujo fluir das águas serve de
metáfora à passagem do tempo e o que
ele tem de informe e variado. Se a arte
e a história egípcias não se sustentam
em uma narrativa linear, tampouco se
mantêm o “tom de certeza que reina
tão frequentemente na história da arte”,
escreve Didi-Huberman, e as cronologias
que ela implementa. Na obra de Anna Bella
Geiger, os mapas que fazem o fundo das
imagens de Nerfertiti e Akhenaten obrigam
a considerações sobre as representações
nacionais e também sobre o corpo, cujas
fronteiras, curvas e depressões revelam
uma territorialidade última, cartografada
pela artista.
24
cult to Aton, the solar disc. In
that context, the outbreak of
Akhenaton is understood as the
breaking with a visual tradition of
a repressive society. This kind of
analysis is favored by the lacunary
documentation that the Ancient
History presents which allows a
wide diversity of interpretation
of Akhenaton.
It is that uncertainty that feeds
“About Nile river”, as the flow of
its waters becomes a metaphor
to time passing and their diverse
and shapeless aspects. If
Egyptian art and history are not
sustained with a linear narrative,
they are also not maintained
by “that tone of certainty that
frequently reigns in Art History”,
as Didi-Huberman writes, and the
chronologies that she implements.
In the work of Anna Bella the
background maps for the images
of Nefertiti and Akhenaten call
for considerations about the
national representations but also
about the body, whose borders,
curves and depressions reveal an
ultimate territoriality, platted by
the artist.
In the entire exhibition, the body
presence is decisive. For Toz
it reveals itself as a force, able
to deal with the devastation
of illness, the brutality of the
treatment and even keep its
own gravity and beauty. “The
rope” is a continuation of his
work, far from graffiti that made
him known, which indicates
a separation from his comfort
zone as well as an increasing
interest on experimentalism. This
way, Toz prevents himself from
stylist mannerism and extend
the limits of his work, even if
some element of his vocabulary
and research remain, including
his character Nina and the Joy
Salesman.
Em toda a exposição, essa presença do
corpo é decisiva. Para Toz ele se revela
como força, capaz de lidar com a devastação da doença e as brutalidades
do tratamento e ainda assim manter sua
própria gravidade e beleza. A corda é a
continuação do trabalho que o artista tem
desenvolvido distante do grafite que o
celebrizou, o que indica tanto um afastamento de sua zona de conforto quanto um
interesse cada vez maior pelo experimentalismo. Dessa forma, Toz se previne contra
o maneirismo estilístico e amplia os limites
de seu trabalho, no qual alguns elementos
de seu vocabulário e pesquisa visual permanecem, como as personagens Nina e o
Vendedor de Alegria. Entre as experiências
da rua, com seus códigos de conduta e sobrevivência que fazem parte do mundo do
grafite, e o universo institucionalizado da
arte, com novos suportes e materiais apresentados em galerias e centros culturais,
Toz preserva a vitalidade de um trabalho no
qual o lúdico define o próprio fazer artístico.
A despeito da dramaticidade do tema, são
bolas coloridas que flutuam sobre a adversidade, em uma poética na qual as cores
vivas indicam felicidade.
Uma felicidade igualmente presente no trabalho de Jefferson Svoboda. S
­ olidariedade
é uma tela com técnica mista na qual as
grandes qualidades do artista se revelam
em sua plenitude: o traço amplo e generoso, a luminosidade solar e o estudo
sistemático da forma e da paleta de cores
que marcam suas obras há várias décadas.
A despeito de diversas experiências que o
levaram ao abstrato, a presença humana é
marcante em sua obra e da qual o artista
Between the street experiences,
with its behavior and survival
codes that are part of the graffiti
world, and the institutionalized
universe of art, with new supports
and materials presented in
galleries and cultural centers, Toz
keeps the vitality of a work where
playfulness defines the artistic
practice itself. Despite the drama
of the topic, the colorful balls
that linger above adversity, in a
poetics where vivid color means
happiness.
