hangar - Africa.Cont

ENTRADA LIVRE/FREE ENTRANCE
30.04 – 09.07.2016
HANGAR
KIN
The Suit, Lebohang Kganye, 2013
Curadoria/Curator: Eva Langret
Lebohang Kganye
Mary Evans
Phoebe Boswell
ruby onyinyechi amanze
Senzeni Mthwakazi Marasela
Virginia Chihota
INAUGURAÇÃO/OPENING
30 Abril/30th April 2016
19h–24h/7pm to 12pm
Visita à exposição com a curadora Eva Langret
Visit to the exhibition with Curator Eva Langret
20h/8pm
Programa Paralelo/Parallel Program
O programa paralelo tem por objetivo trazer
as questões globais levantadas pela exposição
até uma dimensão mais local, de Portugal e
do contexto lusófono.
The parallel program intends to bring the global
issues raised by this exhibition to a local dimension
of Portugal and its Lusophone context
2 Maio/2nd May – 19h/7pm
Artist Talk com/with Phoebe Boswell
2 Junho/2nd June – 19h/7pm
Seminário/Seminar PERSONAL GEOGRAPHIES,
ART AND THE SELF, com/with Christabelle
Peters, Giulia Lamoni e Carlos Garrido
Castellano. Organizado por/Organized by
Mónica de Miranda
3 Junho/3rd June – 18h/6pm
Visita à exposição com Bruno Leitão
Visit to the exhibition with Curator Bruno Leitão
HANGAR Centro de Investigação Artística
Rua Damasceno Monteiro, 12 r/c
1170-112 Lisboa
Tel. +351 218 871 481 | 967 209 639
[email protected]
Programa Educativo/Education Program
Ana de Almeida | 938 439 060
[email protected]
Horários: quarta-feira a sábado, 15h–19h
Opening times: wednesday to saturday, 3pm–7pm
Entrada livre/Free entry
Curadoria/Curator: Eva Langret
Organização/Organization: HANGAR | Xerem
Coprodução/Co-production: AFRICA.CONT/CML
KIN tem o apoio de/The KIN exhibition is
supported by: Ministério da Cultura - Direção
Geral das Artes, BIPZIP Parcerias Locais,
Fundação Calouste Gulbenkian
www.hangar.com.pt
www.africacont.org
Programa Mini-Hangar/Education program
Sábados/Saturdays
“Histórias de Família” – workshops de
desenho e fotografia para crianças com os
artistas angolanos Hamilton Francisco Badu
e Ingrid Fortez e com a artista moçambicana
Eugénia Mussa. Organizado por Ana de
Almeida.
Family histories – drawing and photography
workshops for kids with angolan artists Hamilton
Francisco Badu and Ingrid Fortez, and
Mozambique-Portuguese artist Eugénia Mussa.
Organized by Ana de Almeida.
7 Maio/7th May – 15h–18h/3pm to 6pm
Hamilton Francisco Badu
14 Maio/ 14th May – 15h–18h/3pm to 6pm
Ingrid Fortez
21 Maio/21th May – 15h–18h/3pm to 6pm
Eugénia Mussa
Eva Langret é curadora em Londres. Cresceu
em Paris e mudou-se para Londres em 2005.
Trabalhou em: 198 Gallery, The Delfina
Foundation, The Wapping Project (Bankside).
Atualmente trabalha na Tiwani Contemporary,
onde é Head of Exhibitions & Artist Liaison.
Eva Langret is a London-based curator. She grew
up in Paris and moved to London in 2005. She has
previously held positions at the 198 Gallery, The
Delfina Foundation, The Wapping Project (Bankside)
and currently at Tiwani Contemporary, where she
is Head of Exhibitions & Artist Liaison.
Lebohang Kganye (n. 1990, Katlehong) vive e
trabalha em Joanesburgo, África do Sul. Kganye
deu início aos seus estudos de fotografia em
2009 no Market Photo Workshop, completou
o Advanced Photography Programme em
2011 e atualmente estuda Belas Artes na
University of Johannesburg. Nos últimos
cinco anos tem participado em masterclasses
de fotografia e em exposições coletivas,
tanto localmente como internacionalmente.
Kganye foi galardoada com o Tierney
Fellowship Award em 2012, que ocasionou
a sua exposição individual Ke Lefa Laka,
na Market Photo Workshop Gallery. A artista
criou uma animação a partir da série que
foi lançada no Dia de Mandela em 2014,
na Escócia. Kganye foi posteriormente
selecionada para os prémios da 17th Business
and Arts South Africa Awards em 2014.
Lebohang Kganye (b. 1990, Katlehong) is an artist
living and working in Johannesburg, South Africa.