Happiness is also present in
the work of Jefferson Svoboda.
“Solidarity” is a mixed technique
on canvas where the great
qualities of the artist are
completely revealed: a wide
and generous trace, sun-like
luminosity and the systematic
study of form and color palette
that have marked his works for
many decades. Human presence
is remarkable in his work,
something the artist does not
seem to be willing to abdicate.
The human is his topic and
objective, that is in his oldest
canvas and in his most recent
work. “Solidarity” creates a
positivist human net that aims to
strengthen the ill. It is a rhizomatic
chain, a logic of existence that
search to conjure chaos. Against
the linearity of thought and action,
Svoboda offers transverse and
multilateral exits, where heads are
not only unities, but also wider
dimensions.
A vegetable model as the
anti-method that was able to
offer possibilities to Svoboda
is also present in “Speaking
with the hair” by Guilherme
Secchin, a skilled painter and
drawer that developed a multiple
and arborescent work. In small
formats, his nine designs in
black ink are dense and dialogue
25
não parece abdicar, pois é ela que detém
a potencialidade do afeto. É o humano
seu tema e seu objetivo, que pode ser
­presenciado tanto em suas telas mais antigas quanto no seu mais recente trabalho.
­Solidariedade cria uma rede de positividade que procura fortalecer os doentes. Sua
tela se organiza como uma corrente rizomática, uma lógica da existência que procura
conjurar o caos. Contra a linearidade do
pensamento e das ações, Svoboda oferece
saídas transversais, multilaterais, nas quais
as cabeças não são apenas unidades, mas
novas dimensões.
between them, in a structure that
can be understood as multiple
or removable series. Hair in all
its plastic richness are a topic
for the artist with a certain
sense of humor and subtle
drama, perceived in the tension
between some units. There is
a similarity between a hair and
the drawing technique, with its
lines in a confrontation between
linear and pictorial, outlines and
connections. That elaborated
“handcraft,” reveals another
pleasure in the artistic practice,
in the gesture of drawing (itself)
and in the musical possibility
of returning to the subject with
variations.
O modelo vegetal como antimétodo capaz
de oferecer todas as possibilidades para o
artista também está presente em Falando
pelos cabelos, de Guilherme Secchin, hábil
pintor e desenhista que desenvolveu uma
obra múltipla e “arborescente”. Em formatos pequenos, seus nove desenhos em
nanquim são frondosos e dialogam entre si,
em uma estrutura que pode ser entendida
tanto como um múltiplo quanto uma série
desmontável. Os cabelos em toda sua riqueza plástica são tematizados pelo artista
com certo humor e uma sutil dramaticidade,
que pode ser percebida na tensão existente em algumas unidades. Há uma aproximação do fio de cabelo com a técnica do
desenho, com suas linhas em um embate
entre o linear e o pictórico, entre contornos
e ligações. Essa artesania esmerada revela
ainda um prazer no fazer artístico, no gestual do próprio desenho e na possibilidade
musical de retornar ao tema com variações.
The piece “Untitled” by Cabelo
makes explicit its syncretic
and positive character when it
puts together a Buddha head
sawed on top and transformed
into a vase, with dirt, water
and “Mother-in-law’s tongue”
leaves—Ogun’s votive plant in
certain Umbanda traditions. The
combination of two religious
traditions has a therapeutic
character: both offer tranquility
and well-being, while the carefree
smile of the ceramic Buddha
seems to approve the ornament.
The set causes a certain surprise,
as if we were in front of a koan—
Buddhist sentences whose deep
sense seem to escape reason
and can only be perceived
through illumination. This way,
the readymade closes up to the
oriental concept. When moving
daily objects into the sphere of
Art, he promotes surprise since
they defy our own concepts of
Art and beauty.
A obra sem título de Cabelo explicita um
caráter sincrético e positivo ao reunir uma
26
The conceptual character of an
art-piece is also present in the
work of Bruno Veiga. “Medusa”
recovers the myth of the woman
with beautiful hair transformed
cabeça de Buda serrada no topo e transformada em vaso, terra, água e folhas de
espadas-de-santa-bárbara — erva da linha
de Ogum em certas tradições da Umbanda.
A combinação das duas tradições religiosas tem caráter terapêutico: ambas oferecem tranquilidade e bem-estar, e o sorriso
despreocupado do Buda de cerâmica parece aprovar o adereço. O conjunto causa
uma certa surpresa, como se estivéssemos
frente a um koan, ou sentenças budistas
cujo sentido mais profundo parece escapar à razão e que só pode ser percebido
pela iluminação. O readymade aproxima-se
assim do conceito oriental. Ao deslocar
objetos do cotidiano para a esfera da arte,
ele promove surpresa ao confrontar nossas
ideias de arte e beleza.
O caráter conceitual da obra de arte também está na obra de Bruno Veiga. Medusa
retoma a lenda da mulher transformada
em uma das Górgonas por Atena, com
corpo de serpente, mãos de bronze, asas
de ouro e os cabelos transmutados em
cobras. Bastava aos homens verem uma
única mecha para virarem pedra. Mais do
que uma criatura fantástica, a Medusa é
uma alegoria de pulsões espirituais. O mito
remete ao homem que confronta a própria
imagem incapaz de compreendê-la, sem
aprender com seus erros e culpas. As seis
fotografias subaquáticas da obra reiteram
as variações do rosto, uma realidade instável sempre em mutação que na obra se
desfaz numa mancha indiscernível.
Coragem, de Batman Zavareze, encerra a
exposição em uma sala adjacente ao salão
principal, onde a instalação encontra a
into one of the Gorgons by
Athena, with the body of a
serpent, copper hands, golden
wings and the hair transmuted
into cobras. It was enough for
a man to see only one of her
hair-locks to become stone.
More than a fantastic creature,
“Medusa” is an allegory of
spiritual drives. Its myth reduces
to a man not being capable of
confronting and understanding
his own image, and to the
mistakes he makes and the
guilt that he keeps. The six
sub-aquatic photographs of the
work repeat the facial variations,
an erratic mutational reality
that melts into an indiscernible
blotch.
“Courage” by Batman Zavareze
closes the exhibition in a
room adjacent to the main hall,
where the installation finds the
necessary solemnity to deal with
a subject as delicate and moving
as the artist’s wife treatment,
where she poses in two pictures,
one with and the other without
a wig. In the darkened room
with directed light, the images
blown up on canvas show her
after radio and chemotherapy.
It is an impacting work, as the
portrait is still nowadays a
hallmark of individuality and social
representation of the subject.
In both pictures, Mirian stares
directly at the spectator, without
hiding her clinical condition
nor surrendering. Head high,
opened eyes and a subtle smile,
demystify the illness and propose
a rational understanding to the
human being facing the possibility
of death: affection, solidarity,
information. Hair and wigs are
metonymies. When we say hair,
we say body; and when the body
speaks, it speaks of life.
27
­solenidade necessária para tratar de um
tema tão delicado e emocionante: o tratamento da mulher do artista, que se expõe
em duas fotografias, uma com e outra sem
peruca. É uma obra impactante pois até
hoje o retrato é entendido como marca da
individualidade e representação social do
sujeito. Há algumas décadas, os retratos
fotográficos foram apropriados pelos artistas como veículos de narrativas nômades,
que se transformam conforme as transformações do sujeito. Nas duas fotografias,
Mirian encara diretamente o espectador,
sem fugir o olhar de sua condição clínica
e sem se entregar. O queixo alto, os olhos
abertos e um sorriso intenso desmitificam
a doença e oferecem uma maneira do ser
humano se posicionar ante a adversidade:
afeto, solidariedade, informação. Cabelos e
perucas são metonímias. Quando dizemos
cabelos, dizemos corpo. E, se é o corpo
quem fala, aqui ele fala em vida.