Kganye began her photography studies in 2009
at the Market Photo Workshop and completed
the Advanced Photography Programme in 2011
and is currently studying Fine Arts at the University
of Johannesburg. Over the past five years she has
participated in photography masterclasses and
group exhibitions locally and internationally.
Kganye was the recipient of the Tierney Fellowship
Award in 2012, leading to her solo exhibition Ke
Lefa Laka at the Market Photo Workshop Gallery.
She created an animation from the series which was
launched on Mandela Day 2014 in Scotland. Kganye
was then selected as the Featured artist for the 17 th
Business and Arts South Africa Awards in 2014.
Nascida em 1963, Mary Evans mudou-se em
criança da Nigéria para a Inglaterra. Evans
estudou Belas Artes no Goldsmiths College e
na Rijksakademie em Amsterdão. Participou
em numerosas exposições no Reino Unido e
internacionalmente, incluindo as exposições
individuais Cut and Paste, Tiwani Contemporary,
Londres (2012); Meditations, Baltimore
Museum of Art, EUA (2008); Scope, Cafe Gallery
Projects, Londres (2001); Filter, Leighton
House Museum, Londres (1997); assim como
as exposições coletivas Africa Utopia, South
Bank Centre (2014); Where do I end and you
begin, Edinburgh Art Festival (2014); Feast:
Radical Hospitality in Contemporary Art,
Blaffer Art Museum, Houston University,
EUA (2013); Art Dubai Commission (2013),
Farewell to Post-Colonialism, 3 rd Guangzhou
Triennale, Guangdong Museum of Art, China
(2008); Port City, Arnolfini, Bristol (2007).
Foi galardoarda com várias residências e
prémios, incluindo: Arts and Literary Arts
Residency, na Rockefeller Foundation
Bellagio Center (2014) e The Smithsonian
Artist Research Fellowship, National Museum
of African Art, Washington DC, EUA (2010).
Evans leciona como Associate Lecturer no
Central Saint Martins College of Art and
Design em Londres.
Born in 1963, Mary Evans moved from Nigeria
to England at a young age. Evans studied Fine
Art at Goldsmiths College and the Rijksakademie,
Amsterdam. She has taken part in numerous
exhibitions in the UK and internationally,
including solo exhibitions Cut and Paste, Tiwani
Contemporary, London (2012); Meditations,
Baltimore Museum of Art, USA (2008); Scope,
Cafe Gallery Projects, London (2001); Filter,
Leighton House Museum, London (1997); as well
as group exhibitions such as Africa Utopia, South
Bank Centre (2014); Where do I end and you
begin, Edinburgh Art Festival (2014); Feast:
Radical Hospitality in Contemporary Art, Blaffer
Art Museum, Houston University, USA (2013);
Art Dubai Commission (2013), Farewell to PostColonialism, 3rd Guangzhou Triennale, Guangdong
Museum of Art, China (2008); Port City, Arnolfini,
Bristol (2007). She has been the recipient of
several residencies and awards, including Arts
and Literary Arts Residency at the Rockefeller
Foundation Bellagio Center (2014) and The
Smithsonian Artist Research Fellowship, National
Museum of African Art, Washington DC, USA
(2010). Evans teaches as an Associate Lecturer
at Central Saint Martins College of Art and Design
in London.
Phoebe Boswell (n. 1982, Kenya) vive e
trabalha em Londres. Nascida em Nairobi,
a sua mãe é da etnia Kikuyu e o seu pai é
britânico queniano de quarta geração, cresceu
no Médio Oriente antes de ir para Londres.
A sua trajetória está sempre ancorada numa
exploração pessoal daquilo que é o “lar”,
combinando o desenho tradicional e a
tecnologia digital para criar desenhos,
animações e instalações por forma a
comunicar narrativas globais e fragmentadas.
Boswell estudou Pintura na Slade School of
Art e Animação 2D na Central St Martins,
Londres. Expôs na Carroll / Fletcher, Kristin
Hjellegjerde, Royal Academy, Bonhams e Mall
Galleries. Em 2012 foi nomeada para a Art
Foundation’s Animation Fellowship e foi a
primeira galardoada com a Sky Academy
Arts Scholarship. Em 2015 foi Artista em
Residência na Florence Trust e participou
na Gothenburg International Biennial of
Contemporary Art. Em 2016 irá participar na
Biennial of Moving Images 2016 em Genebra,
na 1:54 Art Fair NYC.
Phoebe Boswell (b. 1982, Kenya) currently lives
and works in London. Born in Nairobi to a Kikuyu
mother and fourth generation British Kenyan
father, and brought up in the Middle East before
coming to London, Boswell’s trajectory is always
anchored to a personal exploration of “home”.