Referências References
ARGAN, Giulio Carlo. Arte moderna. São Paulo:
Companhia das Letras, 2004.
BRANDÃO, Junito de Souza. Mitologia grega.
Petrópolis: Vozes, 1997.
DELEUZE, Gilles & GUATTARI, Félix. Mil platôs:
Capitalismo e Esquizofrenia. São Paulo: Editora 34, 2000.
DIDI-HUBERMAN, Georges. Devant l’image. Paris:
Les Éditions de Minuit, 1990.
GORDON, Bervely. Bazaars and fair ladies —
The history of american fundraising fair. Knoxville:
The University of Tennessee Press, 1998.
GREENBERG, Clement. Modernist painting. Disponível em
Available in http://cas.uchicago.edu/workshops/wittgenstein/
files/2007/10/Greenbergmodpaint.pdf. Acessado em 3/8/2009
Accessed in August 3rd, 2009.
__________. Vanguarda e kitsch, in CONTRIM, Cecilia &
FERREIRA, Glória. Clement Greenberg e o debate crítico.
Rio de Janeiro: Funarte/Jorge Zahar Editor, 1997, p. 32-33.
HAUSER, Arnold. História Social da Literatura e da Arte.
São Paulo: Editora Mestre Jou, 1980.
ZOURABICHVILI, François. O vocabulário de Deleuze.
Rio de Janeiro: Relume-Dumará, 2004.
28
38
TOZ, A corda “The rope”, 2015
40
DENISE MORAES, Wig Star, 2015
42
COLETIVO FILHOS DA MÃE, Maria, 2015
44
GABRIELA GUSMÃO, Força das folhas “Strenght of the leaves”, 2015
46
CABELO, Sem título “Untitled”, 2015
48
ALFA SIQUEIRA, Panaceia “Panacea” | Caixa preta “Black box”, 2015
52
DENISE ARARIPE, The wig game, 2015
54
BRUNO VEIGA, Medusa, 2007
Série realizada originalmente para a peça teatral
Traço, de Fábio Ferreira, com a atriz Marina Vianna.
This serie was originally made for the theatre
play “Traço”, from Fabio Ferreira with the actress
Marina Vianna.
56
ANNA BELLA GEIGER, Sobre o rio Nilo “About Nile river”, 2015
60
GUILHERME SECCHIN, Falando pelos cabelos “Speaking with the hair”, 2015
62
63
JEFFERSON SVOBODA, Solidariedade “Solidarity”, 2015
64
BATMAN ZAVAREZE, Coragem “Courage”, 2015
Concepção Conception/Idea Batman Zavareze,
Modelo Model Mirian Peruch, Fotografia Photography
Daniel Mattar, Styling Bebel Morae,
“O correr da vida embrulha tudo.
A vida é assim: esquenta e esfria, aperta e daí
afrouxa, sossega e depois desinquieta.
O que ela quer da gente é coragem.”
Guimarães Rosa, Grande Sertão Veredas
“The flow of life covers everything.
Life is like this: it warms up and cools down, tightens up and then
loosens, soothes and afterwards shakes it all up.
What she wants from us is courage.”
Guimarães Rosa, Grande Sertão Veredas
Assistente de fotografia Photo Assistant Darwin
Campos, Design Leonardo Eyer, Impressão
holográfica Holographic Printing Lenticular Brasil,
Produção gráfica Graphic Production Sidnei Balbino,
Animação Animation Glauber Vianna, Trilha Sonora
Soundtrack Nado Leal, Luz Lights Alessandro
Boschini, Programação tecnológica Technical
Programming Alvaro Uña
ARTI STaS
ALFA SIQUEIRA
Formada em filosofia pelo IFCS/UFRJ,
participou de diversos desfiles entre eles,
Moda por um mundo melhor. Estilista das
marcas Estado Alfa e Boto Rosa, coordena
o projeto social Só dou ponto com nó.