She combines traditional draftsmanship and
digital technology to create drawings, animations
and installations which communicate global,
fragmented narratives. Boswell studied Painting
at the Slade School of Art and 2D Animation at
Central St Martins, London, and has exhibited at
Carroll / Fletcher, Kristin Hjellegjerde, the Royal
Academy, Bonhams, and the Mall Galleries. In 2012,
Boswell was nominated/shortlisted for the Art
Foundation’s Animation Fellowship and was the
first recipient of the Sky Academy Arts Scholarship.
She was a Florence Trust Artist-in-Residence, and
participated in the Gothenburg International
Biennial of Contemporary Art, both in 2015. This
year, she will participate in the Biennial of Moving
Images 2016 in Geneva, in 1:54 Art Fair NYC.
ruby onyinyechi amanze é uma artista visual
cuja prática artística centra-se essencialmente
no desenho e obras em papel. Os seus
desenhos exploram questões de hibridez,
nomadismo e narrativas não lineares, através
da criação de mundos surreais habitados por
criaturas que, noutros contextos, pareceriam
deslocadas. amanze nasceu na Nigéria em
1982. Passou treze anos no Reino Unido, antes
de se mudar para os EUA. Em 2004, amanze
obteve o seu B.F.A., Summa Cum Laude, na
Tyler School of Art, Temple University, e em
2006 obteve o seu M.F.A. pela Cranbrook
Academy of Art, Bloomfield Hills, Michigan.
Após licenciar-se, amanze começou a lecionar
na Drexel University, antes de se tornar
Diretora de Educação no Museum of
Contemporary African Diaspora, em Brooklyn.
Em 2012, amanze ganhou o prestigiado
Prémio Fulbright Scholars pelo seu trabalho de
pesquisa e ensino de desenho contemporâneo
na University of Nigeria, Nsukka. Tem
contribuído com a sua perspetiva sobre
desenho e arte contemporânea em África,
em conversas na Yale University, Columbia
University, BBC e no Centre for Contemporary
Art, Lagos (CCA Lagos). Exposições recentes
incluem A Constellation, The Studio Museum
em Harlem, EUA (2015); The Ease of Fiction,
CAM Raleigh, EUA (2016); Speaking Back,
Goodman Gallery, Cidade do Cabo, África do Sul
(2015) e Mutations, Tiwani Contemporary,
Londres (2015).
ruby onyinyechi amanze is a visual artist whose
practice is primarily centred around drawing and
works on paper. Her drawings explore issues of
cultural hybridity, nomadism and non-linear
narrative, by creating a surreal world that
otherwise displaced creatures inhabit. amanze
was born in Nigeria in 1982. She immediately
relocated to the UK, where she spent the next
thirteen years, prior to moving to the USA. In 2004,
amanze earned her BFA, Summa Cum Laude,
from Tyler School of Art, Temple University and,
in 2006, her MFA from Cranbrook Academy of Art,
Bloomfield Hills, Michigan. Upon graduating,
amanze began teaching at Drexel University,
before becoming the Director of Education at the
Museum of Contemporary African Diasporan Arts
in Brooklyn, NY. In 2012, amanze received the
prestigious Fulbright Scholars Award to research
and teach contemporary drawing at the University
of Nigeria, Nsukka. She has also contributed her
voice to the conversation on both drawing and
contemporary art from Africa, at Yale University,
Columbia University, the BBC and the Centre for
Contemporary Art, Lagos (CCA Lagos). Recent
exhibitions include A Constellation, The Studio
Museum in Harlem, USA (2015); The Ease of Fiction,
CAM Raleigh, USA (2016), Speaking Back, Goodman
Gallery, Cape Town, South Africa (2015) and
Mutations, Tiwani Contemporary, London (2015).
Nascida em 1977 em Boksburg, África do Sul,
Senzeni Mthwakazi Marasela estudou na
University of the Witwatersrand, Joanesburgo,
onde obteve um BA em Fine Arts em 1998.
Tem participado em inúmeras exposições na
África do Sul e foi artista em residência em
Iziko, South African National Gallery, Cidade
do Cabo, em 2000. Em 2002 Marasela recebeu
a Thami Mnyele Scholarship. Uma seleção das
suas exposições coletivas inclui: Body and the
Archive, Artists’ Spaces, New York, 2003; AIDS
in Africa, Wesleyan Women’s College, Boston,
2002; Upstream Public Art Exhibition, Umea,
Sweden, 2000; Portrait Afrika, Haus der
Kulturen der Welt, Berlin, 2000; Translation/
Seduction/Displacement, White Box, New
York, 2000; Margins in the Mainstream,
Namibian National Gallery, Windhoek, 2000;
Art Region End of Africa (A.R.E.A.), Listasafn
Reykjavikur Kjarvalsstadir, Reykjavik, 2000;
Truth Veils, Gertrude Posel Gallery, University
of the Witwatersrand, Joanesburgo, 1999.
Born in 1977 in Boksburg, South Africa, Senzeni
Mthwakazi Marasela studied at the University
of the Witwatersrand, Johannesburg where she
obtained a BA Fine Arts degree in 1998. She has
taken part in numerous South African shows and
was an artist in residence at Iziko, the South
African National Gallery, Cape Town in 2000. In
2002, Marasela was recipient of the Thami Mnyele
Scholarship. Selected group exhibitions include
Body and the Archive, Artists’ Spaces, New York,
2003; AIDS in Africa, Wesleyan Women’s College,
Boston, 2002; Upstream Public Art Exhibition,
Umea, Sweden, 2000; Portrait Afrika, Haus der
Kulturen der Welt, Berlin, 2000; Translation/
Seduction/Displacement, White Box, New York,
2000; Margins in the Mainstream, Namibian
National Gallery, Windhoek, 2000; Art Region
End of Africa (A.R.E.A.), Listasafn Reykjavikur
Kjarvalsstadir, Reykjavik, 2000; Truth Veils,
Gertrude Posel Gallery, University of the
Witwatersrand, Johannesburg, 1999.
Virginia Chihota nasceu em 1983, em
Chitungwiza, Zimbabwe, e atualmente vive e
trabalha em Podgorica, Montenegro. Formou-se
em Belas Artes pelo National Art Gallery Studios
em Harare, Zimbabwe, em 2006. Chihota
representou o Zimbabwe na 55a Bienal de
Veneza em 2013 e foi galardoada com o Prix
Canson no mesmo ano. Exposições recentes
incluem Goodman Gallery, Cape Town (2015),
Saatchi Gallery (2015), Kunsthalle Faust,
Hannover (2014), Neuer Berliner Kunstverein
(2014) e Lyon Biennale (2011).
Virginia Chihota was born in 1983 in Chitungwiza,
Zimbabwe and currently lives and works in
Podgorica, Montenegro. She graduated in Fine Arts
from the National Art Gallery Studios in Harare,
Zimbabwe in 2006. Chihota represented Zimbabwe
at the 55th Venice Biennale in 2013 and was
awarded the Prix Canson in the same year. Recent
exhibitions include Goodman Gallery, Cape Town
(2015), Saatchi Gallery (2015), Kunsthalle Faust,
Hannover (2014), Neuer Berliner Kunstverein
(2014) and the Lyon Biennale (2011).
KIN é uma exposição que reúne 6 artistas
contemporâneas internacionais: ruby
onyinyechi amanze, Phoebe Boswell,
Virginia Chihota, Mary Evans, Lebohang
Kganye e Senzeni Mthwakazi Marasela.
As obras apresentadas debruçam-se
essencialmente sobre narrativas pessoais,
tomando como ponto de partida uma
noção geral de família – aquela em que
nascemos, aquela que fazemos para nós
– e a história de família, para articular
noções de eu no âmbito de contextos
interpessoais e enquadramentos
históricos e sociais mais amplos.
Pesquisando genealogias, desvelando
narrativas familiares que atravessam
gerações, considerando a herança
partilhada com familiares ou a
experiência do comum com os nossos
pares, as obras em exibição sublinham o
papel central que as nossas relações têm
para a nossa própria educação. Ao falar
em parentesco e na ligação aos outros,
as artistas participantes questionam os
amplos processos de relato e interpretação
dos acontecimentos e negoceiam o
intervalo entre o universo do pessoal,
do íntimo, da experiência subjetiva, e as
narrativas coletivas ou aparentemente
oficiais. Nas ciências sociais, a perceção
de que as vidas dos indivíduos comuns
têm um valor significativo no entendimento
dos processos históricos de mudança
e das sociedades contemporâneas
adquiriu importância recentemente.
Artistas e investigadores têm dado uma
importância central às narrativas
pessoais por estas permitirem olhar os
acontecimentos sob uma nova luz, de
formas frequentemente ignoradas pelos
enquadramentos tradicionais da análise
histórica. As obras nesta exposição são
de natureza profundamente pessoal
e sugerem uma história diferente,
sussurrando verdades íntimas para
lá de generalizações e declarações
arrebatadoras. Sem remorsos e com uma
honestidade constrangedora, as artistas
em KIN fazem uso do eu como o seu
principal objeto de estudo, olhando em
profundidade para as suas histórias e
convidando o espetador a refletir sobre
a sua própria história.
KIN is an exhibition which brings together
six international contemporary artists: ruby
onyinyechi amanze, Phoebe Boswell, Virginia
Chihota, Mary Evans, Lebohang Kganye and
Senzeni Mthwakazi Marasela. The works
presented focus on personal narratives,
while broadly considering the notion of
family – those we are born into, those we
make for ourselves – and the family story
as a starting point to articulate notions
of self within interpersonal contexts and
broader historical and social frameworks.