ANNA BELLA GEIGER
Artista carioca, é um dos mais importantes
nomes da arte contemporânea brasileira.
Participou de bienais em Veneza, São Paulo,
Cuenca, do Mercosul e da Frieze Art Fair de
Nova York. Suas obras estão em museus e
coleções particulares de diversas cidades
do mundo.
BATMAN ZAVAREZE
Artista visual, idealizador e curador do
festival audiovisual Multiplicidade, uma das
mais importantes plataformas culturais do
país, que acontece há 11 anos no Rio
de Janeiro.
BRUNO VEIGA
Fotógrafo carioca, com trabalhos na Maison
Européenne de la Photographie (França),
Coleção Joaquim Paiva — MAM do Rio
de Janeiro e Coleção Itaú de Fotografia
Brasileira (SP).
CABELO
Participou da X Documenta de Kassel, da
26a Bienal de SP (2004) e 7a Bienal do
Mercosul (2009). Realizou as exposições
Humúsica (MAM do Rio de Janeiro) e
Obrigado Volte Sempre (Gentil Carioca/RJ)
COLETIVO FILHOS DA MÃE
Núcleo multidisciplinar, baseado em Nova
Friburgo, formado por crianças com idades
entre 5 e 80 anos.
66
ARTISTS
DENISE ARARIPE
Artista plástica carioca, com formação no
Rio de Janeiro, Genebra, Londres e São
Paulo. Tem trabalhos em acervos como os
de Gilberto Chateaubriand e BGA Artes.
DENISE MORAES
Roteirista e diretora de cinema e de TV.
Seu primeiro filme, O Jaqueirão do Zeca,
recebeu os prêmios de Melhor Curta no
Festival do Rio e no Festival do Cinema
Brasileiro em Miami.
GABRIELA GUSMÃO
Artista carioca, mestre em Belas Artes
pelo Transart Institute, da Universidade de
Plymouth (Inglaterra). Seu trabalho circula
em coletivas e individuais no Brasil, na
Europa e nos EUA.
GUILHERME SECCHIN
Artista plástico capixaba, radicado no Rio
de Janeiro. Realizou exposições individuais
e coletivas no Brasil, EUA, França, Itália,
Alemanha, Colômbia, Moçambique e
Equador.
JEFFERSON SVOBODA
Artista curitibano, trabalha com pintura,
cerâmica e escultura. Participou de mostras
no Rio de Janeiro, Curitiba, Belém do Pará e
São Petersburgo, na Rússia.
TOZ
Formado em Arte e Design, é um dos
principais artistas do grafite no país. Além
da street art trabalha igualmente com telas
e instalações e sua obra está presente em
diversas coleções no Brasil e no exterior.
ALFA SIQUEIRA
Alfa studied philosophy at IFCS/UFRJ and
has participated in various fashion shows
including Moda por um mundo melhor. She
is a stylist at Estado Alfa and Boto Rosa and
coordinates the social project Só dou ponto
com nó.
ANNA BELLA GEIGER
This artist from Rio de Janeiro is nowadays
one of the most important names in Brazilian
Contemporary Art. She has participated in
the Biennials of Venice, São Paulo, Cuenca,
Mercosul and in the Frieze Art Fair of New
York. Her work is present in different museums and private collections around the world.
BATMAN ZAVAREZE
Visual artist, creator and curator of the
audiovisual festival Multiplicidade, a main
cultural platform in the country, held in Rio
de Janeiro for the last 11 years.
BRUNO VEIGA
His work is present in many collections,
including the Maison Européenne de la
­Photographie (France), Joaquim Paiva
Collection — Modern Art Museum Rio de
Janeiro and the Itaú Collection of Brazilian
Photography (São Paulo).