Delving into genealogies, uncovering family
narratives across generations, considering
shared heritage with relatives or a
commonality of experience with peers,
the works on display highlight the central
role of the relationships we have in
nurturing ourselves. In speaking of
relatedness and connections to others,
participating artists often question wider
processes of interpreting and reporting
on events and negotiate the gap between
the realm of the personal, the intimate,
subjective experience, and wider collective,
or seemingly official narratives. Complex,
personal and multilayered by nature, the
works in this exhibition unveil a different
story, whispering intimate truths in response
to generalizations and sweeping statements.
Eva Langret
Caminante, son tus huellas
el camino y nada más;
caminante, no hay camino,
se hace camino al andar.
(Antonio Machado, 1909)
Já seis anos antes do poeta andaluz, o
pensador e ativista norte-americano W.E.B.
Dubois cunhava o conceito de “dupla
consciência” para dar conta da condição
dos americanos de ascendência africana.
E antevia que ela seria o problema definidor
do século XX. Foi e estendeu-se, alargando-se
pelo nosso tempo. As obras das seis artistas
desta exposição, conjugando memórias,
histórias, fantasias, lugares, tempos, aqui
estão agora, desta vez “múltiplas
consciências”.
Six years before the Andalusian poet, W.E.B.
Dubois, a thinker and American activist, coined
the concept of “double consciousness” to account
for the condition of African descent Americans.
Dubois foresaw that it would be the defining
problem of the twentieth century. It was indeed,
and still remains just as prevalent now, extending
through time to the present. The works of the six
artists in this exhibition combine memories, stories,
fantasies, places and times. They exist now, though
this time in the form of “multiple consciousness”.
José António B. Fernandes Dias
Africa.Cont
HANGAR
Equipa/Team
Direção Artística/Artistic Director
Mónica de Miranda
Direção de Curadoria/Curator Director
Bruno Leitão
Produção/Production Manager
Andreia Páscoa
Programa Educativo/Education Program Director
Ana de Almeida
Estagiários/Interns
Joana Louro, Imogen Watson, Mavreta Vanderou,
Tanja Jojic, Simona Ševčenkaitė, Mark Prelec
HANGAR tem o apoio financeiro de/
Hangar is funded by:
Ministério da Cultura - Direção-Geral das Artes,
Programa BipZip Parcerias Locais, Direção
Municipal de Cultura da Câmara Municipal
de Lisboa, Fundação Calouste Gulbenkian,
Triangle Network
Parceiros/Partners
Centro de Estudos Comparatistas da Faculdade
de Letras da Universidade de Lisboa, Gasworks
(Londres), Beyond Entropy, Orfeu Negro
Agradecimentos/Acknowledgements
Tiwany Contemporary
AFRICA.CONT – José António B. Fernandes Dias,
Paula Nascimento, João G. Rapazote
Lebohang Kganye
ruby onyinyechi amanze
Virginia Chihota
The Pied Piper, from the series Ke Lefa Laka, 2013
Impressão jato de tinta sobre papel de
algodão, 64 x 90 cm; Edição de 5 + 1AP
Inkjet print on cotton rag paper, 64 x 90 cm;
Edition of 5 + 1AP
Astroturf rooftop picnics (Lagos), ghana must
go (bags) somewhere, anywhere- overweight
luggage unpacked at airport counters, isn’t a
chandelier like a plant? a delicate semblance of
permanence. neon hearts. we all have them, 2015
Tinta, acrílico fluorescente, grafite, lápis de cor,
transfers de fotografias, pigmento metálico
e glitter sobre papel, 182.88 x 303.53 cm
Ink, fluorescent acrylic, graphite, coloured pencils,
photo transfers, metallic pigment and glitter on
paper, 182.88 x 303.53 cm
Before you take the key allow me to...
(usati watora kiyi nditendere ndi...), 2013
Serigrafia sobre papel, 120 x 80 cm cada
Screen print on paper, 120 x 80 cm each
The Suit, from the series Ke Lefa Laka, 2013
Impressão jato de tinta sobre papel de
algodão, 90 x 64 cm; Edição de 5 + 1AP
Inkjet print on cotton rag paper, 90 x 64 cm;
Edition of 5 + 1AP
Notas sobre a obra:
Apesar de ser principalmente fotógrafa,
a fotografia de Kganye incorpora com
frequência o seu interesse pela escultura e
performance do arquivo e memória. Kganye
confronta as suas fotografias colecionadas
e alteradas, fotografias da artista e da sua
família, como material tanto para a memória
como para a fantasia. A artista explora a
história ficcional através do uso de arquivos
para fundir personagens ilusórias com
personagens “reais”, criando um novo
universo. Em Ke Lefa Laka (2013), Kganye
encena episódios da história do seu avô e
constrói uma narrativa visual na qual os dois
se encontram, através do uso de manequins
recortados, em tamanho real, representando
as diversas personagens que se relacionam
com a artista em várias histórias de família.
Tomando as fotografias de família como
ponto de partida, a série propõe uma história
ficcional, baseada no arquivo pessoal
e misturando personagens ilusórias
e personagens “reais” num universo
imaginário. Nestas narrativas fictícias,
a artista é a única personagem “real” que, por
sua vez, adota a persona do seu avô, vestida
com um fato completo (a indumentária com
que tipicamente aparecia vestido nas
fotografias de família) e calçando o seus
sapatos (ambos, vários números acima do
da artista). Enquanto o projeto documenta a
história pessoal da artista e atravessa gerações
da família da sua mãe, ecoa simultaneamente
a história da África do Sul, uma vez que a
família de Kganye foi desenraizada e
realojada devido às leis do apartheid.
Organização
Coprodução
Estrutura financiada por
Notes about work:
Although primarily a photographer, Kganye’s
photography often incorporates her interest in
sculpture and performance of the archive and
memory. She confronts her collected and altered
photographs; the artist’s and her family’s, as
material for both memory and fantasy. She
explores fictional history by using archives to
merge illusive characters with “real” characters
in a new universe. In Ke Lefa Laka (2013), Kganye
enacts episodes of her grandfather’s story and
constructs a visual narrative in wich they meet,
through the use of life-size flat-mannequins of the
characters relating to her in various family stories.
Using family photographs as starting point, the
series proposes a fictional history, based on the
personal archive and merging illusive characters
with “real” characters in an imaginary universe.
In these fictive narratives, the artist is the only
“real” person taking on the persona of her
grandfather, dressed in a suit (a typical garment
that he often appeared wearing in the family
photographs) and “walking in shoes” (both oversized). While the project documents the artist’s
personal history and straddles generations of her
mother’s family, it resonates with the history of
South Africa, as Kganye’s family was uprooted and
resettled as a result of apartheid laws and the
amendment of land acts.
Mary Evans
The Bronze Collection, 2014
Técnica mista sobre papel, 30 x 40 cm
Técnica mista sobre papel, 30 x 40 cm
Notas sobre a obra:
A interrelação entre memória e história é
central na prática de Evans. Os seus padrões,
signos, símbolos e pictogramas são tirados
da cultura popular e articulam o foco da sua
pesquisa, centrada nos enquadramentos
sociais, políticos e históricos da diáspora e
da migração. The Bronze Collection é uma
série de recortes em papel que representam
retratos em silhueta das irmãs de Evans,
tomando a tradição clássica do retrato como
forma de questionar ideias em torno da
representação, da mudança cultural e da
globalização. A obra evoca a tradição dual
e partilhada de Evans e das suas irmãs, e cita
a tradição europeia dos séculos XVIII e XIX
dos retratos em silhueta, assim como os bustos
comemorativos em bronze do Benin medieval.
Em The Bronze Collection, Evans sublinha a
interseção entre “belas artes”, “artesanato”,
“decoração” e “ornamento”.
Notes about the work:
The interplay between memory and history is
central to Evans’ practice. Her pattern, signs,
symbols and pictograms are borrowed from
popular culture and articulate her research focus,
which is centered on the social, political and
historical frameworks of diaspora and migration.
The Bronze Collection is a series of cut paper
silhouette portraits of Evans’ sisters, building on
the classical tradition of portraiture to question
ideas around representation, cultural change and
globalisation. The work evokes Evans and her
sisters’ shared, dual heritage, and refers to the 18 th
and 19 th century European tradition of silhouette
portraits, as well as commemorative bronze
brass heads from medieval Benin. In The Bronze
Collection, Evans highlights the intersection
between “fine art”, “craft”, “decoration” and
“ornament”.
Phoebe Boswell
Dadangu, 2016
Instalação vídeo
Video installation
Notas sobre a obra:
Dadangu (2016) explora a intimidade na
relação entre irmãs e a história partilhada.
A instalação, cujo título significa “minha irmã”
em Swahili, mostra a artista, que vive em
Londres, e a sua irmã, no Dubai, a examinar
uma coleção de valiosas fotografias de família,
usando-as como gatilhos para construir a
narrativa das suas vidas partilhadas. Ecoando
a natureza migratória da sua história de
família, o processo de criação da obra envolveu
o envio e reenvio das fotografias entre as
duas irmãs. Elas contam as suas histórias
separadamente e a instalação da peça vem
reunir as suas vozes. Com a sobreposição das
versões das duas irmãs, daquilo que deveria
ser a mesma história, Dadangu explora a
harmonia mas também a inevitável dissonância
que ocorre quando tentamos rememorar algo.