CABELO
Artist, singer and composer. He has participated in the X Documenta of Kassel, the XXVI
São Paulo Biennial (2004) and the VII Mercosul Biennial (2009). He has also presented
the exhibitions “Humúsica” (Modern Art
Museum Rio de Janeiro) and “Obrigado Volte
Sempre” (Gentil Carioca/Rio de Janeiro).
DENISE ARARIPE
Artist from Rio de Janeiro. She studied in
Rio de Janeiro, Geneva, London and São
Paulo. Some of her work is present in the
collections of Gilberto Chateaubriand and
BGA Artes.
DENISE MORAES
Screenwriter, film and TV director. Her
first film “O Jaqueirão do Zeca” received
the award to Best Short Film in the Rio de
Janeiro International Film Festival and in the
Brazilian Film Festival of Miami.
GABRIELA GUSMÃO
Artist born in Rio de Janeiro, with a master’s
degree of fine arts by the Transart Institute
of Plymouth University (England). Her work
is part of individual and collective exhibitions
in Brazil, Europe and the USA.
GUILHERME SECCHIN
Artist from Espírito Santo based on
Rio de Janeiro. He has done individual
and collective exhibitions in Brazil, the
USA, France, Italy, Germany, Colombia,
Mozambique and Ecuador.
JEFFERSON SVOBODA
Artist born in Curitiba, painter, ceramist and
sculptor. He participated in exhibitions in
Rio de Janeiro, Curitiba, Belém do Pará and
Saint Petersburg (Russia).
TOZ
Studied Art and Design, he is one of the
most important graffiti artists in the country.
Besides street art, he works with canvas
and art installations, his work is present in
many collections in Brazil and abroad.
COLETIVO FILHOS DA MÃE
Multidisciplinary group from Nova Friburgo,
formed by children ages five to eighty
years old.
67
Exposição EXHIBITION For ça n a pe r uca
CAIXA Cultural Rio de
Janeiro — Galeria 1
De 3 de junho a 26 de
julho de 2015
From June 3rd to July 26th,
2015
Presidenta da República
President of the Republic
Dilma Rousseff
Ministro de Estado
da Fazenda
Finance Minister
Joaquim Levy
Presidente da Caixa
Econômica Federal
President of Caixa
Econômica Federal
Miriam Belchior
exposição
EXHIBITION
Nos termos da Portaria
3083, de 25.09.2013,
do Ministério da Justiça,
informamos o Alvará de
Funcionamento da CAIXA
Cultural RJ: nº 041667,
de 31/3/2009, sem
vencimento.
68
Curadoria Curatorship
Christina Martins
Mauro Trindade
Artistas Artists
Alfa Siqueira
Anna Bella Geiger
Batman Zavareze
Bruno Veiga
Cabelo
Denise Araripe
DENISE MORAES
Gabriela Gusmão
Guilherme Secchin
Jefferson Svoboda
Toz
Pesquisa Research
Betina Dowsley
Expografia Expography
Simone Melo
Cenotécnica
Techno Scenography
Camuflagem
Montagem de obras
Preparator
Dinho Moreira
Márcio Nobre
Montagem de tecnologias
Technologies Mounting
V Guedes
Birô digital Digital Bureau
JPG Digital
Identidade visual e
peças gráficas
Visual Identity and
Printed Matter
Luxdev |
Giselle Macedo
Iluminação Lighting
Infoco Iluminação
Desenho de luz
Lighting Design
Daniel Galvan
Assistente montagem luz
Lighting Mounting Assistant
Neck Vilanova
Pablo Cardoso
Assessoria de imprensa
Press Relations