Notes about the work:
Dadangu (2016) is an intimate exploration of
sisterhood and shared history. The installation,
named after the Swahili for ‘my sister’, shows the
artist (based in London) and her sister (based in
Dubai) mining a collection of treasured family
photographs, using these as triggers to explore
the narratives of their shared lives. Echoing the
migratory nature of their family story, the process
of creating the work involved the physical
photographs traveling between the two sisters.
They told their stories separately, and their
voices are brought together in the installation.
In overlapping the two sisters’ versions of what
should be the same stories, Dadangu explores the
harmony but also the inevitable disconnect and
dissonance of personal memory.
Avoid the red ants as you climb (Twin) while
ada and audre soar, 2015
Grafite, transfers de fotografias, acrílico
fluorescente, tinta e lápis de cor sobre papel,
182.88 x 316.84 cm
Graphite, photo transfers, fluorescent acrylic, ink
and coloured pencils on paper, 182.88 x 316.84 cm
Notas sobre a obra:
Num espaço outrora em conflito, onde não
existe aqui ou ali, ada – a Extraterrestre –
e a sua corte de criaturas familiares
(incluindo audre – o Leopardo –, Pidgin, Twin,
Oyibo – o Tritão –, ofunne e os Fantasmas)
florescem agora no seu universo quimérico
autoconstruído. Estes desenhos são parte de
uma narrativa não linear, em produção,
chamada extraterrestres, híbridos e fantasmas,
que narra os hábitos maldosos e as brincadeiras
de ada e da sua família. Existindo algures
entre uma realidade construída, fantasia,
memória e imaginação, esta família de
criaturas e as suas aventuras refletem os
vários níveis de experiências das pessoas que
vivem entre mundos e cuja identidade fluída
não está enraizada numa geografia única
ou numa noção “fixa” de lar. Neste espaço,
as criaturas encontram autenticidade,
completude e liberdade na sua capacidade
de pertencerem, simultaneamente, a toda
a parte e a parte alguma. Neste mundo, as
criaturas jogam.
Notes about the work:
In a once conflicted space of neither here nor
there, ada the Alien and her cohort of kindred
creatures [including audre the Leopard, Pidgin,
Twin, Oyibo the Merman, ofunne & the Ghosts...]
now flourish in their self-constructed, chimeric
universe. The drawings are part of an ongoing,
non-linear narrative called aliens, hybrids and
ghosts which chronicles the mischievous routines
and playful activities of ada and her family.
Existing somewhere between constructed reality,
fantasy, memory and imagination, this family of
creatures and their adventures reflect the layered
experiences of people who live in-between worlds
and whose fluid identity is not grounded in a
singular geography or a “fixed” notion of home.
In this space the creatures find authenticity,
wholeness and freedom in their ability to
simultaneously belong nowhere and everywhere.
In this world, they play.
Senzeni Mthwakazi Marasela
Intsomi zakwaXhosa - Fables and fairy tales
of Xhosa people
Documentação vídeo da performance, no
Johannesburg Pavilion durante a 56a Bienal
de Veneza, 2015
Créditos do vídeo/Realização: Roelof Petrus
van Wyk, para o Pavilhão de Joanesburgo na
56ª Bienal de Veneza, 2015. Curador: Roelof
Petrus van Wyk
Fotografia: Nico Krijno
Video documentation of performance, staged by
the Johannesburg Pavilion at the 56 th Venice
Biennale, 2015
Video credits/Director: Roelof Petrus van Wyk,
for the Johanesburg Pavilion at the 56th Venice
Biennale, 2015. Curator: Roelof Petrus van Wyk
Photo: Nico Krijno
Notas sobre a obra:
Em 2003, Senzeni Mthwakazi Marasela deu
incío a um projeto intitulado “Theodorah
comes to Johannesburg“. Este projeto
múltiplo, que inclui performance, fotografia
e serigrafia, tem origem na história do
alter-ego de Marasela, um personagem
fictício que dá pelo nome de Theodorah
Hlongwane, em honra da mãe da artista.
Inspirada pelo romance de Njabulo Ndebele
“The Cry of Winnie Mandela” (2003),
Marasela concebeu Theororah como uma
mulher que toma conta do seu marido,
Gebane. Através de Theodorah, Marasela
explora a história universal das mulheres
à espera, em particular as mulheres que
esperam pelo regresso dos seus maridos.
Em 2015, noutro episódio da sua história,
Theodorah viajou até Veneza em busca de
Gebane. Marasela, em personagem, como
Theodorah, lê fábulas e contos de fadas
escritos em Xhosa, um língua que ela não
consegue exatamente ler ou compreender,
numa praça pública em Veneza, durante a
bienal, como parte de um programa de
performances e eventos com curadoria
do Pavilhão de Joanesburgo. O vídeo é a
documentação da performance. No seu papel
como Theodorah, Marasela usa um vestido
Seshoeshoe, um peça de vestuário usada
pelas mulheres casadas no Lesotho. Desde
que o projeto começou em 2013, a artista usa
vestidos Seshoeshoe diariamente. A artista
usa também o Twitter @ArtistSenzeni para
documentar a viagem para encontrar Gebane
e durante a qual, se tudo correr bem, também
encontrará Theodorah.
Notes about the work:
In 2003, Senzeni Mthwakazi Marasela started a
project titled ‘Theodorah comes to Johannesburg’.
This manifold project, which includes performance,
photography and printmaking, originates in the
story of Marasela’s alter-ego, a fictional character
named Theodorah Hlongwane, after the artist’s
mother. Inspired by Njabulo Ndebele’s novel
‘The Cry of Winnie Mandela’ (2003), Marasela
conceived Theodorah as a woman looking for her
husband, Gebane. Through Theodorah, Marasela
explores the universal story of women’s waiting,
in particular women who have waited for their
husbands to return. In 2015, in another episode
of her story, Theodorah travelled to Venice in
search of Gebane. Marasela, in character as
Theodorah, read fables and fairy-tales written
in Xhosa, a language that she can neither readily
read nor understand, on a public square in Venice,
during the biennale, as part of a programme
of performances and events curated by the
Johannesburg Pavilion. This video is documentation
of the performance. In her role as Theodorah,
Marasela wears a Seshoeshoe dress, a piece of
clothing worn by married women in Lesotho. Since
the project started in 2013, the artist has been
wearing Seshoeshoe dresses daily. She also uses
Twitter @ArtistSenzeni to document the journey
towards finding Gebane and hopefully Theodorah
in the process.
Notas sobre a obra:
Ao longo dos últimos anos, Chihota tem
vindo a examinar a sua vida, nomeadamente
a sua recente experiência de casamento
e de maternidade, e transformou os seus
pensamentos num corpo de obras em papel
de uma notável ressonância simbólica, repletas
de alusões à vida quotidiana e simbolismo
religioso e folclórico. Trabalhando em
gravura e desenho, a artista observa a figura
humana e representa-a com grande força
expressiva. Esta série toma como ponto de
partida as suas reflexões sobre o corpo e
explora a relação entre o eu e o outro, o eu
e o meio ambiente em relação à subjetividade
feminina. Com Before you take the key allow me
to... Chihota evoca a intimidade, a privacidade,
o secretismo do lar e a ligação entre as esferas
do público e do privado. As gravuras
monocromáticas de Chichota geralmente
retratam a figura humana, isolada ou presa
dentro de membranas, semelhantes ao útero,
de cores translúcidas e padrões manchados
de tinta. As suas linhas fortes e o jogo com
transparências sublinham o seu excecional
talento para as técnicas de impressão e
transmitem a sua autoridade, tanto quanto a
vulnerabilidade e ansiedade dos seus sujeitos.
O seu trabalho surge a partir de uma resposta
pessoal às relações e representa um mundo
de desejos ilimitados no qual o sujeito encontra
sempre limitações. Deixa a nu experiências
pessoais extraídas da vida da artista como
mulher, como mãe e como esposa, à medida
que ela sobe aos píncaros da beleza, investiga
visões de terror e compartilha conosco
epifanias de amor e solidão.
Notes about the work:
Over the past years, Chihota has examined her
life, recently her experience of marriage and
motherhood, and has transformed her thoughts
into a body of works on paper of striking symbolic
resonance, rife with allusions to everyday life, and
religious and folkloric symbolism. Working across
printmaking and drawing, she observes the
human figure and depicts it with expressive force.
This series takes her meditations on the body as
a departure point, and explores the connection
between self and other, and self and environment
in relation to female subjectivity. With Before
you take the key allow me to... Chihota evokes
intimacy, privacy and secrecy at home and the
boundary between private and public spheres.
Chihota’s monoprints often depict the human
form, isolated or trapped within womb-like
membranes of translucent colours and inky
patterns. Her bold line and play with transparency
highlight her exceptional skills as a printmaker,
and convey her authority as much as her subjects’
vulnerability and anxiety. The work comes out of a
personal response to relationships and represents
a world of boundless desires in which the subject
always encounters limitations. It lays bare
personal experiences drawn from the artist’s life
as a woman, a mother and a wife, as she rises to
heights of beauty and delves into visions of horror
and shares with us epiphanies of love and solitude.
design: Arne Kaiser
The Alarm, from the series Ke Lefa Laka, 2013
Impressão jato de tinta sobre papel de
algodão, 64 x 90 cm; Edição de 5 + 1AP
Inkjet print on cotton rag paper, 64 x 90 cm;
Edition of 5 + 1AP