Verbo Virtual |
Luciana Medeiros
Leila Grimming
Redes sociais
Social Media
RADHA BARCELOS
Seguro Insurance
Foco Art Seguros
Totem fotográfico
Photo Booth
Fotomidia
Buffet
Maré de Sabores
Direção de produção
Production Manager
Anna Ladeira
Produção executiva
Executive Producer
Patrícia Caju
Assistente de produção
Production Assistant
Gabrielle Barbosa
Michelli Giovanelli
Produção Production
Curto Circuito
Produções
Realização Conception
Armazém da
Comunicação
CATÁLOGO
CATALOGUE
Projeto gráfico
Graphic Project
Luxdev |
Giselle Macedo
Fotografia Photography
Daniel mattar
Davi Campana
Luciana Tancredo
Mauro Trindade
Tratamento de imagem
Image Treatment
ôdecasa
Produção gráfica
Graphic Production
Sidnei Balbino
Revisão (português)
Text Revision (Portuguese)
Betina Dowsley
Revisão (inglês)
Text Revision (English)
Betina Dowsley
Thaís Emrich
Henriques
Tradução Translation
Elisa Braunstein
Agradecimentos
ACKNOWLEDGEMENTS
Aline Melo
Angela Moss
Celia Medeiros
Carolina Martins
Brandão
Dilea Frate
Divina Lujan
Fernando Scarpa
Fundação Laço Rosa
Jaime Biaggio
Jakbell
Luiza Scarpa
Marcelle Medeiros
Rogerio Resende
Rodrigo Leão
Sílvio Rabaça
Sonja Figueiredo
Theatro Municipal
do Rio de Janeiro
Professional
Fellows Program
Institute for
Training &
Development – ITD
Agradecimentos
Acknowledgements
Batman Zavareze:
Aos meus pais My parents
(Waldir + Marília), à minha
sogra my mother-in-law
(Theresinha), às minhas
cunhadas(os) my sisters
& brothers-in-law (Chris,
Raquel, Tarcísio, Guto,
Ju, Glória + Ademir), aos
irmãos my brothers (Marcio
+ Bruno), aos médicos
the doctors (Drª Mônica
Schaum, Drª Mônica
Travassos, Drª Angela
Fausto, Laura Campos,
Luciana Fernandes, Drª
Gracy Carneiro, Dr Antônio
Piragibe, Dr Carlos
Augusto/Cacá), à Ângela
Huang, à Mônica Coelho,
às escolas the schools
(Sá Pereira + Mimo), às
babás the baby-sitters
(Simone, Fátima, Aline +
Lu), aos amigos do peito
my friends from the heart
(Denise, Maria Arlete,
Eduardo Rieche + Roberto
Guimarães, Bia Lessa +
Dany Roland, Siri + Deb,
Danni + Steph, Roberta
Ciasca, Leo + Adriana,
Bebel + Daniel, Helcio
+ Jenny, Bebeto + Yamê,
Fabio + Tathi, Patricia,
Raquel, Brenno, Hugo,
Nayse, Renato, Santi,
Marcia, Bia, Cesar, Ailton,
Luciana, Tânia, Karen, Vilma,
Lipiani, Glauber, Nado,
Billy, Cora + Sergio). À
praia de Angra e à mata de
Mauá que também curam.
Angra’s beach and Mauá
forest that can be healing
as well.
709.81
F697
Força na peruca.- Rio de Janeiro : Armazém da
Comunicação, 2015.
68p. : il. (algumas col.) ; 20cm.
Curadoria: Christina Martins, Mauro Trindade
Catálogo da Exposição “Força na Peruca”, realizada de 2 de junho a 26 de julho de 2015, na Caixa
Cultural, Rio de Janeiro.
Texto em português e inglês
Bibliografia: p.26
ISBN : 978-85-69416-00-5
1. Arte brasileira – Séc. XXI – Exposições. 2.
Perucas – Exposições. 3. Perucas na arte –
Exposições. 4. Cabelo na arte – Exposições. I. Martins,
Christina, 1965-. II. Trindade, Mauro, 1963-.
produção
production
apoio
PARTNERS
realização
Conception
Patrocínio
sponsorship